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国立公園を背景にしたワイオミング州ジャクソンホールの野生の美しさに位置するヘザー・ジェームズ・ジャクソンは、10年以上にわたりインターマウンテンウエストに最高の芸術作品とサービスをもたらしました。

ジャクソンホールをアメリカの文化とアウトドアの比類のない目的地にするユニークなコミュニティにケータリング、ヘザージェームズは、同様に地元の人々や訪問者のための芸術作品や白い手袋サービスの比類のない選択を提供するために努力しています。

172 センターストリートスイート 101
P.O. ボックス 3580
ジャクソンホール、WY 83001
(307) 200-6090

営業時間月曜日～土曜日 11時～18時

展示会

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ハーブ・アルパート：コーヒーの絵

現在の

ハーブ・アルパート：コーヒーの絵

2020年12月22日～2023年9月30日

マックス・ペレグリーニ：沈黙と幻想

現在の

マックス・ペレグリーニ：沈黙と幻想

2020年7月30日～2023年9月30日

印象派の天才：クロード・モネ

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印象派の天才：クロード・モネ

2022年8月18日～10月31日

ヘザー・ジェームズ・ファインアートの印象派

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ヘザー・ジェームズ・ファインアートの印象派

2022年9月1日～10月31日

ジャクソンホール - 代表作品

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ジャクソンホール - 代表作品

2022年9月15日～10月15日

ピカソ - 版画・紙本作品

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ピカソ - 版画・紙本作品

2022年9月1日～10月12日

マルク・シャガール：愛の色

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マルク・シャガール：愛の色

2022年9月8日～10月12日

All We Have Seen:印象派の風景：モネからクライシュまで

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All We Have Seen:印象派の風景：モネからクライシュまで

2021年8月9日～2022年9月30日

アメリカとヨーロッパの印象派と近代美術の不思議

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アメリカとヨーロッパの印象派と近代美術の不思議

2020年8月26日～2021年4月30日

肖像画。19世紀から現代まで

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肖像画。19世紀から現代まで

2020年8月26日～2021年4月30日

ジャクソンホール:1900年から今日までのハイライト

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ジャクソンホール:1900年から今日までのハイライト

2019年11月1日～2020年7月31日まで

サム・フランシス:ジャクソン・ホールの眺め

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サム・フランシス:ジャクソン・ホールの眺め

2019年7月1日~10月15日

エドワード・ホッパー

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エドワード・ホッパー

2019年7月1日~9月30日

アンディ・ウォーホル

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アンディ・ウォーホル

2019年7月16日~8月31日

デビッド・レヴィンタール

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デビッド・レヴィンタール

2018年12月1日~2019年1月31日

ハーブ・アルパート:ビジュアル・メロディ

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ハーブ・アルパート:ビジュアル・メロディ

2018年8月1日~9月30日

ウィンストン・チャーチル卿の絵画

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ウィンストン・チャーチル卿の絵画

2018年8月1日~9月16日

エレーン・デ・クーニング

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エレーン・デ・クーニング

2018年7月1日~8月4日

ノーマン・ロックウェル:アーティスト・アット・ワーク

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ノーマン・ロックウェル:アーティスト・アット・ワーク

2016年6月30日~9月30日

マックス・ペレグリーニ:回顧展

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マックス・ペレグリーニ:回顧展

2015年11月27日 - 2016年3月27日

アール・カニンガム:アメリカン・フェイヴ

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アール・カニンガム:アメリカン・フェイヴ

2011年9月8日~10月29日

ビュー上のアートワーク

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IRVING NORMAN - 取締役会の会長 - キャンバスに油彩 - 90 x 48 in.

アーヴィング・ノーマン

IRVING NORMAN - カルーセルレストラン - キャンバスに油絵 - 60 x 72インチ。

アーヴィング・ノーマン

NATHAN OLIVEIRA - Nude Stepping from the Carpet - oil on canvas - 52 x 48 in.

ネイサン・オリベイラ

NATHAN OLIVEIRA - Figure with Blue Eyes - 油彩・キャンバス - 66 x 54 in.

ネイサン・オリベイラ

ANDY WARHOL - Pepper Pot from Campbell's Soup - スクリーンプリント、カラー - 35 x 23 in.

アンディ・ウォーホル

ネイサンオリベイラ - 無題 - キャンバスに油 - 84 X 63で。

ネイサン・オリベイラ

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’. Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’. Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird. Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

メアリー・コルス

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

マックス・ペレグリーニ

IRVING NORMAN - つや消しの窓 - キャンバスに油絵 - 36 x 90インチ。

アーヴィング・ノーマン

FIONA RAE - Untitled (yellow, red + brown) - oil on canvas - 72 x 78 in.

FIONA RAE

The Queen of the Night drinks water from the clasped hands of faith, while two shepherds embrace each other, unaware of Jesus’ birth. Angels, portrayed almost translucently on the canvas, spray holy water and bring about the giving of gifts. A precious jewel is depicted in the right corner, while a humble basket of turkeys sits on the cape of the Madonna. Nearby rests a basket with a goldfinch, an ancient symbol, which is a harbinger of good luck for newborn babies. The baby Jesus, just as the clasped hands that the Queen drinks out of, represents faith – the angels have sprinkled with holy water and he will soon make himself known to the world.<br><br>“For me the faith in religion becomes faith in painting and will defeat the giants." – Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

マックス・ペレグリーニ

若い男女が抱き合い、女性が子供を抱き、眠っている赤ちゃんが黒と赤の糸を持ち、もう一人の若い女性が服を脱いで、天使が組成物のようにこのコラージュに翼を広げます。一緒に、これらの文字は、若い愛、運命、人生が絡み合う物語を作成します:眠っている赤ちゃんは、彼らの織機に生と死を紡ぐ神話の3つの運命を連想させる赤い糸と黒い糸を保持しています。これらのスレッドは、幼児が彼らに持っているホールドを完全に知らずに、お互いを抱き合う若い恋人に物理的に接続されています。子供を抱いた女性は、マリヤとイエスが人類を見守り、守るのと同じように、若々しい少年少女の愛を見守る。物語とシンボルの融合は、ペレグリーニのオーヴルの共通の要素であり、ここで見事に表現されています。

マックス・ペレグリーニ

クロークされた人物の鏡像は、彼の相対的な身長でほとんど子供のような裸の胸とあごひげの男を包含します。彼らの抱擁は、ミケランジェロのピエタのそれと、キリストとマドンナの多くの同様の描写を反映しています。青の暗い色合いは、コンポジションに影を落とし、確かに時間的な指標ですが、おそらくピカソの青い時代への言及、ペレグリーニのアートワークに大きな影響を与えます。図の後ろの壁パネルは、宗教的なシーンを描き、教会や礼拝堂のステンドグラスの壁の視聴者を思い出させます。下の街の窓から光が照り、山々の景色をピークに満月が照らされています。

マックス・ペレグリーニ

ハーブアルパート - 3羽 - ブロンズ - 38 x 20 x 9インチ。

ハーブ・アルパート

ハーブアルパート - イーグルフォールズ - ブロンズ - 41 1/2 x 10 x 10インチ。

ハーブ・アルパート

フェルナンド・カノヴァス - ソドム&ゴモラ - キャンバスにアクリル - 63 5/8 x 51 1/4インチ。

フェルナンド・カノヴァス

フェルナンド・カノヴァス - ソドム - キャンバスにアクリル - 63 5/8 x 51 1/4インチ。

フェルナンド・カノヴァス

ラッセルヤング - ブランドポートレート - ダイヤモンドダストとリネン上のスクリーンプリント - 62 5/8 x 47 3/4インチ。

ラッセル・ヤング

ピーター D. ゲラカリス - ダフネ I - キャンバスに油彩 - 72 x 36 インチ。

ピーター・D・ゲラカリス

ピーター D. ゲラカリス - ダフネ II (スラップその低音) - キャンバス上の油 - 72 x 36 インチ。

ピーター・D・ゲラカリス

コンスタンスマリンソン - カップル - 紙の油 - 95 x 52 1/2インチ。

コンスタンス・マリンソン

SAUL KAMINER - La Peluquera - キャンバスに油彩 - 63 1/4 x 51 1/4 in.

ソウル・カミナー

コンスタンスマリンソン - 切断された手足 - 紙の油 - 52 1/2 x 60 1/2インチ。

コンスタンス・マリンソン

DEBORAH OROPALLO - 無題 - キャンバスに油彩 - 76 x 67インチ。

デボラ・オロパロ

ポール・ジェンキンス - 無題 - 水彩画と紙のインク - 29 3/4 x 42 3/4 in.

ポール・ジェンキンス

風刺的な視点を通じて、歴史的、身体的な物語を縮小、崩壊、増強する。

エドガー・セラーノ

ローレンス・シラー - ボビー・ケネディ、 Pg 25 - プラチナプリント - 24 x 20インチ。

ローレンス・シラー

Tony de los Reyes’ 2006-2011 series Chasing Moby Dick analyzes the intersection of politics and culture through the lens of Herman Melville’s masterpiece (1851). Much like Captain Ahab’s hunt for Moby Dick, de los Reyes invasions America as “highly contentious and monomaniacal,” especially in light of former President George Bush’s singular hunt for Osama bin Laden. According to de los Reyes, "Melville knew that America, being ever-hungry, would not/could not stop at the ocean's edge. Part of the American spirit is to continue expanding, even to our detriment."<br><br>This painting is named after the fictitious whaling ship, imagined by Melville, that Captain Ahab commands and leads on a three-year expedition while chasing Moby Dick. de los Reyes’ method creates a delicate balance between abstraction and realism that makes the ship appear almost ghostly. This quality may be a physical manifestation of the monomaniacal intention of Captain Ahab, and thus America, that cannot end, even after its own destruction.

トニー・デ・ロス・レイエス

ウィリアム・ウェグマン - ダブルポートレート - シルバーゼラチンプリント - 7 1/4 x 6 3/4 in.

ウィリアム・ウェグマン

PENELOPE GOTTLIEB - Diosorea Bulbifera - Audubonプリントの上にアクリル、インク - 38 x 26 in.

ペネロペ・ゴットリーブ

LUC BERNARD - エッジNo.14 - キャンバス上の油 - 40 x 40インチ。

リュック・ベルナール

ウィリアム・ウェグマン - 3人の人形 - シルバーゼラチンプリント - 7 1/4 x 6 3/4 in。

ウィリアム・ウェグマン

LUC BERNARD - エッジNo.11 - キャンバス上の油 - 42 x 35インチ。

リュック・ベルナール

LUC BERNARD - エッジNo.15 - キャンバス上の油 - 36 x 31インチ。

リュック・ベルナール

ペネロペ・ゴットリーブ

ローレンス・シラー - マリリン・モンロー「何かのゴッタ・ギブ」- シルバーゼラチンプリント - 24 x 20インチ。

ローレンス・シラー

エドワード・シュタイチェン - コレット - シルバーゼラチンプリント - 13 x 10 1/4インチ。

エドワード・スタイチェン

EDWARD STEICHEN - ウォルデン池 - シルバーゼラチンプリント - 9 x 13インチ

エドワード・スタイチェン

EDWARD STEICHEN - Improvisation:「ジョージ・ワシントン" - シルバー・ゼラチン・プリント - 9 x 7 1/4 in.

エドワード・スタイチェン

EDWARD STEICHEN - Carl Sandburg - モノクロ写真 - 12 1/2 x 10 1/4 in.

エドワード・スタイチェン

EDWARD STEICHEN - Self Portrait With Photographic Paraphernalia - シルバー・ゼラチン・プリント - 13 1/4x 8 3/4 in.

エドワード・スタイチェン

LUC BERNARD - Cinergy No.4 - 油彩、墨、キャンバス - 10 x 14 in.

リュック・ベルナール

専務取締役

アンドレア-WEB-POST

アンドレア・リコ・ダーリン

シニアディレクター
ワイオミング州ジャクソンホール

[email protected]

ニューヨーク州ビンガムトンのビンガムトン大学で美術史の学士号（美術副専攻）を、ニューヨーク州ニューヨークのクリスティーズ・エデュケーションでモダンアート、目利き、アートマーケット史の修士号を取得しています。カンザスシティのネルソン・アトキンス美術館とニューヨークのクリスティーズで勤務し、美術館とオークションハウスの双方で培った専門知識を活かしています。

2015年にヘザー・ジェームス・ファイン・アートに入社して以来、アンドレアは、クロード・モネ、アルフレッド・シスレー、アンリ・マティス、エドガー・ドガ、ノーマン・ロックウェル、アンドリュー・ワイエス、エレイン・ド・クーニング、アンディ・ウォーホル、トム・ウェッセルマンなどの重要なアーティストとの委託契約を確保し、注目すべき個人および美術館のコレクションの構築を支援してきました。

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ヘザージェームズファインアートは、あなたの特定の芸術収集ニーズに応じてクライアントベースのサービスの広い範囲を提供しています。当社のオペレーションチームには、プロフェッショナルアートハンドラ、フルレジストラ部門、およびアート輸送、設置、およびコレクション管理の豊富な経験を持つロジスティクスチームが含まれています。ホワイトグローブサービスとパーソナライズされたケアにより、私たちのチームは、お客様のための例外的なアートサービスを確保するために余分なマイルを行きます。

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おすすめアート

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

ジョージア・オキーフ

DIEGO RIVERA - Enriqueta G. Dávilaの肖像 - 油彩・キャンバス - 79 1/8 x 48 3/8 in.

ディエゴ・リベラ

WILLEM DE KOONING - 手漕ぎボートの女 - マソナイトに敷き詰められた紙に油彩 - 47 1/2 x 36 1/4 in.

ウィレム・デ・クーニング

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

トム・ヴェッセルマン

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

ウェイン・ティーボー

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - 油彩キャンバス - 31 1/4 x 39 1/2 in.

アルフレッド・シスレー

EMIL NOLDE - Sonnenblumen、Abend II - 油彩・キャンバス - 26 1/2 x 35 3/8 in.

エミール・ノルデ

ALEXANDER CALDER - 十字架 - 油彩・キャンバス - 28 3/4 x 36 1/4 in.

アレクサンダー・カルダー

1870年代初頭、ウィンスロー・ホーマーは、ニューヨーク州のハドソン川とキャッツキル山脈の間に位置する、小麦の栽培が盛んな小さな集落での田舎暮らしの風景を頻繁に描いていました。ハーリーといえば、1872年の夏に描かれたホーマーの代表作『鞭打ちのスナップ』のインスピレーション源として知られる。この地域からインスピレーションを得た他の多くの絵画の中でも、「麦畑に立つ少女」は情感に富んでいるが、過度に感傷的になることはない。この作品は、1866年にフランスで描いた習作「麦畑で」と、アメリカに戻った翌年に描いた別の作品に直接関連している。しかし、ホーマーが最も誇りに思ったのは間違いなくこの作品であろう。肖像画であり、衣装の習作であり、ヨーロッパの牧歌的な絵画の偉大な伝統に則った風俗画であり、ドラマチックな逆光と雰囲気のある力作で、すぐに消えてしまう宵闇の時間に、花の香りと麦の穂のタッチで浮き立たせた。1874年、ホーマーはナショナル・アカデミー・オブ・デザイン展に4点の絵画を出品した。そのうちの1枚に「少女」というタイトルがつけられていた。それはこの作品ではないだろうか？

ウィンスロー・ホーマー

FRIDA KAHLO - Hammer and Sickle (and unborn baby) - 乾燥石膏とミクストメディア - 16 1/4 x 13 x 6 in.

フリダ・カーロ

N.C. WYETH - 夏。"Hush" - 油彩・キャンバス - 33 3/4 x 30 1/4 in.

N.C. ワイス

SEAN SCULLY - Grey Red - oil on aluminum - 85 x 75 in.

ショーン・スカリー

マルク・シャガールの世界は、私たちが貼るレッテルでは収まりきらないし、制限もできない。それは、イメージと意味の世界であり、それ自体が見事なまでに神秘的な言説を形成しているのです。この作品は、シャガールが90歳を迎えたときに制作されたもので、悲劇と苦悩を知りながらも、人生の歓喜の瞬間を忘れることはなかった。ここでは、ロシアの村の結婚式の夢のような喜びと、使い古された参列者の配置が、幸福なウィットと陽気な無邪気さで私たちにもたらされ、その魅力に抗うことはできません。油彩と不透明な水性ガッシュを組み合わせた黄金色のエマルジョンで、シャガールのいつものポジティヴィズムの暖かさ、幸福感、楽観性を、金箔の宗教イコンや神の光や悟りを感じさせるルネサンス初期の絵画の影響を感じさせる光り輝く輝きに包み込んでいます。油彩とガッシュの組み合わせは難しいものです。しかし、シャガールは、この《バルダックのマリア》で、油彩とグアッシュを併用することで、まるで自分の頭の中にある光景がそのまま具現化したかのような、別世界のような質感を与えています。そのテクスチャーの繊細さは、作品自体から光が発せられているような印象を与え、空に浮かぶ人物にスペクタルな質感を与えています。

マルク・シャガール

ANISH KAPOOR - Halo - ステンレススチール - 120 x 120 x 27 in.

アニッシュ・カプーア

TOM WESSELMANN - Brunette with Irises - 油彩・切り抜きアルミニウム - 105 3/4 x 164 5/8 in.

トム・ヴェッセルマン

MARSDEN HARTLEY - バッハの前奏曲とフーガ第1番（音楽のテーマ） - 油彩、キャンバス、ボードに横付け - 28 1/2 x 21 in.

マースデンハートリー

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

パブロピカソ

1906年に描かれたテオ・ファン・ライセルベルヘの「シルヴィ・ラコンの肖像」は、当時最も洗練され、一貫した肖像画家の一人による古典的な傑作である。色彩は調和がとれており、筆致は力強く、素材に合わせたもので、彼女の体や表情は真実味を帯びたものである。ゴーギャンと親交があり、ボナール、ドニ、ヴュイヤールらとレ・ナビのメンバーだった親友の画家ジョルジュ・ラコムの娘である。私たちが今、シルヴィ・ラコンブのことを知ることができるのは、ヴァン・ライセルベルヘが微妙な表情を表現することに長けており、注意深い観察と細部へのこだわりによって、彼女の内面への洞察を与えてくれたからです。彼は、彼女の目をあなたの目に向けるという直接的な視線を選び、絵と私たちの物理的な関係にかかわらず、主題と鑑賞者の間に避けられない契約を結んでいるのです。この肖像画を描いたとき、ヴァン・ライセルベルグは点描画の技法をほとんど放棄していた。しかし、彼は引き続き色彩理論の指針を適用し、緑にピンクやモーヴといった赤の色合いを用いて、補色による調和のとれたアメリケーション・パレットを作り上げ、そこに強烈なアクセントとして、彼女の頭の横に非対称に置かれた強烈な彩度の赤いリボンが目を引きます。

テオ・ヴァン・ライゼルベルグ

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

N.C. ワイス

ロバート・インディアナの4文字の2列配置が、1960年代のムーブメントにどのような影響を与えたかは、想像に難くない。その原点は、宗教に深く触れ、友人であり師であったエルズワース・ケリーの硬質なスタイルと官能的でアクセントのない色彩が印象に残ったことにある。しかし、インディアナが「LOVEが私を噛んだ！」と言うように、それは偶然のキスメットのようなもので、デザインはシャープで集中したものになった。もちろん、インディアナはこのデザインを何度も試行錯誤し、そして、このロゴはあちこちに芽を出し始めたのです。イタリア語の "Amor "は、"O "が右に傾いているのが特徴的です。しかし、このバージョンは、「L」の足で蹴られるのではなく、上の「A」に美しい演出で揺さぶりをかけているのである。これは、愛とその感情的な性質について、新しい、しかし決して深くない印象を与えます。いずれにせよ、「Love」の傾いた「O」は、他の安定したデザインに不安定さを与え、「この言葉に関連するしばしば空虚な感傷、甘ったるい愛情ではなく、報われない憧れと失望を隠喩的に示唆する」（Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018）というインディアナの暗黙の批判を深く投影しています。繰り返しは、もちろん、シンプルさと、画期的なデザインの天才に対する私たちの評価を低下させる厄介な習慣があります。晩年、インディアナは「素晴らしいアイデアだったが、ひどい間違いでもあった」と嘆いている。あまりにも人気が出てしまった。人気が出るのを嫌う人もいるんだ」。しかし、分裂と混乱に満ちた世界の住人である私たちは、あなたに感謝します。"Love "とその多くのバージョンは、私たちの愛の能力を強く思い出させるものであり、それこそが、より良い未来への永遠の希望なのです。

ロバート・インディアナ

ADOLPH GOTTLIEB - 方位 - キャンバスに油彩 - 95 3/4 x 144 1/4インチ。

アドルフ・ゴットリーブ

FRANK STELLA - The Musket - ミクストメディア、アルミニウム - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 in.

フランク・ステラ

SALOMON VAN RUYSDAEL - 休息する人物と馬に乗ったカップルのいる砂丘の風景、その向こうにナイメーヘン大聖堂の眺め - 油彩・キャンバス - 26 1/2 x 41 1/2 in.

サロモン・バン・リュイスダール

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - 風車とチャペルのある川の風景 - パネルに油絵 - 22 1/2 x 31 3/4 in.

ヤン・ヨセフスゾーン・ヴァン・ゴエン

JOAN MIRO - L'Oiseau - ブロンズとシンダーブロック - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

ジョアン・ミロ

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