מדבר פאלם

תערוכותעבודות עבודה על שירותי חדשות הקשורים לצפייה

  • HJPD-2020-2
  • HJFA_Portola_facade-2016e
  • HJFA_Portola10
  • LA_install1
  • AbEx-install1
  • LA_install1

הגלריה שלנו במדבר פאלם ממוקמת במיקום מרכזי באזור פאלם ספרינגס בקליפורניה, בסמוך לאזור הקניות והאוכל הפופולרי של אל פאסאו. קהל הלקוחות שלנו מעריך את הבחירה שלנו באמנות שלאחר המלחמה, מודרנית ועכשווית. מזג האוויר המדהים בחודשי החורף מושך מבקרים מכל רחבי העולם לראות את המדבר היפה שלנו, ולעצור ליד הגלריה שלנו. הנוף המדברי ההררי שבחוץ מספק את הרקע הנופי המושלם לסעודה הוויזואלית שמחכה בפנים.

שדרות פורטולה 45188
פאלם דזרט, קליפורניה 92260
(760) 346-8926

שעות:
שני-שבת 9:00-17:00

תערוכות

הצג הכל

אמנות המתנות: הזדמנויות לחגים
הנוכחי

אמנות המתנות: הזדמנויות לחגים

21 בנובמבר 2023 - 20 בינואר 2024
פיקאסו: מעבר לקנבס
הנוכחי

פיקאסו: מעבר לקנבס

4 באוקטובר 2023 - 30 באפריל 2024
אין ארץ אחרת: מאה שנים של נופים אמריקאיים
הנוכחי

אין ארץ אחרת: מאה שנים של נופים אמריקאיים

21 בספטמבר 2023 - 31 במרץ 2024
אנסל אדמס: אישור החיים
הנוכחי

אנסל אדמס: אישור החיים

21 בספטמבר 2023 - 31 במרץ 2024
אמנות המערב האמריקאי: אוסף בולט
הנוכחי

אמנות המערב האמריקאי: אוסף בולט

24 באוגוסט 2023 - 29 בפברואר 2024
אלכסנדר קלדר: עיצוב יקום ראשוני
הנוכחי

אלכסנדר קלדר: עיצוב יקום ראשוני

23 באוגוסט 2023 - 29 בפברואר 2024
מעגל ראשון: מעגלים באמנות
הנוכחי

מעגל ראשון: מעגלים באמנות

14 בפברואר 2023 - 29 בפברואר 2024
דם לבך: צמתים של אמנות וספרות
הנוכחי

דם לבך: צמתים של אמנות וספרות

12 בספטמבר 2022 - 31 בדצמבר 2023
אנדי וורהול פולארויד: פלאים מרושעים
הנוכחי

אנדי וורהול פולארויד: פלאים מרושעים

13 בדצמבר 2021 - 31 במרץ 2024
תבנית וקישוט: פמיניזם וחברות
הנוכחי

תבנית וקישוט: פמיניזם וחברות

14 בספטמבר 2020 - 31 בדצמבר 2023
פארק ג
הנוכחי

פארק ג'ה קון: חיים ושורש

12 במרץ 2020 - 31 במרץ 2024
אירווינג נורמן: חומר אפל
הנוכחי

אירווינג נורמן: חומר אפל

27 בנובמבר 2019 - 31 במרץ 2024
פרחים לאביב, פורצי דרך
ארכיון

פרחים לאביב, פורצי דרך

8 במאי - 30 בנובמבר 2023
פופ ארט: לא יכול לקנות את האהבה שלי
ארכיון

פופ ארט: לא יכול לקנות את האהבה שלי

26 בינואר - 31 באוקטובר 2023
חיתוך נייר: עבודות ייחודיות על נייר
ארכיון

חיתוך נייר: עבודות ייחודיות על נייר

27 באפריל 2022 - 31 באוקטובר 2023
אנדי וורהול: זוהר בקצה
ארכיון

אנדי וורהול: זוהר בקצה

27 באוקטובר 2021 - 30 בספטמבר 2023
תקופה יפה: אמנות אמריקאית בעידן המוזהב
ארכיון

תקופה יפה: אמנות אמריקאית בעידן המוזהב

24 ביוני 2021 - 31 באוגוסט 2023
זה היה מקובל בשנות ה -80
ארכיון

זה היה מקובל בשנות ה -80

27 באפריל 2021 - 31 באוגוסט 2023
אלכסנדר קאלדר: יקום של ציור
ארכיון

אלכסנדר קאלדר: יקום של ציור

10 באוגוסט 2022 - 31 באוגוסט 2023
מפגש עם החיים: נ.צ. וויית
ארכיון

מפגש עם החיים: נ.צ. וויית' וציורי הקיר של MetLife

18 ביולי 2022 - 25 באפריל 2023
פול ג
ארכיון

פול ג'נקינס: צביעת הפנומנלי

27 בדצמבר 2019 - 31 במרץ 2023
נ.צ. וויית
ארכיון

נ.צ. וויית': עשור של ציור

29 בספטמבר 2022 - 31 במרץ 2023
הרב אלפרט: שיחות בלחש
ארכיון

הרב אלפרט: שיחות בלחש

7 במרץ - 13 במרץ 2023
ג
ארכיון

ג'ורג'יה אוקיף ומרסדן הארטלי: מוחות מודרניים

1 בפברואר 2022 - 28 בפברואר 2023
נורמן זמיט: התקדמות הצבע
ארכיון

נורמן זמיט: התקדמות הצבע

19 במרץ 2020 - 28 בפברואר 2023
פיסול לחושים: פיסול חיצוני
ארכיון

פיסול לחושים: פיסול חיצוני

4 באוגוסט 2021 - 28 בפברואר 2023
מאסטרים פיגורטיביים של האמריקות
ארכיון

מאסטרים פיגורטיביים של האמריקות

4 בינואר - 12 בפברואר 2023
ג
ארכיון

ג'יימס רוזנקוויסט: פופ חזק

7 ביוני 2021 - 31 בינואר 2023
כל אחד צריך פנטזיה: פופ ארט באמריקה
ארכיון

כל אחד צריך פנטזיה: פופ ארט באמריקה

7 ביוני 2021 - 31 בינואר 2023
אקספרסיוניזם מופשט: התעלות מעל הרדיקלי
ארכיון

אקספרסיוניזם מופשט: התעלות מעל הרדיקלי

12 בינואר 2022 - 31 בינואר 2023
מתנת האמנות
ארכיון

מתנת האמנות

24 בנובמבר 2022 - 7 בינואר 2023
חג נוצץ: אמנות לכולם
ארכיון

חג נוצץ: אמנות לכולם

15 בדצמבר 2022 - 7 בינואר 2023
הפשטה שחורה: פלנדוס התמזה, רודני מקמיליאן, סם גיליאם ותיאסטר גייטס
ארכיון

הפשטה שחורה: פלנדוס התמזה, רודני מקמיליאן, סם גיליאם ותיאסטר גייטס

מאי 2020 - דצמבר 2022
העור שלי: פרידה קאלו ודייגו ריברה
ארכיון

העור שלי: פרידה קאלו ודייגו ריברה

16 ביוני - 31 בדצמבר 2022
יוסף אלברס: לב הציור
ארכיון

יוסף אלברס: לב הציור

12 במאי - 30 בנובמבר 2022
שפע עדין
ארכיון

שפע עדין

8 בספטמבר 2021 - 31 באוגוסט 2022
אקספרסיוניזם מופשט: הנשים העקשניות
ארכיון

אקספרסיוניזם מופשט: הנשים העקשניות

1 בנובמבר 2021 - 31 באוגוסט 2022
אלכסנדר קלדר: ציור היקום
ארכיון

אלכסנדר קלדר: ציור היקום

2 במרץ - 12 באוגוסט 2022
מרצדס חומר: איכות מופלאה
ארכיון

מרצדס חומר: איכות מופלאה

מרץ 22, 2021 - יוני 30, 2022
השאר כל כך יפה: אמנות עכשווית וסין
ארכיון

השאר כל כך יפה: אמנות עכשווית וסין

12 במאי 2020 - 30 ביוני 2022
מדינה בלתי נראית: אמנים אסייתים אמריקאים והפשטה
ארכיון

מדינה בלתי נראית: אמנים אסייתים אמריקאים והפשטה

23 באפריל 2020 - 30 ביוני 2022
מור! מור! מור! הנרי מור ופיסול
ארכיון

מור! מור! מור! הנרי מור ופיסול

3 במרץ 2021 - 30 באפריל 2022
טבע דומם, עדיין
ארכיון

טבע דומם, עדיין

10 באפריל 2020 - 30 באפריל 2022
איליין ו-וילם דה קונינג: ציור באור
ארכיון

איליין ו-וילם דה קונינג: ציור באור

3 באוגוסט 2021 - 31 בינואר 2022
בית הספר המגניב
ארכיון

בית הספר המגניב

30 במרץ 2020 - 31 בדצמבר 2021
אמריקן איי: קטעים נבחרים מאוסף פרדי
ארכיון

אמריקן איי: קטעים נבחרים מאוסף פרדי

28 בפברואר - 31 בדצמבר 2021
אנדי וורהול פולארוידים: ארס לונגה
ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: ארס לונגה

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021
אנדי וורהול פולארוידים: אני, עצמי, &
ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: אני, עצמי, &

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021
אנדי וורהול פולארוידים: כל מה שנוצץ
ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: כל מה שנוצץ

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021
אנדי וורהול פולארוידים: להביא אותו למסלול
ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: להביא אותו למסלול

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021
מוריס גולובוב
ארכיון

מוריס גולובוב

1 באוקטובר 2020 - 31 בדצמבר 2021
המודרניזם היהודי חלק 2: פיגורציה משגאל לנורמן
ארכיון

המודרניזם היהודי חלק 2: פיגורציה משגאל לנורמן

30 באפריל 2020 - 31 בדצמבר 2021
האמנות הנצפת ביותר שלנו לחודש
ארכיון

האמנות הנצפת ביותר שלנו לחודש

14 באוקטובר - 14 בנובמבר 2021
אוסף גלוריה לוריא
ארכיון

אוסף גלוריה לוריא

16 במרץ 2020 - 31 באוקטובר 2021
וינסנט ואן גוך והאימפרסיוניסטים הגדולים של השדרה הגדולה
ארכיון

וינסנט ואן גוך והאימפרסיוניסטים הגדולים של השדרה הגדולה

2 במרץ - 10 באוגוסט 2021
הדפסים מודרניים
ארכיון

הדפסים מודרניים

26 בדצמבר 2020 - 19 ביוני 2021
דמויות פופ: מל ראמוס וטום וסלמן
ארכיון

דמויות פופ: מל ראמוס וטום וסלמן

26 במרץ 2020 - 30 באפריל 2021
הקו הרדיקלי
ארכיון

הקו הרדיקלי

11 באפריל 2020 - 31 בינואר 2021
הרב אלפרט: עבודות אחרונות
ארכיון

הרב אלפרט: עבודות אחרונות

28 בספטמבר - 13 בדצמבר 2020
תכשיטים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית
ארכיון

תכשיטים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית

19 בפברואר - 31 באוקטובר 2020
בריטניה המגניבה: האמנים הבריטים הצעירים
ארכיון

בריטניה המגניבה: האמנים הבריטים הצעירים

2 באפריל - 30 בספטמבר 2020
הזדמנויות שבועיות
ארכיון

הזדמנויות שבועיות

26 ביוני - 31 באוגוסט 2020
תיאופילוס בראון ופול וונר: נראה דרך עדשות שונות
ארכיון

תיאופילוס בראון ופול וונר: נראה דרך עדשות שונות

1 בנובמבר 2019 - 31 ביולי 2020
האסל סמית
ארכיון

האסל סמית': הציורים המדודים

12 בפברואר - 20 באפריל 2020
מסה מודרן
ארכיון

מסה מודרן

13 בפברואר - 29 בפברואר 2020
תושבי קליפורניה
ארכיון

תושבי קליפורניה

1 בנובמבר 2019 - 14 בפברואר 2020
מינימליזם מפואר
ארכיון

מינימליזם מפואר

3 בדצמבר 2019 - 31 בינואר 2020
פול ג
ארכיון

פול ג'נקינס ורוברט נטקין

1 בנובמבר - 27 בדצמבר 2019
מוריס לואיס - הציורים המוקדמים
ארכיון

מוריס לואיס - הציורים המוקדמים

11 באוקטובר - 30 בנובמבר 2019
אנסלם קיפר
ארכיון

אנסלם קיפר

15 באוגוסט - 30 בספטמבר 2019
פול ג
ארכיון

פול ג'נקינס: פנומנלי

1 ביולי - 31 באוגוסט 2019
עזבונם של פול וונר וויליאם תיאופילוס בראון
ארכיון

עזבונם של פול וונר וויליאם תיאופילוס בראון

21 ביולי - 31 באוגוסט 2019
חומר והפשטה: ת
ארכיון

חומר והפשטה: ת'סטר גייטס, סם גיליאם ורודני מקמיליאן

25 ביולי - 31 באוגוסט 2019
פיטר שלטון: דבר שאתה נתקל בו
ארכיון

פיטר שלטון: דבר שאתה נתקל בו

16 ביולי - 31 באוגוסט 2019
אלכסנדר קלדר: הפשטה קוסמית
ארכיון

אלכסנדר קלדר: הפשטה קוסמית

21 ביוני - 30 באוגוסט 2019
יוליאן שנאבל
ארכיון

יוליאן שנאבל

4 ביוני - 31 ביולי 2019
האסל סמית
ארכיון

האסל סמית'

6 במאי - 30 ביוני 2019
לוק ברנרד: גבולות לא קונבנציונליים
ארכיון

לוק ברנרד: גבולות לא קונבנציונליים

3 במאי - 31 במאי 2019
סם פרנסיס: מהחשכה עד עלות השחר
ארכיון

סם פרנסיס: מהחשכה עד עלות השחר

15 בנובמבר 2018 - 29 באפריל 2019
נופים אדריכליים
ארכיון

נופים אדריכליים

1 בדצמבר 2018 - 31 בינואר 2019
נ.C וייט: ציורים ואיורים
ארכיון

נ.C וייט: ציורים ואיורים

1 בפברואר - 31 במאי 2018
הרב אלפרט: מנגינה ויזואלית
ארכיון

הרב אלפרט: מנגינה ויזואלית

17 בפברואר - 31 במאי 2018
גרגורי סומידה: אמריקנה
ארכיון

גרגורי סומידה: אמריקנה

5 באפריל - 31 במאי 2018
הפשטה נשגבת
ארכיון

הפשטה נשגבת

25 בנובמבר 2017 - 31 במאי 2018
ציוריו של סר וינסטון צ
ארכיון

ציוריו של סר וינסטון צ'רצ'יל

21 במרץ - 30 במאי 2018
וויצ
ארכיון

וויצ'ך פאנגור

25 בנובמבר 2017 - 17 במרץ 2018
אדוארד ס. קרטיס
ארכיון

אדוארד ס. קרטיס

3 בפברואר - 17 במרץ 2018
פרארי ועתידניות: מבט איטלקי על מהירות
ארכיון

פרארי ועתידניות: מבט איטלקי על מהירות

21 בנובמבר 2016 - 30 בינואר 2017
אלכסנדר קלדר
ארכיון

אלכסנדר קלדר

21 בנובמבר 2015 - 28 במאי 2016
המאסטרים של האימפרסיוניזם בקליפורניה
ארכיון

המאסטרים של האימפרסיוניזם בקליפורניה

22 בנובמבר 2014 - 23 במאי 2015
לורנס שילר: מרילין מונרו ורגעים גדולים בשנות ה-60
ארכיון

לורנס שילר: מרילין מונרו ורגעים גדולים בשנות ה-60

23 בנובמבר 2012 - 31 בינואר 2013
הפשטה ציורית: תחומים של AbEx
ארכיון

הפשטה ציורית: תחומים של AbEx

25 בנובמבר 2011 - 31 במאי 2012
סיפורי ואשי: יצירות מאת קיוקו איב
ארכיון

סיפורי ואשי: יצירות מאת קיוקו איב

11 בדצמבר 2011 - 28 בינואר 2012
מאסטרים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית
ארכיון

מאסטרים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית

20 בנובמבר 2010 - 25 בספטמבר 2011
פיקאסו
ארכיון

פיקאסו

20 בנובמבר 2009 - 25 במאי 2010

גרפיקה בתצוגה

הצג הכל

ב-15 במאי 1886 נולד מניפסט חזותי לתנועת אמנות חדשה כאשר גולת הכותרת של ז'ורז' סרה, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte נחשפה בתערוכה האימפרסיוניסטית השמינית. סרה יכול לטעון לתואר "האימפרסיוניסט המדעי" המקורי שפעל באופן שנודע כפוינטיליזם או דיוויזיוניזם. עם זאת, היה זה חברו ואיש סודו, פול סיניאק בן ה-24 והדיאלוג המתמיד ביניהם שהוביל לשיתוף פעולה בהבנת הפיזיקה של האור והצבע והסגנון שנוצר. סיניאק היה צייר אימפרסיוניסטי חסר הכשרה, אך מוכשר להפליא, שמזגו התאים באופן מושלם לקפדנות ולמשמעת שנדרשו כדי להשיג את עבודת המכחול והצבע המייגעים להפליא. סיניאק הטמיע במהירות את הטכניקה. הוא גם היה עד למסע המפרך בן השנתיים של סרה, שבנה אינספור שכבות של נקודות צבע לא מעורבבות על לה גרנד ז'אטה בגודל עצום. יחד, סיניאק, המוחצן החצוף, וסרה, מופנם בסתר, עמדו לחתור תחת מהלך האימפרסיוניזם, ולשנות את מהלך האמנות המודרנית.

פול סיניאק

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

אלכסנדר קלדר

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

אלפרד סיסלי

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

אלכסנדר קלדר

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

אמיל נולדה

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.  

טום ווסלמן

בתחילת שנות ה-70 של המאה ה-19 צייר וינסלו הומר לעתים קרובות סצנות של חיים כפריים ליד כפר חקלאי קטן שנודע במשך דורות בזכות דוכני החיטה המרשימים שלו, הממוקם בין נהר ההדסון לקטסקיל במדינת ניו יורק. כיום הארלי מפורסם הרבה יותר כהשראה לאחת מיצירותיו הגדולות ביותר של הומרוס, Snap the Whip שצויר בקיץ 1872. בין הציורים הרבים האחרים בהשראת האזור, נערה עומדת בשדה החיטה עשירה בסנטימנטים, אך לא סנטימנטלית מדי. הוא מתקשר ישירות למחקר משנת 1866 שצויר בצרפת בשם "בשדות החיטה", ומחקר נוסף שצויר שנה לאחר מכן לאחר שובו לאמריקה. אבל הומרוס היה ללא ספק גאה ביותר בזה. זהו דיוקן, חדר לימוד תלבושות, ציור ז'אנרי במסורת הגדולה של הציור הפסטורלי האירופי, וטור דה פורס מואר בדרמטיות, ספוג באור השעה הזוהר הדועך במהירות, מצופה בתווים פרחוניים ונגיעות קוצים של חיטה. בשנת 1874 שלח הומרוס ארבעה ציורים לתערוכה של האקדמיה הלאומית לעיצוב. אחד מהם נקרא "ילדה". יכול להיות שזה לא זה?

וינסלו הומר

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

שון סקאלי

עולמו של מארק שאגאל אינו יכול להיות מוכל או מוגבל על ידי התוויות שאנו מצמידים אליו. זהו עולם של דימויים ומשמעויות היוצרים שיח מיסטי להפליא משלהם. Les Mariés sous le baldaquin (החתן והכלה מתחת לחופה) החל עם כניסתו של האמן לשנתו ה-90, אדם שידע טרגדיה וסכסוכים, אך מעולם לא שכח את רגעי ההנאה של החיים. כאן, התענוגות החלומיים של חתונה כפרית רוסית עם סידורי המשתתפים השחוקים היטב מובאים אלינו בשנינות כה שמחה ותמימות עליזה, שאין התנגדות לקסמה. באמצעות תחליב בגוון זהוב המשלב שמן וגואש אטום על בסיס מים, החום, האושר והאופטימיות של הפוזיטיביזם הרגיל של שאגאל עטופים בזוהר זוהר המרמז על השפעתם של איקונות דתיות בעלות עלי זהב או ציורים מראשית הרנסנס שביקשו להקנות רושם של אור אלוהי או הארה רוחנית. שימוש בשילוב של שמן וגואש יכול להיות מאתגר. אבל כאן, ב-Les Mariés sous le baldaquin, שאגאל משתמש בו כדי להעניק לסצנה איכות אחרת, כמעט כאילו זה עתה התממשה מתוך עינו. עדינותו הטקסטואלית יוצרת את הרושם שהאור נובע מהיצירה עצמה ומעניקה איכות ספקטרלית לדמויות המרחפות בשמיים.

מארק שאגאל

"La femme au tambourin" (1939) is one of Pablo Picasso’s greatest graphic works. Partially based on compositions by Degas and Poussin, the work exudes a strong Classical presence with a Modernist edge. Thought to be a depiction of Dora Maar, Picasso’s lover at the time, the print is highly coveted by institutional and private collectors. One impression from this edition is included in the permanent collection of the Museum of Modern Art, New York, and another is included in the National Gallery of Art, Washington, D.C.<br><br>Picasso’s experimentations in printmaking began in the first decade of the 20th century and engaged him for many decades, into the 1970s. In this time, Picasso embraced multiple methods of printmaking, including lithography, etching, aquatint, and linoleum block printing. His earliest prints were, like the present work, intaglio. With La femme au tambourin, Picasso incorporated the additional medium of aquatint, which yielded a watercolor-like effect throughout the composition and an extreme range of tonal qualities. This technique in particular afforded opportunities for expression that could not be found in painting. For his experimental reach and depth of mastery, Picasso’s corpus of graphic work is among the most highly respected and coveted in the history of art, rivaling that of Rembrandt.

פבלו פיקאסו

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

טום ווסלמן

אלברט בירשטאדט - שער הזהב - שמן על בד - 27 3/8 x 38 אינץ'

אלברט בירסטאדט

דיוקן סילבי לאקומב של תיאו ואן רייסלברגה, שצויר בשנת 1906, הוא יצירת מופת קלאסית של אחד מציירי הדיוקנאות המעודנים והעקביים ביותר של זמנו. הצבע הרמוני, עבודת המכחול נמרצת ומותאמת למשימתה החומרית, גופה וארשת פניה אמיתיים וחושפניים. היושבת היא בתו של חברו הטוב, הצייר ז'ורז' לאקומב, שחלק קשר הדוק עם גוגן, והיה חבר בלה-נאביס עם האמנים בונאר, דניס ווילאר, בין היתר. כיום אנו יודעים על סילבי לאקומב משום שואן ריסלברג מיומנת כל כך בעיבוד הבעות פנים עדינות ובאמצעות התבוננות זהירה ותשומת לב לפרטים, סיפקה תובנות על עולמה הפנימי. הוא בחר במבט ישיר, עיניה אליך, ברית בלתי נמנעת בין הסובייקט לצופה, ללא קשר ליחסנו הפיזי לציור. ואן ריסלברג נטש במידה רבה את הטכניקה הפוינטיליסטית כשצייר דיוקן זה. אבל הוא המשיך ליישם את הקווים המנחים של תורת הצבעים על ידי שימוש בגוונים של אדום - ורוד וסגול - כנגד ירוקים כדי ליצור פלטת צבעים הרמונית ומשופרת של צבעים משלימים, שאליהם הוסיף מבטא חזק כדי למשוך את העין - קשת אדומה רוויה מאוד המונחת באופן א-סימטרי בצד ראשה.

תיאו ואן רייסלברג

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

לארי ריברס

לא קשה להבין כיצד הסידור המבריק בן שתי השורות של רוברט אינדיאנה בן ארבע האותיות סייע להעצים תנועה בשנות השישים. מקורו בחשיפה עמוקה לדת ומהחבר והמנטור אלסוורת' קלי, שסגנונו הקשוח וצבעו החושני וחסר המבטא הותירו רושם עז. אבל כמו שאינדיאנה קרא, זה היה רגע של נשיקה שקרה בדיוק כש"אהבה נשכה אותי!" והעיצוב הגיע אליו חד וממוקד. אינדיאנה, כמובן, העבירה את העיצוב בצעדים רבים, ואז הלוגו החל לנבוט בכל מקום. המסר, המועבר בצורה הטובה ביותר בפיסול, עומד בערים ברחבי העולם ותורגם למספר שפות, שאחת מהן היא האיטרציה האיטלקית שלו, "אמור" עם האות "O" המקרית שלו גם היא מוטה ימינה. אבל במקום להיבעט ברגל של "L", גרסה זו מעניקה אפקט מתנודד מבוים להפליא ל "A" לעיל. זה נותן רושם חדש, אבל לא פחות עמוק, של אהבה וטבעה הטעון רגשית. בכל מקרה, האות O המוטה של לאב מקנה חוסר יציבות לעיצוב יציב אחרת, השלכה עמוקה של הביקורת המובלעת של אינדיאנה על "הסנטימנטליות החלולה לעתים קרובות הקשורה במילה, המרמזת באופן מטאפורי על כמיהה נכזבת ואכזבה במקום על חיבה סכרינית" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018). לחזרתיות, כמובן, יש הרגל מגונה להחליש את הערכתנו לגאונות של פשטות ועיצוב פורץ דרך. בשלב מאוחר בחייה, אינדיאנה קוננה על כך ש"זה היה רעיון נפלא, אבל גם טעות איומה. זה הפך פופולרי מדי. ויש אנשים שלא אוהבים פופולריות". אבל אנחנו, תושבי עולם רווי מחלוקות ולכודים במהומה, תודה. "אהבה" וגרסאותיה הרבות הן תזכורות חזקות ליכולתנו לאהוב, וזוהי תקוותנו הנצחית הטובה ביותר לעתיד טוב יותר.

רוברט אינדיאנה

אמן בלתי מעורער של התנועה הניאו-אימפרסיוניסטית הבלגית המשגשגת משנת 1887 ואילך, תיאו ואן רייסלברגה צייר דיוקן זה של אשתו, מריה (לבית מונום) במהלך העשור הראשון של המאה העשרים. הוא המשיך הלאה מהשפעת הטונאליזם, האימפרסיוניזם והפוינטיליזם של סרה של ויסלר כדי לשכלל הבנה מעודנת ביותר של צבע, תהודה הרמונית ועיבוד קפדני של אלמנטים צורניים. כשרטט למופת, רשמים אופטיים המבוססים על אינטראקציות צבע נותרו דאגה עיקרית עבור ואן רייסלברגה. כאן, משיכות צבע קצרות החליפו את הנקודות הקטנות של פוינטיליסט, וערכת הצבעים אינה ההומוגנית, ההרמונית, שעבורה יש לאמן מוניטין ראוי. במקום זאת, דיוקן זה מקדם את תורת הצבעים באופן שונה לחלוטין. העניין החזותי שלו נשען על הניגודים הדינמיים של הקופור הכסוף של אשתו, שמלתה בגוון פלטינה ומעטפת האח הלבנה - כולם מבוימים בתוך החיוניות האופטית של הסביבה הנשלטת על ידי אדום וירוק משלימים. זוהי הדגמה ויזואלית מגרה של צייר שהבין את ההשפעה הדינמית של ערכת צבעים יוצאת דופן זו וסידר את היושב במבטא חזק באלכסון וביצע את הנוסחה במלאכה ובזריזות של צייר בשליטה מלאה על נכסיו הציוריים.

תיאו ואן רייסלברג

Irving Norman's masterpiece, "The Human Condition," from 1980, draws upon the artist's lifetime of acquired experiences and knowledge. Surviving as a volunteer fighter during the Spanish Civil War, the artist returned to the United States after the loyalist defeat. Upon his return, fervent studio practice in Half Moon Bay, California, would become his life's devotion. <br><br>The present work, a nearly 16-foot-wide triptych, is reminiscent of Hieronymus Bosch's triptych, "The Garden of Earthly Delights," c. 1510. The dystopian vision portrayed in 'The Human Condition" is a warning - a lesson from the European dictatorships Norman experienced firsthand during the 1930s. Disturbing tableaus show the darkness of humanity and the evil that can rise to prominence when humanity is at its worst. There is hope, however, in the experience of the viewer: Norman thought of his audience as the greatest hope for humankind.

אירווינג נורמן

ז'אן-מישל בסקיאט - ללא כותרת (אנטומיה של יונים) - שמן, גרפיט וגיר על נייר - 22X30 אינץ'.

ז'אן מישל בסקיאט

דמויותיו של נואס מפותחות באופן חופשי סביב דמות אודליסקית מרכזית באופן המרמז על נושא שהעסיק את פיקאסו כבר ב-1906 זה של פינוקים נשיים במסגרת הרמון. בתיאור ציוריו המאוחרים ציין פיקאסו כי "אף פעם אי אפשר לדעת מה עומד לצאת, אבל ברגע שהציור יוצא לדרך, נולד סיפור או רעיון... אני מבלה שעה אחר שעה בזמן שאני מציירת, מתבוננת ביצורים שלי וחושבת על הדברים המטורפים שהם עושים... זה כיף גדול, תאמין לי". Nues מזכיר את ההערכה הזו, פרולוג חופשי כמו שרק פיקאסו יכול להשיג. בין התנוחות הרבות, הדמות המקוצרת השוחה בבריכה מקסימה במיוחד.

פבלו פיקאסו

MEL RAMOS - עירום יורד גרם מדרגות #2 - שמן על בד - 70 x 52 1/8 אינץ '.

מל ראמוס

PIERRE BONNARD - סוליי קווסטאנט - שמן על בד - 14 1/2 x 22 1/2 אינץ'.

פייר בונרד

ז'אן ארפ - פסל מיתיק - ברונזה - 25 x 9 1/2 x 12 אינץ'

ז'אן ארפ

GEORGES ROUAULT - קרלוטה - שמן על בד - 15 7/8 x 12 1/4 אינץ'

ז'ורז' רו

EDVARD MUNCH - House on the Coast I - חיתוך עץ על נייר ווב עם תוספות ידניות בצבעי מים של אמן - 16X23 אינץ'.

אדוארד מונק

סלומון ואן RUYSDAEL - נוף דיונה עם דמויות נחות זוג על סוסים, נוף של קתדרלת ניימגן מעבר - שמן על בד - 26 1/2 x 41 1/2 אינץ '.

סלומון ואן רוסדאל

אלפרד סיסלי - Vaches au paturage sur les bords de la Seine - פסטל על נייר - 11 1/4 x 15 1/2 אינץ'

אלפרד סיסלי

HERB ALPERT - ראש חץ - ברונזה - 201 x 48 x 48 אינץ'.

הרב אלפרט

המוניטין של רולדוף באואר כמבשר ההפשטה הלא אובייקטיבית משתלב לרוב עם זה של וסילי קנדינסקי. המקום ההזוי הזה בתוך גדולי האמנים המופשטים ראוי בהחלט. אבל לטוב ולרע, מקומו של באואר בתולדות האמנות קשור קשר בל יינתק לחוזה הכושל שחתם עם סולומן ר. גוגנהיים בהדרכתה של אהובתו לשעבר, הילה רביי. פרסטו 10 נוצרה ב-1917, כאשר באואר היה עובד בגלריה בברלין Galerie Der Sturm, וככל הנראה הציג באחת מתערוכות היחיד של האמן בשנים 1917, 1918 ו-1920. זה היה גם בין הציורים שנבחרו על ידי באואר והילה רביי להיכלל בתערוכה העולמית של ניו יורק "אמנות המחר" שנפתחה ב-1 ביוני 1939. הוא מופיע בקטלוג החמישי של אוסף סולומון ר. גוגנהיים של ציורים לא אובייקטיביים.

רודולף באואר

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

אלכסנדר קלדר

Picasso scholars widely consider "Gros oiseau corrida" (1953) as one of the finest ceramic editions by the artist. The commanding presence and choice of subject matter show that the work held a deeply personal meaning for the artist. <br><br>Picasso's self-imposed exile from Franco-controlled Spain left an unquenched internal longing for his homeland. It was through the artist's depiction of the Spanish "Corrida," or bullfight, that Picasso could return to his native culture and traditions. The earthenware material used in the creation of this work is symbolic of the soil and raw earth of the Spanish countryside. Additionally, the avian vessel was a special theme for Picasso, who would often utilize the bird-like shape of ceramics. Picasso learned to paint birds as a child from his pigeon-breeding father, and as an adult, he had many pet birds.<br><br>The bohemian coastal setting of Vallauris became a refuge for Picasso, a place where he could escape his celebrity status in Paris. While working with Suzanne and Georges Ramié of the Madoura workshop in Vallauris, Picasso produced over 600 works. These works, created over a twenty-year period, are now ensconced in the canon of art history. Comparable Picasso ceramics can be found in prominent Museum collections worldwide.

פבלו פיקאסו

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - פסטל על נייר מונח על הלוח - 10 3/8 x 14 3/4 אינץ '.

קמיל פיסארו

מבין טוטמי הרוח הרבים של הרב אלברט מברונזה, בצבע שחור-משיי, למעטים יש את התחושה הגברית המובהקת של Warrior. ומעליו כתר יורד ומשונן שיכול בקלות להתייחס לסמל של ציפור טרף ככיסוי הראש של צ'יף אינדיאני במישורים, התואר "לוחם" הוא תיאור מתאים המתייחס בין היתר לתכונות של כוח, אומץ ורוח בלתי שבירה. בדומה לעבודתו של הנרי מור, אסוציאציות אלה תלויות, בין השאר, בחלל שלילי כדי ליצור את הרושם הדינמי והחזק שהפסל האימתני הזה יוצר.

הרב אלפרט

JOAN MIRO - L'Oiseau - ברונזה ומחסום - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 אינץ '.

ג'ואן מירו

ג'וזף סטלה - שכיבה בעירום - שמן על בד - 50 x 52 1/2 אינץ'.

ג'וזף סטלה

ג'רארד קרטיס דלאנו - מחנה נאוואחו - שמן על לוח - 23 1/2 x 29 1/2 אינץ'

ג'רארד קרטיס דלאנו

רודולפו מוראלס - ללא כותרת - שמן על בד - 37 1/4 x 39 1/4 אינץ '

רודולפו מוראלס

© 2023 קרן קאלדר, ניו יורק / האגודה לזכויות אמנים (ARS), ניו יורק

אלכסנדר קלדר

LE PHO - פרחים - שמן על בד - 28 3/4 x 21 1/4 אינץ '.

לה פו

אירווינג נורמן - האקדמיה - שמן על בד - 110 x 90 אינץ '.

אירווינג נורמן

אנדי וורהול הוא שם נרדף לאמנות האמריקאית במחצית השנייה של המאה ה-20 וידוע בדיוקנאות האיקוניים שלו ובמוצרי הצריכה, המערבבים תרבות פופולרית ואמנות יפה, מגדירים מחדש מהי אמנות יכולה להיות וכיצד אנו ניגשים לאמנות. בעוד שרבות מעבודותיו של וורהול עשויות שלא לייצג אנשים מפורסמים, התיאורים שלו של חפצים דוממים מרוממים את נושאיו לרמה של סלבריטאות. וורהול תיאר לראשונה נעליים בשלב מוקדם בקריירה שלו, כשעבד כמאייר אופנה וחזר לנושא בשנות ה-80, כשהוא משלב את הקסם שלו עם צרכנות וזוהר. עם הרצון המתמיד שלו למזג תרבות גבוהה ונמוכה, וורהול בחר להדגיש משהו שנמצא כל כך בכל מקום כמו נעליים. הנושא יכול לציין עוני או עושר, תפקוד או אופנה. וורהול מהלל את ערימת הנעליים, מכסה אותן בפטינה של אבק יהלומים נוצץ, ומטשטש עוד יותר את המשמעות בין הצורך התועלתני לבין פיסת האמירה המסוגננת.

אנדי וורהול

FREDERICK CARL FRIESEKE - Hill at Giverny - שמן על בד - 25 1/4 x 31 1/4 אינץ'

פרדריק קרל פריזקה

© 2023 קרן קאלדר, ניו יורק / האגודה לזכויות אמנים (ARS), ניו יורק

אלכסנדר קלדר

רוס בלקנר הוא צייר אמריקאי מפורסם שעבודותיו מתייחסות לאובדן, זיכרון ושינויים כגון חקר התא במהלך מגפת האיידס או בתגובה לאבחון הסרטן של אביו. תערוכת MoMA מ-1965 שהביאה את אופ ארט לחזית, The Responsive Eye וכללה את האמנים ריצ'רד אנוסקיביץ', טדאסקי ופרנסיס סלנטנו, השפיעה עליו עמוקות כאמן. הציור הזה, כמו שאר יצירותיו האימרסיביות בקנה מידה גדול, מעורר אפקט עוצמתי, מהפנט ומסחרר. אסתטית, הקנבסים של בלקנר חוקרים את התפיסה – חזותית, רגשית, פיזית, זמן. בלקנר הוא חלק מאותו דור של חברים עם ג'וליאן שנאבל, דיוויד סאל, אריק פישל ופיטר האלי, שכולם חזרו לטכניקה ציורית על הבד.

רוס בלקנר

פול ג'נקינס - תופעות לפי חזרה - אקריליק על בד - 104 3/4 x 49 5/8 אינץ'.

פול ג'נקינס

אירווינג נורמן - פרידה - שמן על בד - 90 x 100 אינץ'.

אירווינג נורמן

ANSEL ADAMS - זריחה חורפית, סיירה נבדה מאורן בודד - הדפס כסף ג'לטין - 18 3/4 x 22 3/4 אינץ'

אנסל אדמס

© 2023 קרן קאלדר, ניו יורק / האגודה לזכויות אמנים (ARS), ניו יורק

אלכסנדר קלדר

יאן ג'וזפסון ואן גוין - נוף נהר עם טחנת רוח וקפלה - שמן על הלוח - 22 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

יאן ג'וזפסון ואן גוין

מארק קווין - Lovebomb - למינציה תמונה על אלומיניום - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 אינץ '.

מארק קווין

אירווינג נורמן - טוטמים - שמן על בד - 72 x 110 אינץ'.

אירווינג נורמן

דבורה באטרפילד היא פסלת אמריקאית, הידועה בעיקר בזכות פסלי הסוסים שלה העשויים מחפצים החל מעץ, מתכת וחפצים אחרים שנמצאו. היצירה מ-1981, ללא כותרת (סוס), מורכבת ממקלות ונייר על חימוש תיל. קנה המידה המרשים של יצירה זו יוצר אפקט יוצא דופן באופן אישי, ומציג דוגמה בולטת לנושא המפורסם של באטרפילד. באטרפילד יצרה במקור את הסוסים מעץ וחומרים אחרים שנמצאו בשטחה בבוזמן, מונטנה וראתה בסוסים דיוקן עצמי מטאפורי, וכרתה את התהודה הרגשית של צורות אלה.

דבורה באטרפילד

הרב אלפרט - השראה - ברונזה - 100 x 20 x 12 אינץ '.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - אמן קונצרטים - ברונזה - 93X14 אינץ'

הרב אלפרט

אדגר אלווין פיין - נאוואחו במנוחה - שמן על בד - 19 1/2 x 23 1/2 אינץ'

אדגר אלווין פיין

אנדי וורהול - גתה - משי בצבעים - 38X38 אינץ'

אנדי וורהול

אנדי וורהול - גתה - משי בצבעים - 38X38 אינץ'

אנדי וורהול

מילטון אייברי - כפר ליד הים - צבעי מים, עט קנה ועיפרון על נייר - 21 1/2 x 30 1/4 אינץ '.

מילטון אייברי

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

ואלרי ג'אודון

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

סינית

אנדי וורהול - מכונית פורד - גרפיט על נייר - 11 1/2 x 15 3/4 אינץ'.

אנדי וורהול

אנסל אדמס - אספנס, צפון ניו מקסיקו - הדפס כסף ג'לטין - 15 1/4 x 19 1/4 אינץ '.

אנסל אדמס

אדגר אלווין פיין - סירות ונציאניות בסוטו מרינו - שמן על לוח - 23 3/8 x 26 1/4 אינץ'

אדגר אלווין פיין

ריצ'רד דיבנקורן הסביר פעם, "כל הציורים מתחילים מתוך מצב רוח, מתוך מערכת יחסים עם דברים או אנשים, מתוך רושם ויזואלי מוחלט." דיבנקורן, הידוע בתפקידו המכונן בתנועת האמנות הפיגורטיבית של אזור המפרץ, בניגוד להפשטה השולטת בניו יורק שלאחר המלחמה, התנדנד לעתים קרובות בין פיגורציה להפשטה. בשנת 1952 קיבל משרת סגל באוניברסיטת אילינוי באורבנה למשך שנה אקדמית אחת. שם לימד התחלת רישום לסטודנטים לאדריכלות והשתמש באחד מחדרי השינה בביתו כסטודיו. תקופה זו בין השנים 1952-1953, הידועה בשם סדרת אורבנה, הייתה תקופה פורייה וחשובה בהתפתחות סגנונו של דיבנקורן. חקר הפיגורציה החדשני שלו באמצעות הפשטה החל בשנים הראשונות הקריטיות הללו והיה מגיע למימוש מלא בסדרת אושן פארק המפורסמת שלו של סוף שנות השישים וה-80.

ריצ'רד דיבנקורן

אנדי וורהול - סיר פלפל ממרק קמפבל - הדפסת מסך בצבעים - 35 x 23 ב.

אנדי וורהול

"Bouquets de Fleurs" (1901) is a glowing Post-Impressionist still life. As the revolutionary wave of Impressionism receded from its apex, artists such as Henri Manguin, Henri Matisse, Kees van Dongen, Louis Valtat, and others emerged as part of the new avant-garde in Europe. These “Fauves,” or roughly translated “wild beasts,” would attack their canvases with a bold and vibrant new palette. This completely new way of painting was not initially celebrated by critics, or the artistic elite, but is today recognized among the most innovative and original artistic movements of the 20th Century. <br><br>The present work, painted just before the revolution of Fauvism took hold, demonstrates a critical transitionary period in Modern Art. The subject is depicted with a masterful compositional sense and attention to spatial relationships. Manguin’s competency in composition would allow him to experiment freely with color during the first decade of the 20th Century. The slightly later but comparable Manguin still life “Flowers” (1915) is in the permanent collection of the Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.

אנרי מנגווין

WAYNE THIEBAUD - פחיות צבע - ליטוגרפיה בצבעים על נייר Wove - 38 3/4 x 29 1/8 אינץ'

ויין תיאבאוד

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

סינית

ג'ואנה POUSETTE-DART - ללא כותרת (מחקר מדבר אדום) - אקריליק על לוח עץ - 33 1/2 x 42 x 3/4 אינץ '.

ג'ואנה פוסט-דארט

סת' קאופמן - ליגנום ספייר - ברונזה עם פטינה ירוקה - 103 1/2 x 22 x 17 אינץ'.

סת' קאופמן

ויליאם ונדט - נוף קליפורניה - שמן על בד - 23 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

ויליאם וונדט

אנדי וורהול - ללא כותרת (פרחים) - דיו ואקוורל על נייר - 15 1/4 x 12 3/8 אינץ '.

אנדי וורהול

אנדי וורהול - הצל (מתוך מיתוסים) - הדפסת מסך צבעונית עם אבק יהלומים על נייר - 37 1/2 x 37 1/2 אינץ'.

אנדי וורהול

דונלד SULTAN - #18 צבעוני צהוב - שמן וזפת על נייר - 20 x 20 אינץ '.

דונלד סולטן

בלאנש לאזל - מחקר מס' 4 ל"ציור XII" - גואש על נייר - 8 7/8 x 8 אינץ'.

בלאנש לאזל

אנדי וורהול - אהבה - הדפס מסך - 25 1/2 x 19 1/4 אינץ'

אנדי וורהול

הרב אלפרט - איזון נגדי - ברונזה - 28X28 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - טבע האדם - ברונזה - 44X10X7 אינץ'

הרב אלפרט

AI WEIWEI - כסאות "אגדה" - עץ - 49 x 45 x 17 1/2 אינץ'.

איי ווייווי

JULIAN OPIE - Bijou Gets Undressed 5 - הדפס רשת על נייר Fedrigoni Sirio - 20 1/2 x 38 1/8 אינץ'

ג'וליאן אופי

JULIAN OPIE - Bijou Gets Undressed 8 - הדפס רשת על נייר Fedrigoni Sirio - 20 1/2 x 38 1/8 אינץ'

ג'וליאן אופי

אנדי וורהול - אהבה - הדפס מסך - 25 1/4 x 19 1/2 אינץ'

אנדי וורהול

אנדי וורהול - אהבה - הדפס מסך - 25 1/2 x 19 3/8 אינץ'

אנדי וורהול

CARL MORRIS - שדה לבן - אקריליק על בד - 75 x 63 in.

קרל מוריס

הרב אלפרט - עכשיו תשמעו את זה - אקריליק על בד - 48X72 אינץ'.

הרב אלפרט

ROSS BLECKNER - ללא כותרת - שמן על נייר צילום - 37 1/2 x 24 3/4 אינץ '.

רוס בלקנר

הרב אלפרט - נגד הרוח - אקריליק על בד - 48X72 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - חלומות זהב - אקריליק על בד - 48X72 אינץ'.

הרב אלפרט

אנדי וורהול - קרולינה הררה - פולארויד, פולקולור - 4 1/4 x 3 3/8 אינץ'.

אנדי וורהול

אנדי וורהול - אנדי וורהול - הדפס כסף ג'לטין - 10 x 8 אינץ'.

אנדי וורהול

אנדי וורהול - ג'ורג' - פולארויד, פולקולור - 4 1/4 x 3 3/8 אינץ'.

אנדי וורהול

רועי ליכטנשטיין - ערימת שחת #6 - ליטוגרפיה - 13 1/4 x 23 1/2 אינץ'

רועי ליכטנשטיין

רועי ליכטנשטיין - ערימת שחת #4 - ליטוגרפיה - 13 1/4 x 23 1/2 אינץ'

רועי ליכטנשטיין

פול ג'נקינס - ללא כותרת - צבעי מים ודיו על נייר - 29 3/4 x 42 3/4 אינץ'.

פול ג'נקינס

הרב אלפרט - הצופה - אקריליק על בד - 60X36 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - זיכרונות שבורים - אקריליק על בד - 60X36 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - רק חלום משם - אקריליק על בד - 60X36 אינץ'.

הרב אלפרט

MICAELA AMATO - נערת קמרון - זכוכית יצוקה - 16 x 12 x 10 1/2 אינץ'.

מיכאלה אמאטו

JOHN BALDESSARI - שורה ראשונה (ולנטיין) - 17 הדפס מסך צבעוני - 37 3/4 x 33 3/4 אינץ '.

ג'ון בלדסרי

JOHN MILLEI - ללא כותרת - שמן על מיילר - 24 x 28 אינץ'.

ג'ון מיליי

JOSEF ALBERS - ניסוח: ביטוי - טביעת מסך - 12 x 14 5/8 אינץ'.

יוזף אלברס

JOSEF ALBERS - ניסוח: ביטוי - טביעת מסך - 10 x 13 אינץ'.

יוזף אלברס

JOSEF ALBERS - ניסוח: ביטוי - טביעת מסך - 9 1/8 x 13 7/8 אינץ'.

יוזף אלברס

JOSEF ALBERS - ניסוח: ארטיקולציה - הדפס מסך - 11 3/4 x 11 3/4 אינץ'.

יוזף אלברס

מלווין מרטינז - בועה - טכניקה מעורבת על נייר - 14 x 18 אינץ '.

מלווין מרטינז

JOSEF ALBERS - ניסוח: ביטוי - טביעת מסך - 10 x 12 7/8 אינץ'.

יוזף אלברס

JOSEF ALBERS - ניסוח: ביטוי - טביעת מסך - 12 7/8 x 15 3/4 אינץ'.

יוזף אלברס

JOSEF ALBERS - ניסוח: ביטוי - טביעת מסך - 12 1/4 x 12 1/4 אינץ'.

יוזף אלברס

ג'ורג ' אורטמן - עשר יצירות X עשרה ציירים - הדפסת מסך - 24 x 20 ב.

ג'ורג' אורטמן

JOSEF ALBERS - ניסוח: ביטוי - טביעת מסך - 8 1/4 x 17 אינץ'.

יוזף אלברס

בחדשות

חדשות

למכור את השבב הכחול שלך עובד עם הת'ר ג'יימס

הת'ר ג'יימס פיין ארט מחפשת באופן פעיל יצירות אמנות של בלו צ'יפ בכל הז'אנרים והמדיומים העיקריים. עוד...

חדשות

הת'ר ג'יימס מוזיאון לאמנות הלוואה

הת'ר ג'יימס פיין ארט זכתה לכבוד להקל על השאלת יצירות אמנות לתערוכות מוזיאונים ברחבי העולם. עוד...

חדשות

קלוד מונה מכר לאחרונה יצירות

מונה ויצירותיו הם מומחיות עבורנו בהת'ר ג'יימס פיין ארט, לאחר שמכרו עשרות מציוריו לאורך השנים. עוד...

חדשות

שוק האמנות מרץ 2023

הת'ר ג'יימס פיין ארט, מייסדת שותפה, ג'ים קרונה, דנה בחוסן שוק האמנות ומציעה תובנות על השקעה באמנות בתקופה הפיננסית של הדובים. עוד...

חדשות

ואן גוך משאיל למכון דטרויט לאמנויות

זהו כבוד ותענוג עבור הת'ר ג'יימס פיין ארט להקל על השאלתן של שתי עבודות מרכזיות בתערוכה "ואן גוך באמריקה" במכון דטרויט עוד...

ללחוץ

הת'ר ג'יימס השאילה את ואן גוך שנכלל ב"ואן גוך באמריקה" מושך קהל

אוקטובר 2, 2022
הת'ר ג'יימס השאילה את ואן גוך שנכלל ב"ואן גוך באמריקה" ומושכת קהל נלהב.
הצג מאמר

ללחוץ

הת'ר ג'יימס משאילה את מייג'ור ואן גוך ל"ואן גוך באמריקה"

ספטמבר 30, 2022
הת'ר ג'יימס משאילה את "Harvest in Provence", אותו צייר ואן גוך ב-1888, בהשראת הנוף והצבעים של ארל, צרפת, למכון דטרויט לאמנות עבור "ואן גוך ב
הצג מאמר

חדשות

חוסן שוק האמנות

הת'ר ג'יימס פיין ארט, מייסדת שותפה של ג'ים קרונה, סוקרת את הביצועים של שוק האמנות בתקופות מיתון קודמות ומציעה תצפיות מרכזיות מדוע שוק האמנות הוכיח את עצמו כ עוד...

חדשות

אמנות כהשקעה

פיין ארט מופיעה בין ההימורים הטובים ביותר לשנת 2022. ראה את הניתוח המעמיק שלנו של אמנות כנכס בתיק ההשקעות שלך. עוד...

חדשות

התקנה ביתית מפוארת

צפו בסרטון זה של המטפלים האמנותיים החרוצים והחרוצים של מחלקת התפעול שלנו בהתקנת עבודות של הת'ר ג'יימס אמנות יפה שאצרה צ'יפ טום לבית יוקרה זה, עוד...

וידאו

סיכום עונת המכירות הפומביות של אמנות במאי 2022 עם ג'ים קרונה

הבעלים של הת'ר ג'יימס ג'יימס פיין ארט, ג'יימס קרונה, בשיחה עם עוזרת האמנות ג'נה גרוטלושן, דנה בעונת המכירות הפומביות לאמנות במאי 2022 עוד...

ללחוץ

אוצר צ'יפ טום עוזר בתוך בית התצוגה אואזיס המדבר

6 באפריל 2022
גלו את פרויקט העיצוב השיתופי הכולל עבודה של 11 מעצבים שונים ויצירות אמנות בלעדיות מבית Heather James Fine Art.
הצג מאמר

ללחוץ

פרופילים חיים איקוניים HJFA אצר מדבר אואזיס הצג בית

6 באפריל 2022
מעצב הפנים המפורסם כריס בארט חולק את הסקופ הפנימי על הפרויקט האחרון שלה, יצירות אמנות שסופקו על ידי הת'ר ג'יימס אמנות.
הצג מאמר

ללחוץ

צ'יפ טום שופט אורח

25 במרץ 2022
אוצר בכיר, צ'יפ טום, שופט את חברת צבעי המים של עמק קואצ'לה (CVWS) חוזרים לתערוכה פנים אל פנים לתערוכה השנתית ה -32 שלה לאמנות חברים.
הצג מאמר

וידאו

להכיר את הת'ר ג'יימס אמנות

חוגגים מעל 25 שנים, צוות הת'ר ג'יימס נפתח על מה המשימה שלנו אומרת לנו. עוד...

חדשות

חוגגים 25 שנה של הת'ר ג'יימס אמנות

בשנת 2021, הת'ר ג'יימס אמנות חגגה 25 שנים בעסקים. בזמן הזה, הצבנו מעל 6,500 יצירות אמנות עם אספנים עוד...

חדשות

ברק קלינג ב ארט באזל מיאמי ביץ'

פאלם ביץ 'פיין ארט יועץ, ברק קלינג, ביקר ארט באזל מיאמי ביץ ', פגישה עם לקוחות באזור, הנה טייק אוויי מפתח. עוד...

חדשות

הת'ר ג'יימס אסיה

הת'ר ג'יימס אמנות יפה מחפשת יועצי אמנות להצטרף לצוות המכירות שלנו ולסייע בהתרחבות שלנו לשוק האסייתי. עוד...

חדשות

הת'ר ג'יימס פותחת את חברת הייעוץ לונדון

HJFA פועלת ברחבי העולם מאז הקמתה לפני 25 שנה. הייעוץ שלנו בלונדון, בהובלת אמה בארנס, מייצג פרק חדש ומרגש המאפשר לנו לשרת לקוחות באופן ישיר יותר ב עוד...

קטלוגים

מהפכות באמנות המודרנית

במהפכות באמנות המודרנית, אנו מקווים לשפוך אור על האופן שבו השמות הגדולים ביותר של האמנות המודרנית שינו את מהלך תולדות האמנות. עוד...

קטלוגים

הת'ר ג'יימס אמנות – אודותינו

הת'ר ג'יימס אמנות כבר בעסק במשך 25 שנים, מציג יצירות חשובות המשתרעות על פני תקופות זמן וז'אנרים כולל עכשווי, מודרני, אימפרסיוניסטי, אמריקאי, אמריקה הלטינית, מאסטרים ישנים. עוד...

דפי

מסה מודרן

בית העיצוב מסה מודרן מייצג שיתוף פעולה של יצירות אמנות מאת הת'ר ג'יימס פיין ארט, עיצוב פנים של מישל בודרו, אדריכלות נוף מאת ג'ון פלדמן מ- Ecocentrix, ועיצוב מ עוד...

וידאו

קבלת הפנים הפותחת של האסל סמית'

קבלת הפנים של הסל סמית' בהת'ר ג'יימס פיין ארט - פאלם דזרט בהערות פתיחה של טד מילס ומארק הרינגטון עוד...

שירותים

הת'ר ג'יימס פיין ארט מספקת מגוון רחב של שירותים מבוססי לקוח המתאימים לצרכי איסוף האמנות הספציפיים שלך. צוות התפעול שלנו כולל מטפלים מקצועיים באמנות, מחלקת רשם מלאה וצוות לוגיסטי בעל ניסיון רב בהובלת אמנות, התקנה וניהול אוספים. עם שירות כפפות לבנות וטיפול מותאם אישית, הצוות שלנו עובר את הקילומטר הנוסף כדי להבטיח שירותי אמנות יוצאי דופן עבור לקוחותינו.

תכנון נדל"ן ומס

ניהול אוספים 

משיכת השקעות

ניהול לוגיסטיקה

שמאות הערכה

פיננסיים

משאבים נוספים

 

  • שירותים ביתיים
  • שירותים-ג'סיקה1
  • Svc_hirst
  • שירותים-בריאן1
  • Svc_Warhol
  • מיזוג
  • Svc_kapoor

הכירו אותנו

גרפיקה מוצגת

על פי הקטלוג שנערך על ידי מוזיאון ברנדיוויין ריבר לאמנות, השרטוט הראשוני של דייגי הבקלה הפוריטניים הושלם על ידי נ.צ. ויית' לפני מותו באוקטובר 1945. הערך מתעד תמונה של הסקיצה וכן כתובות של האמן וכותרתו, "דייגי בקלה פוריטנים", המאופיינים בקטלוג כ'חלופיים'. בכל מקרה, הבד בקנה מידה גדול הוא יצירה ייחודית שאנדרו ויית' נזכר מאוחר יותר שצוירה אך ורק בידו, שיתוף פעולה מתוחם של עיצובו וקומפוזיציה של האב שהובא לידי ביטוי על ידי הוצאה להורג יוצאת דופן של בן. עבור אנדרו, זו בוודאי הייתה חוויה רגשית ומורגשת עמוקה. בהתחשב בתשומת לבו של אביו לפרטים ולאותנטיות, קווי ספינת המפרש הקטנה מייצגים שאלוט, שהיה בשימוש במהלך המאה השש עשרה. מצד שני, סביר להניח שאנדרו העמיק את גווני הים חסר המנוחה יותר מאשר אביו, בחירה שמעצימה כראוי את האופי המסוכן של המשימה.

אנדרו ווית' ונ.C ווית'

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

טום ווסלמן

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

אלפרד סיסלי

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

ויין תיאבאוד

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

אלכסנדר קלדר

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

אמיל נולדה

בתחילת שנות ה-70 של המאה ה-19 צייר וינסלו הומר לעתים קרובות סצנות של חיים כפריים ליד כפר חקלאי קטן שנודע במשך דורות בזכות דוכני החיטה המרשימים שלו, הממוקם בין נהר ההדסון לקטסקיל במדינת ניו יורק. כיום הארלי מפורסם הרבה יותר כהשראה לאחת מיצירותיו הגדולות ביותר של הומרוס, Snap the Whip שצויר בקיץ 1872. בין הציורים הרבים האחרים בהשראת האזור, נערה עומדת בשדה החיטה עשירה בסנטימנטים, אך לא סנטימנטלית מדי. הוא מתקשר ישירות למחקר משנת 1866 שצויר בצרפת בשם "בשדות החיטה", ומחקר נוסף שצויר שנה לאחר מכן לאחר שובו לאמריקה. אבל הומרוס היה ללא ספק גאה ביותר בזה. זהו דיוקן, חדר לימוד תלבושות, ציור ז'אנרי במסורת הגדולה של הציור הפסטורלי האירופי, וטור דה פורס מואר בדרמטיות, ספוג באור השעה הזוהר הדועך במהירות, מצופה בתווים פרחוניים ונגיעות קוצים של חיטה. בשנת 1874 שלח הומרוס ארבעה ציורים לתערוכה של האקדמיה הלאומית לעיצוב. אחד מהם נקרא "ילדה". יכול להיות שזה לא זה?

וינסלו הומר

Emerging at the end of the Gilded Age, N.C. Wyeth was one of the most important American artists and illustrators. His paintings and illustrations brought life to classic literature from Treasure Island to The Boy’s King Arthur and more. He is most remembered for his ability to capture crucial moments in narratives, fleshing out just a few words into a visual representation of deep drama and tension. Patriarch of the Wyeth artistic dynasty which includes his son Andrew and grandson Jamie, his influence touched future illustrators and artists.<br><br>Perhaps his most important legacy is how he shaped American imagination – of America itself and of wild possibilities. Wyeth’s powerful paintings gave life to many of the stories America told of itself. His early paintings captured life of the American West and some of his most beloved illustrations were for novels such as The Last of the Mohicans or short stories like “Rip Van Winkle”. Despite this success, Wyeth struggled with the commercialism of illustrations and advertisements, seeking his work to be accepted as fine art. Throughout his career, he experimented with different styles shifting from Impressionism to Divisionism to Regionalism.<br><br>N.C. Wyeth produced over 3,000 paintings and illustrated 112 books. His illustrations for the publisher Charles Scribner’s Sons were so popular they became known as Scribner’s Classics and remain in print to this day.<br><br>This quietly powerful painting of a Native American forms part of a quartet of paintings, inspired by and a metaphor for the four seasons. The paintings were used to illustrate George T. Marsh’s set of poems “The Moods”. Wyeth recognized that the series came at a crucial moment in his career in which the paintings go beyond realism to capture atmosphere and mood, an internal world of emotion made external. He even contemplated and attempted to write his own poems based on these paintings.<br> <br><br>Summer, Hush is a striking example of Wyeth pulling from his imagination and melding it with careful observation of nature. As noted in a letter to his mother, Wyeth combined the fictional subject with natural effects as in the sky. Native Americans were a subject he returned to numerous times; these paintings reflect not only Wyeth’s fascination but also of America. As observed by art historian Krstine Ronan, Wyeth was part of a larger dialogue that developed around Native Americans, cementing a general Native American culture in the imagination of the United States. Thus, the painting operates on numerous levels simultaneously. How do we relate to this painting and its conception of the four seasons? How do we interpret Wyeth’s depiction of a Native American? What role do Native Americans play in America’s imagination?<br><br>We must also not forget that these works were first used to illustrate the poems of George T. Marsh. Marsh, a poet born in New York who often also wrote of the Canadian wilderness, provides subtle evocations of the seasons hinted at in the series title “The Moods”. This painting was used alongside “Hush,” which ends:<br><br>Are they runes of summers perished<br><br>That the fisher hears –and ceases—<br><br>Or the voice of one he cherished.<br><br>Within these few lines, Wyeth gives us a thoughtful and restrained painting that stirs from within. The poem and the painting avoid obvious clichés to represent the seasons. They develop a profound interpretation filled with sensitivity.<br><br>These paintings were important to Wyeth who hoped that “they may suggest to some architect the idea that such decorations would be appropriate in a library or capitol or some public building.” Summer, Hush demonstrates Wyeth’s control of color and composition so that small touches such as the ripples of water or the towering cloud that envelopes the figure are in service to sketch out the feeling of summer and of the poem. Through exploring this rich and complex painting, we are better able to appreciate NC Wyeth as an artist and the role this specific painting plays in the context of art history.

נ.C. וייט

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

שון סקאלי

עולמו של מארק שאגאל אינו יכול להיות מוכל או מוגבל על ידי התוויות שאנו מצמידים אליו. זהו עולם של דימויים ומשמעויות היוצרים שיח מיסטי להפליא משלהם. Les Mariés sous le baldaquin (החתן והכלה מתחת לחופה) החל עם כניסתו של האמן לשנתו ה-90, אדם שידע טרגדיה וסכסוכים, אך מעולם לא שכח את רגעי ההנאה של החיים. כאן, התענוגות החלומיים של חתונה כפרית רוסית עם סידורי המשתתפים השחוקים היטב מובאים אלינו בשנינות כה שמחה ותמימות עליזה, שאין התנגדות לקסמה. באמצעות תחליב בגוון זהוב המשלב שמן וגואש אטום על בסיס מים, החום, האושר והאופטימיות של הפוזיטיביזם הרגיל של שאגאל עטופים בזוהר זוהר המרמז על השפעתם של איקונות דתיות בעלות עלי זהב או ציורים מראשית הרנסנס שביקשו להקנות רושם של אור אלוהי או הארה רוחנית. שימוש בשילוב של שמן וגואש יכול להיות מאתגר. אבל כאן, ב-Les Mariés sous le baldaquin, שאגאל משתמש בו כדי להעניק לסצנה איכות אחרת, כמעט כאילו זה עתה התממשה מתוך עינו. עדינותו הטקסטואלית יוצרת את הרושם שהאור נובע מהיצירה עצמה ומעניקה איכות ספקטרלית לדמויות המרחפות בשמיים.

מארק שאגאל

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

טום ווסלמן

Shortly after arriving in Paris by April 1912, Marsden Hartley received an invitation. It had come from Gertrude Stein and what he saw at her 27 rue de Fleurus flat stunned him. Despite his presumptions and preparedness, “I had to get used to so much of everything all at once…a room full of staggering pictures, a room full of strangers and two remarkable looking women, Alice and Gertrude Stein…I went often I think after that on Saturday evenings — always thinking, in my reserved New England tone, ‘ how do people do things like that — let everyone in off the street to look at their pictures?… So one got to see a vast array of astounding pictures — all burning with life and new ideas — and as strange as the ideas seemed to be — all of them terrifically stimulating — a new kind of words for an old theme.” (Susan Elizabeth Ryan, The Autobiography of Marsden Hartley, pg. 77)<br><br>The repeated visits had a profound effect. Later that year, Hartley was clearly disappointed when Arthur B. Davies and Walt Kuhn chose two of his still-life paintings for the upcoming New York Armory show in February 1913. “He (Kuhn) speaks highly of them (but) I would not have chosen them myself chiefly because I am so interested at this time in the directly abstract things of the present. But Davies says that no American has done this kind of thing and they would (not) serve me and the exhibition best at this time.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, early November 1912) A month later, he announced his departure from formal representationalism in “favor of intuitive abstraction…a variety of expression I find to be closest to my temperament and ideals. It is not like anything here. It is not like Picasso, it is not like Kandinsky, not like any cubism. For want of a better name, subliminal or cosmic cubism.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, December 1912)<br><br>At the time, Hartley consumed Wassily Kandinsky’s recently published treatise Uber das Geistige in der Kunst (The Art of Spiritual Harmony) and Stieglitz followed the artist’s thoughts with great interest. For certain, they both embraced musical analogy as an opportunity for establishing a new visual language of abstraction. Their shared interest in the synergetic effects of music and art can be traced to at least 1909 when Hartley exhibited landscape paintings of Maine under titles such as “Songs of Autumn” and “Songs of Winter” at the 291 Gallery. The gravity of Hartley’s response to the treatise likely sparked Stieglitz’s determination to purchase Kandinsky’s seminal painting Improvisation no. 27 (Garden of Love II) at the Armory Show. As for Hartley, he announced to his niece his conviction that an aural/vision synesthetic pairing of art and music was a way forward for modern art. “Did you ever hear of anyone trying to paint music — or the equivalent of sound in color?…there is only one artist in Europe working on it (Wassily Kandinsky) and he is a pure theorist and his work is quite without feeling — whereas I work wholly from intuition and the subliminal.” (D. Cassidy, Painting the Musical City: Jazz and Cultural Identity in American Art, Washington, D.C., pg. 6)<br><br>In Paris, during 1912 and 1913 Hartley was inspired to create a series of six musically themed oil paintings, the first of which, Bach Preludes et Fugues, no. 1 (Musical Theme), incorporates strong Cubist elements as well as Kandinsky’s essential spirituality and synesthesia. Here, incorporating both elements seems particularly appropriate. Whereas Kandinsky’s concepts were inspired by Arnold Schoenberg’s twelve-tone method of composition whereby no note could be reused until the other eleven had been played, Hartley chose Bach’s highly structured, rigorously controlled twenty-four Preludes and Fugues from his Well-Tempered Clavier, each of which establishes an absolute tonality. The towering grid of Bach Preludes et Fugues, no. 1 suggests the formal structure of an organ, its pipes ever-rising under a high, vaulted church ceiling to which Hartley extends an invitation to stand within the lower portion of the picture plane amongst the triangular and circular ‘sound tesserae’ and absorb its essential sonority and deeply reverberating sound. All of it is cast with gradients of color that conjures an impression of Cézanne’s conceptual approach rather than Picasso’s, Analytic Cubism. Yet Bach Preludes et Fugues, no. 1, in its entirety suggests the formal structural of Picasso’s Maisons à Horta (Houses on the Hill, Horta de Ebro), one of the many Picasso paintings Gertrude Stein owned and presumably staged in her residence on the many occasions he came to visit.

מרסדן הארטלי

דיוקן סילבי לאקומב של תיאו ואן רייסלברגה, שצויר בשנת 1906, הוא יצירת מופת קלאסית של אחד מציירי הדיוקנאות המעודנים והעקביים ביותר של זמנו. הצבע הרמוני, עבודת המכחול נמרצת ומותאמת למשימתה החומרית, גופה וארשת פניה אמיתיים וחושפניים. היושבת היא בתו של חברו הטוב, הצייר ז'ורז' לאקומב, שחלק קשר הדוק עם גוגן, והיה חבר בלה-נאביס עם האמנים בונאר, דניס ווילאר, בין היתר. כיום אנו יודעים על סילבי לאקומב משום שואן ריסלברג מיומנת כל כך בעיבוד הבעות פנים עדינות ובאמצעות התבוננות זהירה ותשומת לב לפרטים, סיפקה תובנות על עולמה הפנימי. הוא בחר במבט ישיר, עיניה אליך, ברית בלתי נמנעת בין הסובייקט לצופה, ללא קשר ליחסנו הפיזי לציור. ואן ריסלברג נטש במידה רבה את הטכניקה הפוינטיליסטית כשצייר דיוקן זה. אבל הוא המשיך ליישם את הקווים המנחים של תורת הצבעים על ידי שימוש בגוונים של אדום - ורוד וסגול - כנגד ירוקים כדי ליצור פלטת צבעים הרמונית ומשופרת של צבעים משלימים, שאליהם הוסיף מבטא חזק כדי למשוך את העין - קשת אדומה רוויה מאוד המונחת באופן א-סימטרי בצד ראשה.

תיאו ואן רייסלברג

לא קשה להבין כיצד הסידור המבריק בן שתי השורות של רוברט אינדיאנה בן ארבע האותיות סייע להעצים תנועה בשנות השישים. מקורו בחשיפה עמוקה לדת ומהחבר והמנטור אלסוורת' קלי, שסגנונו הקשוח וצבעו החושני וחסר המבטא הותירו רושם עז. אבל כמו שאינדיאנה קרא, זה היה רגע של נשיקה שקרה בדיוק כש"אהבה נשכה אותי!" והעיצוב הגיע אליו חד וממוקד. אינדיאנה, כמובן, העבירה את העיצוב בצעדים רבים, ואז הלוגו החל לנבוט בכל מקום. המסר, המועבר בצורה הטובה ביותר בפיסול, עומד בערים ברחבי העולם ותורגם למספר שפות, שאחת מהן היא האיטרציה האיטלקית שלו, "אמור" עם האות "O" המקרית שלו גם היא מוטה ימינה. אבל במקום להיבעט ברגל של "L", גרסה זו מעניקה אפקט מתנודד מבוים להפליא ל "A" לעיל. זה נותן רושם חדש, אבל לא פחות עמוק, של אהבה וטבעה הטעון רגשית. בכל מקרה, האות O המוטה של לאב מקנה חוסר יציבות לעיצוב יציב אחרת, השלכה עמוקה של הביקורת המובלעת של אינדיאנה על "הסנטימנטליות החלולה לעתים קרובות הקשורה במילה, המרמזת באופן מטאפורי על כמיהה נכזבת ואכזבה במקום על חיבה סכרינית" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018). לחזרתיות, כמובן, יש הרגל מגונה להחליש את הערכתנו לגאונות של פשטות ועיצוב פורץ דרך. בשלב מאוחר בחייה, אינדיאנה קוננה על כך ש"זה היה רעיון נפלא, אבל גם טעות איומה. זה הפך פופולרי מדי. ויש אנשים שלא אוהבים פופולריות". אבל אנחנו, תושבי עולם רווי מחלוקות ולכודים במהומה, תודה. "אהבה" וגרסאותיה הרבות הן תזכורות חזקות ליכולתנו לאהוב, וזוהי תקוותנו הנצחית הטובה ביותר לעתיד טוב יותר.

רוברט אינדיאנה

סלומון ואן RUYSDAEL - נוף דיונה עם דמויות נחות זוג על סוסים, נוף של קתדרלת ניימגן מעבר - שמן על בד - 26 1/2 x 41 1/2 אינץ '.

סלומון ואן רוסדאל

JOAN MIRO - L'Oiseau - ברונזה ומחסום - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 אינץ '.

ג'ואן מירו

יאן ג'וזפסון ואן גוין - נוף נהר עם טחנת רוח וקפלה - שמן על הלוח - 22 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

יאן ג'וזפסון ואן גוין

איש קשר

צרו קשר