パーム砂漠

EXHIBITIONS アートワークの展示関連ニュースサービス

パーム砂漠のギャラリーは、エルパセオの人気のショッピング&ダイニングエリアに隣接し、カリフォルニア州のパームスプリングスエリアに位置しています。私たちの顧客は、戦後、現代美術、現代美術の私たちの選択に感謝しています。冬の間の豪華な天候は、私たちの美しい砂漠を見て、私たちのギャラリーに立ち寄るために、世界中からの訪問者を引き付けます。外の山岳砂漠の風景は、内部で待っている視覚的なごちそうに完璧な風光明媚な背景を提供します。

45188 ポルトラ・アベニュー
パーム砂漠, CA 92260
(760) 346-8926

時間：
月～金 9～5

展示会

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春を彩る花々、画期的な

現在の

春を彩る花々、画期的な

2023年5月8日～11月30日

ファーストサークルアートの中のサークル

現在の

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2023年2月14日～8月31日

ポップアートキャント・バイ・マイ・ラブ

現在の

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2023年1月26日～7月31日

ユア・ハートズ・ブラッド芸術と文学の交差点

現在の

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2022年9月12日～2023年9月30日

モネを中心とした印象派の対話集

現在の

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2022年8月17日～2023年8月31日

アレクサンダー・カルダー絵画の宇宙

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2022年8月10日～2023年8月31日

ペーパーカット紙を使ったユニークな作品

現在の

ペーパーカット紙を使ったユニークな作品

2022年4月27日～2023年10月31日

アンディ・ウォーホルポラロイド邪悪な不思議

現在の

アンディ・ウォーホルポラロイド邪悪な不思議

2021年12月13日～2023年9月30日

アンディ・ウォーホル：グラマー・アット・ザ・エッジ

現在の

アンディ・ウォーホル：グラマー・アット・ザ・エッジ

2021年10月27日～2023年9月30日

カリフォルニア・ヒア・ウィー・カム：カリフォルニアの印象派たち

現在の

カリフォルニア・ヒア・ウィー・カム：カリフォルニアの印象派たち

2021年7月12日～2023年9月30日

美しき時：金ぴか時代のアメリカ美術

現在の

美しき時：金ぴか時代のアメリカ美術

2021年6月24日～2023年8月31日

80年代には受け入れられていた

現在の

80年代には受け入れられていた

2021年4月27日～2023年8月31日

パターンと装飾。フェミニズムと友情

現在の

パターンと装飾。フェミニズムと友情

2020年9月14日～2023年9月30日

ジェコンパーク:ライフとルート

現在の

ジェコンパーク:ライフとルート

2020年3月12日～2023年9月30日

アーヴィング・ノーマン:ダークマター

現在の

アーヴィング・ノーマン:ダークマター

2019年11月27日～2023年9月30日まで

人生に出会う。N.C.ワイエスとメットライフ・ミューラルズ

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人生に出会う。N.C.ワイエスとメットライフ・ミューラルズ

2022年7月18日～2023年4月25日

N.C.ワイエス絵画の10年

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N.C.ワイエス絵画の10年

2022年9月29日～2023年3月31日

ポール・ジェンキンス:驚異の色彩

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ポール・ジェンキンス:驚異の色彩

2019年12月27日～2023年3月31日

ハーブ・アルパート：ウィスパー・コンヴァセーションズ

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ハーブ・アルパート：ウィスパー・コンヴァセーションズ

2023年3月7日～3月13日

ジョージア・オキーフとマースデン・ハートリーモダン・マインド

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ジョージア・オキーフとマースデン・ハートリーモダン・マインド

2022年2月1日～2023年2月28日

五感で楽しむ彫刻。野外彫刻

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五感で楽しむ彫刻。野外彫刻

2021年8月4日～2023年2月28日

ノーマン・ザミット:色の進行

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ノーマン・ザミット:色の進行

2020年3月19日～2023年2月28日

アメリカ大陸のフィギュラティヴ・マスターたち

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アメリカ大陸のフィギュラティヴ・マスターたち

2023年1月4日～2月12日

誰もがファンタジーを求めている。アメリカのポップアート

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誰もがファンタジーを求めている。アメリカのポップアート

2021年6月7日～2023年1月31日

ジェームズ・ローゼンクイスト：ポテント・ポップ

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ジェームズ・ローゼンクイスト：ポテント・ポップ

2021年6月7日～2023年1月31日

抽象表現主義。ラジカルの超克

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抽象表現主義。ラジカルの超克

2022年1月12日～2023年1月31日

きらめく休日。みんなのアート

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きらめく休日。みんなのアート

2022年12月15日～2023年1月7日

アートの贈り物

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アートの贈り物

2022年11月24日～2023年1月7日

私自身の肌フリーダ・カーロとディエゴ・リベラ

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私自身の肌フリーダ・カーロとディエゴ・リベラ

2022年6月16日～12月31日

黒い抽象化。フェランドゥス・テムズ、ロドニー・マクミリアン、サム・ギリアム、テアスター・ゲイツ

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黒い抽象化。フェランドゥス・テムズ、ロドニー・マクミリアン、サム・ギリアム、テアスター・ゲイツ

2020年5月～2022年12月

ヨーゼフ・アルバース絵画の心

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ヨーゼフ・アルバース絵画の心

2022年5月12日～11月30日

抽象表現主義。執拗なまでの女性たち

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抽象表現主義。執拗なまでの女性たち

2021年11月1日～2022年8月31日

繊細な華やかさ

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繊細な華やかさ

2021年9月8日～2022年8月31日

アレクサンダー・カルダーコスモスを描く

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アレクサンダー・カルダーコスモスを描く

2022年3月2日～8月12日

見えない状態。アジア系アメリカ人アーティストと抽象化

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見えない状態。アジア系アメリカ人アーティストと抽象化

2020年4月23日～2022年6月30日

残りはとても美しい。現代美術と中国

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残りはとても美しい。現代美術と中国

2020年5月12日～2022年6月30日

メルセデス・マター。奇跡のような品質

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メルセデス・マター。奇跡のような品質

2021年3月22日～2022年6月30日

ムーア！ムーア！ムーア！ヘンリー・ムーアと彫刻

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ムーア！ムーア！ムーア！ヘンリー・ムーアと彫刻

2021年3月3日～2022年4月30日

スティルライフ、スティル

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スティルライフ、スティル

2020年4月10日～2022年4月30日

エレーヌ＆ウィレム・デ・クーニング光の中で描く

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エレーヌ＆ウィレム・デ・クーニング光の中で描く

2021年8月3日～2022年1月31日

アンディ・ウォーホルのポラロイドアルスロンガ

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アンディ・ウォーホルのポラロイドアルスロンガ

2020年12月10日～2021年12月31日

アンディ・ウォーホルのポラロイド私と私と私

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アンディ・ウォーホルのポラロイド私と私と私

2020年12月10日～2021年12月31日

アンディ・ウォーホルのポラロイドオール・ザット・グリッターズ

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アンディ・ウォーホルのポラロイドオール・ザット・グリッターズ

2020年12月10日～2021年12月31日

アンディ・ウォーホルのポラロイド。ランウェイに持ち込む

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アンディ・ウォーホルのポラロイド。ランウェイに持ち込む

2020年12月10日～2021年12月31日

モーリス・ゴルボフ

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モーリス・ゴルボフ

2020年10月1日～2021年12月31日

アメリカン・アイ：パーディー・コレクションからのセレクション

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アメリカン・アイ：パーディー・コレクションからのセレクション

2021年2月28日～12月31日

かっこいい学校

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かっこいい学校

2020年3月30日～2021年12月31日

ユダヤ・モダニズム第2部：シャガールからノーマンまでのフィジュレーション

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ユダヤ・モダニズム第2部：シャガールからノーマンまでのフィジュレーション

2020年4月30日～2021年12月31日

今月最も注目されたアート

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今月最も注目されたアート

2021年10月14日～11月14日

グロリア・ルリアコレクション

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グロリア・ルリアコレクション

2020年3月16日～2021年10月31日

フィンセント・ファン・ゴッホと大通りの大印象派

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フィンセント・ファン・ゴッホと大通りの大印象派

2021年3月2日～8月10日

モダンプリント

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モダンプリント

2020年12月26日～2021年6月19日

ポップフィギュア。メル・ラモスとトム・ウェッセルマン

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ポップフィギュア。メル・ラモスとトム・ウェッセルマン

2020年3月26日～2021年4月30日

ラジカルライン

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ラジカルライン

2020年4月11日～2021年1月31日

ハーブ・アルパート最近の作品

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ハーブ・アルパート最近の作品

2020年9月28日～12月13日

印象派と近代美術の宝石

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印象派と近代美術の宝石

2020年2月19日～10月31日

クールブリタニア：イギリスの若手アーティスト

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クールブリタニア：イギリスの若手アーティスト

2020年4月2日～9月30日

ウィークリーチャンス

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ウィークリーチャンス

2020年6月26日～8月31日

テオフィルス・ブラウンとポール・コナー:異なるレンズを通して見る

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テオフィルス・ブラウンとポール・コナー:異なるレンズを通して見る

2019年11月1日～2020年7月31日まで

ハッセル・スミス:測定された絵画

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ハッセル・スミス:測定された絵画

2020年2月12日~4月20日

メサモダン

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メサモダン

2020年2月13日~2月29日

ザカリフォルニアンズ

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ザカリフォルニアンズ

2019年11月1日~2020年2月14日

オピュレント・ミニマリズム

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オピュレント・ミニマリズム

2019年12月3日~2020年1月31日

ポール・ジェンキンスとロバート・ナトキン

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ポール・ジェンキンスとロバート・ナトキン

2019年11月1日~12月27日

モリス・ルイス - 初期の絵画

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モリス・ルイス - 初期の絵画

2019年10月11日~11月30日

支配的な分裂について:ジョン・フィリップ・ファルターからバーバラ・クルーガーまでのアメリカの風景

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支配的な分裂について:ジョン・フィリップ・ファルターからバーバラ・クルーガーまでのアメリカの風景

2019年9月5日~11月2日

アンセルム・キーファー

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アンセルム・キーファー

2019年8月15日~9月30日

ポール・ジェンキンス:驚異的

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ポール・ジェンキンス:驚異的

2019年7月1日~8月31日

ピーター・シェルトン:あなたがぶつかるもの

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ピーター・シェルトン:あなたがぶつかるもの

2019年7月16日~8月31日

ポール・ウォナーとウィリアム・テオフィラス・ブラウンの地所

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ポール・ウォナーとウィリアム・テオフィラス・ブラウンの地所

2019年7月21日~8月31日

好奇心の糸:著名な中西部コレクションからの選択

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好奇心の糸:著名な中西部コレクションからの選択

2019年7月22日~8月31日

素材と抽象化:テスター・ゲイツ、サム・ギリアム、ロドニー・マクミリアン

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素材と抽象化:テスター・ゲイツ、サム・ギリアム、ロドニー・マクミリアン

2019年7月25日~8月31日

アレクサンダー・カルダー:宇宙抽象化

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アレクサンダー・カルダー:宇宙抽象化

2019年6月21日~8月30日

ジュリアン・シュナベル

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ジュリアン・シュナベル

2019年6月4日~7月31日

ハッセル・スミス

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ハッセル・スミス

2019年5月6日~6月30日

リュック・ベルナール:非伝統的な国境

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リュック・ベルナール:非伝統的な国境

2019年5月3日~5月31日

サム・フランシス:夕暮れから夜明けまで

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サム・フランシス:夕暮れから夜明けまで

2018年11月15日 ~ 2019年4月29日

建築風景

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建築風景

2018年12月1日~2019年1月31日

グレゴリー・スマイダ:アメリカーナ

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グレゴリー・スマイダ:アメリカーナ

2018年4月5日~5月31日

N.C. ワイス:絵画とイラスト

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N.C. ワイス:絵画とイラスト

2018年2月1日~5月31日

ハーブ・アルパート:ビジュアル・メロディ

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ハーブ・アルパート:ビジュアル・メロディ

2018年2月17日~5月31日

崇高な抽象化

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崇高な抽象化

2017年11月25日 ~ 2018年5月31日

ウィンストン・チャーチル卿の絵画

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ウィンストン・チャーチル卿の絵画

2018年3月21日~5月30日

エドワード・カーティス

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エドワード・カーティス

2018年2月3日~3月17日

ヴォイチェフ・ファンゴール

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ヴォイチェフ・ファンゴール

2017年11月25日 ~ 2018年3月17日

フェラーリと未来派:イタリアのスピードを見る

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フェラーリと未来派:イタリアのスピードを見る

2016年11月21日 ~2017年1月30日

アレクサンダー・カルダー

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アレクサンダー・カルダー

2015年11月21日 - 2016年5月28日

カリフォルニア印象派の巨匠

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カリフォルニア印象派の巨匠

2014年11月22日 - 2015年5月23日

ローレンス・シラー:マリリン・モンローと60年代の偉大な瞬間

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ローレンス・シラー:マリリン・モンローと60年代の偉大な瞬間

2012年11月23日 - 2013年1月31日

画家的抽象化:AbExの球体

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画家的抽象化:AbExの球体

2011年11月25日 - 2012年5月31日

和紙物語:伊部京子の作品

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和紙物語:伊部京子の作品

2011年12月11日 - 2012年1月28日

印象派と近代美術の修士

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印象派と近代美術の修士

2010年11月20日 - 2011年9月25日

ピカソ

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ピカソ

2009年11月20日 - 2010年5月25日

ビュー上のアートワーク

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1886年5月15日、第8回印象派展でジョルジュ・スーラの最高傑作「ラ・グランド・ジャット島の日曜日の午後」が発表され、新しい芸術運動の視覚的マニフェストが生まれました。スーラは、点描主義や分割主義として知られるようになった「科学的印象派」の元祖といえる存在である。しかし、彼の友人であり、親友であった24歳のポール・シニャックとの絶え間ない対話が、光と色の物理的な理解における共同作業と、そこから生まれたスタイルにつながったのである。シニャックは未熟な印象派の画家であったが、その気質は、丹念に手間をかけた筆致と色彩を実現するために必要な厳しさと規律に完全に適合していた。シニャックはすぐにその技法を身につけた。また、スーラが2年がかりで、巨大な《ラ・グランド・ジャット》の上に、混じりけのない色の点を何層にも積み重ねていく苦労を目の当たりにしたのも彼だった。外向的なシニャックと内向的なスーラは、印象派の流れを変え、近代美術の流れを変えようとしていた。

PAUL SIGNAC

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

ジョージア・オキーフ

DIEGO RIVERA - Enriqueta G. Dávilaの肖像 - 油彩・キャンバス - 79 1/8 x 48 3/8 in.

ディエゴ・リベラ

WILLEM DE KOONING - 手漕ぎボートの女 - マソナイトに敷き詰められた紙に油彩 - 47 1/2 x 36 1/4 in.

ウィレム・デ・クーニング

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

ウェイン・ティーボー

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - 油彩キャンバス - 31 1/4 x 39 1/2 in.

アルフレッド・シスレー

EMIL NOLDE - Sonnenblumen、Abend II - 油彩・キャンバス - 26 1/2 x 35 3/8 in.

エミール・ノルデ

1870年代初頭、ウィンスロー・ホーマーは、ニューヨーク州のハドソン川とキャッツキル山脈の間に位置する、小麦の栽培が盛んな小さな集落での田舎暮らしの風景を頻繁に描いていました。ハーリーといえば、1872年の夏に描かれたホーマーの代表作『鞭打ちのスナップ』のインスピレーション源として知られる。この地域からインスピレーションを得た他の多くの絵画の中でも、「麦畑に立つ少女」は情感に富んでいるが、過度に感傷的になることはない。この作品は、1866年にフランスで描いた習作「麦畑で」と、アメリカに戻った翌年に描いた別の作品に直接関連している。しかし、ホーマーが最も誇りに思ったのは間違いなくこの作品であろう。肖像画であり、衣装の習作であり、ヨーロッパの牧歌的な絵画の偉大な伝統に則った風俗画であり、ドラマチックな逆光と雰囲気のある力作で、すぐに消えてしまう宵闇の時間に、花の香りと麦の穂のタッチで浮き立たせた。1874年、ホーマーはナショナル・アカデミー・オブ・デザイン展に4点の絵画を出品した。そのうちの1枚に「少女」というタイトルがつけられていた。それはこの作品ではないだろうか？

ウィンスロー・ホーマー

FRIDA KAHLO - Hammer and Sickle (and unborn baby) - 乾燥石膏とミクストメディア - 16 1/4 x 13 x 6 in.

フリダ・カーロ

N.C. WYETH - 夏。"Hush" - 油彩・キャンバス - 33 3/4 x 30 1/4 in.

N.C. ワイス

SEAN SCULLY - Grey Red - oil on aluminum - 85 x 75 in.

ショーン・スカリー

マルク・シャガールの世界は、私たちが貼るレッテルでは収まりきらないし、制限もできない。それは、イメージと意味の世界であり、それ自体が見事なまでに神秘的な言説を形成しているのです。この作品は、シャガールが90歳を迎えたときに制作されたもので、悲劇と苦悩を知りながらも、人生の歓喜の瞬間を忘れることはなかった。ここでは、ロシアの村の結婚式の夢のような喜びと、使い古された参列者の配置が、幸福なウィットと陽気な無邪気さで私たちにもたらされ、その魅力に抗うことはできません。油彩と不透明な水性ガッシュを組み合わせた黄金色のエマルジョンで、シャガールのいつものポジティヴィズムの暖かさ、幸福感、楽観性を、金箔の宗教イコンや神の光や悟りを感じさせるルネサンス初期の絵画の影響を感じさせる光り輝く輝きに包み込んでいます。油彩とガッシュの組み合わせは難しいものです。しかし、シャガールは、この《バルダックのマリア》で、油彩とグアッシュを併用することで、まるで自分の頭の中にある光景がそのまま具現化したかのような、別世界のような質感を与えています。そのテクスチャーの繊細さは、作品自体から光が発せられているような印象を与え、空に浮かぶ人物にスペクタルな質感を与えています。

マルク・シャガール

TOM WESSELMANN - Brunette with Irises - 油彩・切り抜きアルミニウム - 105 3/4 x 164 5/8 in.

トム・ヴェッセルマン

1906年に描かれたテオ・ファン・ライセルベルヘの「シルヴィ・ラコンの肖像」は、当時最も洗練され、一貫した肖像画家の一人による古典的な傑作である。色彩は調和がとれており、筆致は力強く、素材に合わせたもので、彼女の体や表情は真実味を帯びたものである。ゴーギャンと親交があり、ボナール、ドニ、ヴュイヤールらとレ・ナビのメンバーだった親友の画家ジョルジュ・ラコムの娘である。私たちが今、シルヴィ・ラコンブのことを知ることができるのは、ヴァン・ライセルベルヘが微妙な表情を表現することに長けており、注意深い観察と細部へのこだわりによって、彼女の内面への洞察を与えてくれたからです。彼は、彼女の目をあなたの目に向けるという直接的な視線を選び、絵と私たちの物理的な関係にかかわらず、主題と鑑賞者の間に避けられない契約を結んでいるのです。この肖像画を描いたとき、ヴァン・ライセルベルグは点描画の技法をほとんど放棄していた。しかし、彼は引き続き色彩理論の指針を適用し、緑にピンクやモーヴといった赤の色合いを用いて、補色による調和のとれたアメリケーション・パレットを作り上げ、そこに強烈なアクセントとして、彼女の頭の横に非対称に置かれた強烈な彩度の赤いリボンが目を引きます。

テオ・ヴァン・ライゼルベルグ

ロバート・インディアナの4文字の2列配置が、1960年代のムーブメントにどのような影響を与えたかは、想像に難くない。その原点は、宗教に深く触れ、友人であり師であったエルズワース・ケリーの硬質なスタイルと官能的でアクセントのない色彩が印象に残ったことにある。しかし、インディアナが「LOVEが私を噛んだ！」と言うように、それは偶然のキスメットのようなもので、デザインはシャープで集中したものになった。もちろん、インディアナはこのデザインを何度も試行錯誤し、そして、このロゴはあちこちに芽を出し始めたのです。イタリア語の "Amor "は、"O "が右に傾いているのが特徴的です。しかし、このバージョンは、「L」の足で蹴られるのではなく、上の「A」に美しい演出で揺さぶりをかけているのである。これは、愛とその感情的な性質について、新しい、しかし決して深くない印象を与えます。いずれにせよ、「Love」の傾いた「O」は、他の安定したデザインに不安定さを与え、「この言葉に関連するしばしば空虚な感傷、甘ったるい愛情ではなく、報われない憧れと失望を隠喩的に示唆する」（Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018）というインディアナの暗黙の批判を深く投影しています。繰り返しは、もちろん、シンプルさと、画期的なデザインの天才に対する私たちの評価を低下させる厄介な習慣があります。晩年、インディアナは「素晴らしいアイデアだったが、ひどい間違いでもあった」と嘆いている。あまりにも人気が出てしまった。人気が出るのを嫌う人もいるんだ」。しかし、分裂と混乱に満ちた世界の住人である私たちは、あなたに感謝します。"Love "とその多くのバージョンは、私たちの愛の能力を強く思い出させるものであり、それこそが、より良い未来への永遠の希望なのです。

ロバート・インディアナ

1887年以降、ベルギーの新印象派運動の中心的存在となったテオ・ファン・ライセルベルヘが、20世紀初頭の10年間に描いた妻マリア（旧姓モンノム）の肖像画である。彼は、ホイッスラーの同調主義、印象派、スーラの点描主義などの影響を受けながら、色彩とその調和的共鳴、そして形式的要素の綿密な描写を完成させていった。模範的な製図家であったヴァン・ライセルベルクにとって、色の相互作用に基づく光学的印象は、依然として主要な関心事であった。この作品では、点描画のような小さな点ではなく、短いストロークで描かれた色彩が用いられており、その配色は、この画家が高く評価する均質的で調和のとれたものではありません。むしろ、この肖像画はまったく別の方法で色彩理論を進めている。その視覚的な面白さは、赤と緑の補色で構成された周囲の光学的な鮮やかさの中で、妻の銀色の髪形、プラチナ色のドレス、真っ白な暖炉のマントルなどのダイナミックなコントラストが演出されていることにある。この珍しい色調のダイナミックなインパクトを理解した画家が、対角線上に強いアクセントを持つ人物像を配置し、絵画的資産を完全にコントロールする画家の技巧と機敏さで、その公式を実行したことは、視覚的に刺激的なデモンストレーションであった。

テオ・ヴァン・ライゼルベルグ

SERGIO DE CAMARGO - レリーフOpus 194 - ペイントされた木 - 22 3/4 x 14 1/4 x 2 3/4 in.

セルジオ・デ・カマルゴ

Irving Norman's masterpiece, "The Human Condition," from 1980, draws upon the artist's lifetime of acquired experiences and knowledge. Surviving as a volunteer fighter during the Spanish Civil War, the artist returned to the United States after the loyalist defeat. Upon his return, fervent studio practice in Half Moon Bay, California, would become his life's devotion. <br><br>The present work, a nearly 16-foot-wide triptych, is reminiscent of Hieronymus Bosch's triptych, "The Garden of Earthly Delights," c. 1510. The dystopian vision portrayed in 'The Human Condition" is a warning - a lesson from the European dictatorships Norman experienced firsthand during the 1930s. Disturbing tableaus show the darkness of humanity and the evil that can rise to prominence when humanity is at its worst. There is hope, however, in the experience of the viewer: Norman thought of his audience as the greatest hope for humankind.

アーヴィング・ノーマン

ジェームズ・ローゼンキスト - ゴードン・マッタ・クラークのためのバニティ不公平 - キャンバス上の油 - 62 3/4 x 43 x 2 3/4で。

ジェームズ・ローゼンキスト

Over his six-decade career, David Hockney reinvigorated the role of the representational artist by continually responding to his surroundings and embracing new forms of picture making. He was an early adaptor of technological advances such as Polaroid film, color photocopiers, and fax machines. He has also been the painter capable of reading the brushstrokes of Vermeer, Caravaggio, Velázquez, and Ingres and assert confidently that they too, relied upon instruments such as the camera obscura to trace out their pictures. <br><br>Beginning in 2009, Hockney exploited the drawing and painting applications of an iPad. Using its range of digital brushstrokes, color effects, and working with textures, dots, lines, and scribbles. his idiosyncratic perception of the natural world had never been more fully realized. Nor has he been more popular or credible in providing the blissful if guilty pleasure we feel in the presence of these works. When the Metropolitan Museum hosted his 2017 retrospective, visually stunning iPad paintings were chosen as the grand finale for one of their most memorable exhibitions in recent history. <br><br>Yosemite II, October 16th, 2011, is a monumental work and among the largest of the “Yosemite Suite” of some two dozen iPad ‘paintings’ that extends our appreciation of the breadth of Hockney’s fascination with the American West. He is the artist who made sun-splashed swimming pools de rigueur symbols of California culture. That he dared join the ranks of artists such as Albert Bierstadt and Ansel Adams, known for their dramatic lighting, atmospheric effects, and Yosemite’s awe-inspiring scale is a measure of Hockney’s self-professed certainly that this art is now, and forever woven into the fabric of art history. Nothing makes this claim more valid than his rejection of a single vanishing point perspective that has dominated Western art since the Renaissance. Hockney has often cited Meindert Hobbema’s painting The Avenue at Middelbarnis of 1689 as an apt demonstration of the dynamic impact of contrasting vanishing points: the first, a road that recedes to a vanishing point, and another in the sky, where the eye is led upward because of the verticality of the trees. Yosemite II, October 16th, 2011 presents as a similarly immersive experience for the viewer, no longer the passive observer, but instead, the active participant impelled to consciously and simultaneously connect with multiple perspectives – the second of which presents as the white granite face of El Capitan.

デイヴィッド・ホックニー

ANSEL ADAMS - Thunderstorm, Yosemite Valley, CA - gelatin silver print - 40 1/2 x 30 3/4 in.

アンセル・アダムス

ヌース》の人物は、中央のオダリスクのような人物を中心に自由に展開され、1906年の時点でピカソが抱いていたテーマ、ハーレムの中での女性の耽溺を示唆している。ピカソは晩年のデッサンについて、「何が出てくるかわからないが、描き始めるとすぐに物語やアイディアが生まれる...描きながら何時間もかけて、生き物を観察し、彼らが企んでいる狂ったことを考える...とても楽しいよ、信じてくれ」と述べている。ピカソにしかできない自由奔放な遊び。数あるポーズの中でも、プールで泳ぐ省略された姿は特に魅力的だ。

パブロピカソ

DAMIEN HIRST - Forgotten Thoughts - 蝶と家庭用グロス、キャンバス - 68 x 68 x 1 3/8 in (point-to-point).

ダミアン・ハースト

FRANK STELLA - 無題 - ボード上の三次元混合メディア、木にマウント - 43 x 128 x 12 in.

フランク・ステラ

FERNANDO BOTERO - Ballerina - ブロンズ - 41 x 24 x 24 in.

フェルナンド・ボテロ

PIERRE BONNARD - Soleil Couchant - 油彩・キャンバス - 14 1/2 x 22 1/2 in.

PIERRE BONNARD（ピエール・ボンナード

ルルドフ・バウアーは、非対象的抽象画の先駆者として、ワシリー・カンディンスキーと並び称されることが多い。抽象画の先駆者として、ワシリー・カンディンスキーと並び称されることが多いが、抽象画の偉大な作家の一人として、その栄誉にふさわしい。しかし、良くも悪くも、バウアーの美術史における地位は、彼がかつての恋人ヒラ・レベイの指導のもと、ソロモン・R・グッゲンハイムと結んだ不運な契約と表裏一体となっているのである。プレスト10》は、バウアーがベルリンの画廊Galerie Der Sturmに在籍していた1917年に制作され、1917、1918、1920年のいずれかの個展で展示されたと思われる。また、1939年6月1日から開催されたニューヨーク万国博覧会の「明日の芸術」展に、バウアーとヒラ・レベイが選んだ作品のひとつでもある。ソロモン・R・グッゲンハイム・コレクションの非対象絵画の第5巻カタログに掲載されている。

ルドルフ・バウアー

JEAN ARP - Sculpture Mythique - bronze - 25 x 9 1/2 x 12 in.

ジャン・アープ

ラリー・リバーズ

SALOMON VAN RUYSDAEL - 休息する人物と馬に乗ったカップルのいる砂丘の風景、その向こうにナイメーヘン大聖堂の眺め - 油彩・キャンバス - 26 1/2 x 41 1/2 in.

サロモン・バン・リュイスダール

カールアンドレの床の彫刻は、通常、鉛、亜鉛、または銅の輝くタイルから作られています。彼らはアクセシビリティの他のほとんどのミニマリストのアートワークとは異なります:彼らは歩くことを意図しています。歴史的に、アンドレはコンスタンティン・ブランクーシとヘンリー・ムーアの系譜に身を置いています。アンドレは、彫刻の語彙を最も重要でシンプルな形に減らす伝統を続けています。また、ドナルド・ジャッドの「特定の物体」の考え方にも触れ、視聴者の現象学的経験と構造と空間の探求を強調した。

カール・アンドレ

LEROY NEIMAN - ヴェネツィアのカーニバル - 油彩・板 - 48 x 96 in.

リロイ・ニーマン

ALFRED SISLEY - Vaches au paturage sur les bords de la Seine - Pastel on paper - 11 1/4 x 15 1/2 in.

アルフレッド・シスレー

Mel Ramos is best known for his paintings of superheroes and female nudes juxtaposed with pop culture imagery. Many of the subjects in his paintings emerge from iconic brands or cultural touchstones like Chiquita bananas, M&M bags, or Snickers. In these works, visual delight is combined with suggested edible and commercial indulgence.<br><br>Leta and the Hill Myna diverges from some of Ramos’ other nudes. Here Ramos depicts his wife, whom he spoke of as his greatest muse. Like his works depicting superheroes, Leta and the Hill Myna is imbued with mythos and lore. Myna birds are native to South Asia where some are taught to speak, often to recite religious. Furthermore, playing on his wife’s name and the avian theme, Ramos is referencing the famous tale of Leda and the Swan in which Zeus embodies a bird to rape Leda. The story has been reinterpreted throughout history, including by great artists such as Paul Cezanne, Cy Twombly and Fernando Botero. With this depiction, Ramos places himself in that same art historical lineage.

メル・ラモス

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - Pastel on paper laid down on board - 10 3/8 x 14 3/4 in.

カミール・ピサロ

ハーブアルパート - アローヘッド - ブロンズ - 201 x 48 x 48インチ。

ハーブ・アルパート

ハーブ・アルバートのブロンズ彫刻は、その巧みなねじれや曲線、流動性や動きの感覚から、「鋳造された凍った煙」のようだと評されています。この作品は「スピリット・トーテム」と呼ばれ、その呼び名は特に高さ17フィートのブロンズ彫刻「フリーダム」にふさわしいもので、自然と調和して生きるというネイティブアメリカンの価値観と信念に対するアルバートの賛辞である。ブラジルのイパネマのビーチで、気流に乗って悠々と泳ぐ鳥の群れに心を奪われたアルバートは、鳥小屋を連想させる「フリーダム」のアイデアを思いつきました。フリーダムのキャストはマリブ市に捧げられ、パシフィック・コースト・ハイウェイの東ランブラ・ビスタ・ロードの交差点に設置されています。

ハーブ・アルパート

元永定正は、1954年から1972年まで活動した伝説的な「具体美術協会」のメンバーとして、ポストアトミックな超現実主義の実存主義が日本の芸術発展の最先端を走っていた時代に登場しました。しかし、彼は別の道を選んだ。彼は、戦争による破壊に背を向け、新鮮で陽気で遊び心のある作品を制作しました。"1966年の「無題」は、モリス・ルイスの「ヴェール」と呼ばれる絵画と並行して発展した、彼の古典的なスタイルである。この作品は、明るい光を放つガチョウの櫛や目、斑模様の羽を連想させるかもしれませんが、そのような連想はおそらく恣意的で意図されたものではありません。それよりも、日本の伝統的な「たらしこみ」（絵具が完全に乾く前に、キャンバスをさまざまな角度に傾けて、樹脂とエナメルの混合物を互いに流し込む技法）を元永がアバンギャルドにアレンジした作品が見事に成功しているのです。

本永貞三

JOSEPH STELLA - Reclining Nude - 油彩・キャンバス - 50 x 52 1/2 in.

JOSEPH STELLA

FERNANDO BOTERO - Autoretrato a la manera de Velázquez - 厚紙に三色インクとクレヨン - 60 1/2 x 47 1/2 in.

フェルナンド・ボテロ

MARC QUINN - Lovebomb - フォトラミネート、アルミニウム - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

マルク・クイン

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

アレクサンダー・カルダー

ハーブ・アルバートの多くのブロンズ鋳造、絹のような黒色のパテント仕上げのスピリット・トーテムの中で、ウォーリアほどはっきりとした男性的な雰囲気を持つものは他にありません。猛禽類の紋章や平原インディアンの酋長の頭飾りを思わせるような鋸歯状の冠をかぶった「戦士」というタイトルは、強さ、勇気、不屈の精神などの特徴を適切に表現している。ヘンリー・ムーアの作品と同様に、これらの連想は、この力強い彫刻がダイナミックで強い印象を与えるために、ネガティブ・スペースに依存している部分があります。

ハーブ・アルパート

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - 風車とチャペルのある川の風景 - パネルに油絵 - 22 1/2 x 31 3/4 in.

ヤン・ヨセフスゾーン・ヴァン・ゴエン

JOAN MIRO - L'Oiseau - ブロンズとシンダーブロック - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

ジョアン・ミロ

HELIO OITICICA - Metaesquema 69 - 紙にグアッシュ - 17 5/8 x 21 1/8 in.

HELIO OITICICA

WILLIAM B. EGGLESTON - 無題（青い車、ダストベルより、第11巻） - archival pigment print - 31 1/2 x 48 in.

ウィリアム・ビー・エグルストン

WILLIAM B. EGGLESTON - 無題 (From Democratic Forest) - archival pigment print - 31 1/2 x 48 in.

ウィリアム・ビー・エグルストン

WILLIAM B. EGGLESTON - Untitled (From Election Eve) - archival pigment print - 32 1/2 x 48 1/4 in.

ウィリアム・ビー・エグルストン

アンディ・ウォーホルは、20世紀後半のアメリカン・アートの代名詞であり、その象徴的な肖像画や消費財で知られ、大衆文化と美術をミックスし、芸術のあり方や芸術に対するアプローチの仕方を再定義しました。ウォーホルの作品の多くは、有名な個人を描いたものではありませんが、無生物の描写は、被写体を有名人のレベルにまで高めています。ウォーホルは、ファッション・イラストレーターとして活躍した初期に初めて靴を描き、1980年代に再びこのテーマに取り組み、消費主義やグラマラスへの憧れを融合させたのです。ハイカルチャーとローカルチャーを融合させたいと常に考えていたウォーホルは、靴というどこにでもあるものにスポットを当てることを選択したのです。その対象は、貧困や富、機能、ファッションを示すことができます。ウォーホルは、積み上げられた靴を華やかにし、きらびやかなダイヤモンドの粉で覆い、実用的な必要性と様式化されたステートメントピースの間の意味をさらに曖昧にしました。

アンディ・ウォーホル

2023 カルダー財団、ニューヨーク / アーティスト・ライツ・ソサエティ（ARS）、ニューヨーク

アレクサンダー・カルダー

2023 カルダー財団、ニューヨーク / アーティスト・ライツ・ソサエティ（ARS）、ニューヨーク

アレクサンダー・カルダー

2023 カルダー財団、ニューヨーク / アーティスト・ライツ・ソサエティ（ARS）、ニューヨーク

アレクサンダー・カルダー

LE PHO - 花 - 油彩・キャンバス - 28 3/4 x 21 1/4 in.

LE PHO

RODOLFO MORALES - 無題 - 油彩・キャンバス - 37 1/4 x 39 1/4 in.

ロドルフォ・モラレス

2023 カルダー財団、ニューヨーク / アーティスト・ライツ・ソサエティ（ARS）、ニューヨーク

アレクサンダー・カルダー

2023 カルダー財団、ニューヨーク / アーティスト・ライツ・ソサエティ（ARS）、ニューヨーク

アレクサンダー・カルダー

アーヴィング・ノーマン - さようなら - キャンバスに油彩 - 90 x 100インチ。

アーヴィング・ノーマン

エド・ルシャは、アメリカーナのシンボルの探求と言語と芸術の関係の一部のために、最も著名なアメリカの芸術家の一人です。「ザ・エンド」は、1990年代から2000年代にかけて使用された映画のテーマで、絵画、版画、ドローイングに登場し、特に1991年の近代美術館での大規模な絵画です。時間と陳腐化の経過に対処して、Ruschaは時代遅れの書体と映画でテキストを使用する古い映画の伝統を利用しています。一時的性の概念は、言葉自体、終わり、および媒体自体の性質によって強化されます。1960年代に開発された未来的と考えられ、ホログラムのレーザー技術は、視聴者の動きに伴って画像が変化するにつれて、無透過性の感覚を生み出します。シフトする言葉や画像には生まれつきの動きがありますが、これらのホログラムは完全な停止を表し、時間の中で凍結された一過性の瞬間を表しています。

エド・ルシャ

ANSEL ADAMS - Winter Sunrise, Sierra Nevada from Lone Pine - gelatin silver print - 18 3/4 x 22 3/4 in.

アンセル・アダムス

アーヴィングノーマン - トーテムス - キャンバスに油彩 - 72 x 110インチ。

アーヴィング・ノーマン

Celebrated for his vivid use of color, grand presentations of the female figure, and skillful work in multiple media, Tom Wesselmann was one of the most influential artists to emerge from the Pop art movement during the 1960s. Originally planning a career as a cartoonist, Wesselmann quickly established himself as one of the driving forces of contemporary art in New York. Since 1983, Tom Wesselmann used enamel on cut-out steel to depict his loose and energetic, yet meticulous, sketches in the third dimension. Ranging in scale, the sculptural works are an innovative part of the artist’s oeuvre.<br><br>Wesselmann's work is included in museum collections worldwide, including the Whitney Museum of American Art, the Smithsonian American Art Museum, the Art Institute of Chicago, the Albright-Knox Art Gallery, the Museum of Modern Art in New York, the Walker Art Center, and the National Galerie, Berlin, among many others.<br><br>"Partial Monica with Hat and Beads" is from the collection of Gloria Luria, a pioneer of the art scene in Miami as an art dealer and collector. She introduced into the region artists that are today considered icons of art history: Pat Steir, David Hockney, Andy Warhol, Arakawa, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Larry Rivers, Claes Oldenburg, and many more. Luria has dedicated her life to fostering a thriving culture in the region from being a founding member and president of the Art Dealers Association of South Florida to helping bring the art fair, Art Miami, to the Miami Beach Convention Center. Her philanthropic generosity also extends to the performing arts, helping support Tanglewood and the Boston Symphony Orchestra, and the Adrienne Arsht Center for the Performing Arts and the New World Symphony.

トム・ヴェッセルマン

デボラ・バターフィールドはアメリカの彫刻家で、木材、金属、その他の見つかった物体から作られた馬の彫刻で最もよく知られています。1981年の作品「無題(馬)」は、ワイヤーアーマチュアの棒と紙で構成されています。この作品の印象的なスケールは、バターフィールドの有名な主題の顕著な例を提示し、人に顕著な効果を作成します。バターフィールドはもともとモンタナ州ボーズマンの彼女の財産で見つかった木材や他の材料から馬を作成し、これらの形態の感情的な共鳴を採掘し、比喩的な自画像として馬を見ました。

デボラ・バターフィールド

Marc Newson is widely recognized as one of the most influential designers of our time. His subjects range from seemingly ordinary objects such as bicycles to groundbreaking designs in furniture and airplanes. The Philadelphia Museum of Art's 2013-2014 exhibition "Marc Newson: At Home" exposed a new American audience to Newson's futuristic aesthetic in a traditional museum setting. <br><br>"Micarta Table" (2007) uses contemporary materials, including plastic composites, to create the illusion of a traditional wood veneer surface. This blending of old and new is a hallmark of Newson's work. Examples of Newson's work can be found in museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York, The San Francisco Museum of Modern Art, and the Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum, New York City.

マーク・ニューソン

HERB ALPERT - Inspired - bronze - 100 x 20 x 12 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Concert Master - bronze - 93 x 14 in.

ハーブ・アルパート

元永定正は、1954年から1972年まで活動した伝説的な「具体美術協会」のメンバーとして、ポストアトミックな超現実主義の実存主義が日本の芸術発展の最先端を走っていた時代に登場しました。しかし、彼は別の道を選んだ。彼は、戦争による破壊に背を向け、新鮮で陽気で遊び心のある作品を制作しました。"1969年の「無題」は、モリス・ルイスのいわゆる「ヴェール」と呼ばれる絵画と同時に発展した、彼の古典的なスタイルである。この作品は、日本の伝統的な「たらしこみ」（絵具が完全に乾く前に、キャンバスをさまざまな角度に傾けて、樹脂とエナメルの混合物を互いに流し込む技法）を元永が前衛的にアレンジしたもので、見事に成功しています。

本永貞三

A veteran of the battle of Verdun, Fernand Leger witnessed the horror and staggering loss of over 1 Million of his fellow countrymen during World War I. This horrific experience of fighting in the trenches of Europe left an indelible mark on the artist. The modern and mechanized aspects of this new form of warfare, with tanks, modern artillery, and gruesome tactics, inspired Leger to create some of his greatest masterpieces. <br><br>The Present drawing, executed in 1930, is a relic from the decade following the First World War. Untitled (1930) was purchased from the Katherine Kuh galley in Chicago- and has been impeccably preserved by the family of the original purchaser. It is exceedingly rare to find drawings like Untitled outside of Museum collections.

フェルナンド・レガー

"Ray Gun became a catch title for all sorts of things. Looking down on the street, I would find this angle in the shape of a ray gun everywhere. And I would collect the ray guns. They became quite an obsession."<br>-Claes Oldenburg<br><br>"Two Ray Guns" (1964) was initially sold through the venerable Sidney Janis Gallery. The work draws upon Oldenburg's keen observational sense and fascination with science fiction and popular American culture. The fascination with Ray Guns became a conceptual art practice for Oldenburg; he would not construct them in the traditional sense but instead, find objects that could be reduced into the form. Ray Gun Examples exist in plastic, bronze, plaster, and many different media. <br><br>Our example from the Ray Gun series has been in the same important American collection for many years. Several examples from this series are in prominent museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York.

クレーズ・オルデンブルク

ANSEL ADAMS - Aspens, Northern New Mexico - gelatin silver print - 15 1/4 x 19 1/4 in.

アンセル・アダムス

CHUCK CLOSE - Self Portrait - ガラスホログラム4枚組 - 14 x 11 in ea.

チャッククローズ

ELAINE DE KOONING - The Matador - gouache on paper - 7 3/4 x 9 1/2 in.

エレーン・デ・クーニング

PABLO PICASSO - Fumeur a la Cigarette Blanche - アクアチント、紙 - 21 1/4 x 15 1/4 in.

パブロピカソ

フランシス・セレンタノ - 楕円形のキネティックペインティング - 石積みのアクリル - 48 x 48 x 6 1/2インチ。

フランシス・セレンタノ

CARLOS LUNA - La Mia (1225 OC) - 油彩・キャンバス - 47 x 58 in.

カルロス・ルナ

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

アーヴィング・ノーマン

DAMIEN HIRST - Hagia Sophia (Cathedral Series) - グレイズとダイヤモンドダストを使ったスクリーンプリント - 47 1/4 x 47 1/4 in.

ダミアン・ハースト

ROBERTO MATTA - L'epreuve - キャンバスに油彩 - 29 1/2 x 25 1/2 in.

ロベルト・マッタ

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - ブロンズ、グリーンパティナ - 103 1/2 x 22 x 17 in.

セス・カウフマン

WILLIAM WENDT - California Landscape - 油彩・キャンバス - 23 1/2 x 31 3/4 in.

ウィリアム・ウェント

「インテリア」はモーリス・アスケナージーの現代的な作曲の一つで、ボナールやヴイヤルドの作品を思い浮かべています。親密なシーンは、ヌードの女性モデルを示しています, 劇的にプロファイルで見られる, 日没のスタジオで画家のためにポーズ.部屋のドアが開いていて、視聴者がアーティストとモデルのプライベートなやり取りを垣間見たような印象を与えます。開いたドアの背面に巧みに置かれた鏡は、私たちが仕事でアスケナジー自身として取ることを意図している画家の反射を明らかにします。アスケナジーは、パターンのオスマンから壁にフレーム化された絵画まで、印象派の色のモザイクに、部屋の詳細を描くために細心の注意を払います。

モーリス・アスケナジ

ANDY WARHOL - The Shadow (神話より) - 紙にダイヤモンドダスト入りカラースクリーンプリント - 37 1/2 x 37 1/2 in.

アンディ・ウォーホル

ANDY WARHOL - Love - スクリーンプリント - 25 1/2 x 19 1/4 in.

アンディ・ウォーホル

フランシスコ・トレド - 無題 - 紙上の混合メディア - 8 x 10 1/4インチ。

フランシスコ・トレド

LEON AUGUSTIN L'HERMITTE - Etude de vieille femme - Pastel and crayon on cardboard - 25 1/2 x 20 1/4 in.

レオン・オーギュスタン・エルミット

LEROY NEIMAN - Equestrian Horseman - mixed media on paper - 22 x 28 in.

リロイ・ニーマン

IMOGEN CUNNINGHAM - The Unmade Bed - シルバー・ゼラチン・プリント - 10 1/4 x 13 1/2 in.

イモージェン・カニンガム

ANDY WARHOL - Love - スクリーンプリント - 25 1/4 x 19 1/2 in.

アンディ・ウォーホル

ANDY WARHOL - Love - スクリーンプリント - 25 1/2 x 19 3/8 in.

アンディ・ウォーホル

WILLEM DE KOONING - 無題 - 紙にグラファイト - 8 x 10 1/2 in.

ウィレム・デ・クーニング

HERB ALPERT - Counter Balance - bronze - 28 x 28 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Human Nature - bronze - 44 x 10 x 7 in.

ハーブ・アルパート

AI WEIWEI - "Fairytale" Chairs - wood - 49 x 45 x 17 1/2 in.

AI WEIWEI

ABEL GEORGE WARSHAWSKY - ブルターニュの木 - 油彩・キャンバス - 25 1/2 x 32 in.

エーベル・ジョージ・ウォーシャウスキー

DIEGO RIVERA - Guardante Silente De La Verdad, En El Tramo de la 'Revelacion Del Camino' - graphite on paper laid down to cardboard - 22 x 22 in.

ディエゴ・リベラ

ROSS BLECKNER - 無題 - 油彩・印画紙 - 37 1/2 x 24 3/4 in.

ロス・ブレックナー

HERB ALPERT - Golden Dreams - キャンバスにアクリル - 48 x 72 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Spellbound - キャンバスにアクリル - 72 x 48 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Silent Snow - キャンバスにアクリル - 72 x 48 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Soft Spoken - キャンバスにアクリル - 48 x 72 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Falling for You - キャンバスにアクリル - 48 x 72 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Now Hear This - キャンバスにアクリル - 48 x 72 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Jive Talk - キャンバスにアクリル - 48 x 72 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Against the Wind - キャンバスにアクリル - 48 x 72 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Silent Spring - キャンバスにアクリル - 48 x 72 in.

ハーブ・アルパート

EDWARD WESTON - Charis, Santa Monica - ゼラチン・シルバー・プリント - 9 1/2 x 7 1/2 in.

EDWARD WESTON

ANDY WARHOL - Carolina Herrera - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3/8 in.

アンディ・ウォーホル

ANDY WARHOL - アンディ・ウォーホル - ゼラチンシルバープリント - 10 x 8 in.

アンディ・ウォーホル

アーヴィングノーマン - 女性溶接機、船 - 紙にグラファイト - 14 1/4 x 28 3/8インチ。

アーヴィング・ノーマン

LOUISE BOURGEOIS - 無題 - ガラスホログラム（セット23からシングルホログラム） - 10 3/4 x 13 3/4 in.

ルイーズ・ブルジョワ

ANDY WARHOL - ジョージ - ポラロイド、ポラカラー - 4 1/4 x 3/8 in.

アンディ・ウォーホル

HERB ALPERT - Brasilian Moon - キャンバスにアクリル - 36 x 72 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Brasilian Mist - キャンバスにアクリル - 36 x 72 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Isolation - キャンバスにアクリル - 36 x 60 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Fractured Memories - キャンバスにアクリル - 60 x 36 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Just a Dream Away - キャンバスにアクリル - 60 x 36 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - The Observer - キャンバスにアクリル - 60 x 36 in.

ハーブ・アルパート

MICAELA AMATO - Cameroon Girl - cast glass - 16 x 12 x 10 1/2 in.

ミカエラ・アマト

JEAN MANNHEIM - Before the Storm - oil on panel - 12 x 15 1/2 in.

JEAN MANNHEIM（ジャン・マンハイム

WILLEM DE KOONING - For Lisa - リトグラフ - 17 1/2 x 23 1/4 in.

ウィレム・デ・クーニング

HERB ALPERT - At the Ballet - キャンバスにアクリル - 48 x 48 in.

ハーブ・アルパート

HERB ALPERT - Connection - キャンバスにアクリル - 36 x 48 in.

ハーブ・アルパート

CARLOS LUNA - Sin titulo - 紙にミクストメディア - 22 1/2 x 30 1/4 in.

カルロス・ルナ

DAVID MORRIS - ホーンプレンティ2 - 鋳造石ベース上のニッケルメッキポリマー - 18 1/2 x 9 1/4 x 11インチ。

デイヴィッド・モリス

CARLOS LUNA - 無題 - 紙にミクストメディア - 30 x 22 1/2 in.

カルロス・ルナ

JOSEF ALBERS - 製剤: アーティキュレーション - スクリーンプリント - 左: 10 x 12 3/8 in.

ヨーゼフ・アルバース

ジョージ・オルトマン - 10作品Xテン画家 - スクリーンプリント - 24 x 20 in。

ジョージ・オルトマン

アーヴィング・ノーマン - サーカス、バランスをとる第2法(研究) - 紙の上の鉛筆 - 11 x 9で。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - サーカス、バランス法2a(研究) - 紙の上の鉛筆 - 11 x 9で。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(「ベートーヴェンの第9交響曲の不死」のための可能な研究)- 紙の上の鉛筆 - 14 x 11インチ。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(クリプトの体) - 紙の上の鉛筆 - 7 1/2 x 3 7/8で。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(戦争研究) - 紙の上のグラファイト - 6 x 3 1/2で。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(ボディ) - 紙の上の鉛筆 - 6 3/4 x 2 in.

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(喫煙人) - 紙の上のペン - 8 7/8 x 6で。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(火の鳥を持つ男) - 紙の上のグラファイトとクレヨン - 12 x 8 7/8で。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(「お祝い」のための可能な研究) - 紙の上のグラファイト - 4 7/8 x 3インチ。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(「仕事から」のための可能な研究) - 紙の上の鉛筆 - 11 x 14インチ。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(火の頭) - 紙の上のグラファイトとクレヨン - 12 x 8 7/8で。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(「仕事から」のための可能な研究) - 紙の上の鉛筆 - 11 x 14インチ。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(抽象的な頭) - 紙の上のペン - 8 7/8 x 6で。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(「ベートーヴェンの第9交響曲の不死」2のための可能な研究) - 紙の上のグラファイト - 14 x 11インチ。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(4頭) - 紙の上のグラファイト - 5 x 3 1/2で。

アーヴィング・ノーマン

アーヴィング・ノーマン - 無題(「仕事から」の可能な研究) - 紙の上のグラファイト - 5 x 3 1/2インチ。

アーヴィング・ノーマン

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Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

ジョージア・オキーフ

DIEGO RIVERA - Enriqueta G. Dávilaの肖像 - 油彩・キャンバス - 79 1/8 x 48 3/8 in.

ディエゴ・リベラ

WILLEM DE KOONING - 手漕ぎボートの女 - マソナイトに敷き詰められた紙に油彩 - 47 1/2 x 36 1/4 in.

ウィレム・デ・クーニング

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

トム・ヴェッセルマン

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

ウェイン・ティーボー

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - 油彩キャンバス - 31 1/4 x 39 1/2 in.

アルフレッド・シスレー

EMIL NOLDE - Sonnenblumen、Abend II - 油彩・キャンバス - 26 1/2 x 35 3/8 in.

エミール・ノルデ

ALEXANDER CALDER - 十字架 - 油彩・キャンバス - 28 3/4 x 36 1/4 in.

アレクサンダー・カルダー

1870年代初頭、ウィンスロー・ホーマーは、ニューヨーク州のハドソン川とキャッツキル山脈の間に位置する、小麦の栽培が盛んな小さな集落での田舎暮らしの風景を頻繁に描いていました。ハーリーといえば、1872年の夏に描かれたホーマーの代表作『鞭打ちのスナップ』のインスピレーション源として知られる。この地域からインスピレーションを得た他の多くの絵画の中でも、「麦畑に立つ少女」は情感に富んでいるが、過度に感傷的になることはない。この作品は、1866年にフランスで描いた習作「麦畑で」と、アメリカに戻った翌年に描いた別の作品に直接関連している。しかし、ホーマーが最も誇りに思ったのは間違いなくこの作品であろう。肖像画であり、衣装の習作であり、ヨーロッパの牧歌的な絵画の偉大な伝統に則った風俗画であり、ドラマチックな逆光と雰囲気のある力作で、すぐに消えてしまう宵闇の時間に、花の香りと麦の穂のタッチで浮き立たせた。1874年、ホーマーはナショナル・アカデミー・オブ・デザイン展に4点の絵画を出品した。そのうちの1枚に「少女」というタイトルがつけられていた。それはこの作品ではないだろうか？

ウィンスロー・ホーマー

FRIDA KAHLO - Hammer and Sickle (and unborn baby) - 乾燥石膏とミクストメディア - 16 1/4 x 13 x 6 in.

フリダ・カーロ

N.C. WYETH - 夏。"Hush" - 油彩・キャンバス - 33 3/4 x 30 1/4 in.

N.C. ワイス

SEAN SCULLY - Grey Red - oil on aluminum - 85 x 75 in.

ショーン・スカリー

マルク・シャガールの世界は、私たちが貼るレッテルでは収まりきらないし、制限もできない。それは、イメージと意味の世界であり、それ自体が見事なまでに神秘的な言説を形成しているのです。この作品は、シャガールが90歳を迎えたときに制作されたもので、悲劇と苦悩を知りながらも、人生の歓喜の瞬間を忘れることはなかった。ここでは、ロシアの村の結婚式の夢のような喜びと、使い古された参列者の配置が、幸福なウィットと陽気な無邪気さで私たちにもたらされ、その魅力に抗うことはできません。油彩と不透明な水性ガッシュを組み合わせた黄金色のエマルジョンで、シャガールのいつものポジティヴィズムの暖かさ、幸福感、楽観性を、金箔の宗教イコンや神の光や悟りを感じさせるルネサンス初期の絵画の影響を感じさせる光り輝く輝きに包み込んでいます。油彩とガッシュの組み合わせは難しいものです。しかし、シャガールは、この《バルダックのマリア》で、油彩とグアッシュを併用することで、まるで自分の頭の中にある光景がそのまま具現化したかのような、別世界のような質感を与えています。そのテクスチャーの繊細さは、作品自体から光が発せられているような印象を与え、空に浮かぶ人物にスペクタルな質感を与えています。

マルク・シャガール

ANISH KAPOOR - Halo - ステンレススチール - 120 x 120 x 27 in.

アニッシュ・カプーア

TOM WESSELMANN - Brunette with Irises - 油彩・切り抜きアルミニウム - 105 3/4 x 164 5/8 in.

トム・ヴェッセルマン

MARSDEN HARTLEY - バッハの前奏曲とフーガ第1番（音楽のテーマ） - 油彩、キャンバス、ボードに横付け - 28 1/2 x 21 in.

マースデンハートリー

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

パブロピカソ

1906年に描かれたテオ・ファン・ライセルベルヘの「シルヴィ・ラコンの肖像」は、当時最も洗練され、一貫した肖像画家の一人による古典的な傑作である。色彩は調和がとれており、筆致は力強く、素材に合わせたもので、彼女の体や表情は真実味を帯びたものである。ゴーギャンと親交があり、ボナール、ドニ、ヴュイヤールらとレ・ナビのメンバーだった親友の画家ジョルジュ・ラコムの娘である。私たちが今、シルヴィ・ラコンブのことを知ることができるのは、ヴァン・ライセルベルヘが微妙な表情を表現することに長けており、注意深い観察と細部へのこだわりによって、彼女の内面への洞察を与えてくれたからです。彼は、彼女の目をあなたの目に向けるという直接的な視線を選び、絵と私たちの物理的な関係にかかわらず、主題と鑑賞者の間に避けられない契約を結んでいるのです。この肖像画を描いたとき、ヴァン・ライセルベルグは点描画の技法をほとんど放棄していた。しかし、彼は引き続き色彩理論の指針を適用し、緑にピンクやモーヴといった赤の色合いを用いて、補色による調和のとれたアメリケーション・パレットを作り上げ、そこに強烈なアクセントとして、彼女の頭の横に非対称に置かれた強烈な彩度の赤いリボンが目を引きます。

テオ・ヴァン・ライゼルベルグ

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

N.C. ワイス

ロバート・インディアナの4文字の2列配置が、1960年代のムーブメントにどのような影響を与えたかは、想像に難くない。その原点は、宗教に深く触れ、友人であり師であったエルズワース・ケリーの硬質なスタイルと官能的でアクセントのない色彩が印象に残ったことにある。しかし、インディアナが「LOVEが私を噛んだ！」と言うように、それは偶然のキスメットのようなもので、デザインはシャープで集中したものになった。もちろん、インディアナはこのデザインを何度も試行錯誤し、そして、このロゴはあちこちに芽を出し始めたのです。イタリア語の "Amor "は、"O "が右に傾いているのが特徴的です。しかし、このバージョンは、「L」の足で蹴られるのではなく、上の「A」に美しい演出で揺さぶりをかけているのである。これは、愛とその感情的な性質について、新しい、しかし決して深くない印象を与えます。いずれにせよ、「Love」の傾いた「O」は、他の安定したデザインに不安定さを与え、「この言葉に関連するしばしば空虚な感傷、甘ったるい愛情ではなく、報われない憧れと失望を隠喩的に示唆する」（Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018）というインディアナの暗黙の批判を深く投影しています。繰り返しは、もちろん、シンプルさと、画期的なデザインの天才に対する私たちの評価を低下させる厄介な習慣があります。晩年、インディアナは「素晴らしいアイデアだったが、ひどい間違いでもあった」と嘆いている。あまりにも人気が出てしまった。人気が出るのを嫌う人もいるんだ」。しかし、分裂と混乱に満ちた世界の住人である私たちは、あなたに感謝します。"Love "とその多くのバージョンは、私たちの愛の能力を強く思い出させるものであり、それこそが、より良い未来への永遠の希望なのです。

ロバート・インディアナ

ADOLPH GOTTLIEB - 方位 - キャンバスに油彩 - 95 3/4 x 144 1/4インチ。

アドルフ・ゴットリーブ

FRANK STELLA - The Musket - ミクストメディア、アルミニウム - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 in.

フランク・ステラ

SALOMON VAN RUYSDAEL - 休息する人物と馬に乗ったカップルのいる砂丘の風景、その向こうにナイメーヘン大聖堂の眺め - 油彩・キャンバス - 26 1/2 x 41 1/2 in.

サロモン・バン・リュイスダール

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - 風車とチャペルのある川の風景 - パネルに油絵 - 22 1/2 x 31 3/4 in.

ヤン・ヨセフスゾーン・ヴァン・ゴエン

JOAN MIRO - L'Oiseau - ブロンズとシンダーブロック - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

ジョアン・ミロ

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