Maîtres figuratifs des Amériques
Ann Norton Sculpture Garden, West Palm Beach, Florida
Pensez à l'art d'avant-garde des cent dernières années et qu'imaginez-vous ? Pensez-vous à l'art conceptuel comme celui d'Anish Kapoor ? Ou pensez-vous à l'abstraction pure comme celle de Hans Hofmann ? Une grande partie de l'art novateur du XXe et du XXIe siècle a été associée à l'art non figuratif, mais les tendances de l'histoire de l'art ont oscillé entre abstraction et figuration tandis que les artistes repoussaient les limites de ce que l'art pouvait être et posaient des questions culturelles et sociales plus profondes. Certains des artistes les plus importants comme Andy Warhol et Willem de Kooning sont célèbres pour leur contribution à l'histoire de l'art et à la culture par leurs œuvres figuratives.
Dans une collaboration entre l'Ann Norton Sculpture Garden et Heather James Fine Art, Figurative Masters of the Americas réexamine l'importance de la figuration dans l'histoire de l'art, en se concentrant sur les artistes des Amériques. Divisée en quatre sections, chaque galerie approfondit différents aspects historiques et géographiques de la figuration : l'Amérique latine, le début du XXe siècle, le milieu du XXe siècle et le Pop Art.
Heather James presents Figurative Masters of the Americas at the Ann Norton Sculpture Garden, West Palm Beach, Florida
Amérique latine
Installation view, pictured left to right, works by: Roberto Matta, Carlos Luna, Andy Warhol, Carlos Luna, Alexander Calder
La première galerie présente quelques-uns des plus grands noms de l'art latino-américain, dont Diego Rivera, Rufino Tamayo et Wifredo Lam. Ces artistes, comme beaucoup en Amérique latine, ont regardé au-delà de la représentation pour créer un art qui parlait de leur identité culturelle et de leur politique. Comme le note Rivera : « Le secret de mon meilleur travail est qu'il est mexicain. » Rivera, Tamayo et Lam ont synthétisé le modernisme émergent du début au milieu du XXe siècle avec la culture et le style artistique précolombiennes. Rivera et Tamayo se sont tournés vers l'art populaire mexicain tandis que Lam a incorporé le mysticisme afro-cubain.
Parmi les autres artistes de cette section figurent Roberto Matta, Francisco Toledo, Felipe Castañeda, Carlos Luna et Mario Carreño. Il est important de noter que si tous ces artistes repoussaient les limites de l'art figuratif, les artistes néo-concrets comme Hélio Oiticica, qui, comme leurs homologues figuratifs, exprimaient des opinions politiques à travers leur art mais par l'abstraction, travaillaient simultanément. Cette tension entre figuration et abstraction se retrouvera dans chaque galerie.
Début du XX<sup>e</sup> siècle
Installation view, pictured left to right, works by: N.C. Wyeth, Morris Louis, Manuel Neri, Maurice Askenazy
Au début des années 1900, alors que les États-Unis sortaient de leur Gilded Age, la nation se débattait avec le type de pays qu'elle était et qu'elle serait. Dans l'art de N.C. Wyeth ou de Thomas Hart Benton, nous voyons la formation d'une sorte d'identité à laquelle les États-Unis adhéreraient. Le pays est-il rural ou urbain ? Comment abordons-nous notre relation avec les Amérindiens ? Que signifie être américain ?
Nous pouvons voir chez un artiste comme Maurice Askenazy le rôle de l'immigration aux États-Unis. Né en Russie, l'artiste a contribué à promouvoir l'impressionnisme américain et californien, deux mouvements clés qui ont fait le pont entre l'art de la nation de la fin du XIXe siècle et le modernisme qui exploserait au XXe siècle.
Même les artistes qui deviendraient connus pour leur abstraction pure commenceraient par la figuration. Morris Louis s'est débattu avec la figuration en trouvant son inspiration chez les expressionnistes allemands et l'important muraliste mexicain David Alfaro Siqueiros. L'art n'existe jamais dans le vide et dépend des conversations entre artistes et entre cultures.
Milieu du XX<sup>e</sup> siècle
Installation view, pictured left to right, works by: Willem de Kooning, Roberto Matta, Carlos Luna, Andy Warhol
L'art américain du milieu du siècle est souvent défini par l'expressionnisme abstrait, mais considérer le mouvement AbEx comme une abstraction pure revient à effacer l'importance de la figuration. L'exposition comprend une peinture de la célèbre série Women de Willem de Kooning. La figuration a toujours joué un rôle important dans son processus et avec cette série, de Kooning a pu fusionner les principes et les techniques de l'expressionnisme abstrait avec les qualités psychologiques et esthétiques de la figuration.
Même pour des artistes presque exclusivement associés à l'abstraction pure, comme Alexander Calder, la figuration n'a jamais été véritablement abandonnée.
Cependant, alors que l'expressionnisme abstrait devenait la tendance dominante, les artistes ont commencé à remettre en question sa prémisse et se sont tournés vers la figuration pour comprendre et élargir les possibilités de la peinture et du tableau. Un foyer important était le mouvement Bay Area Figurative et comptait parmi ses membres Paul Wonner et Manuel Neri. Même par son emplacement à San Francisco et dans la région de la baie environnante, il défiait la domination de New York et de l'abstraction, sans compter que San Francisco avait sa propre école unique d'abstraction.
Pop Art
Installation view, pictured left to right, works by: Keith Haring, George Segal, Tom Wesselmann, Mel Ramos, Joseph Stella
L'exposition se termine par la provocation et la séduction du Pop Art. Comme l'expressionnisme abstrait et le mouvement Bay Area Figurative, le Pop Art a explosé dans le sillage de la Seconde Guerre mondiale. Contrairement à l'angoisse de l'abstraction ou au repli vers la figuration, le Pop Art a célébré, approprié et critiqué le consumérisme des années d'après-guerre. Malgré l'éclat et l'attrait de l'art, le mouvement offrait un aperçu plus profond de la psyché américaine : tout est surface et substance.
Caché sous le glamour de l'art de Warhol se trouve une distillation de la société américaine en sa consommation et ses désirs, et l'interaction entre image et illusion.
Avec George Segal, il y a le traumatisme de la Seconde Guerre mondiale et de l'Holocauste. Ses figures se dressent comme des monuments aux gens ordinaires, évoquant les émotions de la vie quotidienne. La guérison d'un traumatisme indicible commence avec le corps humain. Son œuvre influencera d'autres sculpteurs et artistes d'installation.
Émergeant dans la décennie de la cupidité et de l'opulence, l'art de Keith Haring parle plutôt d'accessibilité et d'accès à l'art pour tous. Son art de rue s'est rebellé contre le statu quo.
Parmi les autres artistes de cette section figurent James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann et Mel Ramos.
“Nous espérons que la visite de Figurative Masters of the Americas transportera non seulement le visiteur à travers le temps et l'espace, mais, plus important encore, permettra aux spectateurs de réfléchir à la condition humaine.”
Chip Tom, conservateur principal et directeur des relations muséales de Heather James