البحث

الحد الأدنى للسعر:

الحد الأقصى للسعر:

المنزل
عن
غرفة المشاهدة
الفنانين
- الفنانين
- فئات
العمل الفني
المعارض
المنشورات
تعلم
بيع
وصل حديثا
الاتصال
الاستشاريه

المنزل
عن
غرفة المشاهدة
الفنانين
- الفنانين
- فئات
العمل الفني
المعارض
المنشورات
تعلم
بيع
وصل حديثا
الاتصال
الاستشاريه

عطلة 2024: فن الإهداء

4 نوفمبر 2024 - 31 يناير 2025

ظاهري

"يكفيني من الفنان أن أعتمد على مخيلتي بحرية. الخيال أهم من المعرفة. المعرفة محدودة. الخيال يحيط بالعالم." - ألبرت أينشتاين

الأعمال الفنية نبذة عن استفسر الفنانون

العمل الفني

<br>In Diego Rivera’s portrait of Enriqueta Dávila, the artist asserts a Mexicanidad, a quality of Mexican-ness, in the work along with his strong feelings towards the sitter. Moreover, this painting is unique amongst his portraiture in its use of symbolism, giving us a strong if opaque picture of the relationship between artist and sitter.<br><br>Enriqueta, a descendent of the prominent Goldbaum family, was married to the theater entrepreneur, José María Dávila. The two were close friends with Rivera, and the artist initially requested to paint Enriqueta’s portrait. Enriqueta found the request unconventional and relented on the condition that Rivera paints her daughter, Enriqueta “Quetita”. Rivera captures the spirit of the mother through the use of duality in different sections of the painting, from the floorboards to her hands, and even the flowers. Why the split in the horizon of the floorboard? Why the prominent cross while Enriqueta’s family is Jewish? Even her pose is interesting, showcasing a woman in control of her own power, highlighted by her hand on her hip which Rivera referred to as a claw, further complicating our understanding of her stature.<br><br>This use of flowers, along with her “rebozo” or shawl, asserts a Mexican identity. Rivera was adept at including and centering flowers in his works which became a kind of signature device. The flowers show bromeliads and roselles; the former is epiphytic and the latter known as flor de jamaica and often used in hibiscus tea and aguas frescas. There is a tension then between these two flowers, emphasizing the complicated relationship between Enriqueta and Rivera. On the one hand, Rivera demonstrates both his and the sitter’s Mexican identity despite the foreign root of Enriqueta’s family but there may be more pointed meaning revealing Rivera’s feelings to the subject. The flowers, as they often do in still life paintings, may also refer to the fleeting nature of life and beauty. The portrait for her daughter shares some similarities from the use of shawl and flowers, but through simple changes in gestures and type and placement of flowers, Rivera illuminates a stronger personality in Enriqueta and a more dynamic relationship as filtered through his lens.<br><br>A closer examination of even her clothing reveals profound meaning. Instead of a dress more in line for a socialite, Rivera has Enriqueta in a regional dress from Jalisco, emphasizing both of their Mexican identities. On the other hand, her coral jewelry, repeated in the color of her shoes, hints at multiple meanings from foreignness and exoticism to protection and vitality. From Ancient Egypt to Classical Rome to today, coral has been used for jewelry and to have been believed to have properties both real and symbolic. Coral jewelry is seen in Renaissance paintings indicating the vitality and purity of woman or as a protective amulet for infants. It is also used as a reminder, when paired with the infant Jesus, of his future sacrifice. Diego’s use of coral recalls these Renaissance portraits, supported by the plain background of the painting and the ribbon indicating the maker and date similar to Old Master works.<br><br>When combined in the portrait of Enriqueta, we get a layered and tense building of symbolism. Rivera both emphasizes her Mexican identity but also her foreign roots. He symbolizes her beauty and vitality but look closely at half of her face and it is as if Rivera has painted his own features onto hers. The richness of symbolism hints at the complex relationship between artist and sitter.

دييغو ريفيرا

صورة إنريكيتا ج. دافيلا

79 1/8 × 48 3/8 بوصة.

النفط على قماش

التوقيع: 1

السعر متاح عند الطلب

Led by a triumvirate of painters of the American Scene, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, and Grant Wood took on the task of exploring, defining, and celebrating the Midwest as a credible entity within the geographical, political, and mythological landscape of the United States. Their populist works were figurative and narrative-driven, and they gained widespread popularity among a Depression-weary American public. The landscapes Grant Wood painted, and the lithographs marketed by Associated American Artists were comforting reminders of traditional Midwestern values and the simplicity of country life. Yet, Wood's most iconic works, including American Gothic, were to be viewed through the lens of elusive narratives and witty ironies that reflect an artist who delighted in sharing his charming and humorous perspective on farm life. <br><br>In 1930, Wood achieved national fame and recognition with American Gothic, a fictionalized depiction of his sister, Nan, and his family dentist. Frequently regarded as the most famous American painting of the twentieth century, to fully grasp American Gothic's essential nature, one must recognize Wood's profound connection to his Iowan roots, a bond that borders on a singular fixation and the often-brutal confrontation between the moral and cultural rigidity of Midwest isolationism and the standards that prevailed elsewhere in America. This war of values and morality became dominant throughout Wood's oeuvre. Their fascination with American Gothic may have mystified the public, but the story, told in the attitude of a farmer and his wife, is as lean and brittle as the pitchfork he carries. Their attitude, as defiant as it is confrontational, is an unflinching dare to uppity gallery-goers to judge their immaculate well-scrubbed farm. American Gothic became an overnight sensation, an ambiguous national icon often interpreted as a self-effacing parody of midwestern life. Yet it also served as an unflinching mirror to urban elite attitudes and their often-derisive view of heartland values and way of life. In Grant Wood's hands, the people of the Midwest have stiffened and soured, their rectitude implacable.<br> <br>Portrait of Nan is Grant Wood's most intimate work. He may have been motivated to paint it to make amends for the significant scrutiny and harsh treatment his sister received as American Gothic's sternly posed female. Grant poured his heart into it as a sign of sibling love. Intent upon painting her as straightforward and simply as possible so as not to invite unintended interpretations, Wood's deep attachment to the portrait was significant enough for him to think of it as having irreplaceable value. When he moved from Cedar Rapids to Iowa City in 1935, he designed his entire living room around the work. It occupied the place of honor above the fireplace and was the only painting he refused to sell. <br> <br>The lithograph July Fifteenth, issued in 1938, proves his mystical vision of the Iowan heartland is anything but a pitchfork approach. Drawings assumed central importance in Wood's output, and this work is executed in meticulous detail, proving his drawings were at least as complex, if not more so, than his paintings. The surface of the present work takes on an elaborate, decorative rhythm, echoed throughout the land that is soft, verdant, and fertile. Structurally, it alludes in equal measure to the geometry of modern art and the decorative patterning of folk-art traditions. This is a magical place, a fulsome display of an idealized version of an eternal, lovely, and benign heartland. <br><br>The Young Artist, an en plein air sketch, may have been produced during, or slightly after, what Wood called his "palette-knife stage" that consumed him in 1925. Having not yet traveled to Munich where, in 1928, he worked on a stain-glass window commission and came under the influence of the Northern Renaissance painters that sparked his interest in the compositional severity and detailed technique associated with his mature works, here, he worked quickly, and decisively. The view is from a hilltop at Kenwood Park that overlooks the Cedar River Valley near Cedar Rapids, where he built a house for his sister, Nan.

جرانت وود

صورة نان

35 1/2 35 × 29 1/2 29 1/2 بوصة

النفط على الماسونية

السعر متاح عند الطلب

WILLEM دي كونينغ -- امرأة في زورق التجديف -- النفط على الورق وضعت على الماسونية -- 47 1 /2 × 36 1 / 4 في.

ويليم دي كونينغ

امرأة في زورق رو

47 1/2 × 36 1/4 في.

النفط على الورق وضعت على الماسونية

التوقيع: 1

السعر متاح عند الطلب

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

ألكسندر كالدر

مقدمة للرجل الآكل

59 × 42 × 18 بوصة.

الصفائح المعدنية والأسلاك والطلاء

السعر متاح عند الطلب

<div>Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br><br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.</div>

توم ويسلمان

مدخن رقم 21

74 1/2 × 67 1/2 بوصة.

زيت على قماش على شكل

التوقيع: 8

السعر متاح عند الطلب

<div><font face=Lato size=3 color=black>From the earliest days of painting during the nineteenth century, which was precipitated by the advent of Impressionism, Renoir established a reputation as the finest portrait painter among the emerging landscapists. Works such as Lise with a Parasol (1867) demonstrated his ability to capture the essence of his subjects with a distinctive flair, setting him apart from his peers. Inspired by a transformative trip to Italy in 1882, Renoir shifted his approach, emphasizing modeling and contours with smooth, blended handling, integrating a new found rigor and clarity reminiscent of the old masters. Often referred to as Renoir’s “Ingres period,” he retained the reputation of the painter best suited to manage the traditional process of recording a sitter's likeness with the distinctive flair and vibrancy of an Impressionist. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>By 1890, Renoir’s style evolved again. He thinned his pigments to achieve a jewel-like translucence, infusing his works with a tender, ethereal quality. This final phase reflects the physical limitations of encroaching rheumatoid arthritis but also a deeper, more reflective approach to his subjects, capturing their inner light and character with subtle, luminous strokes. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>No longer obliged to rely upon society portrait commissions, by 1900, Renoir began to focus on portraits and studies of family, close friends, and neighbors. “Fillette à l’orange”, painted in 1911, extends our appreciation of his very personal, intimate style and reputation for imbuing his portraits of children with all the affectionate charm he could muster. It avoids the softer, generalized approach that prompted his son Jean’s remark that “we are all Renoir’s children, ”idealized versions of beauty and sensuality expressed in universal rather than with physiognomic specifics. We may never know her identity, but her likeness is vivid because Renoir concentrates on her face and expression. Nevertheless, the interplay of light and color highlights her features and brings to life the tender and affectionate nature characteristic of Renoir’s later portraits. An orange as an accessory is often included in portraiture as a symbol of fertility. Yet, here, it seems to serve as a formal element for the artist to demonstrate his skill at displaying its size, shape, and heft in this young girl's hand.</font></div>

بيير أوغست رينوار

فيليه البرتقال

25 3/4 × 21 3/8 بوصة

النفط على قماش

التوقيع: 1

السعر متاح عند الطلب

In 1955, Sir John Rothenstein, representing the Trustees of the Tate Museum, approached Winston Churchill about donating one of his paintings "as a gift to the nation." Churchill was flattered, but felt he did not deserve such an honor as an artist. Eventually, Churchill agreed and sent two candidate paintings to the Tate – On the Rance and Loup River. No record exists regarding his own thoughts on the works he submitted, but one can safely say that Churchill thought highly of On the Rance, especially since it was not one of the paintings Rothenstein identified as a strong option. Loup River, which clearly matched Rothenstein's taste, was selected. Not only was On the Rance not returned, but somehow it ended up, without any inventory record, in a basement storeroom at the Tate. In the storeroom it sat for almost a half century, when it was discovered by an intern. The Churchill family was notified and eventually the painting was auctioned in June 2005, where it set a new auction record for Churchill's work, despite the lot notes hardly touching on the Tate’s possible acquisition. In a letter to the buyers, Churchill’s daughter, Lady Soames, summarized what had occurred in somewhat more detail.<br><br>St. Malo is a walled city in Brittany, France on the coast of the English Channel. The city was nearly destroyed by bombings during WWII.

السير ونستون تشرشل

على نهر رانس، بالقرب من سانت مالو (C520)

النفط على قماش

التوقيع: 2

السعر متاح عند الطلب

خلال أوائل سبعينيات القرن التاسع عشر ، رسم وينسلو هومر في كثير من الأحيان مشاهد من البلاد التي تعيش بالقرب من قرية صغيرة تشتهر لأجيال لمواقفها الرائعة من القمح ، وتقع بين نهر هدسون وكاتسكيلز في ولاية نيويورك. يشتهر هيرلي اليوم بإلهام أحد أعظم أعمال هوميروس ، Snap the Whip الذي رسمه صيف عام 1872. من بين العديد من اللوحات الأخرى المستوحاة من المنطقة ، فإن Girl Standing in the Wheatfield غنية بالمشاعر ، ولكنها ليست عاطفية للغاية. يتعلق الأمر مباشرة بدراسة رسمت عام 1866 في فرنسا بعنوان ، في حقول القمح ، وأخرى رسمت في العام التالي بعد عودته إلى أمريكا. لكن هوميروس كان بلا شك أكثر فخرا بهذا. إنها صورة ، ودراسة أزياء ، ولوحة من النوع في التقليد العظيم للرسم الرعوي الأوروبي ، وجولة ذات إضاءة خلفية دراماتيكية ، وجولة في الغلاف الجوي غارقة في ضوء الساعة الكئيب الذي يتلاشى بسرعة والمدعوم بنوتات لامب ومنمقة ولمسات سنبلة القمح. في عام 1874 ، أرسل هوميروس أربع لوحات إلى معرض الأكاديمية الوطنية للتصميم. واحد كان بعنوان "فتاة". قد لا يكون هذا؟

وينسلو هومر

في حقل القمح (فتاة تقف في حقل قمح)

21 3/4 × 13 1/2 بوصة.

النفط على قماش

التوقيع: 1

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

شون سكولي

رمادي أحمر

85 × 75 بوصة.

النفط على الألومنيوم

التوقيع: 4

لا يمكن احتواء عالم مارك شاغال أو تقييده بالتسميات التي نعلقها عليه. إنه عالم من الصور والمعاني التي تشكل خطابها الصوفي الرائع. بدأ Les Mariés sous le baldaquin (العروس والعريس تحت المظلة) مع دخول الفنان عامه ال 90 ، وهو رجل عرف المأساة والصراع ، لكنه لم ينس أبدا لحظات الحياة من المتعة الحماسية. هنا ، يتم إحضار المسرات الحالمة لحفل زفاف القرية الروسية بترتيباته من الحاضرين البالية إلينا بمثل هذا الذكاء السعيد والبراءة المبهجة التي لا تقاوم سحرها. باستخدام مستحلب ذهبي اللون يجمع بين الزيت والغواش المائي غير الشفاف ، يتم تغليف الدفء والسعادة والتفاؤل لوضعية شاغال المعتادة في إشراق مضيء يشير إلى تأثير الرموز الدينية ذات الأوراق الذهبية أو لوحة عصر النهضة المبكرة التي سعت إلى نقل انطباع النور الإلهي أو التنوير الروحي. قد يكون استخدام مزيج من الزيت والغواش أمرا صعبا. ولكن هنا ، في Les Mariés sous le baldaquin ، يوظفها شاغال لإعطاء المشهد جودة من عالم آخر ، كما لو أنه قد تحقق للتو من عين عقله. تخلق حساسيتها التركيبية انطباعا بأن الضوء ينبعث من العمل نفسه ويعطي جودة طيفية للشخصيات التي تطفو في السماء.

مارك شاغال

Les mariés sous le baldaquin

23 1/2 × 31 7/8 بوصة.

زيت وغواش على قماش

التوقيع: 2

<div>Still lifes like<em> Oranges and Lemons (C 455) </em>give us an insight to the rich and colorful life of Churchill, just as his landscapes and seascapes do. Churchill painted <em>Oranges and Lemons</em> at La Pausa. Churchill would often frequent La Pausa as the guest of his literary agent, Emery Reves and his wife, Wendy.  Reves purchased the home from Coco Chanel.  While other members of the Churchill family did not share his enthusiasm, Churchill and his daughter Sarah loved the place, which Churchill affectionately called “LaPausaland”.  To avoid painting outside on a chilly January morning, Wendy Reves arranged the fruit for Churchill to paint. Surrounded by the Reves’s superb collection of Impressionist and Post-Impressionist works, including a number of paintings by Paul Cézanne, Oranges and Lemons illuminates Churchill’s relationships and the influence of Cézanne, who he admired. The painting, like Churchill, has lived a colorful life, exhibited at both the 1959 Royal Academy of Art exhibition of his paintings and the 1965 New York World’s Fair.</div>

السير ونستون تشرشل

البرتقال والليمون (C455)

النفط على قماش

بيير بونارد - أريكة سولاي - زيت على قماش - 14 1/2 × 22 1/2 بوصة.

بيير بونارد

سولاي كوشانت

14 1/2 × 22 1/2 بوصة

النفط على قماش

التوقيع: 1

DAMIEN HIRST - أفكار منسية - فراشات وملمع منزلي على قماش - 48 × 48 بوصة.

داميان هيرست

أفكار منسية

الفراشات واللمعان المنزلي على قماش

التوقيع: 4

هانز هوفمان - أغنية الحب - لوحة زيتية على قماش - 36 1/4 × 48 1/4 بوصة.

هانز هوفمان

أغنية الحب

36 1/4 36 × 48 1/4 بوصة

النفط على قماش

التوقيع: 2

ريتشارد سيرا - كيب بريتون أفقية معكوسة رقم 16 - طباعة ليثوغرافية على ورقتين من الورق المصنوع يدوياً - 19 3/4 × 55 7/8 بوصة.

ريتشارد سيرا

انعكاس أفقي كيب بريتون رقم 16

19 3/4 × 55 7/8 بوصة

رسم حراري على ورقتين من الورق المصنوع يدوياً

JOHN CHAMBERLAIN - ASARABACA - رقائق ألومنيوم صناعية الوزن مع طلاء أكريليك وراتنج بوليستر - 20 × 23 × 22 بوصة.

جون تشامبرلين

أساراباكا

20 × 23 × 22 بوصة

رقائق الألومنيوم ذات الوزن الصناعي مع طلاء الأكريليك وراتنج البوليستر

التوقيع: 3

تستحضر سلسلة "أوشن بارك" لديبنكورن التوازن الدقيق بين الضوء واللون الذي يتميز به الفنان وتكوينه المدروس والتكامل الدقيق لعناصر المناظر الطبيعية، وكلها تحاكي الأجواء الساحلية في الاستوديو الخاص به في سانتا مونيكا. في أوائل التسعينيات، أعاد ديبنكورن النظر في الموضوعات والحساسيات الجمالية لسلسلة "حديقة المحيط" من خلال الاستفادة من تقنيات الطباعة المختلفة لتوسيع نطاق استكشافه للغة التجريدية التي طورها في لوحاته. وتجسد لوحة "الأخضر العالي، الإصدار الأول" هذا المسعى، حيث تشير إلى الاستراتيجيات التركيبية واللوحة الفنية والاهتمامات المكانية التي تحدد سلسلة "حديقة المحيط" مع عرض الإمكانيات الفريدة للطباعة لإعادة تفسير هذه العناصر.

ريتشارد ديبينكورن

أخضر مرتفع ، الإصدار الأول

41 × 24 بوصة.

التوقيع: 2

الإصدار: 46/65

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Donald Judd's role in defining the Minimalist movement is pivotal. He rejected traditional modes of representation, favoring the creation of objects that challenge viewers to find beauty in simplicity and the precision of industrial materials. Judd transformed the landscape of modern art with forms that are clean, unembellished, and elegant in their simplicity.<em> "Untitled"</em> exemplifies this minimalist approach, where form, material, and longevity are the primary focus.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>In the context of Judd's oeuvre, the anodized aluminum surface of <em>"Untitled"</em> allows for a smooth, consistent finish that enhances the minimalist aesthetic by highlighting pure form and material, free from the distractions of imperfections or the need for additional surface treatments like paint. More significantly, an anodized surface is corrosion-resistant, underscoring that Judd is not merely creating art for the present moment but crafting pieces intended to endure indefinitely, preserving their pristine, minimalist aesthetic for posterity. Created in an edition of 12 and measuring 41.5 inches in length, with a depth and height of 6.25 inches, <em>"Untitled" </em>exemplifies this meticulous approach, showcasing the industrial aesthetic that Judd so effectively brought into the realm of fine art. Its clean, unembellished form emphasizes the importance of material and the geometric purity that Judd sought to achieve.</font></div>

دونالد جود

5 7/8/5 × 41 3/8/41 × 7/8/5 بوصة

الألومنيوم المؤكسد المبثوق

التوقيع: 13

الإصدار: 12/12

أندي وارهول هو مرادف للفن الأمريكي في النصف الثاني من القرن 20th ومعروف لصوره الشهيرة والمنتجات الاستهلاكية، ومزج الثقافة الشعبية والفنون الجميلة، وإعادة تعريف ما يمكن أن يكون الفن وكيف نتعامل مع الفن. في حين أن العديد من أعمال وارهول قد لا تمثل أفرادا مشهورين ، فإن تصويره للأشياء غير الحية يرفع مواضيعه إلى مستوى من الشهرة. صور وارهول الأحذية لأول مرة في وقت مبكر من حياته المهنية عندما عمل كرسام أزياء وعاد إلى الموضوع في 1980s ، وجمع بين سحره مع النزعة الاستهلاكية والتألق. مع رغبته المستمرة في دمج الثقافة العالية والمنخفضة ، اختار وارهول تسليط الضوء على شيء منتشر في كل مكان مثل الأحذية. يمكن أن يشير الموضوع إلى الفقر أو الثروة أو الوظيفة أو الموضة. يسحر وارهول كومة الأحذية، ويغطيها بطبقة من غبار الماس اللامع، مما يزيد من طمس المعنى بين الحاجة النفعية وقطعة البيان المنمقة.

أندي وارهول

أحذية الغبار الماسي (أبيض وأسود)

40 × 59 1/2 في.

طباعة الشاشة مع غبار الماس

التوقيع: 4

الطبعة: 18/60

KEITH HARING - بدون عنوان (تمثال يتوازن على كلب) - ألومنيوم - 35 1/2 × 25 × 29 بوصة.

كيث هارينغ

بدون عنوان (شخصية تتوازن على كلب)

35 1/2 35 × 25 × 25 × 29 بوصة

الألومنيوم

الإصدار: 1/7

<div><font face=Aptos size=3 color=black>Born in 1881, the same year as fellow Spaniard Pablo Picasso, María Blanchard carved her distinct path within modernist art, blending Cubist influences with emotional depth. <em>"La Comida" </em>demonstrates Blanchard's evolution towards a more figurative style while retaining explicit Cubist references. This shift aligns her work with the “<em>Retour à l'ordre”</em> movement, a tendency many fellow artists embraced at the time. Thematically, “<em>La  Comida</em>” recalls van Gogh's early works, particularly "<em>The Potato Eaters</em>" (1885), in both palette and subject matter. Like van Gogh, Blanchard draws attention to the simplicity of rural life, using muted tones of browns, reds, and ochres to convey the grounded, almost austere nature of the figures around the table.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Aptos size=3 color=black>Blanchard’s work after 1921 progressively bridged the gap between the rigid forms of early Cubism and a more emotive, personal representation of her subjects. Geometric rigors are present, but the scene's naturalistic light and volumetric composition echo Cézanne's influence. The sharp brushstrokes and angular figures evoke a sense of protection, reflecting Blanchard's intention to shield the inner spirit of her characters from the gaze of others. Yet, her sensitive portrayal invites viewers to connect emotionally with her work, engendering a sense of intimacy and quiet communion. Despite the somber palette, there is a subtle warmth, with the figures' inner spirit shielded from judgment, much like those in van Gogh's painting. Yet in synthesizing elements of Cubism, Blanchard added emotional complexity to the rural themes van Gogh explored, making her contribution distinct yet reflective of earlier artistic traditions.</font></div>

ماريا بلانشارد

لا كوميدا

21 1/2 21 × 28 3/4 بوصة

النفط على قماش

التوقيع: 3

أليكس كاتز - بيتر - زيت على لوح ماسونيت - 15 7/8 × 7 1/8 بوصة.

أليكس كاتز

15 7/8 × 7 1/8 بوصة.

زيت على لوح الماسونيت

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

سانكاي المزجج روح الأرض

سلالة تانغ (618-

47 1/4 × 14 × 14 في.

الفخار المزجج

التوقيع: 3

JESSIE ARMS BOTKE - طاووسان أبيضان - لوحة زيتية على لوح - 29 1/4 × 24 1/2 بوصة.

جيسي الاسلحه BOTKE

طاووسان أبيضان

29 1/4 29 × 24 1/2 24 بوصة

النفط على متن الطائرة

التوقيع: 2

JESSIE ARMS BOTKE - طاووسان أبيضان - لوحة زيتية على لوح - 29 1/4 × 24 1/2 بوصة.

جيسي الاسلحه BOTKE

طاووسان أبيضان

29 1/4 29 × 24 1/2 24 بوصة

النفط على متن الطائرة

التوقيع: 2

مارك كوين - Lovebomb - صفح الصورة على الألومنيوم - 108 1/4 × 71 3/4 × 37 3/4 بوصة.

مارك كوين

108 1/4 × 71 3/4 × 37 3/4 بوصة

صفح الصورة على الألومنيوم

الطبعة: 1/3

ANSEL ADAMS - القمر ونصف القبة، يوسمايت، كاليفورنيا - طباعة جيلاتينية فضية - مقاس 19 × 14 1/2 بوصة.

أنسل آدامز

القمر ونصف القبة، يوسمايت، كاليفورنيا

1960، طُبع 1970

19 × 14 1/2 14 بوصة

الفضة الجيلاتين الطباعة

التوقيع: 2

<div><font face=Calibri size=3 color=black>In 1853, a twenty-three-year-old Bierstadt commenced study at the Düsseldorf Academy, the school primarily responsible for shaping the technical precision and atmospheric depth of the preeminent American landscape painters of the second half of the 19th century. Four years later, in the company of fellow artist Sanford Robinson Gifford, he painted <em>“Capri.”</em> Inscribed with the title and dated “June 11, 1857,” it is a striking example of the young artist’s early mastery, painted just two years before his watershed campaign in 1859 in the company of Frederick W. Lander, a land surveyor for the United States government. It is a fully realized study emphasizing the precision, detailed observation, and careful glazing technique indicative of the academic tradition of gradually building up the surface. He would begin with a detailed drawing, followed by monochromatic underpainting and successive layers of thin, transparent color glazes that achieve depth and luminosity in the translucent hues of the seawater rarely matched in the annals of landscape painting. <em>“Capri”</em> is a lovely achievement that foreshadows the drama and grandeur that would define Bierstadt’s later work, illustrating how his time in Italy helped shape his approach to landscape painting.</font></div>

ألبرت بيرشتات

19 × 12 بوصة.

زيت على ورق موضوع على لوحة

التوقيع: 1

MARY ABBOTT - بدون عنوان - زيت وعصا زيتية على ورق مثبت على قماش - 23 × 29 بوصة.

ماري أبوت

عصا زيتية وزيتية على ورق مثبتة على قماش قماشي

التوقيع: 2

فيونا RAE - بدون عنوان (أصفر، أحمر + بني) - زيت على قماش - 72 × 78 في.

فيونا راي

بدون عنوان (أصفر، أحمر + بني)

النفط على قماش

التوقيع: 4

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

سانكاي المزجج روح الأرض

سلالة تانغ

الارتفاع: 44 في.

الفخار المزجج

التوقيع: 3

يحتل كارل بنيامين وأقرانه لورسر فيتلسون وفريدريك هامرسلي وجون ماكلولين مكانة مميزة في تاريخ الفن التجريدي الأمريكي. يشتهرون بأشكالهم الهندسية الدقيقة وحوافهم النظيفة التي تؤكد على التسطيح ، وهم رسامو كاليفورنيا الذين ظهروا في أواخر خمسينيات القرن العشرين. على عكس Ellsworth Kelly ، على سبيل المثال ، يعكس عملهم سطوعا ووضوحا ولوحة تشير إلى البيئة الطبيعية والمبنية في كاليفورنيا بدلا من التأثيرات الحضرية والصناعية التي يشعر بها الساحل الشرقي. علاوة على ذلك ، مقارنة بالمشهد الفني التنافسي على الساحل الشرقي ، كانت مجموعة كاليفورنيا مجتمعا صغيرا نسبيا ومتماسكا من الفنانين الذين لديهم شعور بالتعاون والاستكشاف المشترك الذي ساهم في حركة متماسكة ذات هوية مميزة.

كارل بنجامين

النفط على قماش

التوقيع: 4

خمر - جذع ذكر - حجر رملي - 24 × 9 × 5 بوصة

جذع الذكر

القرن الحادي عشر

24 × 9 × 9 × 5 بوصة

الحجر الرملي

التوقيع: 3

Born in Onomichi in Hiroshima Prefecture, Teraoka studied at what is now Otis College of Art and Design in Los Angeles. His works are inspired by Japanese Ukiyo-e woodcut prints. However, Teraoaka infuses the style and techniques of the traditional art with American Pop Art. The mass-produced nature of Japanese woodcut prints alligns with the obsession with mass production and consumption of Pop Art. Additionally, Ukiyo, meaning “the floating world” in Edo period Japan reflected the transitory nature of Kabuki theater and pleasure houses. This transitory sense of consumerism and pleasure was also evoked in the works by Pop Artists. Teraoka’s works are a collision of two cultures and histories of art finding affinities through similar themes.<br><br>Teraoka’s pieces blend humor and social commentary. He has often touched upon subjects as diverse and urgent as the AIDs crises, consumerism, the attacks on September 11th, and more. Teraoka notes of his own work, “Integrating reality with fantasy, humor with commentary, and history with the present became my challenge.”<br><br>Works by Teraoka can be found in the Tate Modern, the Metropolitan Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, the Smithsonian, the Los Angeles County Museum of Art, the Walker Art Center, and more.

ماسامي تيراوكا

سلسلة الأمواج / امرأة موشومة على شاطئ الغروب

14 7/8 × 10 بوصة

الألوان المائية على الورق

ويليام ويندت - المناظر الطبيعية كاليفورنيا - زيت على قماش - 23 1/2 × 31 3/4 بوصة.

ويليام ويندت

كاليفورنيا المناظر الطبيعية

23 1/2 × 31 3/4 بوصة

النفط على قماش

التوقيع: 1

مارلين مينتر - بعد ساعات - طباعة كروموجينية - 85 1/2 × 55 3/4 بوصة.

مارلين مينتر

بعد ساعات العمل

85 1/2 × 55 3/4 بوصة.

طباعة كروموجينيك

الطبعة: 1/3

Robert Rauschenberg, along with Jasper Johns, Andy Warhol, and Roy Lichtenstein, started the revolution of Pop Art in the 1960s. Rauschenberg's later career was a time for the artist to work on experimental and innovative projects, including the 1993 "Prime Pump from ROCI USA (Wax Fire Works Series)." This series comes from the artist's philanthropic project, "ROCI USA," demonstrating "Rauschenberg's belief in the power of art as a catalyst for positive social change." The reference to "wax fire" in the title is Rauschenberg's term for encaustic - hot wax with colored pigments - which he used in other works from the series. <br><br>Executed in a small edition of just 17 examples, this piece incorporates printmaking, a medium to which he often returned to explore new modes for layering imagery. Rauschenberg worked on editions since the early 1960s when he was a fixture at the ULAE and Gemini G.E.L. printshops. Rauschenberg's printmaking and editioned works were an extension of the creative act for the artist; he could achieve sculptural and 3D effects through his editions.

روبرت راوشينبيرغ

رئيس مضخة من ROCI الولايات المتحدة الأمريكية (الشمع سلسلة أعمال الحريق)

63 1/2 X 44 1/4 IN.

لون الشاشة على الورق وليكسان

التوقيع: 1

الطبعة : 6 /17

ولد توماس نزوكوفسكي في عام 1944، وأنشأ لوحات صغيرة غنية الثراء تعكس التأثيرات الثنائية لدعاة التعبير التجريديين ولاجئي باوهاوس الذين درس معهم في اتحاد كوبر. باستخدام فرشاة صغيرة ، ويشمل التعامل معه كشط وفرك قبالة الطلاء بطرق تسجيل في العمل النهائي. طور مفردات مميزة واسعة النطاق تنشر أشكالًا هندسية تشبه الأشكال الحيوية في أنظمة ألوان متنوعة ومجموعة واسعة من الجمعيات: أرضيات البلاط ، إلى مجموعات الخلايا ، إلى الهندسة المعمارية والفضاء الخارجي. في كثير من الأحيان ، يتم تقطيرها من ذكرياته وتجاربه الخاصة. نوزكوفسكي على هذه اللوحة المحددة (بدون عنوان، 1994) قائلاً إنها تعكس انبهاره بالمشاهد الأسطورية المرسومة على لوحات الصدر الكاسونية الناطورة في عصر النهضة. وقال انه نطق أفضل واحد من ثلاثة أو أربعة 15 "× 30" لوحات من هذه السلسلة. تم التعامل مع Nozkowski لسنوات عديدة من قبل معرض بيس. توفي في عام 2019.

توماس نزوكوسكي

النفط على الكتان على لوحة

التوقيع: 4

Cylindrical offering posts, ai tos, are erected as offerings to distant ancestors. This post has two faces and represents the first ancestral pair. The people of Belu, also called Tetum, recognize three types of offering pole; ai tos, for distant progenitors, sometimes described as gods; foho, for intermediary beings; and lor, for the recently deported.<br><br>Many offerings are brought to the ai tos. When a carving is first finished, rice and a pig are sacrificed. Later, to inaugurate the post there are massive offerings from the village. At regular intervals the post is dressed in fine clothing, even an artificial beard, and food is brought to the ancestor, bei.

إندونيسي

عرض ما بعد- آيتوس

43 1/2 43 × 11 × 11 × 12 بوصة

التوقيع: 3

This well preserved bell is one of the largest known bronzes from the Southeast Asian Bronze Age, generally named after the Dongson site in North Vietnam. The swirling band design is finely and crisply cast. Dongson bronze drums were also reported in South China, Thailand, Laos, West Malaysia, and Indonesia and as Far East as Western Iranian Java. <br><br>The Dong Son culture is a Bronze age culture including all of southeast Asia and into the Indo-Malaya Archipelago from about 1000 to 1 BC. Centered on the Red River Valley of Vietnam, the Dong Son were sophisticated agriculturalists, raising rice and buffalo. Dong Son probably arose from local Neolithic cultures, such as Phung Nguyen and Dong Dau phases. Dong Son is identified with the Van Lang ruling dynasty, the first ruling dynasty of Vietnam. By the second century BC, impacts from the Han Dynasty in China were being felt and according to historic records, the Dong Son were absorbed into the Han Dynasty territory.

جنوب شرق آسيا

الجرس التايلاندي

دونغسون الثقافة (1

22 1/2 × 12 × 10 في.

البرونزيه

التوقيع: 3

روبرتو ماتا -- L'epreuve -- النفط على قماش -- 29 1 / 2 × 25 1 / 2 في.

روبرتو ماتا

29 1/2 × 25 1/2 في.

النفط على قماش

التوقيع: 2

الخمير-رئيس Avalokiteshvara-الحجر الرملي الرمادي-13 × 7 × 7 في.

رئيس أفالوكيتشفارا

الخمير، 12-13 ج

13 × 7 × 7 في.

الحجر الرملي الرمادي

التوقيع: 3

إيموجين كننغهام - السرير غير المصنوع - طباعة جيلاتينية فضية - 10 1/4 × 13 1/2 بوصة.

إيموجين كننغهام

السرير غير المصنوع

10 1/4 × 13 1/2 بوصة.

الفضة الجيلاتين الطباعة

التوقيع: 2

صيني - سانكاي - سانكاي - فخار مزجج رسمي - فخار مزجج - الارتفاع: 34 بوصة.

مسؤول سانكاي المزجج المزجج

تانج ديانستي (618--

الارتفاع: 34 بوصة.

الفخار المزجج

التوقيع: 3

هينري ماتيس - أنثى عارية واقفة - فحم على ورق - 13 1/2 × 9 بوصة.

هنري ماتيس

أنثى عارية واقفة

13 1/2 13 × 9 بوصة

الفحم على الورق

التوقيع: 2

صيني - جمل - فخار فخاري مطلي - 11 × 22 × 10 بوصة.

سلالة تانغ (618-

11 × 22 × 10 بوصة × 22 × 10 بوصة

فخاريات فخارية مطلية بالألوان

التوقيع: 3

Provenance: <br>Heather James, CA<br>Private collection, NV (acquired from above May, 2000)

لينغبي - صخرة عالم الحفرة الواحدة

أواخر عهد أسرة تشينغ الحاكمة

41 1/4 41 × 14 × 14 × 13 بوصة

حجر على قاعدة خشبية

التوقيع: 3

كينيث نولو-قطري الشريط VI-21-الورق المصنوع يدويا-48 x 33 1/2 في.

كينيث نولاند

قطري الشريط السادس-21

48 × 33 1/2 في.

الموردين ورقة

التوقيع: 2

بول جينكينز - شلالات موكب الظواهر - ألوان مائية على ورق - 41 3/4 × 30 بوصة.

بول جنكينز

ظواهر موكب السقوط

41 3/4 × 30 في.

الألوان المائية على الورق

التوقيع: 2

<div><font face=Calibri size=3 color=black>We remember Francoise Gilot for her indomitable spirit and resilience, the only woman with the courage and determination to leave Pablo Picasso. Yet, apart from her association with Picasso, her vision as an artist will ultimately place her work within a suitable twentieth-century art context. Her figurative treatments, embracing subtle tonal harmonies interlaced with an organic interplay of shapes, stand on their merits. “<em>My Children in Brittany II</em>,” a lithograph from 1974, is a charming portrait of her three children, Claude, Paloma, and Aurelia. It demonstrates her ability to synthesize yet transcend her influences and craft a narrative uniquely responsive to family, motherhood, and life.  </font></div>

فرانسواز جيلوت

أولادي في بريتاني II

حجم الصورة: 26 × 19/5/8 بوصة. حجم الطباعة: 29.75 × 21.75 بوصة

لون المطبوعة الحجرية

التوقيع: 2

الإصدار: AP (بخلاف 50 انطباعاً)

ANDY WARHOL - جسر وأفق - طباعة الجيلاتين الفضية - 8 × 10 في.

أندي وارهول

الجسر و الأفق

الفضة الجيلاتين الطباعة

التوقيع: 3

نورمان روكويل-الناقد الفن-النمط علي الورق-30 1/2 x 27 1/2

نورمان روكويل

الناقد الفني

30 1/2 x 27 1/2

نوع الكولوتايب على الورق

التوقيع: 2

الطبعة: AP

"نحن مدينون بشيء للإسراف ، لأن التوفير والمغامرة نادرا ما يسيران جنبا إلى جنب." - السيدة راندولف تشرشل ، والدة ونستون تشرشل

عن

استمتع بعطلة متألقة مع أعمال فنية مبهرة لأكبر الأسماء في التاريخ. تصفح كتالوج هدايا العطلات الخاص بنا لأعمال مونيه ورينوار وشاجال وباسكيات ووارهول وغيرهم. سواءً لنفسك أو لأحد أحبائك، ستجد أعمالاً فنية تناسب أي مجموعة فنية ولأي ميزانية.

لقد قمنا بتنسيق بعض القطع المفضلة لدينا لكل ميزانية. مزيج مبهج من اللوحات الفريدة، والأعمال الفريدة من نوعها على الورق، والمطبوعات محدودة الإصدار، ستجد وفرة من الإمكانيات التي يمكن أن تقدمها لنفسك أو لأحد أحبائك.

تقديم هدية الفن يعني مشاركة قطعة من التاريخ وإبداع الإنجاز الإنساني ومفاجأة مرحب بها.

لا يمكنك العثور على ما تبحث عنه؟ اتصل بنا وسيسعدنا مساعدتك في العثور على القطعة المناسبة.

"رئيس الوزراء البريطاني ونستون تشرشل يتحدث مع الرئيس فرانكلين دي روزفلت بعد وصولهما لحضور مؤتمر يالطا" ، الأرشيف الوطني ، مجموعة HST-PHC: مجموعة الصور ، NAID 350297201

"رئيس الوزراء البريطاني ونستون تشرشل يتحدث مع الرئيس فرانكلين دي روزفلت بعد وصولهما لحضور مؤتمر يالطا" ، الأرشيف الوطني ، مجموعة HST-PHC: مجموعة الصور ، NAID 350297201

"السير ونستون ليونارد سبنسر تشرشل ، 1874-1965" ، مكتبة الكونغرس ، مطبوعات

"السير ونستون ليونارد سبنسر تشرشل ، 1874-1965" ، مكتبة الكونغرس ، قسم المطبوعات والصور الفوتوغرافية ، LC-USZ62-49656

"ونستون تشرشل" ، الأرشيف الوطني ، NAID 213259596

"ونستون تشرشل" ، الأرشيف الوطني ، NAID 213259596

الاستفسار

اتصل بنا

اسم *

الاهتمام بالفن *

البريد الالكتروني *

رقم الهاتف

رساله *

كابتشا

إذا كنت إنساناً، اترك هذا الحقل فارغاً.

الفنانين

MARY ABBOTT - بدون عنوان - زيت وعصا زيتية على ورق مثبت على قماش - 23 × 29 بوصة.

ماري أبوت

ANSEL ADAMS - القمر ونصف القبة، يوسمايت، كاليفورنيا - طباعة جيلاتينية فضية - مقاس 19 × 14 1/2 بوصة.

أنسل آدامز

يحتل كارل بنيامين وأقرانه لورسر فيتلسون وفريدريك هامرسلي وجون ماكلولين مكانة مميزة في تاريخ الفن التجريدي الأمريكي. يشتهرون بأشكالهم الهندسية الدقيقة وحوافهم النظيفة التي تؤكد على التسطيح ، وهم رسامو كاليفورنيا الذين ظهروا في أواخر خمسينيات القرن العشرين. على عكس Ellsworth Kelly ، على سبيل المثال ، يعكس عملهم سطوعا ووضوحا ولوحة تشير إلى البيئة الطبيعية والمبنية في كاليفورنيا بدلا من التأثيرات الحضرية والصناعية التي يشعر بها الساحل الشرقي. علاوة على ذلك ، مقارنة بالمشهد الفني التنافسي على الساحل الشرقي ، كانت مجموعة كاليفورنيا مجتمعا صغيرا نسبيا ومتماسكا من الفنانين الذين لديهم شعور بالتعاون والاستكشاف المشترك الذي ساهم في حركة متماسكة ذات هوية مميزة.

كارل بنيامين

<div><font face=Calibri size=3 color=black>In 1853, a twenty-three-year-old Bierstadt commenced study at the Düsseldorf Academy, the school primarily responsible for shaping the technical precision and atmospheric depth of the preeminent American landscape painters of the second half of the 19th century. Four years later, in the company of fellow artist Sanford Robinson Gifford, he painted <em>“Capri.”</em> Inscribed with the title and dated “June 11, 1857,” it is a striking example of the young artist’s early mastery, painted just two years before his watershed campaign in 1859 in the company of Frederick W. Lander, a land surveyor for the United States government. It is a fully realized study emphasizing the precision, detailed observation, and careful glazing technique indicative of the academic tradition of gradually building up the surface. He would begin with a detailed drawing, followed by monochromatic underpainting and successive layers of thin, transparent color glazes that achieve depth and luminosity in the translucent hues of the seawater rarely matched in the annals of landscape painting. <em>“Capri”</em> is a lovely achievement that foreshadows the drama and grandeur that would define Bierstadt’s later work, illustrating how his time in Italy helped shape his approach to landscape painting.</font></div>

ألبرت بيرستادت

<div><font face=Aptos size=3 color=black>Born in 1881, the same year as fellow Spaniard Pablo Picasso, María Blanchard carved her distinct path within modernist art, blending Cubist influences with emotional depth. <em>"La Comida" </em>demonstrates Blanchard's evolution towards a more figurative style while retaining explicit Cubist references. This shift aligns her work with the “<em>Retour à l'ordre”</em> movement, a tendency many fellow artists embraced at the time. Thematically, “<em>La  Comida</em>” recalls van Gogh's early works, particularly "<em>The Potato Eaters</em>" (1885), in both palette and subject matter. Like van Gogh, Blanchard draws attention to the simplicity of rural life, using muted tones of browns, reds, and ochres to convey the grounded, almost austere nature of the figures around the table.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Aptos size=3 color=black>Blanchard’s work after 1921 progressively bridged the gap between the rigid forms of early Cubism and a more emotive, personal representation of her subjects. Geometric rigors are present, but the scene's naturalistic light and volumetric composition echo Cézanne's influence. The sharp brushstrokes and angular figures evoke a sense of protection, reflecting Blanchard's intention to shield the inner spirit of her characters from the gaze of others. Yet, her sensitive portrayal invites viewers to connect emotionally with her work, engendering a sense of intimacy and quiet communion. Despite the somber palette, there is a subtle warmth, with the figures' inner spirit shielded from judgment, much like those in van Gogh's painting. Yet in synthesizing elements of Cubism, Blanchard added emotional complexity to the rural themes van Gogh explored, making her contribution distinct yet reflective of earlier artistic traditions.</font></div>

ماريا بلانشارد

بيير بونارد - أريكة سولاي - زيت على قماش - 14 1/2 × 22 1/2 بوصة.

بيير بونارد

The Arts and Crafts Movement in Great Britain and the corresponding ripples that made their way across the Atlantic Ocean were felt in the work of Jesse Arms Botke (1883-1971). Botke was born in Chicago, Illinois but found her home in California, where she had a successful career working first in Carmel and later in Southern California. <br><br>Rich textures, extensive use of gold leaf, and highly stylized birds would become synonymous with Botke's mature work as she established herself as one of the West Coast’s leading decorative mural painters of the 20th century.<br><br>"The White Peacock" (1922) shows an idyllic landscape with Botke's signature bird subject matter; the white peacock and cockatoos were among her favorite aviary subjects. Her work today can be found in countless museum collections, including the Art Institute, Chicago.

جيسي آرمز بوتكي

© 2023 مؤسسة كالدر ، نيويورك / جمعية حقوق الفنانين (ARS) ، نيويورك

الكسندر كالدر

لا يمكن احتواء عالم مارك شاغال أو تقييده بالتسميات التي نعلقها عليه. إنه عالم من الصور والمعاني التي تشكل خطابها الصوفي الرائع. بدأ Les Mariés sous le baldaquin (العروس والعريس تحت المظلة) مع دخول الفنان عامه ال 90 ، وهو رجل عرف المأساة والصراع ، لكنه لم ينس أبدا لحظات الحياة من المتعة الحماسية. هنا ، يتم إحضار المسرات الحالمة لحفل زفاف القرية الروسية بترتيباته من الحاضرين البالية إلينا بمثل هذا الذكاء السعيد والبراءة المبهجة التي لا تقاوم سحرها. باستخدام مستحلب ذهبي اللون يجمع بين الزيت والغواش المائي غير الشفاف ، يتم تغليف الدفء والسعادة والتفاؤل لوضعية شاغال المعتادة في إشراق مضيء يشير إلى تأثير الرموز الدينية ذات الأوراق الذهبية أو لوحة عصر النهضة المبكرة التي سعت إلى نقل انطباع النور الإلهي أو التنوير الروحي. قد يكون استخدام مزيج من الزيت والغواش أمرا صعبا. ولكن هنا ، في Les Mariés sous le baldaquin ، يوظفها شاغال لإعطاء المشهد جودة من عالم آخر ، كما لو أنه قد تحقق للتو من عين عقله. تخلق حساسيتها التركيبية انطباعا بأن الضوء ينبعث من العمل نفسه ويعطي جودة طيفية للشخصيات التي تطفو في السماء.

مارك شاغال

JOHN CHAMBERLAIN - ASARABACA - رقائق ألومنيوم صناعية الوزن مع طلاء أكريليك وراتنج بوليستر - 20 × 23 × 22 بوصة.

جون تشامبرلين

صيني - تمثال "عصا" صيني - فخار مطلي - الارتفاع: 24 1/2 بوصة.

في عام 1945 ، مع انتهاء الحرب وتعرض تشرشل لهزيمة مفاجئة في الانتخابات العامة ، قبل دعوة من المشير السير هارولد ألكسندر للانضمام إليه في فيلته الإيطالية على شاطئ بحيرة كومو. استمتع تشرشل بكرم ضيافة مضيفه وركز انتباهه وطاقته على التقاط المنطقة على القماش. أنتج خمسة عشر لوحة ، والتي تجسد كيف استحوذت اللوحة على انتباهه وقدمت إكسيرا ساعده على إعادة الشحن. ظهرت هذه اللوحة الأيقونية في مقال نشر في يناير 1946 في LIFE ، وتم اختيارها كتوضيح ملون في طبعات متعددة من كتاب تشرشل ، اللوحات كهواية.

السير ونستون تشرشل

إيموجين كننغهام - السرير غير المصنوع - طباعة جيلاتينية فضية - 10 1/4 × 13 1/2 بوصة.

إيموجين كننغهام

WILLEM دي كونينغ -- امرأة في زورق التجديف -- النفط على الورق وضعت على الماسونية -- 47 1 /2 × 36 1 / 4 في.

ويليم دي كونينغ

تستحضر سلسلة "أوشن بارك" لديبنكورن التوازن الدقيق بين الضوء واللون الذي يتميز به الفنان وتكوينه المدروس والتكامل الدقيق لعناصر المناظر الطبيعية، وكلها تحاكي الأجواء الساحلية في الاستوديو الخاص به في سانتا مونيكا. في أوائل التسعينيات، أعاد ديبنكورن النظر في الموضوعات والحساسيات الجمالية لسلسلة "حديقة المحيط" من خلال الاستفادة من تقنيات الطباعة المختلفة لتوسيع نطاق استكشافه للغة التجريدية التي طورها في لوحاته. وتجسد لوحة "الأخضر العالي، الإصدار الأول" هذا المسعى، حيث تشير إلى الاستراتيجيات التركيبية واللوحة الفنية والاهتمامات المكانية التي تحدد سلسلة "حديقة المحيط" مع عرض الإمكانيات الفريدة للطباعة لإعادة تفسير هذه العناصر.

ريتشارد ديبنكورن

<div><font face=Calibri size=3 color=black>We remember Francoise Gilot for her indomitable spirit and resilience, the only woman with the courage and determination to leave Pablo Picasso. Yet, apart from her association with Picasso, her vision as an artist will ultimately place her work within a suitable twentieth-century art context. Her figurative treatments, embracing subtle tonal harmonies interlaced with an organic interplay of shapes, stand on their merits. “<em>My Children in Brittany II</em>,” a lithograph from 1974, is a charming portrait of her three children, Claude, Paloma, and Aurelia. It demonstrates her ability to synthesize yet transcend her influences and craft a narrative uniquely responsive to family, motherhood, and life.  </font></div>

فرانسواز جيلوت

KEITH HARING - بدون عنوان (تمثال يتوازن على كلب) - ألومنيوم - 35 1/2 × 25 × 29 بوصة.

كيث هارينغ

DAMIEN HIRST - أفكار منسية - فراشات وملمع منزلي على قماش - 48 × 48 بوصة.

داميان هيرست

هانز هوفمان - أغنية الحب - لوحة زيتية على قماش - 36 1/4 × 48 1/4 بوصة.

هانز هوفمان

خلال أوائل سبعينيات القرن التاسع عشر ، رسم وينسلو هومر في كثير من الأحيان مشاهد من البلاد التي تعيش بالقرب من قرية صغيرة تشتهر لأجيال لمواقفها الرائعة من القمح ، وتقع بين نهر هدسون وكاتسكيلز في ولاية نيويورك. يشتهر هيرلي اليوم بإلهام أحد أعظم أعمال هوميروس ، Snap the Whip الذي رسمه صيف عام 1872. من بين العديد من اللوحات الأخرى المستوحاة من المنطقة ، فإن Girl Standing in the Wheatfield غنية بالمشاعر ، ولكنها ليست عاطفية للغاية. يتعلق الأمر مباشرة بدراسة رسمت عام 1866 في فرنسا بعنوان ، في حقول القمح ، وأخرى رسمت في العام التالي بعد عودته إلى أمريكا. لكن هوميروس كان بلا شك أكثر فخرا بهذا. إنها صورة ، ودراسة أزياء ، ولوحة من النوع في التقليد العظيم للرسم الرعوي الأوروبي ، وجولة ذات إضاءة خلفية دراماتيكية ، وجولة في الغلاف الجوي غارقة في ضوء الساعة الكئيب الذي يتلاشى بسرعة والمدعوم بنوتات لامب ومنمقة ولمسات سنبلة القمح. في عام 1874 ، أرسل هوميروس أربع لوحات إلى معرض الأكاديمية الوطنية للتصميم. واحد كان بعنوان "فتاة". قد لا يكون هذا؟

وينسلو هومر

The water buffalo symbolizes virility and suggests wealth and status for the Toraja. Water buffalo motifs appear commonly on houses and granaries suggesting the link between extensive landholding and the ability to build and lavishly decorate traditional Toraja village structures. <br><br>South Sulawesi is home to the Toraja people, who live in a picturesque, mountainous region called Tana Toraja, or Toraja Land. At the center of Toraja culture is a fascinating and complex belief system surrounding death and the afterlife. Death is an elaborate affair, and the prolonged funerals are a major interest to visitors, who can attend the ceremonies but should show the same respect that they would for their own. The funerals typically involve feasting, buffalo sacrifice, dancing and martial arts, culminating with a procession that carries the coffin to its final resting place in one of the many caves on the surrounding cliffs, which are guarded by rock statues. <br><br>The Torajas are equally famous for their houses, which are called Tongkonan, or Family Houses. The houses are built on stilts, and each end rises like the horns of a buffalo, with the points always facing north and south.

الإندونيسية

بول جينكينز - شلالات موكب الظواهر - ألوان مائية على ورق - 41 3/4 × 30 بوصة.

بول جنكينز

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Donald Judd's role in defining the Minimalist movement is pivotal. He rejected traditional modes of representation, favoring the creation of objects that challenge viewers to find beauty in simplicity and the precision of industrial materials. Judd transformed the landscape of modern art with forms that are clean, unembellished, and elegant in their simplicity.<em> "Untitled"</em> exemplifies this minimalist approach, where form, material, and longevity are the primary focus.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>In the context of Judd's oeuvre, the anodized aluminum surface of <em>"Untitled"</em> allows for a smooth, consistent finish that enhances the minimalist aesthetic by highlighting pure form and material, free from the distractions of imperfections or the need for additional surface treatments like paint. More significantly, an anodized surface is corrosion-resistant, underscoring that Judd is not merely creating art for the present moment but crafting pieces intended to endure indefinitely, preserving their pristine, minimalist aesthetic for posterity. Created in an edition of 12 and measuring 41.5 inches in length, with a depth and height of 6.25 inches, <em>"Untitled" </em>exemplifies this meticulous approach, showcasing the industrial aesthetic that Judd so effectively brought into the realm of fine art. Its clean, unembellished form emphasizes the importance of material and the geometric purity that Judd sought to achieve.</font></div>

دونالد جود

أليكس كاتز - بيتر - زيت على لوح ماسونيت - 15 7/8 × 7 1/8 بوصة.

أليكس كاتز

الخمير-رئيس Avalokiteshvara-الحجر الرملي الرمادي-13 × 7 × 7 في.

هينري ماتيس - أنثى عارية واقفة - فحم على ورق - 13 1/2 × 9 بوصة.

هنري ماتيس

روبرتو ماتا -- L'epreuve -- النفط على قماش -- 29 1 / 2 × 25 1 / 2 في.

روبرتو ماتا

مارلين مينتر - بعد ساعات - طباعة كروموجينية - 85 1/2 × 55 3/4 بوصة.

مارلين مينتر

كينيث نولو-قطري الشريط VI-21-الورق المصنوع يدويا-48 x 33 1/2 في.

كينيث نولاند

ولد توماس نزوكوفسكي في عام 1944، وأنشأ لوحات صغيرة غنية الثراء تعكس التأثيرات الثنائية لدعاة التعبير التجريديين ولاجئي باوهاوس الذين درس معهم في اتحاد كوبر. باستخدام فرشاة صغيرة ، ويشمل التعامل معه كشط وفرك قبالة الطلاء بطرق تسجيل في العمل النهائي. طور مفردات مميزة واسعة النطاق تنشر أشكالًا هندسية تشبه الأشكال الحيوية في أنظمة ألوان متنوعة ومجموعة واسعة من الجمعيات: أرضيات البلاط ، إلى مجموعات الخلايا ، إلى الهندسة المعمارية والفضاء الخارجي. في كثير من الأحيان ، يتم تقطيرها من ذكرياته وتجاربه الخاصة. نوزكوفسكي على هذه اللوحة المحددة (بدون عنوان، 1994) قائلاً إنها تعكس انبهاره بالمشاهد الأسطورية المرسومة على لوحات الصدر الكاسونية الناطورة في عصر النهضة. وقال انه نطق أفضل واحد من ثلاثة أو أربعة 15 "× 30" لوحات من هذه السلسلة. تم التعامل مع Nozkowski لسنوات عديدة من قبل معرض بيس. توفي في عام 2019.

توماس نوزكوفسكي

مارك كوين - Lovebomb - صفح الصورة على الألومنيوم - 108 1/4 × 71 3/4 × 37 3/4 بوصة.

مارك كوين

فيونا RAE - بدون عنوان (أصفر، أحمر + بني) - زيت على قماش - 72 × 78 في.

فيونا راي

Robert Rauschenberg, along with Jasper Johns, Andy Warhol, and Roy Lichtenstein, started the revolution of Pop Art in the 1960s. Rauschenberg's later career was a time for the artist to work on experimental and innovative projects, including the 1993 "Prime Pump from ROCI USA (Wax Fire Works Series)." This series comes from the artist's philanthropic project, "ROCI USA," demonstrating "Rauschenberg's belief in the power of art as a catalyst for positive social change." The reference to "wax fire" in the title is Rauschenberg's term for encaustic - hot wax with colored pigments - which he used in other works from the series. <br><br>Executed in a small edition of just 17 examples, this piece incorporates printmaking, a medium to which he often returned to explore new modes for layering imagery. Rauschenberg worked on editions since the early 1960s when he was a fixture at the ULAE and Gemini G.E.L. printshops. Rauschenberg's printmaking and editioned works were an extension of the creative act for the artist; he could achieve sculptural and 3D effects through his editions.

روبرت روشنبرغ

<div><font face=Lato size=3 color=black>From the earliest days of painting during the nineteenth century, which was precipitated by the advent of Impressionism, Renoir established a reputation as the finest portrait painter among the emerging landscapists. Works such as Lise with a Parasol (1867) demonstrated his ability to capture the essence of his subjects with a distinctive flair, setting him apart from his peers. Inspired by a transformative trip to Italy in 1882, Renoir shifted his approach, emphasizing modeling and contours with smooth, blended handling, integrating a new found rigor and clarity reminiscent of the old masters. Often referred to as Renoir’s “Ingres period,” he retained the reputation of the painter best suited to manage the traditional process of recording a sitter's likeness with the distinctive flair and vibrancy of an Impressionist. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>By 1890, Renoir’s style evolved again. He thinned his pigments to achieve a jewel-like translucence, infusing his works with a tender, ethereal quality. This final phase reflects the physical limitations of encroaching rheumatoid arthritis but also a deeper, more reflective approach to his subjects, capturing their inner light and character with subtle, luminous strokes. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>No longer obliged to rely upon society portrait commissions, by 1900, Renoir began to focus on portraits and studies of family, close friends, and neighbors. “Fillette à l’orange”, painted in 1911, extends our appreciation of his very personal, intimate style and reputation for imbuing his portraits of children with all the affectionate charm he could muster. It avoids the softer, generalized approach that prompted his son Jean’s remark that “we are all Renoir’s children, ”idealized versions of beauty and sensuality expressed in universal rather than with physiognomic specifics. We may never know her identity, but her likeness is vivid because Renoir concentrates on her face and expression. Nevertheless, the interplay of light and color highlights her features and brings to life the tender and affectionate nature characteristic of Renoir’s later portraits. An orange as an accessory is often included in portraiture as a symbol of fertility. Yet, here, it seems to serve as a formal element for the artist to demonstrate his skill at displaying its size, shape, and heft in this young girl's hand.</font></div>

بيير أوغست رينوار

<br>In Diego Rivera’s portrait of Enriqueta Dávila, the artist asserts a Mexicanidad, a quality of Mexican-ness, in the work along with his strong feelings towards the sitter. Moreover, this painting is unique amongst his portraiture in its use of symbolism, giving us a strong if opaque picture of the relationship between artist and sitter.<br><br>Enriqueta, a descendent of the prominent Goldbaum family, was married to the theater entrepreneur, José María Dávila. The two were close friends with Rivera, and the artist initially requested to paint Enriqueta’s portrait. Enriqueta found the request unconventional and relented on the condition that Rivera paints her daughter, Enriqueta “Quetita”. Rivera captures the spirit of the mother through the use of duality in different sections of the painting, from the floorboards to her hands, and even the flowers. Why the split in the horizon of the floorboard? Why the prominent cross while Enriqueta’s family is Jewish? Even her pose is interesting, showcasing a woman in control of her own power, highlighted by her hand on her hip which Rivera referred to as a claw, further complicating our understanding of her stature.<br><br>This use of flowers, along with her “rebozo” or shawl, asserts a Mexican identity. Rivera was adept at including and centering flowers in his works which became a kind of signature device. The flowers show bromeliads and roselles; the former is epiphytic and the latter known as flor de jamaica and often used in hibiscus tea and aguas frescas. There is a tension then between these two flowers, emphasizing the complicated relationship between Enriqueta and Rivera. On the one hand, Rivera demonstrates both his and the sitter’s Mexican identity despite the foreign root of Enriqueta’s family but there may be more pointed meaning revealing Rivera’s feelings to the subject. The flowers, as they often do in still life paintings, may also refer to the fleeting nature of life and beauty. The portrait for her daughter shares some similarities from the use of shawl and flowers, but through simple changes in gestures and type and placement of flowers, Rivera illuminates a stronger personality in Enriqueta and a more dynamic relationship as filtered through his lens.<br><br>A closer examination of even her clothing reveals profound meaning. Instead of a dress more in line for a socialite, Rivera has Enriqueta in a regional dress from Jalisco, emphasizing both of their Mexican identities. On the other hand, her coral jewelry, repeated in the color of her shoes, hints at multiple meanings from foreignness and exoticism to protection and vitality. From Ancient Egypt to Classical Rome to today, coral has been used for jewelry and to have been believed to have properties both real and symbolic. Coral jewelry is seen in Renaissance paintings indicating the vitality and purity of woman or as a protective amulet for infants. It is also used as a reminder, when paired with the infant Jesus, of his future sacrifice. Diego’s use of coral recalls these Renaissance portraits, supported by the plain background of the painting and the ribbon indicating the maker and date similar to Old Master works.<br><br>When combined in the portrait of Enriqueta, we get a layered and tense building of symbolism. Rivera both emphasizes her Mexican identity but also her foreign roots. He symbolizes her beauty and vitality but look closely at half of her face and it is as if Rivera has painted his own features onto hers. The richness of symbolism hints at the complex relationship between artist and sitter.

دييغو ريفيرا

نورمان روكويل-الناقد الفن-النمط علي الورق-30 1/2 x 27 1/2

نورمان روكويل

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

شون سكالي

ريتشارد سيرا - كيب بريتون أفقية معكوسة رقم 16 - طباعة ليثوغرافية على ورقتين من الورق المصنوع يدوياً - 19 3/4 × 55 7/8 بوصة.

ريتشارد سيرا

This well preserved bell is one of the largest known bronzes from the Southeast Asian Bronze Age, generally named after the Dongson site in North Vietnam. The swirling band design is finely and crisply cast. Dongson bronze drums were also reported in South China, Thailand, Laos, West Malaysia, and Indonesia and as Far East as Western Iranian Java. <br><br>The Dong Son culture is a Bronze age culture including all of southeast Asia and into the Indo-Malaya Archipelago from about 1000 to 1 BC. Centered on the Red River Valley of Vietnam, the Dong Son were sophisticated agriculturalists, raising rice and buffalo. Dong Son probably arose from local Neolithic cultures, such as Phung Nguyen and Dong Dau phases. Dong Son is identified with the Van Lang ruling dynasty, the first ruling dynasty of Vietnam. By the second century BC, impacts from the Han Dynasty in China were being felt and according to historic records, the Dong Son were absorbed into the Han Dynasty territory.

الجنوب الشرقي آسيوي

Born in Onomichi in Hiroshima Prefecture, Teraoka studied at what is now Otis College of Art and Design in Los Angeles. His works are inspired by Japanese Ukiyo-e woodcut prints. However, Teraoaka infuses the style and techniques of the traditional art with American Pop Art. The mass-produced nature of Japanese woodcut prints alligns with the obsession with mass production and consumption of Pop Art. Additionally, Ukiyo, meaning “the floating world” in Edo period Japan reflected the transitory nature of Kabuki theater and pleasure houses. This transitory sense of consumerism and pleasure was also evoked in the works by Pop Artists. Teraoka’s works are a collision of two cultures and histories of art finding affinities through similar themes.<br><br>Teraoka’s pieces blend humor and social commentary. He has often touched upon subjects as diverse and urgent as the AIDs crises, consumerism, the attacks on September 11th, and more. Teraoka notes of his own work, “Integrating reality with fantasy, humor with commentary, and history with the present became my challenge.”<br><br>Works by Teraoka can be found in the Tate Modern, the Metropolitan Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, the Smithsonian, the Los Angeles County Museum of Art, the Walker Art Center, and more.

ماسامي تيراوكا

ANDY WARHOL -- الفودكا المطلقة -- بولارويد ، بولاكولور -- 4 1 / 4 × 3 3 / 8 في.

آندي وارهول

ويليام ويندت - المناظر الطبيعية كاليفورنيا - زيت على قماش - 23 1/2 × 31 3/4 بوصة.

وليام وندت

<div>Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br><br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.</div>

توم ويسلمان

جرانت وود - الخامس عشر من يوليو - الطباعة الحجرية - 9 3/4 × 12 1/2 بوصة.

جرانت وود

الاستفسار

نموذج قائمة قصيرة

إذا كنت إنساناً، اترك هذا الحقل فارغاً.

الاتصال

العودة إلى الأعلى

© حقوق الطبع والنشر 2024 هيذر جيمس. جميع الحقوق محفوظة.

سياسة الخصوصية
الشروط والأحكام

أشكركم على الاتصال بنا!

هل ترغب في تخصيص تفضيلاتك الفنية؟

الانتقال إلى تفضيلات الاتصال

التعليم

التعليم له أهمية قصوى في هيذر جيمس للاستشارات الفنية. سواء كنت جامعا متمرسا أو بدأت للتو ، فإننا نهدف إلى النمو مع عملائنا ونؤمن تماما بتوفير المعلومات والبصيرة لمساعدة عملائنا على التعلم وتنمية اهتماماتهم الفنية.

التنظيم

تجلب هيذر جيمس للاستشارات الفنية عقودا من الخبرة في تنظيم المعارض بتوجيه من كبار موظفي القيمين الفنيين لدينا الذين نظموا معارض على مستوى العالم في المتاحف والمعارض والمساكن الخاصة. من خلال الجمع بين العناصر التاريخية الجمالية والفنية ، سنساعد مجموعتك ومنزلك على عكس اهتماماتك الفنية.

السوقيات

توفر HJ Art Advisory خدمات لوجستية كاملة عند التعامل مع الأعمال الفنية لعملائنا ونقلها والإشراف عليها. يشمل إشرافنا كل جانب من جوانب العناية بالعمل الفني. نحن نشرف على كل خطوة من خطوات العملية مع نقل الأعمال الفنية وتركيبها وتخزينها. نحن ننصح ونسهل تصميم الإطارات والإضاءة ومتطلبات الأمان والحفظ وتقييم الحالة.

الوثائق

عند شراء الأعمال الفنية ، تبحث HJ Art Advisory في مصدر العمل الفني وستسعى للحصول على إقرارات وضمانات من البائع ، وأن البائع لديه سند ملكية صالح وأن الكائن خال من أي امتيازات ومطالبات ورهون.
ستسعى HJ Art Advisory للحصول على تعويض لاسترداد كامل المبلغ عن العمل الفني في حالة خرق الضمان (ربما يشمل هذا الخط???) .
المبيعات الخاصة وعملية المزاد: تشمل المعلومات الهامة التي يجب التقاطها: الفنان ، عنوان العمل الفني ، التاريخ ، الوسيط ، الأبعاد ، السعر ، الصورة ، كيان العرض ، المصدر ، الشهادات ، الفاتورة (إن أمكن) ، تقرير الحالة ، الامتيازات ، التقاضي ، عنوان الملكية.

قروض المتحف

تم تكريم هيذر جيمس لتسهيل القروض لأفضل المتاحف في جميع أنحاء العالم بما في ذلك متحف الفن الحديث ومركز بومبيدو والمزيد. تهتم HJ Art Advisory بجميع الأعمال الورقية والخدمات اللوجستية اللازمة لهواة الجمع لدينا الذين يقررون إعارة عمل فني لمعرض متحف.

المصادقه

تحافظ HJ Art Advisory على أعلى معايير العناية الواجبة من خلال الاستفسار والبحث ومصدر الأشياء قبل الاستحواذ لتحديد أنه يمكن الحصول على سند ملكية واضح. يشمل هذا البحث ، على سبيل المثال لا الحصر ، تحديد:

محفوظات ملكية الكائن
البلدان التي يوجد فيها الكائن ومتى.
تاريخ المعرض للكائن
تاريخ نشر الكائن
أي مطالبات ملكية كائن إذا تم تقديمها
قواعد بيانات الأشياء المسروقة ذات الصلة بالشيء
الظروف التي يتم فيها عرض الكائن
مصادر البحث ذات الصلة ، بما في ذلك: سجل ArtLoss أو قواعد البيانات الأخرى.
إقرارات الضمان والتعويض من البائع ، مما يضمن أن البائع لديه سند ملكية صالح ، وأن الكائن خال من أي امتيازات أو مطالبات أو أعباء
البحث والتوثيق في حقبة النازية / الحرب العالمية الثانية وفقا للمبادئ التوجيهية المتعلقة باقتناء الأشياء التي من المحتمل أن تكون موجودة في أوروبا المحتلة من قبل ألمانيا بين عامي 1933 و 1945

الماليه

تساعد HJ Art Advisory العملاء في الإقراض المدعوم بالأصول ، وشراء الأعمال الفنية للصناديق الاستئمانية ، والتخطيط العقاري. نحن نقدم خبرتنا في رؤى سوق الفن لوضع عملائنا على أفضل وجه عند اتخاذ القرارات المتعلقة بمجموعتهم. نحن نعمل مع العقارات والفرق القانونية والمستشارين الماليين لدعم عملائنا وأهدافهم على أفضل وجه.
هيذر جيمس للفنون الجميلة ليست مستشارة استثمار أو قانونية أو ضريبية مسجلة. جميع الآراء الاستثمارية والمالية التي تعبر عنها هيذر جيمس للفنون الجميلة هي آراء تستند إلى بحث شخصي. الأداء السابق ليس ضمانا للعائد المستقبلي ، كما أنه ليس بالضرورة مؤشرا على الأداء المستقبلي.

المبيعات والاستحواذ

تركز HJ Art Advisory على تحديد مصادر الأعمال الفنية لعمليات الاستحواذ المحتملة من المبيعات الخاصة ودور المزادات وعمولات الفنانين. تراقب HJ Art Advisory باستمرار السوق الخاص والعام بحثا عن الأعمال الفنية المهمة المتعلقة بمصالح عملائنا والتي من شأنها تعزيز مجموعاتهم. نحن نتفاوض على سعر البيع أو البيع نيابة عن جامع من أجل تحقيق أفضل صفقة ممكنة لعملائنا.

القيمة والتأمين

تقوم مجموعة HJ Art Advisory بتقييم وتقييم المجموعات الفنية لتقييم التأمين والاستحواذ وإلغاء الانضمام. يتضمن ذلك بحثا متعمقا لتحليل سوق الفن الخاص والعام لتحديد القيمة.

التذوق

تعمل HJ Art Advisory مع العملاء الذين يطورون مجموعات جديدة أو مع مجموعات راسخة ونيابة عنهم ، وتقدم المشورة ونقدم خدمات متعمقة. لدينا معرفة واسعة والخبرة جنبا إلى جنب مع سنوات عديدة في مجال الأعمال الفنية يضع موظفينا ذوي المهارات العالية والخبرة لتقديم التوجيه والتوجيه على مستويات متعددة.

تريد أن تعرف المزيد عن هذا / هذه الأعمال؟ أرسل لنا رسالة لإعلامنا باهتمامك.

الاستعلام - الفن واحد

اسم *

المخزون #

البريد الالكتروني *

رقم الهاتف

رساله *

اةي ؛ زهي

إذا كنت إنساناً، اترك هذا الحقل فارغاً.

العربية‏

English
日本語
中文 (简体)
Deutsch
Français
Español
עברית