מדבר פאלם

תערוכותעבודות עבודה על שירותי חדשות הקשורים לצפייה

הגלריה שלנו במדבר פאלם ממוקמת במיקום מרכזי באזור פאלם ספרינגס בקליפורניה, בסמוך לאזור הקניות והאוכל הפופולרי של אל פאסאו. קהל הלקוחות שלנו מעריך את הבחירה שלנו באמנות שלאחר המלחמה, מודרנית ועכשווית. מזג האוויר המדהים בחודשי החורף מושך מבקרים מכל רחבי העולם לראות את המדבר היפה שלנו, ולעצור ליד הגלריה שלנו. הנוף המדברי ההררי שבחוץ מספק את הרקע הנופי המושלם לסעודה הוויזואלית שמחכה בפנים.

שדרות פורטולה 45188
פאלם דזרט, קליפורניה 92260
(760) 346-8926

שעות:
בתיאום מראש בלבד – עד 15 באוקטובר 2024

תערוכות

הנס הופמן

הנוכחי

הנס הופמן

14 באוגוסט 2024 - 28 בפברואר 2025

אמנות מתחת ל-$100,000

הנוכחי

אמנות מתחת ל-$100,000

25 ביולי 2024 - 31 בינואר 2025

אנסל אדמס: אישור החיים

הנוכחי

אנסל אדמס: אישור החיים

1 בדצמבר 2023 - 31 בדצמבר 2024

אין ארץ אחרת: מאה שנים של נופים אמריקאיים

הנוכחי

אין ארץ אחרת: מאה שנים של נופים אמריקאיים

21 בספטמבר 2023 - 31 בדצמבר 2024

אלכסנדר קלדר: עיצוב יקום ראשוני

הנוכחי

אלכסנדר קלדר: עיצוב יקום ראשוני

23 באוגוסט 2023 - 31 באוקטובר 2024

הנוכחי

ג'ורג'יה אוקיף ואנסל אדמס: אמנות מודרנית, ידידות מודרנית

13 ביולי 2023 - 31 באוקטובר 2024

דם לבך: צמתים של אמנות וספרות

הנוכחי

דם לבך: צמתים של אמנות וספרות

12 בספטמבר 2022 - 31 בדצמבר 2024

מפגש עם החיים: נ.צ. וויית

הנוכחי

מפגש עם החיים: נ.צ. וויית' וציורי הקיר של MetLife

18 ביולי 2022 - 31 בדצמבר 2024

אנדי וורהול פולארויד: פלאים מרושעים

הנוכחי

אנדי וורהול פולארויד: פלאים מרושעים

13 בדצמבר 2021 - 31 בדצמבר 2024

פרחים לאביב, פורצי דרך

ארכיון

פרחים לאביב, פורצי דרך

8 במאי 2023 - 31 באוגוסט 2024

אמנות המערב האמריקאי: אוסף בולט

ארכיון

אמנות המערב האמריקאי: אוסף בולט

24 באוגוסט 2023 - 31 באוגוסט 2024

מעגל ראשון: מעגלים באמנות

ארכיון

מעגל ראשון: מעגלים באמנות

14 בפברואר 2023 - 31 באוגוסט 2024

ציורים של דורותי הוד

ארכיון

ציורים של דורותי הוד

18 במרץ - 19 ביולי 2024

אירווינג נורמן: חומר אפל

ארכיון

אירווינג נורמן: חומר אפל

27 בנובמבר 2019 - 30 ביוני 2024

פיקאסו: מעבר לקנבס

ארכיון

פיקאסו: מעבר לקנבס

4 באוקטובר 2023 - 30 באפריל 2024

חיתוך נייר: עבודות ייחודיות על נייר

ארכיון

חיתוך נייר: עבודות ייחודיות על נייר

27 באפריל 2022 - 31 באוקטובר 2023

אנדי וורהול: זוהר בקצה

ארכיון

אנדי וורהול: זוהר בקצה

27 באוקטובר 2021 - 30 בספטמבר 2023

אלכסנדר קאלדר: יקום של ציור

ארכיון

אלכסנדר קאלדר: יקום של ציור

10 באוגוסט 2022 - 31 באוגוסט 2023

עוד לחיים: דיאלוגים אימפרסיוניסטיים ממונה ומעבר לו

ארכיון

עוד לחיים: דיאלוגים אימפרסיוניסטיים ממונה ומעבר לו

17 באוגוסט 2022 - 31 באוגוסט 2023

תקופה יפה: אמנות אמריקאית בעידן המוזהב

ארכיון

תקופה יפה: אמנות אמריקאית בעידן המוזהב

24 ביוני 2021 - 31 באוגוסט 2023

זה היה מקובל בשנות ה -80

ארכיון

זה היה מקובל בשנות ה -80

27 באפריל 2021 - 31 באוגוסט 2023

נ.צ. וויית

ארכיון

נ.צ. וויית': עשור של ציור

29 בספטמבר 2022 - 31 במרץ 2023

פול ג

ארכיון

פול ג'נקינס: צביעת הפנומנלי

27 בדצמבר 2019 - 31 במרץ 2023

ארכיון

ג'ורג'יה אוקיף ומרסדן הארטלי: מוחות מודרניים

1 בפברואר 2022 - 28 בפברואר 2023

נורמן זמיט: התקדמות הצבע

ארכיון

נורמן זמיט: התקדמות הצבע

19 במרץ 2020 - 28 בפברואר 2023

מאסטרים פיגורטיביים של האמריקות

ארכיון

מאסטרים פיגורטיביים של האמריקות

4 בינואר - 12 בפברואר 2023

אקספרסיוניזם מופשט: התעלות מעל הרדיקלי

ארכיון

אקספרסיוניזם מופשט: התעלות מעל הרדיקלי

12 בינואר 2022 - 31 בינואר 2023

ארכיון

ג'יימס רוזנקוויסט: פופ חזק

7 ביוני 2021 - 31 בינואר 2023

העור שלי: פרידה קאלו ודייגו ריברה

ארכיון

העור שלי: פרידה קאלו ודייגו ריברה

16 ביוני - 31 בדצמבר 2022

יוסף אלברס: לב הציור

ארכיון

יוסף אלברס: לב הציור

12 במאי - 30 בנובמבר 2022

אקספרסיוניזם מופשט: הנשים העקשניות

ארכיון

אקספרסיוניזם מופשט: הנשים העקשניות

1 בנובמבר 2021 - 31 באוגוסט 2022

אלכסנדר קלדר: ציור היקום

ארכיון

אלכסנדר קלדר: ציור היקום

2 במרץ - 12 באוגוסט 2022

מרצדס חומר: איכות מופלאה

ארכיון

מרצדס חומר: איכות מופלאה

מרץ 22, 2021 - יוני 30, 2022

מור! מור! מור! הנרי מור ופיסול

ארכיון

מור! מור! מור! הנרי מור ופיסול

3 במרץ 2021 - 30 באפריל 2022

איליין ו-וילם דה קונינג: ציור באור

ארכיון

איליין ו-וילם דה קונינג: ציור באור

3 באוגוסט 2021 - 31 בינואר 2022

המודרניזם היהודי חלק 2: פיגורציה משגאל לנורמן

ארכיון

המודרניזם היהודי חלק 2: פיגורציה משגאל לנורמן

30 באפריל 2020 - 31 בדצמבר 2021

אנדי וורהול פולארוידים: להביא אותו למסלול

ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: להביא אותו למסלול

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021

אנדי וורהול פולארוידים: כל מה שנוצץ

ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: כל מה שנוצץ

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021

אנדי וורהול פולארוידים: אני, עצמי, &

ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: אני, עצמי, &

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021

אנדי וורהול פולארוידים: ארס לונגה

ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: ארס לונגה

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021

אמריקן איי: קטעים נבחרים מאוסף פרדי

ארכיון

אמריקן איי: קטעים נבחרים מאוסף פרדי

28 בפברואר - 31 בדצמבר 2021

אוסף גלוריה לוריא

ארכיון

אוסף גלוריה לוריא

16 במרץ 2020 - 31 באוקטובר 2021

וינסנט ואן גוך והאימפרסיוניסטים הגדולים של השדרה הגדולה

ארכיון

וינסנט ואן גוך והאימפרסיוניסטים הגדולים של השדרה הגדולה

2 במרץ - 10 באוגוסט 2021

דמויות פופ: מל ראמוס וטום וסלמן

ארכיון

דמויות פופ: מל ראמוס וטום וסלמן

26 במרץ 2020 - 30 באפריל 2021

תכשיטים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית

ארכיון

תכשיטים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית

19 בפברואר - 31 באוקטובר 2020

בריטניה המגניבה: האמנים הבריטים הצעירים

ארכיון

בריטניה המגניבה: האמנים הבריטים הצעירים

2 באפריל - 30 בספטמבר 2020

תושבי קליפורניה

ארכיון

תושבי קליפורניה

1 בנובמבר 2019 - 14 בפברואר 2020

סם פרנסיס: מהחשכה עד עלות השחר

ארכיון

סם פרנסיס: מהחשכה עד עלות השחר

15 בנובמבר 2018 - 29 באפריל 2019

נ.C וייט: ציורים ואיורים

ארכיון

נ.C וייט: ציורים ואיורים

1 בפברואר - 31 במאי 2018

ציוריו של סר וינסטון צ

ארכיון

ציוריו של סר וינסטון צ'רצ'יל

21 במרץ - 30 במאי 2018

פרארי ועתידניות: מבט איטלקי על מהירות

ארכיון

פרארי ועתידניות: מבט איטלקי על מהירות

21 בנובמבר 2016 - 30 בינואר 2017

אלכסנדר קלדר

ארכיון

אלכסנדר קלדר

21 בנובמבר 2015 - 28 במאי 2016

המאסטרים של האימפרסיוניזם בקליפורניה

ארכיון

המאסטרים של האימפרסיוניזם בקליפורניה

22 בנובמבר 2014 - 23 במאי 2015

הפשטה ציורית: תחומים של AbEx

ארכיון

הפשטה ציורית: תחומים של AbEx

25 בנובמבר 2011 - 31 במאי 2012

מאסטרים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית

ארכיון

מאסטרים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית

20 בנובמבר 2010 - 25 בספטמבר 2011

פיקאסו

ארכיון

פיקאסו

20 בנובמבר 2009 - 25 במאי 2010

גרפיקה בתצוגה

על פי הקטלוג שנערך על ידי מוזיאון ברנדיוויין ריבר לאמנות, השרטוט הראשוני של דייגי הבקלה הפוריטניים הושלם על ידי נ.צ. ויית' לפני מותו באוקטובר 1945. הערך מתעד תמונה של הסקיצה וכן כתובות של האמן וכותרתו, "דייגי בקלה פוריטנים", המאופיינים בקטלוג כ'חלופיים'. בכל מקרה, הבד בקנה מידה גדול הוא יצירה ייחודית שאנדרו ויית' נזכר מאוחר יותר שצוירה אך ורק בידו, שיתוף פעולה מתוחם של עיצובו וקומפוזיציה של האב שהובא לידי ביטוי על ידי הוצאה להורג יוצאת דופן של בן. עבור אנדרו, זו בוודאי הייתה חוויה רגשית ומורגשת עמוקה. בהתחשב בתשומת לבו של אביו לפרטים ולאותנטיות, קווי ספינת המפרש הקטנה מייצגים שאלוט, שהיה בשימוש במהלך המאה השש עשרה. מצד שני, סביר להניח שאנדרו העמיק את גווני הים חסר המנוחה יותר מאשר אביו, בחירה שמעצימה כראוי את האופי המסוכן של המשימה.

אנדרו ווית' ונ.C ווית'

N.C. Wyeth’s extraordinary skills as an illustrator were borne of impeccable draftsmanship and as a painter, his warmly rich, harmonious sense of color, and ability to capture the quality of light itself. But it is his unmatched artistry in vivifying story and character with a powerful sense of mood that we admire most of all — the ability to transport himself to the world and time of his creation and to convey it with a beguiling sense of conviction. That ability is as apparent in the compositional complexities of Treasure Island’s “One More Step, Mr. Hands!” as it is here, in the summary account of a square-rigged, seventeenth-century merchant ship tossed upon the seas. The Coming of the Mayflower in 1620 is a simple statement of observable facts, yet Wyeth’s impeccable genius as an illustrator imbues it with the bracing salt air and taste that captures the adventuresome spirit of the men and women who are largely credited with the founding of America. That spirit is carried on the wind and tautly billowed sails, the jaunty heeling of the ship at the nose of a stiff gale, the thrusting, streamed-limned clouds, and the gulls jauntily arranged to celebrate an arrival as they are the feathered angels of providence guiding it to safe harbor.<br><br>The Coming of the Mayflower in 1620 was based on two studies, a composition drawing in graphite and a small presentation painting. The finished mural appears to have been installed in 1941.

נ.C. וייט

בתחילת שנות ה-70 של המאה ה-19 צייר וינסלו הומר לעתים קרובות סצנות של חיים כפריים ליד כפר חקלאי קטן שנודע במשך דורות בזכות דוכני החיטה המרשימים שלו, הממוקם בין נהר ההדסון לקטסקיל במדינת ניו יורק. כיום הארלי מפורסם הרבה יותר כהשראה לאחת מיצירותיו הגדולות ביותר של הומרוס, Snap the Whip שצויר בקיץ 1872. בין הציורים הרבים האחרים בהשראת האזור, נערה עומדת בשדה החיטה עשירה בסנטימנטים, אך לא סנטימנטלית מדי. הוא מתקשר ישירות למחקר משנת 1866 שצויר בצרפת בשם "בשדות החיטה", ומחקר נוסף שצויר שנה לאחר מכן לאחר שובו לאמריקה. אבל הומרוס היה ללא ספק גאה ביותר בזה. זהו דיוקן, חדר לימוד תלבושות, ציור ז'אנרי במסורת הגדולה של הציור הפסטורלי האירופי, וטור דה פורס מואר בדרמטיות, ספוג באור השעה הזוהר הדועך במהירות, מצופה בתווים פרחוניים ונגיעות קוצים של חיטה. בשנת 1874 שלח הומרוס ארבעה ציורים לתערוכה של האקדמיה הלאומית לעיצוב. אחד מהם נקרא "ילדה". יכול להיות שזה לא זה?

וינסלו הומר

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

טום ווסלמן

לא קשה להבין כיצד הסידור המבריק בן שתי השורות של רוברט אינדיאנה בן ארבע האותיות סייע להעצים תנועה בשנות השישים. מקורו בחשיפה עמוקה לדת ומהחבר והמנטור אלסוורת' קלי, שסגנונו הקשוח וצבעו החושני וחסר המבטא הותירו רושם עז. אבל כמו שאינדיאנה קרא, זה היה רגע של נשיקה שקרה בדיוק כש"אהבה נשכה אותי!" והעיצוב הגיע אליו חד וממוקד. אינדיאנה, כמובן, העבירה את העיצוב בצעדים רבים, ואז הלוגו החל לנבוט בכל מקום. המסר, המועבר בצורה הטובה ביותר בפיסול, עומד בערים ברחבי העולם ותורגם למספר שפות, שאחת מהן היא האיטרציה האיטלקית שלו, "אמור" עם האות "O" המקרית שלו גם היא מוטה ימינה. אבל במקום להיבעט ברגל של "L", גרסה זו מעניקה אפקט מתנודד מבוים להפליא ל "A" לעיל. זה נותן רושם חדש, אבל לא פחות עמוק, של אהבה וטבעה הטעון רגשית. בכל מקרה, האות O המוטה של לאב מקנה חוסר יציבות לעיצוב יציב אחרת, השלכה עמוקה של הביקורת המובלעת של אינדיאנה על "הסנטימנטליות החלולה לעתים קרובות הקשורה במילה, המרמזת באופן מטאפורי על כמיהה נכזבת ואכזבה במקום על חיבה סכרינית" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018). לחזרתיות, כמובן, יש הרגל מגונה להחליש את הערכתנו לגאונות של פשטות ועיצוב פורץ דרך. בשלב מאוחר בחייה, אינדיאנה קוננה על כך ש"זה היה רעיון נפלא, אבל גם טעות איומה. זה הפך פופולרי מדי. ויש אנשים שלא אוהבים פופולריות". אבל אנחנו, תושבי עולם רווי מחלוקות ולכודים במהומה, תודה. "אהבה" וגרסאותיה הרבות הן תזכורות חזקות ליכולתנו לאהוב, וזוהי תקוותנו הנצחית הטובה ביותר לעתיד טוב יותר.

רוברט אינדיאנה

JULIAN SCHNABEL - ללא כותרת - שמן ושעווה על ברזנט - 120 x 96 אינץ'

ג'וליאן שנאבל

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Born in 1982, French native and Brooklyn-based artist Julie Curtiss is celebrated for her beguiling paintings that reimagine a surrealist's conceptual and aesthetic principles for the contemporary era. Her work draws heavily on the Surrealist fascination with Freudian psychology and the subconscious, themes championed by figures like André Breton and Louis Aragon. By blending these Surrealist influences with the dreamlike, graphic qualities reminiscent of the Chicago Imagists, Curtiss creates a visual language that is both referential and distinctly hers. Her imagery often focuses on deconstructing the female form and symbolically representing stereotypical feminine aesthetics, echoing the work of early 20th-century female Surrealists who used dreamlike settings and humor to explore and critique the female experience.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black><em>“D'apres l'Olympia”</em> epitomizes Curtiss's painterly approach to 21st-century sexuality, combining a distinctive yet referential visual lexicon that has earned her international acclaim. By destabilizing the art historical trope of the female nude and reinterpreting Manet's iconic painting of the same name, Curtiss melds elements of French modernism with the graphic sensibilities she developed after moving to Tokyo in 2006, where she honed her signature comic book-like aesthetic. The large red shoes—a striking departure from Manet's original—introduce a sense of humor, simultaneously evoking pop-cultural references while critiquing stereotypical femininity. These oversized, vivid shoes might symbolize the exaggerated expectations placed upon women or serve as a playful nod to the absurdity of societal norms. While her admiration for Manet is evident, it is Curtiss's ability to merge these historical references with contemporary concerns and aesthetics that makes<em> “D'apres l'Olympia”</em> a powerful commentary on the evolving nature of female.</font></div>

ג'ולי קרטיס

ב"עירום יורד במדרגות מס' 2", מל ראמוס שוזר בשובבות את מורשת יצירת המופת המודרניסטית של מרסל דושאן עם האסתטיקה התוססת של הפופ ארט, ויוצר פרשנות מחודשת חכמה ומעוררת ויזואלית. על ידי שיוך התנועה המופשטת של דושאן עם סגנון הפין-אפ האופייני לו, ראמוס יוצר דיאלוג דינמי בין המסורות הנערצות של האמנות היפה לבין האיכויות הגרפיות הנועזות של דימויים מסחריים. עבודה זו מדגימה את מיומנותו של ראמוס לנווט בתולדות האמנות ובתרבות העכשווית, תוך שימוש בפיתוי של עירום נשי כדי לחקור ולעשות סאטירה על אובססיות חברתיות ליופי, תשוקה וסחורה. בכך הופכת יצירתו של ראמוס לרקיחה מובהקת של פופ ארט, המתענגת על הקשר המשעשע שלה עם דושאן ובה בעת מבקרת וחוגגת את התרבות החזותית של זמנה.

מל ראמוס

ספרה של קתרין גרוס "ללא כותרת" משנת 2016 מרחיב את הערכתנו לאמנית שמביאה את אותה אנרגיה, תעוזה והתעלמות מהמוסכמות הנראות במיצבים האדריכליים המונומנטליים שלה למדיום המסורתי של צבע על בד. הצבע מתפוצץ, מורם ממשטח מורכב ועשיר בשכבות של יישומי צבע שנשפכו, מטפטפים או מתייזים, צעיפים שקופים קורנים ורצועות צבע חופפות שמוזסות ליצירת מעברי צבע רכים. התוצאה היא התרשמות מרתקת של עומק מרחבי ותלת מימדיות. אבל זהו גם טור דה פורס שחושף את גאונותו של גרוס בשילוב של כאוס ושליטה, ספונטניות וכוונה. מגוון הטכניקות שלה יוצר דיאלוג משכנע בין המקרי למכוון, סימן ההיכר של סגנונה הייחודי.

קתרינה גרוס

דיוקן סילבי לאקומב של תיאו ואן רייסלברגה, שצויר בשנת 1906, הוא יצירת מופת קלאסית של אחד מציירי הדיוקנאות המעודנים והעקביים ביותר של זמנו. הצבע הרמוני, עבודת המכחול נמרצת ומותאמת למשימתה החומרית, גופה וארשת פניה אמיתיים וחושפניים. היושבת היא בתו של חברו הטוב, הצייר ז'ורז' לאקומב, שחלק קשר הדוק עם גוגן, והיה חבר בלה-נאביס עם האמנים בונאר, דניס ווילאר, בין היתר. כיום אנו יודעים על סילבי לאקומב משום שואן ריסלברג מיומנת כל כך בעיבוד הבעות פנים עדינות ובאמצעות התבוננות זהירה ותשומת לב לפרטים, סיפקה תובנות על עולמה הפנימי. הוא בחר במבט ישיר, עיניה אליך, ברית בלתי נמנעת בין הסובייקט לצופה, ללא קשר ליחסנו הפיזי לציור. ואן ריסלברג נטש במידה רבה את הטכניקה הפוינטיליסטית כשצייר דיוקן זה. אבל הוא המשיך ליישם את הקווים המנחים של תורת הצבעים על ידי שימוש בגוונים של אדום - ורוד וסגול - כנגד ירוקים כדי ליצור פלטת צבעים הרמונית ומשופרת של צבעים משלימים, שאליהם הוסיף מבטא חזק כדי למשוך את העין - קשת אדומה רוויה מאוד המונחת באופן א-סימטרי בצד ראשה.

תיאו ואן רייסלברג

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

איליין דה קונינג

Mel Ramos is best known for his paintings of superheroes and female nudes juxtaposed with pop culture imagery. Many of the subjects in his paintings emerge from iconic brands or cultural touchstones like Chiquita bananas, M&M bags, or Snickers. In these works, visual delight is combined with suggested edible and commercial indulgence.<br><br>Leta and the Hill Myna diverges from some of Ramos’ other nudes. Here Ramos depicts his wife, whom he spoke of as his greatest muse. Like his works depicting superheroes, Leta and the Hill Myna is imbued with mythos and lore. Myna birds are native to South Asia where some are taught to speak, often to recite religious. Furthermore, playing on his wife’s name and the avian theme, Ramos is referencing the famous tale of Leda and the Swan in which Zeus embodies a bird to rape Leda. The story has been reinterpreted throughout history, including by great artists such as Paul Cezanne, Cy Twombly and Fernando Botero. With this depiction, Ramos places himself in that same art historical lineage.

מל ראמוס

HERB ALPERT - ראש חץ - ברונזה - 201 x 48 x 48 אינץ'.

הרב אלפרט

After disappointing sales at Weyhe Gallery in 1928, Calder turned from sculpted wire portraits and figures to the more conventional medium of wood. On the advice of sculptor Chaim Gross, he purchased small blocks of wood from Monteath, a Brooklyn supplier of tropical woods. He spent much of that summer on a Peekskill, New York farm carving. In each case, the woodblock suggested how he might preserve its overall shape and character as he subsumed those attributes in a single form. There was a directness about working in wood that appealed to him. Carved from a single block of wood, Woman with Square Umbrella is not very different from the subjects of his wire sculptures except that he supplanted the ethereal nature of using wire with a more corporeal medium.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

אלכסנדר קלדר

מבין טוטמי הרוח הרבים של הרב אלברט מברונזה, בצבע שחור-משיי, למעטים יש את התחושה הגברית המובהקת של Warrior. ומעליו כתר יורד ומשונן שיכול בקלות להתייחס לסמל של ציפור טרף ככיסוי הראש של צ'יף אינדיאני במישורים, התואר "לוחם" הוא תיאור מתאים המתייחס בין היתר לתכונות של כוח, אומץ ורוח בלתי שבירה. בדומה לעבודתו של הנרי מור, אסוציאציות אלה תלויות, בין השאר, בחלל שלילי כדי ליצור את הרושם הדינמי והחזק שהפסל האימתני הזה יוצר.

הרב אלפרט

Rouge Mouille (אדום רטוב) של אלכסנדר קלדר כולל רקע של עיגולים אדומים, חלקם מתפזרים כמו פיצוצים, יוצרים תחושה של התרחבות אנרגטית, ואחרים רצים כלפי מטה כאילו זורמים שובלים של מופע זיקוקים. תפאורת אנימציה זו מעוטרת בכדורים עגולים אטומים רבים, שחורים ברובם, אך שזורים בכדורים כחולים, אדומים וצהובים עדינים בולטים. המיקום האסטרטגי של הכדורים הצבעוניים על רקע האדומים הנפיצים לוכד את היראה והמחזה של מופע זיקוקים, והופך את הציור למטאפורה ויזואלית לאירוע מסנוור וחגיגי זה. יצירת האמנות מהדהדת בהתרגשות ובחיוניות, ומתמצתת את יופייה הארעי במדיום סטטי.

אלכסנדר קלדר

אירווינג נורמן - איך זה - שמן על בד - 90X60 אינץ'

אירווינג נורמן

סדרת הפסלים של פרנק סטלה מאופיינת בצורות ציפה וזרימה, הנמשכות אל תוך חלל הצופה ומזמינות אינטראקציה בין האובייקט לסביבתו. ה"דאדאפ", סוג של עץ הקשור לצמיחה ולמשמעות פולחנית בתרבות הבאלינזית, משקף את הטבע האורגני והדינמי של פסליה של סטלה. במעבר לנירוסטה ואלומיניום מבמבוק, סטלה שמרה על האופי המהותי של האסתטיקה הבאלינזית המהללת צורות שהן אורגניות, נוזליות ומעורבות באופן דינמי בחלל שלהן. דאדפ מציג המשכיות בחקירה התמטית של סטלה שבה רוח עבודתו עולה על החומריות. מתכת מעניקה מרקם, רפלקטיביות ואינטראקציה שונים עם אור וחלל, אך היא דבקה בעקרונות התנועה והאינטראקטיביות. זוהי העברה יצירתית של צורה וקונספט בין מדיומים שונים, תוך שמירה על רוח ההשראה הראשונית תוך מתן אפשרות לתכונות החומר החדש לבטא רעיונות אלה בהקשר רענן.

פרנק סטלה

פול ג'נקינס - תופעות לפי חזרה - אקריליק על בד - 104 3/4 x 49 5/8 אינץ'.

פול ג'נקינס

מנואל נרי היה דמות מרכזית בתנועה הפיגורטיבית של אזור המפרץ בשנות השישים. במקום צורות מופשטות, הקבוצה הדגישה את הרגש באמצעות כוחה של הצורה האנושית. היצירה הנוכחית, "ללא כותרת" (1982), בוחנת את הצורה הנשית בקנה מידה טבעי. נרי העדיף לעבוד עם דוגמנית אחת בלבד לאורך 60 שנות הקריירה שלו, מריה ג'וליה קלימנקו. היעדר פנים ברבים מהפסלים מוסיף אלמנט של מסתורין ועמימות. מוקד היצירה ב"ללא כותרת" הוא המבנה והצורה של הדמות. מנואל נרי מיוצג באוספי מוזיאונים רבים ברחבי העולם, ביניהם גלריה אדיסון/אקדמיית פיליפס; אוסף אנדרסון באוניברסיטת סטנפורד; המכון לאמנות של שיקגו; מרכז קנטור לאמנויות, אוניברסיטת סטנפורד; מוזיאון האמנות של סינסינטי; מוזיאון קרוקר לאמנות, סקרמנטו, קליפורניה; מוזיאון דנבר לאמנות, מוזיאון אל פאסו לאמנות, טקסס; מוזיאונים לאמנויות יפות של סן פרנסיסקו; מוזיאונים לאמנות של אוניברסיטת הרווארד; מוזיאון הירשהורן וגן הפסלים, וושינגטון, ד.C; מוזיאון הונולולו לאמנות, מוזיאון המטרופוליטן לאמנות, ניו יורק והגלריה הלאומית לאמנות, וושינגטון הבירה.

מנואל נרי

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

אירווינג נורמן

כבתו של הפסל המינימליסטי טוני סמית, האמנות של קיקי אינה מוגבלת למדיום או טכניקה בודדים, ועבודתה מזמינה לעתים קרובות פרשנויות מרובות. המועדון מגלם את הצורה והמידות של רגל אנושית, המרכיב החיוני לתנועה וליציבות. כותרתו של סמית מזמינה את הצופה לדמיין מחדש רגל כנשק ולבחון את שבריריותו של המצב האנושי, את דינמיקת הכוח של אוטונומיה גופנית ואת יחסי הגומלין המורכבים בין כוח לפגיעות. טרנספורמציה כזו של חלק גוף לאובייקט משדרת הגנה ותוקפנות כאחד ומשקפת כיצד גופים ספציפיים למגדר מנווטים בסביבה החברתית והאישית שלנו. קלאב מדגים את יכולתו של סמית ליצור יצירות עשירות בסמליות, פתוחות לפרשנות, ומעוררות מחשבה על החוויה האנושית.

קיקי סמית'

כאשר סוס שוכב, זה בגלל שהוא מרגיש בטוח, אשר, עבור דבורה באטרפילד, היא דרך לומר שזה בסדר להפוך את עצמנו פגיעים. "אקו", שנבנתה בדרכים שמכבדות את כישורי הליקוט שלה ואת יכולתה לרתך עבודות מתכת, אינה דבקה בתיאור מסורתי של סוס אלא חושפת משהו מאופיו המהותי. היא בנויה מיריעות פלדה מחוברות, חלקן אדוות, אחרות מקופלות או מכווצות, והיא יצירה הנושאת את חותם הזמן, מיושנת לפטינה חומה-חלודה, פגמים שנחגגים ולא מוסתרים. הבחירה המכוונת של באטרפילד בחומרים והטיפול בהם מוסיפה עומק ואופי, והופכת את Untitled, Echo ליותר מסתם ייצוג סוסים - היא משקפת את היופי המחוספס ואת החוסן של החיה שהיא מייצגת.

דבורה באטרפילד

אמן בלתי מעורער של התנועה הניאו-אימפרסיוניסטית הבלגית המשגשגת משנת 1887 ואילך, תיאו ואן רייסלברגה צייר דיוקן זה של אשתו, מריה (לבית מונום) במהלך העשור הראשון של המאה העשרים. הוא המשיך הלאה מהשפעת הטונאליזם, האימפרסיוניזם והפוינטיליזם של סרה של ויסלר כדי לשכלל הבנה מעודנת ביותר של צבע, תהודה הרמונית ועיבוד קפדני של אלמנטים צורניים. כשרטט למופת, רשמים אופטיים המבוססים על אינטראקציות צבע נותרו דאגה עיקרית עבור ואן רייסלברגה. כאן, משיכות צבע קצרות החליפו את הנקודות הקטנות של פוינטיליסט, וערכת הצבעים אינה ההומוגנית, ההרמונית, שעבורה יש לאמן מוניטין ראוי. במקום זאת, דיוקן זה מקדם את תורת הצבעים באופן שונה לחלוטין. העניין החזותי שלו נשען על הניגודים הדינמיים של הקופור הכסוף של אשתו, שמלתה בגוון פלטינה ומעטפת האח הלבנה - כולם מבוימים בתוך החיוניות האופטית של הסביבה הנשלטת על ידי אדום וירוק משלימים. זוהי הדגמה ויזואלית מגרה של צייר שהבין את ההשפעה הדינמית של ערכת צבעים יוצאת דופן זו וסידר את היושב במבטא חזק באלכסון וביצע את הנוסחה במלאכה ובזריזות של צייר בשליטה מלאה על נכסיו הציוריים.

תיאו ואן רייסלברג

עבודות הנייר המוקדמות של מנואל נרי פרצו דרך בטכניקה פיסולית, וגישתו לציור פסליו משקפת את עיסוקו העמוק בפוטנציאל האקספרסיבי של צבע וצורה. הבחירה והמיקום של הצבעים בהומברה קולורדו II יוצרים תגובה קרבית במיוחד המשקפת את הבנתו רבת הניואנסים את הממד הפסיכולוגי והרגשי של הצבע. הומברה קולורדו השני, שתוכנן והופק בשנת 1958, משקף תקופה שבה נרי ואשתו ג'ואן בראון עסקו בחילופי יצירתיות אמנותיים עשירים ותרמו באופן משמעותי להתפתחות הסגנונות שלהם והתנועה הפיגורטיבית של אזור המפרץ, שבה מילאו תפקידים חיוניים.

מנואל נרי

"חלום בתוך חלום" היא סדרה משמעותית של ציורים והדפסי משי מאת ריאן מק'ג'ינס, הלוקחת את שמה משיר מפורסם של אדגר אלן פו. כשהוא חוקר נושאים של תפיסה, מציאות ותת-מודע, מקגינס משלב מגוון סמלים ומוטיבים, כולל צורות גיאומטריות, אלמנטים בוטניים ומוטיבים פיגורטיביים, אותם הוא מסדר בדפוסים מורכבים שנראים משתנים ומתעצבים לנגד עיניו של הצופה. הכותרת מרמזת על תחושה של עמימות ואי ודאות, המשקפת את הטבע החמקמק של המציאות ואת האיכות הבורחת של החוויה האנושית. על ידי עיסוק בנושאים של תפיסה ואשליה, מק'גינס מעודדת את הצופים להטיל ספק בהנחותיהם לגבי העולם ולשקול את האפשרות שהמציאות עשויה להיות זורמת וסובייקטיבית יותר ממה שהיא נראית.

RIAN MCGINNESS

דבורה באטרפילד היא פסלת אמריקאית, הידועה בעיקר בזכות פסלי הסוסים שלה העשויים מחפצים החל מעץ, מתכת וחפצים אחרים שנמצאו. היצירה מ-1981, ללא כותרת (סוס), מורכבת ממקלות ונייר על חימוש תיל. קנה המידה המרשים של יצירה זו יוצר אפקט יוצא דופן באופן אישי, ומציג דוגמה בולטת לנושא המפורסם של באטרפילד. באטרפילד יצרה במקור את הסוסים מעץ וחומרים אחרים שנמצאו בשטחה בבוזמן, מונטנה וראתה בסוסים דיוקן עצמי מטאפורי, וכרתה את התהודה הרגשית של צורות אלה.

דבורה באטרפילד

ג'וזף סטלה, שעוצב על ידי מולדתו איטליה ואימץ את אמריקה, חקר מגוון יוצא דופן של סגנונות ומדיומים ביצירות אמנות בעלות מגוון ומקוריות מדהימים. בשנת 1911 רכב סטלה על גל האוונגרד של מגמות פוביסטיות, קוביסטיות ועתידניות, אך הוא היה המודרניסט האמריקאי היחיד שחי יום-יום עם המאסטרים האיטלקים הישנים. התנוחה והטיפול ב"עירום שוכב" מתייחסים לסדרת עבודות שציירה סטלה בשנות העשרים המתארות נשים מפתות ממקורות מיתולוגיים או פנטזיוניים כמו "לדה והברבור" ואונדין, נימפת מים יפהפייה מאגדה גרמנית רומנטית פופולרית מהמאה ה-19. במקום זאת, ללא דימויים פרחוניים או סימבוליסטיים, "עירום שוכב", שצויר בשנות השלושים, משקף בצורה הולמת יותר את התקופה המפוכחת ההיא.

ג'וזף סטלה

הרב אלפרט - השראה - ברונזה - 100 x 20 x 12 אינץ '.

הרב אלפרט

אירווינג נורמן - תמונות - שמן על בד - 40X90 אינץ'

אירווינג נורמן

בסוף שנות ה-90 החל מנואל נרי להפוך פסלי גבס רבים לברונזה, וחזר לעתים קרובות לעבודות מוקדמות יותר כדי לייצר עיבודים חדשים של כל יצירה. סדרות אלה, שכמעט ולא ניתן להבחין ביניהן בצורה ובפרטי פני השטח, בוחנות את ההשפעה של ערכות צבעים שונות ויצירת סימנים הכוללים פעולות שונות, כולל חומרי הברשה חותכים, גירוד או שכבות. על ידי התנסות בטכניקות סימון שונות, נרי יכול לחקור את יחסי הגומלין בין צורה, צבע, מרקם ואור. בהקשר של איור עומד מס' 3, נרי הגביל את פלטת הצבעים שלו לסכמת צבעים מקבילה, דילל את הצבע כדי ליצור מעברי צבע עדינים שמעצימים את החלק החיצוני המלוטש והמעודן של הפסל.

מנואל נרי

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta. The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes. Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work. Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta. <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power. Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist. His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

גופטה סובוד

מארק קווין - Lovebomb - למינציה תמונה על אלומיניום - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 אינץ '.

מארק קווין

אירווינג נורמן - אדם וזמן - שמן על בד - 58X30 אינץ'

אירווינג נורמן

CHARLES ARNOLDI - דביק Wicket - אקריליק, הדבק דוגמנות ומקלות על דיקט - 44 1/4 x 91 x 3 אינץ '.

צ'ארלס ארנולדי

ויין טייבו נערץ מאוד כצייר. עם זאת, יכולתו כשרטט משכנעת באותה מידה ובולטת במיוחד בליתוגרפיה, מדיום אוטוגרפי שנודע בתיעוד כל מחווה של אמן. כפי ש-Paint Cans מדגימה במלואה, הליתוגרפיה מספקת גם את החופש ליצור שכבות מרקמיות וצבעים כדי להשיג ייצוג קליל של כוונותיו המנוסחות של האמן. בקומפוזיציה, "פחיות צבע" מציג את חוש הסדר החד של טייבו, הנובע מדגש על נקודות מוקד וקווי כיוון המדגימים את הדרכים הייחודיות שבהן הוא יכול להדגיש קיבוץ של פריטים יומיומיים. זוהי יצירה נוספת שמדהימה את הצופה בטכניקה ובכישורים המפורטים ביותר שלו.

ויין תיאבאוד

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

מקס פלגריני

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

ואלרי ג'אודון

מעטים הסלבריטאים שמגדירים את שנות ה-70 כמו פארה פוסט. חברה בתוכנית הטלוויזיה "המלאכיות של צ'רלי", התסרוקת האייקונית שלה המכונה "פארה", הכוללת שכבות רכות וזורמות שממסגרות את הפנים, עם מראה קופצני ושופע שהושג על ידי היפוך קצות השכבות כלפי חוץ, הפכה למראה המכונן של העשור. דיוקנה של וורהול מייצג את פוסט עצמה ומספק פרשנות רחבה יותר למגמות החברתיות והתרבותיות של התקופה. באופן משכנע ביותר, שני דיוקנאות מדהימים אלה מעידים על תווי פניה הטבעיים ושטופי השמש ועל מבנה גופה הבריא והאתלטי שהדהד כסמל ליופי אידיאלי בתקופתה.

אנדי וורהול

ג'ואנה POUSETTE-DART - ללא כותרת (מחקר מדבר אדום) - אקריליק על לוח עץ - 33 1/2 x 42 x 3/4 אינץ '.

ג'ואנה פוסט-דארט

סלומון ואן רוסדאל

סת' קאופמן - ליגנום ספייר - ברונזה עם פטינה ירוקה - 103 1/2 x 22 x 17 אינץ'.

סת' קאופמן

אנדי וורהול נשא מצלמת פולארויד כמתעד בלתי נלאה של החיים ומפגשיהם מסוף שנות החמישים ועד מותו בשנת 1987. אוסף הפולרואידים העצום שצבר הוא ספונטני, לא מלוטש, לעתים גולמי, ומשמש כרוניקה של זמנו, בדומה לאופן שבו אינסטגרם משקף את תקופתנו. אדם אחר יכול היה לצלם את הדיוקן העצמי הזה, וליצור הצעה מרומזת דקיקה המבקשת מהצופה לקבל אותו כדיוקן עצמי, או שמא הוא הושג אך ורק על ידי וורהול באמצעות אביזר חיצוני של טיימר עצמי. זהו דיוקן שחוגג את המכשיר שעליו הסתובבו למעשה חייו של וורהול, מחווה מבוימת בקפידה ליחסיו עם מצלמת הפולארויד.

אנדי וורהול

רוברט נטקין - אפולו XL - אקריליק על בד - 88 x 116 1/4 אינץ'.

רוברט נטקין

אנדי וורהול - דיוקן עצמי עם מצלמה (דיפטיך) - פולארויד, פולקולור - 4 1/4 x 3 3/8 אינץ'.

אנדי וורהול

"פנים" היא אחת היצירות המודרניות יותר של מוריס אסקאנזי, הקוראת לזכור את עבודתם של בונרד או וילארד. הסצנה האינטימית מראה דוגמנית עירומה, שנראית באופן דרמטי בפרופיל, מתחזה לצייר בסטודיו שטוף שמש. הדלת לחדר פתוחה, מה שנותן את הרושם שהצופה גונב הצצה לאינטראקציה פרטית בין האמן לדוגמנית. מראה הממוקמת בחוכמה על גב הדלת הפתוחה חושפת את השתקפותו של הצייר, אותו אנו אמורים לקחת כ- Askenazy עצמו, בעבודה. Askenazy מקפיד מאוד לתאר את פרטי החדר, מן העות'מאנית בדוגמת הציורים ממוסגרים על הקירות, כל פסיפס של צבע אימפרסיוניסטי.

מוריס אסקזי

גבר ואישה צעירים מחבקים זה את זה, אישה מחזיקה ילד, תינוק ישן מחזיק חוט שחור ואדום, אישה צעירה אחרת מתפשטת, ומלאך פורש את כנפיו בקולאז ' זה כמו קומפוזיציה. יחד, דמויות אלה יוצרות נרטיב שבו אהבה צעירה, גורל וחיים שזורים זה בזה: התינוק הישן מחזיק חוט אדום וחוט שחור, המזכיר את שלושת הגורלות המיתולוגיים, שסובבו חיים ומוות על נוליהם. חוטים אלה קשורים פיזית לאוהבים הצעירים, אשר מחבקים זה את זה, לחלוטין לא מודעים לאחזקה שיש לתינוק עליהם. אישה המחזיקה ילד משגיחה על אהבתם של הנער והילדה הצעירים, בדיוק כפי שמרים וישו משגיחים על האנושות ומגנים עליה. מיזוג הנרטיבים והסמלים הוא מרכיב נפוץ ב יצירתו של פלגריני, והוא בא לידי ביטוי כאן במיומנות.

מקס פלגריני

אנדי וורהול - דיוקן עצמי - פולארויד, פולקולור - 4 1/2 x 3 3/8 אינץ'.

אנדי וורהול

אנדי וורהול - דיוקן עצמי בדראג - פולארויד - 4 1/4 x 3 3/8 אינץ'.

אנדי וורהול

אנדי וורהול - הצל (מתוך מיתוסים) - הדפסת מסך צבעונית עם אבק יהלומים על נייר - 37 1/2 x 37 1/2 אינץ'.

אנדי וורהול

The Queen of the Night drinks water from the clasped hands of faith, while two shepherds embrace each other, unaware of Jesus’ birth. Angels, portrayed almost translucently on the canvas, spray holy water and bring about the giving of gifts. A precious jewel is depicted in the right corner, while a humble basket of turkeys sits on the cape of the Madonna. Nearby rests a basket with a goldfinch, an ancient symbol, which is a harbinger of good luck for newborn babies. The baby Jesus, just as the clasped hands that the Queen drinks out of, represents faith – the angels have sprinkled with holy water and he will soon make himself known to the world.<br><br>“For me the faith in religion becomes faith in painting and will defeat the giants." – Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

מקס פלגריני

תמונות מראה של דמות מוסווית כוללות גבר חשוף חזה ומזוקן, שהוא כמעט ילדותי במעמדו היחסי. החיבוק שלהם משקף את זה של פיטה של מיכלאנג'לו, ואת התיאורים דומים רבים של ישו והמדונה. גוון כהה של כחול מטיל צל על הקומפוזיציה, ללא ספק אינדיקטור זמני, אבל אולי התייחסות לתקופה הכחולה של פיקאסו גם כן, משפיע מרכזי על יצירותיו של פלגריני. לוחות הקיר שמאחורי הדמויות מתארים סצינות דתיות, ומזכירים לצופה קירות ויטראז' בכנסיות ובבתי תפילה. אור זורח מחלונות בעיר שמתחת, מואר גם על ידי ירח מלא שהגיע לשיאו מעל נוף הררי.

מקס פלגריני

In an abstracted image of St. Peter’s basilica in Rome, Pellegrini returns to religious narratives to express his “anti-ideological and anti-pauperist” impression of the church and its relationship with faith (Antonio Monda, “Interview with Max Pellegrini). In the lower half of the painting, the birth of Jesus is the central focus, while the life of the church is highlighted in the upper half. According to Pellegrini, he depicted the birth of Jesus in the style of a baroque 18th century Neapolitan nativity scene that can be interpreted “as a feast for the birth of faith.” This faith is conceived of as “the material support for the Popes’ power and of the Church’s glory,” represented in this painting by the Pope clutching the moon in his hand. <br> <br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

מקס פלגריני

From the late 1990’s to the early 2000’s, Pellegrini returned to his paintings in the Life of an Anarchist series, “reworked them, constructed them in ‘layers,’ corrected them, initiated series or returned to iconographies of his past works.” These paintings, which are dedicated to Pellegrini’s wife Roberta, depict a woman who is free and positive, and are part of a long line of works in which there is an absolute female protagonist. (Sara D’Alessandro, “Biography,” in Max Pellegrini, ed. Danilo Eccher, 2014). Pellegrini had his wife in mind for these paintings, since “she considers herself an integrated anarchist, a woman with no prejudice but not fanatical or destructive.”<br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

מקס פלגריני

בחדשות

שירותים

הת'ר ג'יימס פיין ארט מספקת מגוון רחב של שירותים מבוססי לקוח המתאימים לצרכי איסוף האמנות הספציפיים שלך. צוות התפעול שלנו כולל מטפלים מקצועיים באמנות, מחלקת רשם מלאה וצוות לוגיסטי בעל ניסיון רב בהובלת אמנות, התקנה וניהול אוספים. עם שירות כפפות לבנות וטיפול מותאם אישית, הצוות שלנו עובר את הקילומטר הנוסף כדי להבטיח שירותי אמנות יוצאי דופן עבור לקוחותינו.

תכנון נדל"ן ומס

ניהול אוספים

משיכת השקעות

ניהול לוגיסטיקה

שמאות הערכה

פיננסיים

משאבים נוספים

הכירו אותנו

גרפיקה מוצגת

ב-15 במאי 1886 נולד מניפסט חזותי לתנועת אמנות חדשה כאשר גולת הכותרת של ז'ורז' סרה, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte נחשפה בתערוכה האימפרסיוניסטית השמינית. סרה יכול לטעון לתואר "האימפרסיוניסט המדעי" המקורי שפעל באופן שנודע כפוינטיליזם או דיוויזיוניזם. עם זאת, היה זה חברו ואיש סודו, פול סיניאק בן ה-24 והדיאלוג המתמיד ביניהם שהוביל לשיתוף פעולה בהבנת הפיזיקה של האור והצבע והסגנון שנוצר. סיניאק היה צייר אימפרסיוניסטי חסר הכשרה, אך מוכשר להפליא, שמזגו התאים באופן מושלם לקפדנות ולמשמעת שנדרשו כדי להשיג את עבודת המכחול והצבע המייגעים להפליא. סיניאק הטמיע במהירות את הטכניקה. הוא גם היה עד למסע המפרך בן השנתיים של סרה, שבנה אינספור שכבות של נקודות צבע לא מעורבבות על לה גרנד ז'אטה בגודל עצום. יחד, סיניאק, המוחצן החצוף, וסרה, מופנם בסתר, עמדו לחתור תחת מהלך האימפרסיוניזם, ולשנות את מהלך האמנות המודרנית.

פול סיניאק

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

ג'ורג'יה אוקיף

<br>In Diego Rivera’s portrait of Enriqueta Dávila, the artist asserts a Mexicanidad, a quality of Mexican-ness, in the work along with his strong feelings towards the sitter. Moreover, this painting is unique amongst his portraiture in its use of symbolism, giving us a strong if opaque picture of the relationship between artist and sitter.<br><br>Enriqueta, a descendent of the prominent Goldbaum family, was married to the theater entrepreneur, José María Dávila. The two were close friends with Rivera, and the artist initially requested to paint Enriqueta’s portrait. Enriqueta found the request unconventional and relented on the condition that Rivera paints her daughter, Enriqueta “Quetita”. Rivera captures the spirit of the mother through the use of duality in different sections of the painting, from the floorboards to her hands, and even the flowers. Why the split in the horizon of the floorboard? Why the prominent cross while Enriqueta’s family is Jewish? Even her pose is interesting, showcasing a woman in control of her own power, highlighted by her hand on her hip which Rivera referred to as a claw, further complicating our understanding of her stature.<br><br>This use of flowers, along with her “rebozo” or shawl, asserts a Mexican identity. Rivera was adept at including and centering flowers in his works which became a kind of signature device. The flowers show bromeliads and roselles; the former is epiphytic and the latter known as flor de jamaica and often used in hibiscus tea and aguas frescas. There is a tension then between these two flowers, emphasizing the complicated relationship between Enriqueta and Rivera. On the one hand, Rivera demonstrates both his and the sitter’s Mexican identity despite the foreign root of Enriqueta’s family but there may be more pointed meaning revealing Rivera’s feelings to the subject. The flowers, as they often do in still life paintings, may also refer to the fleeting nature of life and beauty. The portrait for her daughter shares some similarities from the use of shawl and flowers, but through simple changes in gestures and type and placement of flowers, Rivera illuminates a stronger personality in Enriqueta and a more dynamic relationship as filtered through his lens.<br><br>A closer examination of even her clothing reveals profound meaning. Instead of a dress more in line for a socialite, Rivera has Enriqueta in a regional dress from Jalisco, emphasizing both of their Mexican identities. On the other hand, her coral jewelry, repeated in the color of her shoes, hints at multiple meanings from foreignness and exoticism to protection and vitality. From Ancient Egypt to Classical Rome to today, coral has been used for jewelry and to have been believed to have properties both real and symbolic. Coral jewelry is seen in Renaissance paintings indicating the vitality and purity of woman or as a protective amulet for infants. It is also used as a reminder, when paired with the infant Jesus, of his future sacrifice. Diego’s use of coral recalls these Renaissance portraits, supported by the plain background of the painting and the ribbon indicating the maker and date similar to Old Master works.<br><br>When combined in the portrait of Enriqueta, we get a layered and tense building of symbolism. Rivera both emphasizes her Mexican identity but also her foreign roots. He symbolizes her beauty and vitality but look closely at half of her face and it is as if Rivera has painted his own features onto hers. The richness of symbolism hints at the complex relationship between artist and sitter.

דייגו ריברה

Led by a triumvirate of painters of the American Scene, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, and Grant Wood took on the task of exploring, defining, and celebrating the Midwest as a credible entity within the geographical, political, and mythological landscape of the United States. Their populist works were figurative and narrative-driven, and they gained widespread popularity among a Depression-weary American public. The landscapes Grant Wood painted, and the lithographs marketed by Associated American Artists were comforting reminders of traditional Midwestern values and the simplicity of country life. Yet, Wood's most iconic works, including American Gothic, were to be viewed through the lens of elusive narratives and witty ironies that reflect an artist who delighted in sharing his charming and humorous perspective on farm life. <br><br>In 1930, Wood achieved national fame and recognition with American Gothic, a fictionalized depiction of his sister, Nan, and his family dentist. Frequently regarded as the most famous American painting of the twentieth century, to fully grasp American Gothic's essential nature, one must recognize Wood's profound connection to his Iowan roots, a bond that borders on a singular fixation and the often-brutal confrontation between the moral and cultural rigidity of Midwest isolationism and the standards that prevailed elsewhere in America. This war of values and morality became dominant throughout Wood's oeuvre. Their fascination with American Gothic may have mystified the public, but the story, told in the attitude of a farmer and his wife, is as lean and brittle as the pitchfork he carries. Their attitude, as defiant as it is confrontational, is an unflinching dare to uppity gallery-goers to judge their immaculate well-scrubbed farm. American Gothic became an overnight sensation, an ambiguous national icon often interpreted as a self-effacing parody of midwestern life. Yet it also served as an unflinching mirror to urban elite attitudes and their often-derisive view of heartland values and way of life. In Grant Wood's hands, the people of the Midwest have stiffened and soured, their rectitude implacable.<br> <br>Portrait of Nan is Grant Wood's most intimate work. He may have been motivated to paint it to make amends for the significant scrutiny and harsh treatment his sister received as American Gothic's sternly posed female. Grant poured his heart into it as a sign of sibling love. Intent upon painting her as straightforward and simply as possible so as not to invite unintended interpretations, Wood's deep attachment to the portrait was significant enough for him to think of it as having irreplaceable value. When he moved from Cedar Rapids to Iowa City in 1935, he designed his entire living room around the work. It occupied the place of honor above the fireplace and was the only painting he refused to sell. <br> <br>The lithograph July Fifteenth, issued in 1938, proves his mystical vision of the Iowan heartland is anything but a pitchfork approach. Drawings assumed central importance in Wood's output, and this work is executed in meticulous detail, proving his drawings were at least as complex, if not more so, than his paintings. The surface of the present work takes on an elaborate, decorative rhythm, echoed throughout the land that is soft, verdant, and fertile. Structurally, it alludes in equal measure to the geometry of modern art and the decorative patterning of folk-art traditions. This is a magical place, a fulsome display of an idealized version of an eternal, lovely, and benign heartland. <br><br>The Young Artist, an en plein air sketch, may have been produced during, or slightly after, what Wood called his "palette-knife stage" that consumed him in 1925. Having not yet traveled to Munich where, in 1928, he worked on a stain-glass window commission and came under the influence of the Northern Renaissance painters that sparked his interest in the compositional severity and detailed technique associated with his mature works, here, he worked quickly, and decisively. The view is from a hilltop at Kenwood Park that overlooks the Cedar River Valley near Cedar Rapids, where he built a house for his sister, Nan.

גרנט ווד

וילם דה KOONING - אישה בסירת משוטים - שמן על נייר הניח על הבונים החופשיים - 47 1/2 x 36 1/4 ב.

וילם דה קונינג

על פי הקטלוג שנערך על ידי מוזיאון ברנדיוויין ריבר לאמנות, השרטוט הראשוני של דייגי הבקלה הפוריטניים הושלם על ידי נ.צ. ויית' לפני מותו באוקטובר 1945. הערך מתעד תמונה של הסקיצה וכן כתובות של האמן וכותרתו, "דייגי בקלה פוריטנים", המאופיינים בקטלוג כ'חלופיים'. בכל מקרה, הבד בקנה מידה גדול הוא יצירה ייחודית שאנדרו ויית' נזכר מאוחר יותר שצוירה אך ורק בידו, שיתוף פעולה מתוחם של עיצובו וקומפוזיציה של האב שהובא לידי ביטוי על ידי הוצאה להורג יוצאת דופן של בן. עבור אנדרו, זו בוודאי הייתה חוויה רגשית ומורגשת עמוקה. בהתחשב בתשומת לבו של אביו לפרטים ולאותנטיות, קווי ספינת המפרש הקטנה מייצגים שאלוט, שהיה בשימוש במהלך המאה השש עשרה. מצד שני, סביר להניח שאנדרו העמיק את גווני הים חסר המנוחה יותר מאשר אביו, בחירה שמעצימה כראוי את האופי המסוכן של המשימה.

אנדרו ווית' ונ.C ווית'

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

אלכסנדר קלדר

N.C. Wyeth’s extraordinary skills as an illustrator were borne of impeccable draftsmanship and as a painter, his warmly rich, harmonious sense of color, and ability to capture the quality of light itself. But it is his unmatched artistry in vivifying story and character with a powerful sense of mood that we admire most of all — the ability to transport himself to the world and time of his creation and to convey it with a beguiling sense of conviction. That ability is as apparent in the compositional complexities of Treasure Island’s “One More Step, Mr. Hands!” as it is here, in the summary account of a square-rigged, seventeenth-century merchant ship tossed upon the seas. The Coming of the Mayflower in 1620 is a simple statement of observable facts, yet Wyeth’s impeccable genius as an illustrator imbues it with the bracing salt air and taste that captures the adventuresome spirit of the men and women who are largely credited with the founding of America. That spirit is carried on the wind and tautly billowed sails, the jaunty heeling of the ship at the nose of a stiff gale, the thrusting, streamed-limned clouds, and the gulls jauntily arranged to celebrate an arrival as they are the feathered angels of providence guiding it to safe harbor.<br><br>The Coming of the Mayflower in 1620 was based on two studies, a composition drawing in graphite and a small presentation painting. The finished mural appears to have been installed in 1941.

נ.C. וייט

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

אלפרד סיסלי

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

אמיל נולדה

In 1955, Sir John Rothenstein, representing the Trustees of the Tate Museum, approached Winston Churchill about donating one of his paintings "as a gift to the nation." Churchill was flattered, but felt he did not deserve such an honor as an artist. Eventually, Churchill agreed and sent two candidate paintings to the Tate – On the Rance and Loup River. No record exists regarding his own thoughts on the works he submitted, but one can safely say that Churchill thought highly of On the Rance, especially since it was not one of the paintings Rothenstein identified as a strong option. Loup River, which clearly matched Rothenstein's taste, was selected. Not only was On the Rance not returned, but somehow it ended up, without any inventory record, in a basement storeroom at the Tate. In the storeroom it sat for almost a half century, when it was discovered by an intern. The Churchill family was notified and eventually the painting was auctioned in June 2005, where it set a new auction record for Churchill's work, despite the lot notes hardly touching on the Tate’s possible acquisition. In a letter to the buyers, Churchill’s daughter, Lady Soames, summarized what had occurred in somewhat more detail.<br><br>St. Malo is a walled city in Brittany, France on the coast of the English Channel. The city was nearly destroyed by bombings during WWII.

סר וינסטון צ'רצ'יל

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

אלכסנדר קלדר

בתחילת שנות ה-70 של המאה ה-19 צייר וינסלו הומר לעתים קרובות סצנות של חיים כפריים ליד כפר חקלאי קטן שנודע במשך דורות בזכות דוכני החיטה המרשימים שלו, הממוקם בין נהר ההדסון לקטסקיל במדינת ניו יורק. כיום הארלי מפורסם הרבה יותר כהשראה לאחת מיצירותיו הגדולות ביותר של הומרוס, Snap the Whip שצויר בקיץ 1872. בין הציורים הרבים האחרים בהשראת האזור, נערה עומדת בשדה החיטה עשירה בסנטימנטים, אך לא סנטימנטלית מדי. הוא מתקשר ישירות למחקר משנת 1866 שצויר בצרפת בשם "בשדות החיטה", ומחקר נוסף שצויר שנה לאחר מכן לאחר שובו לאמריקה. אבל הומרוס היה ללא ספק גאה ביותר בזה. זהו דיוקן, חדר לימוד תלבושות, ציור ז'אנרי במסורת הגדולה של הציור הפסטורלי האירופי, וטור דה פורס מואר בדרמטיות, ספוג באור השעה הזוהר הדועך במהירות, מצופה בתווים פרחוניים ונגיעות קוצים של חיטה. בשנת 1874 שלח הומרוס ארבעה ציורים לתערוכה של האקדמיה הלאומית לעיצוב. אחד מהם נקרא "ילדה". יכול להיות שזה לא זה?

וינסלו הומר

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

טום ווסלמן

ב-1945, כשהמלחמה הסתיימה וצ'רצ'יל נחל תבוסה מפתיעה בבחירות הכלליות, הוא קיבל הזמנה מהפילדמרשל סר הרולד אלכסנדר להצטרף אליו לווילה האיטלקית שלו על שפת אגם קומו. צ'רצ'יל נהנה מהכנסת האורחים הנדיבה של מארחו ומיקד את תשומת לבו ומרצו בלכידת האזור על בד. הוא יצר חמישה-עשר ציורים, המגלמים כיצד הציור משך את תשומת לבו והציע שיקוי שעזר לו להיטען מחדש. ציור איקוני זה הוצג במאמר שפורסם בינואר 1946 בכתב העת LIFE, ונבחר כאיור צבעוני במהדורות רבות של ספרו של צ'רצ'יל, ציורים כבילוי.

סר וינסטון צ'רצ'יל

<div>Painted from an unusually high vantage, “Riviera Coast Scene” vividly conveys the formidable distance and breadth of the scene from the perch where he set his easel.  Interestingly, Paul Rafferty did not include this painting in his book Winston Churchill: Painting on the French Riviera, believing it could likely be a scene from the Italian Lake District, where Churchill also painted in the same time period.  Paintings by Churchill can function as a glimpse into his extensive travels and his colorful life. Churchill most likely painted “Riviera Coast Scene” during a holiday at Chateau de l’Horizon, home of Maxine Elliot, a friend of his mother. Elliot, originally from Rockland, Maine, was a successful actress and socialite.  Within this painting, we see the influence of the Impressionists who utilized unusual viewpoints, modeled after Japanese woodblock prints, but also evidence of their attempts to push the boundaries of the landscape genre.</div>

סר וינסטון צ'רצ'יל

Located on the French Riviera between Nice and Monte Carlo, the Bay of Eze is renowned for its stunning location and spectacular views. As you can see on pages 80-81 of Rafferty's book, this painting skillfully captures the dizzying heights, set just west of Lou Sueil, the home of Jacques and Consuelo Balsan, close friends of Winston and Clementine.<br> <br>The painting manipulates perspective and depth, a nod to the dramatic shifts of artists including Monet and Cézanne, who challenged traditional vantage points of landscapes. The portrait (i.e. vertical) orientation of the canvas combined with the trees, and the rhyming coastline channels the viewer’s gaze. The perceived tilting of the water's plane imbues the painting with dynamic tension.

סר וינסטון צ'רצ'יל

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

שון סקאלי

עולמו של מארק שאגאל אינו יכול להיות מוכל או מוגבל על ידי התוויות שאנו מצמידים אליו. זהו עולם של דימויים ומשמעויות היוצרים שיח מיסטי להפליא משלהם. Les Mariés sous le baldaquin (החתן והכלה מתחת לחופה) החל עם כניסתו של האמן לשנתו ה-90, אדם שידע טרגדיה וסכסוכים, אך מעולם לא שכח את רגעי ההנאה של החיים. כאן, התענוגות החלומיים של חתונה כפרית רוסית עם סידורי המשתתפים השחוקים היטב מובאים אלינו בשנינות כה שמחה ותמימות עליזה, שאין התנגדות לקסמה. באמצעות תחליב בגוון זהוב המשלב שמן וגואש אטום על בסיס מים, החום, האושר והאופטימיות של הפוזיטיביזם הרגיל של שאגאל עטופים בזוהר זוהר המרמז על השפעתם של איקונות דתיות בעלות עלי זהב או ציורים מראשית הרנסנס שביקשו להקנות רושם של אור אלוהי או הארה רוחנית. שימוש בשילוב של שמן וגואש יכול להיות מאתגר. אבל כאן, ב-Les Mariés sous le baldaquin, שאגאל משתמש בו כדי להעניק לסצנה איכות אחרת, כמעט כאילו זה עתה התממשה מתוך עינו. עדינותו הטקסטואלית יוצרת את הרושם שהאור נובע מהיצירה עצמה ומעניקה איכות ספקטרלית לדמויות המרחפות בשמיים.

מארק שאגאל

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

טום ווסלמן

<div>Still lifes like<em> Oranges and Lemons (C 455) </em>give us an insight to the rich and colorful life of Churchill, just as his landscapes and seascapes do. Churchill painted <em>Oranges and Lemons</em> at La Pausa. Churchill would often frequent La Pausa as the guest of his literary agent, Emery Reves and his wife, Wendy.  Reves purchased the home from Coco Chanel.  While other members of the Churchill family did not share his enthusiasm, Churchill and his daughter Sarah loved the place, which Churchill affectionately called “LaPausaland”.  To avoid painting outside on a chilly January morning, Wendy Reves arranged the fruit for Churchill to paint. Surrounded by the Reves’s superb collection of Impressionist and Post-Impressionist works, including a number of paintings by Paul Cézanne, Oranges and Lemons illuminates Churchill’s relationships and the influence of Cézanne, who he admired. The painting, like Churchill, has lived a colorful life, exhibited at both the 1959 Royal Academy of Art exhibition of his paintings and the 1965 New York World’s Fair.</div>

סר וינסטון צ'רצ'יל

לא קשה להבין כיצד הסידור המבריק בן שתי השורות של רוברט אינדיאנה בן ארבע האותיות סייע להעצים תנועה בשנות השישים. מקורו בחשיפה עמוקה לדת ומהחבר והמנטור אלסוורת' קלי, שסגנונו הקשוח וצבעו החושני וחסר המבטא הותירו רושם עז. אבל כמו שאינדיאנה קרא, זה היה רגע של נשיקה שקרה בדיוק כש"אהבה נשכה אותי!" והעיצוב הגיע אליו חד וממוקד. אינדיאנה, כמובן, העבירה את העיצוב בצעדים רבים, ואז הלוגו החל לנבוט בכל מקום. המסר, המועבר בצורה הטובה ביותר בפיסול, עומד בערים ברחבי העולם ותורגם למספר שפות, שאחת מהן היא האיטרציה האיטלקית שלו, "אמור" עם האות "O" המקרית שלו גם היא מוטה ימינה. אבל במקום להיבעט ברגל של "L", גרסה זו מעניקה אפקט מתנודד מבוים להפליא ל "A" לעיל. זה נותן רושם חדש, אבל לא פחות עמוק, של אהבה וטבעה הטעון רגשית. בכל מקרה, האות O המוטה של לאב מקנה חוסר יציבות לעיצוב יציב אחרת, השלכה עמוקה של הביקורת המובלעת של אינדיאנה על "הסנטימנטליות החלולה לעתים קרובות הקשורה במילה, המרמזת באופן מטאפורי על כמיהה נכזבת ואכזבה במקום על חיבה סכרינית" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018). לחזרתיות, כמובן, יש הרגל מגונה להחליש את הערכתנו לגאונות של פשטות ועיצוב פורץ דרך. בשלב מאוחר בחייה, אינדיאנה קוננה על כך ש"זה היה רעיון נפלא, אבל גם טעות איומה. זה הפך פופולרי מדי. ויש אנשים שלא אוהבים פופולריות". אבל אנחנו, תושבי עולם רווי מחלוקות ולכודים במהומה, תודה. "אהבה" וגרסאותיה הרבות הן תזכורות חזקות ליכולתנו לאהוב, וזוהי תקוותנו הנצחית הטובה ביותר לעתיד טוב יותר.

רוברט אינדיאנה

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

לארי ריברס

Uniquely among Winston Churchill’s known work, “Coastal Town on the Riviera” is in fact a double painting with the landscape on one side and an oil sketch on the other. The portrait sketch bears some resemblance to Viscountess Castlerosse who was a frequent guest in the same Rivera estates where Churchill visited. Churchill painted her in C 517 and C 518 and gives us a larger picture of the people who inhabited his world. <br><br>Of his approximately 550 works, the largest portion (about 150) were of the South of France, where Churchill could indulge in both the array of colors to apply to his canvas and in gambling, given the proximity of Monte Carlo.

סר וינסטון צ'רצ'יל

דיוקן סילבי לאקומב של תיאו ואן רייסלברגה, שצויר בשנת 1906, הוא יצירת מופת קלאסית של אחד מציירי הדיוקנאות המעודנים והעקביים ביותר של זמנו. הצבע הרמוני, עבודת המכחול נמרצת ומותאמת למשימתה החומרית, גופה וארשת פניה אמיתיים וחושפניים. היושבת היא בתו של חברו הטוב, הצייר ז'ורז' לאקומב, שחלק קשר הדוק עם גוגן, והיה חבר בלה-נאביס עם האמנים בונאר, דניס ווילאר, בין היתר. כיום אנו יודעים על סילבי לאקומב משום שואן ריסלברג מיומנת כל כך בעיבוד הבעות פנים עדינות ובאמצעות התבוננות זהירה ותשומת לב לפרטים, סיפקה תובנות על עולמה הפנימי. הוא בחר במבט ישיר, עיניה אליך, ברית בלתי נמנעת בין הסובייקט לצופה, ללא קשר ליחסנו הפיזי לציור. ואן ריסלברג נטש במידה רבה את הטכניקה הפוינטיליסטית כשצייר דיוקן זה. אבל הוא המשיך ליישם את הקווים המנחים של תורת הצבעים על ידי שימוש בגוונים של אדום - ורוד וסגול - כנגד ירוקים כדי ליצור פלטת צבעים הרמונית ומשופרת של צבעים משלימים, שאליהם הוסיף מבטא חזק כדי למשוך את העין - קשת אדומה רוויה מאוד המונחת באופן א-סימטרי בצד ראשה.

תיאו ואן רייסלברג

יאן ג'וזפסון ואן גוין - נוף נהר עם טחנת רוח וקפלה - שמן על הלוח - 22 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

יאן ג'וזפסון ואן גוין

סלומון ואן רוסדאל

איש קשר

צרו קשר

שם *

עניין באמנות *

דואר אלקטרוני *

מספר טלפון

הודעה *

קפצ'ה

אם אתה אנושי, השאר שדה זה ריק.

לברר