ハンス・ホフマン |ヘザー・ジェームズ

検索

分価格:

最大価格:

ホーム
に関しては
展望室
アーティスト
- アーティスト
- カテゴリ
アートワーク
展示会
出版物
学ぶ
販売
新着情報
連絡先
アドバイザリー

ホーム
に関しては
展望室
アーティスト
- アーティスト
- カテゴリ
アートワーク
展示会
出版物
学ぶ
販売
新着情報
連絡先
アドバイザリー

[ウィジェット id="sidebarfilterwidget-2"]。

アーティストに戻る

<div><font face=Lato size=3 color=black>Hans Hofmann's <em>Baal</em> channels the charged energy of its evocative title, rooted in ancient Semitic tradition. The name refers to a lord or master but also carries associations with primal forces of nature, chaos, and creation. Hofmann's work reflects this duality, blending structured design with the untamed vitality of gestural abstraction to create a composition oscillating between entropy and order.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Painted at age 65, <em>Baal</em> also showcases Hofmann's willingness to revisit earlier disciplines while addressing the challenges of mid-century abstraction. Its vibrant palette and bold use of complementary colors, particularly the juxtaposition of red and green, heightens the painting's dynamism. His muscular brushwork also reflects his lifelong experimentation with the tension between form and freedom; undulating lines and biomorphic forms evoke the surrealist influence of Miró and the spiritual resonance of Kandinsky's gestural abstractions. Like these predecessors, Hofmann sought to translate "inner necessity" into visual expression, guided by his fertile imagination. Yet the planal elements and curvilinear shapes of <em>Baal</em> also reflect the influence of improvisational painting, a hallmark of Abstract Expressionism as practiced by contemporaries like Arshile Gorky, among others. It is a composition that teems with movement and energy, suggesting a cosmos in flux—chaotic yet deliberate.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Exhibited the same year at Betty Parsons Gallery in New York, <em>Baal</em> signals Hofmann's evolution as a master and innovator. With its vivid dynamism and symbolic title, the painting epitomizes Hofmann's ability to infuse abstraction with elemental power, crafting a deeply personal exploration of form and color.</font></div>

ハンス・ホフマン

59 3/8 x 47 1/4インチ。

キャンバスに油彩

<div><font face=Lato size=3 color=black>Hans Hofmann's "<em>Astral Image #1"</em> of 1947 captures a pivotal moment in his artistic evolution as he wrestled with the competing forces of linearity and painterly abstraction. Exhibited in the same year at Betty Parsons Gallery in New York—Hofmann's first show with Parsons — the painting represents a phase of intense experimentation in which Cubist-inspired linear elements took center stage. Lines arc and stretch across the canvas, creating a dynamic framework that opens into areas filled with flatly applied alizarin crimson. These contrasting forces give the work a sense of tension and vitality.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>During this period, Hofmann's reliance on linearity provided a departure from the more fluid, painterly dynamism of his earlier works. From 1944 to 1951, this linear impulse permeated his practice, signaling a prolonged exploration of modes of expression in which he grappled with reconciling abstraction and structure. While some viewed this phase as a retreat from the energetic breakthroughs that defined American art's rise to global prominence, others recognized the distinctiveness of these paintings. <em>Astral Image #1</em> challenged the framework of Hofmann's singular vision, blending Cubist discipline with the vibrant, unruly energy that remained a hallmark of his oeuvre.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>The work's flat planes of bright alizarin crimson, contrasted with the angular momentum of the lines, evoke a cosmos of restless energy, hinting at the celestial themes suggested by its title. This painting reflects Hofmann's deliberate explorations during the late 1940s that underscore his unique ability to create works that resist easy categorization, standing apart as deeply personal explorations of form and color.</font></div><br><br><div> </div>

ハンス・ホフマン

アストラル・イメージ No.

キャンバスに油彩

$<div><font face=Lato size=3 color=black>Hans Hofmann explored linearity and color with persistence during the late 1940s, creating a tension between Cubist structure and gestural abstraction. In this painting, <em>Fruit Bowl #1</em>, the linear impulse takes center stage, with dynamic black contours weaving and unspooling across the canvas, limning forms that merely hint at a still-life composition. Hofmann's approach is far from conventional; the traditional fruit bowl is fractured and reimagined into an abstract interplay of geometric and organic shapes. The addition of bright, flatly applied patches and demarcation of green, red, and yellow punctuates the composition, adding an energetic entropy and vitality. Hofmann's raw, alluring, yet slightly uncomfortable palette and gestural freedom elevate the piece beyond its Cubist origins, revealing an artist deeply engaged with the challenges of mid-20th-century abstraction. Hofmann's lines and color fields balance spontaneity with control, oscillating between chaos and structure.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black><em>Fruit Bowl #1</em> reflects Hofmann's ongoing dialogue with earlier European modernists while pushing toward the freer instincts of American Abstract Expressionism. Often criticized as misaligned with the rising dominance of gestural abstraction, paintings from this period in Hofmann's career remain his own—vibrant, exploratory, and unapologetically personal.</font></div>$

ハンス・ホフマン

フルーツボウルNo.1

29 1/2 x 37 1/2

キャンバスに油彩

<div><font face=Lato size=3 color=black>Any analysis of Hans Hofmann’s oeuvre is incomplete without considering his small landscapes, which occupied him between 1940 and 1944. These works capture a pivotal moment in his artistic evolution, transitioning from Matisse-inspired figurative still lifes, portraits, and interiors to the pure abstraction that would later define his career. “Landscape #108” exemplifies this shift. Its compressed composition and severe clustering of intense colors prefigure the artist’s mature works, channeling the same ferocious dynamism that is the hallmark of our appreciation for the artist. The Fauvist palette and electric strokes vibrate with energy, their interplay of light and dark creating a rhythmic tension that feels almost musical. While modest in scale, the painting’s boldness and dynamism hint at the daring risks Hofmann would later embrace in his larger abstractions. Rooted in Fauvism and resonant with Kandinsky’s early work, “Landscape #108” remains a robust testament to Hofmann’s evolving visual language during this transformative period.</font></div>

ハンス・ホフマン

23 1/4 x 29 1/4 インチ

パネル上のオイル

ハンス・ホフマン

21 3/8 x 24 1/2 インチ

パネル上のオイル

HANS HOFMANN - 無題 - キャンバスに油彩 - 25 x 30 1/4 in.

ハンス・ホフマン

25 x 30 1/4インチ。

キャンバスに油彩

HANS HOFMANN - Song of Love - キャンバスに油彩 - 36 1/4 x 48 1/4 in.

ハンス・ホフマン

36 1/4 x 48 1/4 インチ。

キャンバスに油彩

<div><font face=Lato size=3 color=black>Executed in mixed media on paper, <em>The Indian</em> from 1944 showcases Hofmann’s ability to offer a powerful interplay between abstraction and figuration. Surrounded by an atmospheric expanse of deep blues and punctuated by vivid accents of red and yellow, the central form suggests the stylized head of a Native American. Shaped not by direct detailing techniques but subtractive reduction, Hofmann shaped the figure by enclosing it with dynamic strokes of the deep blue surround, punctuated by vivid reds and yellows, as if carving the form out of the surrounding space. This approach emphasizes the figure’s presence while allowing it to remain enigmatic, suspended within an atmospheric mélange of bold, gestural marks.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>The tension between the central form and its vibrant background exemplifies Hofmann’s transition during the 1940s from Cubist rigor to more unrestricted, expressionistic techniques. <em>The Indian</em> captures the energy of this pivotal period, with its layered abstraction and symbolic undertones reflecting Hofmann’s ability to unite gestural spontaneity with deliberate compositional balance.</font></div>

ハンス・ホフマン

紙に混文メディア

お問い合わせ

結合リスト短い形式

人間の場合は、このフィールドを空白のままにします。

接続

トップに戻る

©著作権2025ヘザー・ジェームズ。無断複写・転載を禁じます。

プライバシーポリシー
利用規約

お問い合わせいただきありがとうございます!

アートの設定をカスタマイズしますか?

[コミュニケーションの基本設定] に移動します。

教育

ヘザー・ジェームス・アート・アドバイザリーでは、教育が最も重要です。経験豊富なコレクターであれ、これから始めようとするコレクターであれ、私たちはお客様と共に成長することを目指し、お客様がアートに興味を持ち、学び、育てていけるような情報や見識を提供することを信条としています。

キュレーション

ヘザー・ジェームス・アート・アドバイザリーは、美術館、ギャラリー、個人邸宅で世界的に展覧会を開催してきたシニア・キュレーターの指導のもと、数十年にわたるキュレーターとしての経験を生かします。美的要素と美術史的要素を融合させ、お客様のコレクションとご自宅が、お客様の芸術的関心を反映できるようお手伝いいたします。

物流

HJアートアドバイザリーは、お客様の美術品の取り扱い、輸送、監督において、完全なロジスティクスを提供します。私たちの監修は、アート作品のあらゆるケアに関わります。作品の輸送、設置、保管など、あらゆる工程を監督します。額装デザイン、照明、セキュリティ要件、保存、状態評価についてアドバイスし、促進します。

ドキュメント

作品を購入する際、HJアートアドバイザリーは作品の出所を調査し、売り手が有効な所有権を持っていること、対象物に先取特権、請求権、抵当権がないことの表明と保証を売り手から求めます。
HJアートアドバイザリーは、保証違反があった場合、作品の全額返金に対する補償を求めます（もしかしたら、この行を含むかも？）
個人売買とオークションのプロセス把握すべき重要な情報は以下の通り：アーティスト、作品タイトル、日付、メディウム、寸法、価格、画像、出品主体、証明書、インボイス（可能な場合）、コンディションレポート、抵当権、訴訟、所有権。

ミュージアム・ローン

ヘザー・ジェームズは、MoMA、ポンピドゥー・センターなど、世界中の一流美術館への貸し出しを光栄にもお手伝いさせていただいております。HJアートアドバイザリーでは、美術館の展覧会に作品を貸し出すことを決めたコレクターのために、必要な書類手続きやロジスティクスをすべて行っています。

認証

HJアートアドバイザリーは、明確な所有権が得られるかどうかを判断するため、取得前に対象物の調査、研究、出所調査を行い、最高水準のデューディリジェンスを維持します。このような調査には以下のものが含まれますが、これらに限定されるものではありません：

対象物の所有履歴
対象物の所在国と所在時期。
展示品の歴史
対象物の出版履歴
所有権に対する異議申し立てがなされている場合
対象物に関連する盗難品のデータベース
対象物が提供される状況
以下を含む関連調査情報源：ArtLoss Register またはその他のデータベース。
売主が有効な所有権を有し、対象物に先取特権、請求権、抵当権がないことを保証する、売主からの保証および補償表明。
1933年から1945年の間にドイツ占領下のヨーロッパにあった可能性の高い品物の取得に関するガイドラインに従った、ナチス／第二次世界大戦時代の調査と文書化

ファイナンス

HJアート・アドバイザリーは、資産担保融資、信託のための美術品購入、遺産相続計画などでお客様をサポートします。美術品市場に関する専門知識を駆使し、お客様のコレクションに関する決断をサポートいたします。遺産、法律チーム、ファイナンシャル・アドバイザーと協力し、クライアントとその目標を最大限にサポートします。
ヘザー・ジェームス・ファイン・アートは登録投資、法律、税務アドバイザーではありません。ヘザー・ジェームス・ファイン・アートが表明する投資および財務に関する意見はすべて、個人的な調査に基づく意見です。過去の実績は将来のリターンを保証するものではなく、また必ずしも将来の実績を示唆するものでもありません。

販売と買収

HJアート・アドバイザリーは、個人売買、オークションハウス、アーティストからの依頼など、美術品購入の可能性のある作品の調達に重点を置いています。 HJアート・アドバイザリーは、クライアントのコレクションをより充実させるために、クライアントの関心に関連する重要な美術品について、民間および公的市場を継続的に監視しています。HJアート・アドバイザリーは、クライアントのために最良の取引を実現するために、コレクターに代わって売買価格の交渉を行います。

価値と保険

HJアート・アドバイザリー・グループは、保険評価、買収、売却のための美術品コレクションの評価と鑑定を行っています。これには、価値を決定するための私的および公的な美術品市場分析の綿密な調査が含まれます。

目利き

HJアート・アドバイザリーは、新しいコレクションを開発中のお客様や、すでに確立されたコレクションをお持ちのお客様に代わって、アドバイスや詳細なサービスを提供しています。長年アートビジネスに携わってきた豊富な知識と経験により、熟練した経験豊かなスタッフが、様々なレベルでのガイダンスとディレクションを提供いたします。

この/これらの作品についてもっと知りたいですか？ご興味をお持ちの方は、メッセージをお送りください。

お問い合わせ - アートシングル

名前 *

インベントリ #

電子メール *

電話番号

メッセージ *

レキャプチャ

人間の場合は、このフィールドを空白のままにします。

日本語

English
中文 (简体)
Deutsch
Français
Español
עברית
العربية‏