مونتيسيتو

الاستشاراتالأخبارالخدمات في جميع المواقع

توم فينديتي

توم فينديتي

مدير
مونتيسيتو

توم فينديتي يقود الاستشارات في هيذر جيمس للفنون الجميلة، مونتيسيتو، كاليفورنيا. وهو يجلب ثروة من الخبرة ، بعد أن قدم المشورة لهواة جمع الأعمال الفنية البارزين حول بناء وإدارة مجموعاتهم. على مدى السنوات الخمس الماضية ، كان توم مستشارا فنيا مستقلا مقره نيويورك بالإضافة إلى مستشار تصميم وتركيب وإدارة المجموعات.

في السابق ، شغل توم منصب المدير الأول للمجموعات الفنية لشركة Vulcan Inc. سياتل ، واشنطن. حيث قدم المشورة بشأن عمليات الاستحواذ وإلغاء الانضمام إلى مجموعة بول ألين الفنية العائلية. خلال سنواته ال 14 في شركة فولكان ، أجرى العناية الواجبة لعمليات الاستحواذ. وضع معايير للتخطيط الاستراتيجي والإجراءات لإدارة المجموعات التي تخدم عقارات متعددة على مستوى العالم. قبل انضمامه إلى فولكان توم كان مستشارا ومستشارا للعديد من هواة الجمع الخاصين البارزين في سياتل.

[email protected]

س: 805 845 5001

ج: 917 940 8330

كاتي ريني باتون

كاتي ريني باتون

مستشار الفنون الجميلة
مونتيسيتو

تتمتع كاتي ريني باتون بأكثر من 20 عاما من الخبرة المتنوعة في المبيعات الراقية وعلاقات العملاء في مجتمعات الفنون الجميلة والتصميم الداخلي في سان فرانسيسكو ولوس أنجلوس ومانهاتن. عملت مع المعارض الكبرى ودور المزادات وهواة الجمع من القطاع الخاص والشركات ، بما في ذلك Gensler و Chanel و Peter Marino و The Bank of New York.

منذ انضمامها إلى هيذر جيمس للفنون الجميلة في عام 2018 ، قامت كاتي بتأمين الشحنات وساعدت في بناء مجموعات خاصة بارزة مع فنانين بارزين عبر العديد من الأنواع ، بما في ذلك ألفريد سيسلي ، وبابلو بيكاسو ، وجورجيا أوكيفي ، وأنسل آدامز ، وروبرت ماذرويل ، وجورجيو دي شيريكو ، وليونور فيني ، وألكسندر كالدر ، وتريسي أمين ، وتاكاشي موراكامي ، وآندي وارهول.

حصلت كاتي على درجة البكالوريوس في إدارة الأعمال ، وبكالوريوس الفنون الجميلة في التصميم الجرافيكي ، وتخصص فرعي في إدارة الفنون من جامعة ميامي في أكسفورد ، أوهايو. وهي عضو في البطارية ، سان فرانسيسكو.

[email protected]

ج: 917 589 2852

@catiehjfa

اضغط على استشارة شخصية

هيذر جيمس للفنون الجميلة – أصبحت مونتيسيتو موردا قيما للعملاء المحليين، حيث توفر مجموعة واسعة من الدعم والمساعدة لمجموعة واسعة من العقارات. بمساعدة خبراء الفنون الجميلة في هيذر جيمس ، يمكن لممثلينا مساعدتك إذا كانت لديك أسئلة تتعلق بالشراء أو البيع ، أو ترغب في الحصول على كائن من مجموعتك ذات قيمة.

نحن نقدم مجموعة واسعة من الخدمات القائمة على العملاء بما في ذلك تخطيط العقارات والضرائب، وإدارة التحصيلات، والتقييمات، وإدارة الخدمات اللوجستية، والاستحواذات، والخدمات المالية.

في الأخبار

اخبار

سوق الفن مارس 2023

يناقش جيم كارونا المؤسس المشارك لشركة هيذر جيمس للفنون الجميلة مرونة سوق الفن ويقدم رؤى حول الاستثمار في الفن خلال الأوقات المالية للدببة. أكثر...

اضغط

هيذر جيمس أعارت فان جوخ المدرجة في "فان جوخ في أمريكا" تجذب الحشود

أكتوبر 2, 2022
هيذر جيمس أعارت فان جوخ المدرجة في "فان جوخ في أمريكا" تجذب الجماهير المتحمسة.
عرض المقالة

اضغط

هيذر جيمس تقرض الرائد فان جوخ إلى "فان جوخ في أمريكا"

سبتمبر 30, 2022
تقرض هيذر جيمس "الحصاد في بروفانس" ، الذي رسمه فان جوخ في عام 1888 ، مستوحى من المناظر الطبيعية والألوان في آرل ، فرنسا ، إلى معهد ديترويت للفنون ل "فان جوخ في
عرض المقالة

اخبار

مرونة سوق الفن

يستعرض جيم كارونا المؤسس المشارك لشركة هيذر جيمس للفنون الجميلة أداء سوق الفن خلال فترات الركود السابقة ويقدم ملاحظات رئيسية حول سبب إثبات سوق الفن أنه أكثر...

اخبار

الفن كاستثمار

تم إدراج الفنون الجميلة من بين أفضل الرهانات لعام 2022. اطلع على تحليلنا المتعمق للفن كأصل في محفظتك. أكثر...

اخبار

توم وكاتي في متحف سانتا باربرا للفنون – من خلال عيون فنسنت ...

قضى مستشارونا في الفنون الجميلة كاتي وتوم وقتا رائعا في افتتاح "من خلال عيون فنسنت: فان جوخ ومصادره" في متحف سانتا باربرا للفنون أكثر...

الفيديو

التعرف على هيذر جيمس الفنون الجميلة

احتفالا بأكثر من 25 عاما ، يفتح فريق هيذر جيمس حول ما تعنيه مهمتنا بالنسبة لنا. أكثر...

اخبار

الاحتفال بمرور 25 عاما على تكريم هيذر جيمس للفنون الجميلة

في عام 2021 ، احتفلت هيذر جيمس للفنون الجميلة بمرور 25 عاما في مجال الأعمال. في ذلك الوقت ، وضعنا أكثر من 6500 عمل فني مع هواة الجمع أكثر...

اخبار

هيذر جيمس آسيا

تبحث هيذر جيمس للفنون الجميلة عن مستشارين للفنون الجميلة للانضمام إلى فريق المبيعات لدينا والمساعدة في توسعنا في السوق الآسيوية. أكثر...

كتالوجات

الثورات في الفن الحديث

في الثورات في الفن الحديث، نأمل أن نلقي الضوء على كيفية تغيير أعظم أسماء الفن الحديث مسار تاريخ الفن. أكثر...

كتالوجات

هيذر جيمس الفنون الجميلة – عنا

تعمل هيذر جيمس للفنون الجميلة في مجال الأعمال التجارية منذ أكثر من 25 عاما ، حيث تقدم أعمالا مهمة تمتد عبر فترات زمنية وأنواع بما في ذلك المعاصرة والحديثة والانطباعية والأمريكية وأمريكا اللاتينية والماجستير القديم. أكثر...

اضغط

مجلة سانتا باربرا لايف آند ستايل

يونيو26, 2019
وفقا ل سانتا باربرا الحياة ومجلة ستايل ، هيذر جيمس مونتيسيتو يجب ان نري متى في سانتا باربرا! زيارة هيذر جيمس الفن الجميل في مونتيبيتو ، كاليفورنيا.
عرض المقالة

خدمات

تقدم هيذر جيمس فأين أرت مجموعه واسعه من الخدمات المستندة إلى العملاء التي تلبي احتياجاتك الخاصة لجمع الفنون. يضم فريق العمليات لدينا معالجين فنيين محترفين وقسما كاملا للمسجلين وفريقا لوجستيا مع خبره واسعه في مجال النقل الفني والتركيب وأداره المجموعات. مع خدمه القفازات البيضاء والرعاية الشخصية ، فريقنا يذهب الميل الإضافي لضمان خدمات فنيه استثنائيه لعملاءنا.

التخطيط العقاري والضريبي

إدارة التحصيلات 

تصفيه

أداره اللوجستيات

تقييمات

الماليه

الموارد الاضافيه

 

  • الخدمات المنزلية
  • الخدمات-jessica1
  • Svc_hirst
  • الخدمات-brian1
  • Svc_Warhol
  • تكييف
  • Svc_kapoor

تعرف علينا

صالات العرض

معرض "بالم ديزرت" الداخلي

بالم ديزرت

45188 شارع بورتولا
بالم ديزرت, كاليفورنيا 92260
(760) 346-8926
الساعات: حسب الموعد

جاكسون هول جاليري

جاكسون

172 سنتر ستريت، جناح 101
صندوق البريد 3580
 جاكسون هول، WY 83001
(307) 200-6090
الساعات: حسب الموعد

الاستشارات

نيويورك

نيويورك

لندن

لندن

لوس أنجلوس

لوس أنجلوس

ازل

ازل

سان فرانسيسكو

سان فرانسيسكو

نيوبورت بيتش

نيوبورت بيتش

مونتيسيتو

مونتيسيتو

بالم بيتش

بالم بيتش

الفن المميز

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

جورجيا أوكيف

دييغو ريفيرا -- صورة انريكيتا G. دافيلا -- النفط على قماش -- 79 1 / 8 × 48 3 / 8 في.

دييغو ريفيرا

WILLEM دي كونينغ -- امرأة في زورق التجديف -- النفط على الورق وضعت على الماسونية -- 47 1 /2 × 36 1 / 4 في.

ويليم دي كونينغ

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

توم ويسلمان

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

واين ثيبود

ألفريد سيسلي -- L'Église دي موريت ، لو سوار -- قماش النفط -- 31 × 39 1 / 2 في.

ألفريد سسيلي

إميل نولد - سونينبلومن، أبيند الثاني - زيت على قماش - 26 1/2 × 35 3/8 بوصة.

إميل نولد

ألكسندر كالدر - الصليب - زيت على قماش - 28 3/4 × 36 1/4 بوصة.

ألكسندر كالدر

خلال أوائل سبعينيات القرن التاسع عشر ، رسم وينسلو هومر في كثير من الأحيان مشاهد من البلاد التي تعيش بالقرب من قرية صغيرة تشتهر لأجيال لمواقفها الرائعة من القمح ، وتقع بين نهر هدسون وكاتسكيلز في ولاية نيويورك. يشتهر هيرلي اليوم بإلهام أحد أعظم أعمال هوميروس ، Snap the Whip الذي رسمه صيف عام 1872. من بين العديد من اللوحات الأخرى المستوحاة من المنطقة ، فإن Girl Standing in the Wheatfield غنية بالمشاعر ، ولكنها ليست عاطفية للغاية. يتعلق الأمر مباشرة بدراسة رسمت عام 1866 في فرنسا بعنوان ، في حقول القمح ، وأخرى رسمت في العام التالي بعد عودته إلى أمريكا. لكن هوميروس كان بلا شك أكثر فخرا بهذا. إنها صورة ، ودراسة أزياء ، ولوحة من النوع في التقليد العظيم للرسم الرعوي الأوروبي ، وجولة ذات إضاءة خلفية دراماتيكية ، وجولة في الغلاف الجوي غارقة في ضوء الساعة الكئيب الذي يتلاشى بسرعة والمدعوم بنوتات لامب ومنمقة ولمسات سنبلة القمح. في عام 1874 ، أرسل هوميروس أربع لوحات إلى معرض الأكاديمية الوطنية للتصميم. واحد كان بعنوان "فتاة". قد لا يكون هذا؟

وينسلو هومر

فريدا كاهلو - المطرقة والمنجل (والطفل الذي لم يولد بعد) - الجص الجاف والوسائط المختلطة - 16 1/4 × 13 × 6 بوصة.

فريدا كاهلو

ن.C. ويث - الصيف. "Hush" - زيت على قماش - 33 3/4 × 30 1/4 بوصة.

N.C. WYETH

شون سكولي - أحمر رمادي - زيت على الألومنيوم - 85 × 75 بوصة.

شون سكولي

لا يمكن احتواء عالم مارك شاغال أو تقييده بالتسميات التي نعلقها عليه. إنه عالم من الصور والمعاني التي تشكل خطابها الصوفي الرائع. بدأ Les Mariés sous le baldaquin (العروس والعريس تحت المظلة) مع دخول الفنان عامه ال 90 ، وهو رجل عرف المأساة والصراع ، لكنه لم ينس أبدا لحظات الحياة من المتعة الحماسية. هنا ، يتم إحضار المسرات الحالمة لحفل زفاف القرية الروسية بترتيباته من الحاضرين البالية إلينا بمثل هذا الذكاء السعيد والبراءة المبهجة التي لا تقاوم سحرها. باستخدام مستحلب ذهبي اللون يجمع بين الزيت والغواش المائي غير الشفاف ، يتم تغليف الدفء والسعادة والتفاؤل لوضعية شاغال المعتادة في إشراق مضيء يشير إلى تأثير الرموز الدينية ذات الأوراق الذهبية أو لوحة عصر النهضة المبكرة التي سعت إلى نقل انطباع النور الإلهي أو التنوير الروحي. قد يكون استخدام مزيج من الزيت والغواش أمرا صعبا. ولكن هنا ، في Les Mariés sous le baldaquin ، يوظفها شاغال لإعطاء المشهد جودة من عالم آخر ، كما لو أنه قد تحقق للتو من عين عقله. تخلق حساسيتها التركيبية انطباعا بأن الضوء ينبعث من العمل نفسه ويعطي جودة طيفية للشخصيات التي تطفو في السماء.

مارك شاغال

أنيش كابور - هالو - ستانلس ستيل - 120 × 120 × 27 بوصة.

أنيش كابور

توم ويسلمان - غرفة نوم سمراء مع قزحية العين - زيت على الألومنيوم المقطوع - 105 3/4 × 164 5/8 بوصة.

توم ويسلمان

MARSDEN هارتلي -- باخ مقدمات وفوغس رقم 1 (موضوع الموسيقية) -- النفط على قماش وضعت على متن -- 28 1 / 2 × 21 في.

مارسدن هارتلي

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

بابلو بيكاسو

تعد صورة Théo van Rysselberghe Portrait de Sylvie Lacombe ، التي رسمت في عام 1906 ، تحفة كلاسيكية من قبل أحد أكثر رسامي الصور دقة واتساقا في عصره. اللون متناغم ، والفرشاة قوية ومصممة خصيصا لمهمتها المادية ، وجسدها ووجهها حقيقي وكاشف. الحاضنة هي ابنة صديقه العزيز ، الرسام جورج لاكومب ، الذي شارك في ارتباط وثيق مع غوغان ، وكان عضوا في Les Nabis مع الفنانين Bonnard و Denis و Vuillard ، من بين آخرين. نحن نعرف الآن عن سيلفي لاكومب لأن فان ريسلبرغ ماهرة جدا في تقديم تعبيرات الوجه الدقيقة ومن خلال الملاحظة الدقيقة والاهتمام بالتفاصيل ، قدمت رؤى حول عالمها الداخلي. لقد اختار نظرة مباشرة ، عينيها إلى عينيك ، عهدا لا مفر منه بين الموضوع والمشاهد بغض النظر عن علاقتنا الجسدية باللوحة. تخلى فان ريسلبرغ إلى حد كبير عن تقنية Pointillist عندما رسم هذه الصورة. لكنه استمر في تطبيق إرشادات نظرية الألوان باستخدام صبغات من اللون الأحمر - الوردي والماوفي - ضد اللون الأخضر لإنشاء لوحة محسنة متناغمة من الألوان التكميلية التي أضاف إليها لهجة قوية لجذب العين - قوس أحمر مشبع بشكل مكثف تم وضعه بشكل غير متماثل على جانب رأسها.

ثيو فان ريسلبرغ

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

N.C. WYETH

ليس من الصعب فهم كيف جاء ترتيب روبرت إنديانا الرائع المكون من صفين من أربعة أحرف للمساعدة في تمكين حركة خلال ستينيات القرن العشرين. نشأ أصله من التعرض العميق للدين ومن صديقه ومعلمه إلسورث كيلي ، الذي ترك أسلوبه ذو الحواف الصلبة ولونه الحسي غير المميز انطباعا دائما. ولكن كما صرخت إنديانا ، كانت لحظة كيسميت التي حدثت للتو عندما "الحب عضني!" وجاء التصميم له حادا ومركزا. إنديانا ، بالطبع ، وضعت التصميم من خلال العديد من الخطوات ، ثم بدأ الشعار في الظهور في كل مكان. الرسالة ، التي تم نقلها بشكل أفضل في النحت ، تقف في مدن في جميع أنحاء العالم وترجمت إلى عدة لغات ، ليس أقلها تكرارها الإيطالي ، "Amor" مع "O" المائل أيضا إلى اليمين. ولكن بدلا من الركل من قدم الحرف "L" ، يضفي هذا الإصدار تأثيرا متأرجحا بشكل جميل على الحرف "A" أعلاه. إنه يعطي انطباعا جديدا ، ولكن ليس أقل عمقا ، عن الحب وطبيعته المشحونة عاطفيا. في كلتا الحالتين ، يضفي حرف "O" المائل للحب عدم الاستقرار على تصميم مستقر بخلاف ذلك ، وهو إسقاط عميق لنقد إنديانا الضمني ل "العاطفة الجوفاء في كثير من الأحيان المرتبطة بالكلمة ، مما يشير مجازيا إلى الشوق وخيبة الأمل بلا مقابل بدلا من المودة السكرية" (روبرت إنديانا الأفضل: معرض استعادي مصغر ، نيويورك تايمز ، 24 مايو 2018). التكرار ، بالطبع له عادة سيئة تتمثل في تثبيط تقديرنا لعبقرية البساطة والتصميم الرائد. في وقت متأخر من الحياة ، أعربت إنديانا عن أسفها لأنها "كانت فكرة رائعة ، ولكنها أيضا خطأ فادح. أصبحت شعبية جدا. وهناك أشخاص لا يحبون الشعبية". لكننا نحن سكان عالم محفوف بالانقسام ومحاصر في الاضطرابات، شكرا لكم. "الحب" ونسخه العديدة هي تذكير قوي بقدرتنا على الحب ، وهذا هو أفضل أمل أبدي لنا في مستقبل أفضل.

روبرت إنديانا

ADOLPH GOTTLIEB - Azimuth - زيت على قماش - 95 3/4 × 144 1/4 في.

أدولف غوتليب

فرانك ستيلا - البندقية - الوسائط المختلطة على الألومنيوم - 74 1/2 × 77 1/2 × 33 بوصة.

فرانك ستيلا

سالومون فان RUYSDAEL - المناظر الطبيعية الكثبان الرملية مع شخصيات يستريح وزوجين على ظهور الخيل، وجهة نظر من كاتدرائية نيميغن وراء - النفط على قماش - 26 1/2 × 41 1/2 في.

سالومون فان رويسدايل

JAN JOSEPHSZOON فان GOYEN - المناظر الطبيعية النهر مع طاحونة وكنيسة - النفط على لوحة - 22 1/2 × 31 3/4 في.

يان جوزيفسون فان غوين

جوان ميرو - L'Oiseau - برونزية وكتلة الرماد - 23 7/8 × 20 × 16 1/8 بوصة.

جوان ميرو