מדבר פאלם

תערוכותעבודות עבודה על שירותי חדשות הקשורים לצפייה

הגלריה שלנו במדבר פאלם ממוקמת במיקום מרכזי באזור פאלם ספרינגס בקליפורניה, בסמוך לאזור הקניות והאוכל הפופולרי של אל פאסאו. קהל הלקוחות שלנו מעריך את הבחירה שלנו באמנות שלאחר המלחמה, מודרנית ועכשווית. מזג האוויר המדהים בחודשי החורף מושך מבקרים מכל רחבי העולם לראות את המדבר היפה שלנו, ולעצור ליד הגלריה שלנו. הנוף המדברי ההררי שבחוץ מספק את הרקע הנופי המושלם לסעודה הוויזואלית שמחכה בפנים.

שדרות פורטולה 45188
פאלם דזרט, קליפורניה 92260
(760) 346-8926

שעות:
שני עד שישי 9-5

תערוכות

פרחים לאביב, פורצי דרך

הנוכחי

פרחים לאביב, פורצי דרך

8 במאי - 30 בנובמבר 2023

מעגל ראשון: מעגלים באמנות

הנוכחי

מעגל ראשון: מעגלים באמנות

14 בפברואר - 31 באוגוסט 2023

פופ ארט: לא יכול לקנות את האהבה שלי

הנוכחי

פופ ארט: לא יכול לקנות את האהבה שלי

26 בינואר - 31 ביולי 2023

דם לבך: צמתים של אמנות וספרות

הנוכחי

דם לבך: צמתים של אמנות וספרות

12 בספטמבר 2022 - 30 בספטמבר 2023

עוד לחיים: דיאלוגים אימפרסיוניסטיים ממונה ומעבר לו

הנוכחי

עוד לחיים: דיאלוגים אימפרסיוניסטיים ממונה ומעבר לו

17 באוגוסט 2022 - 31 באוגוסט 2023

אלכסנדר קאלדר: יקום של ציור

הנוכחי

אלכסנדר קאלדר: יקום של ציור

10 באוגוסט 2022 - 31 באוגוסט 2023

חיתוך נייר: עבודות ייחודיות על נייר

הנוכחי

חיתוך נייר: עבודות ייחודיות על נייר

27 באפריל 2022 - 31 באוקטובר 2023

אנדי וורהול פולארויד: פלאים מרושעים

הנוכחי

אנדי וורהול פולארויד: פלאים מרושעים

13 בדצמבר 2021 - 30 בספטמבר 2023

אנדי וורהול: זוהר בקצה

הנוכחי

אנדי וורהול: זוהר בקצה

27 באוקטובר 2021 - 30 בספטמבר 2023

קליפורניה הנה אנחנו באים: האימפרסיוניסטים מקליפורניה

הנוכחי

קליפורניה הנה אנחנו באים: האימפרסיוניסטים מקליפורניה

12 ביולי 2021 - 30 בספטמבר 2023

תקופה יפה: אמנות אמריקאית בעידן המוזהב

הנוכחי

תקופה יפה: אמנות אמריקאית בעידן המוזהב

24 ביוני 2021 - 31 באוגוסט 2023

זה היה מקובל בשנות ה -80

הנוכחי

זה היה מקובל בשנות ה -80

27 באפריל 2021 - 31 באוגוסט 2023

תבנית וקישוט: פמיניזם וחברות

הנוכחי

תבנית וקישוט: פמיניזם וחברות

14 בספטמבר 2020 - 30 בספטמבר 2023

פארק ג

הנוכחי

פארק ג'ה קון: חיים ושורש

12 במרץ 2020 - 30 בספטמבר 2023

אירווינג נורמן: חומר אפל

הנוכחי

אירווינג נורמן: חומר אפל

27 בנובמבר 2019 - 30 בספטמבר 2023

מפגש עם החיים: נ.צ. וויית

ארכיון

מפגש עם החיים: נ.צ. וויית' וציורי הקיר של MetLife

18 ביולי 2022 - 25 באפריל 2023

נ.צ. וויית

ארכיון

נ.צ. וויית': עשור של ציור

29 בספטמבר 2022 - 31 במרץ 2023

פול ג

ארכיון

פול ג'נקינס: צביעת הפנומנלי

27 בדצמבר 2019 - 31 במרץ 2023

הרב אלפרט: שיחות בלחש

ארכיון

הרב אלפרט: שיחות בלחש

7 במרץ - 13 במרץ 2023

ארכיון

ג'ורג'יה אוקיף ומרסדן הארטלי: מוחות מודרניים

1 בפברואר 2022 - 28 בפברואר 2023

פיסול לחושים: פיסול חיצוני

ארכיון

פיסול לחושים: פיסול חיצוני

4 באוגוסט 2021 - 28 בפברואר 2023

נורמן זמיט: התקדמות הצבע

ארכיון

נורמן זמיט: התקדמות הצבע

19 במרץ 2020 - 28 בפברואר 2023

מאסטרים פיגורטיביים של האמריקות

ארכיון

מאסטרים פיגורטיביים של האמריקות

4 בינואר - 12 בפברואר 2023

כל אחד צריך פנטזיה: פופ ארט באמריקה

ארכיון

כל אחד צריך פנטזיה: פופ ארט באמריקה

7 ביוני 2021 - 31 בינואר 2023

ארכיון

ג'יימס רוזנקוויסט: פופ חזק

7 ביוני 2021 - 31 בינואר 2023

אקספרסיוניזם מופשט: התעלות מעל הרדיקלי

ארכיון

אקספרסיוניזם מופשט: התעלות מעל הרדיקלי

12 בינואר 2022 - 31 בינואר 2023

חג נוצץ: אמנות לכולם

ארכיון

חג נוצץ: אמנות לכולם

15 בדצמבר 2022 - 7 בינואר 2023

מתנת האמנות

ארכיון

מתנת האמנות

24 בנובמבר 2022 - 7 בינואר 2023

העור שלי: פרידה קאלו ודייגו ריברה

ארכיון

העור שלי: פרידה קאלו ודייגו ריברה

16 ביוני - 31 בדצמבר 2022

הפשטה שחורה: פלנדוס התמזה, רודני מקמיליאן, סם גיליאם ותיאסטר גייטס

ארכיון

הפשטה שחורה: פלנדוס התמזה, רודני מקמיליאן, סם גיליאם ותיאסטר גייטס

מאי 2020 - דצמבר 2022

יוסף אלברס: לב הציור

ארכיון

יוסף אלברס: לב הציור

12 במאי - 30 בנובמבר 2022

אקספרסיוניזם מופשט: הנשים העקשניות

ארכיון

אקספרסיוניזם מופשט: הנשים העקשניות

1 בנובמבר 2021 - 31 באוגוסט 2022

שפע עדין

ארכיון

שפע עדין

8 בספטמבר 2021 - 31 באוגוסט 2022

אלכסנדר קלדר: ציור היקום

ארכיון

אלכסנדר קלדר: ציור היקום

2 במרץ - 12 באוגוסט 2022

מדינה בלתי נראית: אמנים אסייתים אמריקאים והפשטה

ארכיון

מדינה בלתי נראית: אמנים אסייתים אמריקאים והפשטה

23 באפריל 2020 - 30 ביוני 2022

השאר כל כך יפה: אמנות עכשווית וסין

ארכיון

השאר כל כך יפה: אמנות עכשווית וסין

12 במאי 2020 - 30 ביוני 2022

מרצדס חומר: איכות מופלאה

ארכיון

מרצדס חומר: איכות מופלאה

מרץ 22, 2021 - יוני 30, 2022

מור! מור! מור! הנרי מור ופיסול

ארכיון

מור! מור! מור! הנרי מור ופיסול

3 במרץ 2021 - 30 באפריל 2022

טבע דומם, עדיין

ארכיון

טבע דומם, עדיין

10 באפריל 2020 - 30 באפריל 2022

איליין ו-וילם דה קונינג: ציור באור

ארכיון

איליין ו-וילם דה קונינג: ציור באור

3 באוגוסט 2021 - 31 בינואר 2022

אנדי וורהול פולארוידים: ארס לונגה

ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: ארס לונגה

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021

אנדי וורהול פולארוידים: אני, עצמי, &

ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: אני, עצמי, &

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021

אנדי וורהול פולארוידים: כל מה שנוצץ

ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: כל מה שנוצץ

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021

אנדי וורהול פולארוידים: להביא אותו למסלול

ארכיון

אנדי וורהול פולארוידים: להביא אותו למסלול

10 בדצמבר 2020 - 31 בדצמבר 2021

מוריס גולובוב

ארכיון

מוריס גולובוב

1 באוקטובר 2020 - 31 בדצמבר 2021

אמריקן איי: קטעים נבחרים מאוסף פרדי

ארכיון

אמריקן איי: קטעים נבחרים מאוסף פרדי

28 בפברואר - 31 בדצמבר 2021

בית הספר המגניב

ארכיון

בית הספר המגניב

30 במרץ 2020 - 31 בדצמבר 2021

המודרניזם היהודי חלק 2: פיגורציה משגאל לנורמן

ארכיון

המודרניזם היהודי חלק 2: פיגורציה משגאל לנורמן

30 באפריל 2020 - 31 בדצמבר 2021

האמנות הנצפת ביותר שלנו לחודש

ארכיון

האמנות הנצפת ביותר שלנו לחודש

14 באוקטובר - 14 בנובמבר 2021

אוסף גלוריה לוריא

ארכיון

אוסף גלוריה לוריא

16 במרץ 2020 - 31 באוקטובר 2021

וינסנט ואן גוך והאימפרסיוניסטים הגדולים של השדרה הגדולה

ארכיון

וינסנט ואן גוך והאימפרסיוניסטים הגדולים של השדרה הגדולה

2 במרץ - 10 באוגוסט 2021

הדפסים מודרניים

ארכיון

הדפסים מודרניים

26 בדצמבר 2020 - 19 ביוני 2021

דמויות פופ: מל ראמוס וטום וסלמן

ארכיון

דמויות פופ: מל ראמוס וטום וסלמן

26 במרץ 2020 - 30 באפריל 2021

הקו הרדיקלי

ארכיון

הקו הרדיקלי

11 באפריל 2020 - 31 בינואר 2021

הרב אלפרט: עבודות אחרונות

ארכיון

הרב אלפרט: עבודות אחרונות

28 בספטמבר - 13 בדצמבר 2020

תכשיטים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית

ארכיון

תכשיטים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית

19 בפברואר - 31 באוקטובר 2020

בריטניה המגניבה: האמנים הבריטים הצעירים

ארכיון

בריטניה המגניבה: האמנים הבריטים הצעירים

2 באפריל - 30 בספטמבר 2020

הזדמנויות שבועיות

ארכיון

הזדמנויות שבועיות

26 ביוני - 31 באוגוסט 2020

תיאופילוס בראון ופול וונר: נראה דרך עדשות שונות

ארכיון

תיאופילוס בראון ופול וונר: נראה דרך עדשות שונות

1 בנובמבר 2019 - 31 ביולי 2020

האסל סמית

ארכיון

האסל סמית': הציורים המדודים

12 בפברואר - 20 באפריל 2020

מסה מודרן

ארכיון

מסה מודרן

13 בפברואר - 29 בפברואר 2020

תושבי קליפורניה

ארכיון

תושבי קליפורניה

1 בנובמבר 2019 - 14 בפברואר 2020

מינימליזם מפואר

ארכיון

מינימליזם מפואר

3 בדצמבר 2019 - 31 בינואר 2020

פול ג

ארכיון

פול ג'נקינס ורוברט נטקין

1 בנובמבר - 27 בדצמבר 2019

מוריס לואיס - הציורים המוקדמים

ארכיון

מוריס לואיס - הציורים המוקדמים

11 באוקטובר - 30 בנובמבר 2019

על הפער הדומיננטי: נופים אמריקאים מג

ארכיון

על הפער הדומיננטי: נופים אמריקאים מג'ון פיליפ פולטר לברברה קרוגר

5 בספטמבר - 2 בנובמבר 2019

אנסלם קיפר

ארכיון

אנסלם קיפר

15 באוגוסט - 30 בספטמבר 2019

פול ג

ארכיון

פול ג'נקינס: פנומנלי

1 ביולי - 31 באוגוסט 2019

פיטר שלטון: דבר שאתה נתקל בו

ארכיון

פיטר שלטון: דבר שאתה נתקל בו

16 ביולי - 31 באוגוסט 2019

עזבונם של פול וונר וויליאם תיאופילוס בראון

ארכיון

עזבונם של פול וונר וויליאם תיאופילוס בראון

21 ביולי - 31 באוגוסט 2019

חוטי סקרנות: בחירות מאוסף בולט במערב התיכון

ארכיון

חוטי סקרנות: בחירות מאוסף בולט במערב התיכון

22 ביולי - 31 באוגוסט 2019

חומר והפשטה: ת

ארכיון

חומר והפשטה: ת'סטר גייטס, סם גיליאם ורודני מקמיליאן

25 ביולי - 31 באוגוסט 2019

אלכסנדר קלדר: הפשטה קוסמית

ארכיון

אלכסנדר קלדר: הפשטה קוסמית

21 ביוני - 30 באוגוסט 2019

יוליאן שנאבל

ארכיון

יוליאן שנאבל

4 ביוני - 31 ביולי 2019

האסל סמית

ארכיון

האסל סמית'

6 במאי - 30 ביוני 2019

לוק ברנרד: גבולות לא קונבנציונליים

ארכיון

לוק ברנרד: גבולות לא קונבנציונליים

3 במאי - 31 במאי 2019

סם פרנסיס: מהחשכה עד עלות השחר

ארכיון

סם פרנסיס: מהחשכה עד עלות השחר

15 בנובמבר 2018 - 29 באפריל 2019

נופים אדריכליים

ארכיון

נופים אדריכליים

1 בדצמבר 2018 - 31 בינואר 2019

גרגורי סומידה: אמריקנה

ארכיון

גרגורי סומידה: אמריקנה

5 באפריל - 31 במאי 2018

נ.C וייט: ציורים ואיורים

ארכיון

נ.C וייט: ציורים ואיורים

1 בפברואר - 31 במאי 2018

הרב אלפרט: מנגינה ויזואלית

ארכיון

הרב אלפרט: מנגינה ויזואלית

17 בפברואר - 31 במאי 2018

הפשטה נשגבת

ארכיון

הפשטה נשגבת

25 בנובמבר 2017 - 31 במאי 2018

ציוריו של סר וינסטון צ

ארכיון

ציוריו של סר וינסטון צ'רצ'יל

21 במרץ - 30 במאי 2018

אדוארד ס. קרטיס

ארכיון

אדוארד ס. קרטיס

3 בפברואר - 17 במרץ 2018

וויצ

ארכיון

וויצ'ך פאנגור

25 בנובמבר 2017 - 17 במרץ 2018

פרארי ועתידניות: מבט איטלקי על מהירות

ארכיון

פרארי ועתידניות: מבט איטלקי על מהירות

21 בנובמבר 2016 - 30 בינואר 2017

אלכסנדר קלדר

ארכיון

אלכסנדר קלדר

21 בנובמבר 2015 - 28 במאי 2016

המאסטרים של האימפרסיוניזם בקליפורניה

ארכיון

המאסטרים של האימפרסיוניזם בקליפורניה

22 בנובמבר 2014 - 23 במאי 2015

לורנס שילר: מרילין מונרו ורגעים גדולים בשנות ה-60

ארכיון

לורנס שילר: מרילין מונרו ורגעים גדולים בשנות ה-60

23 בנובמבר 2012 - 31 בינואר 2013

הפשטה ציורית: תחומים של AbEx

ארכיון

הפשטה ציורית: תחומים של AbEx

25 בנובמבר 2011 - 31 במאי 2012

סיפורי ואשי: יצירות מאת קיוקו איב

ארכיון

סיפורי ואשי: יצירות מאת קיוקו איב

11 בדצמבר 2011 - 28 בינואר 2012

מאסטרים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית

ארכיון

מאסטרים של אימפרסיוניזם ואמנות מודרנית

20 בנובמבר 2010 - 25 בספטמבר 2011

פיקאסו

ארכיון

פיקאסו

20 בנובמבר 2009 - 25 במאי 2010

גרפיקה בתצוגה

ב-15 במאי 1886 נולד מניפסט חזותי לתנועת אמנות חדשה כאשר גולת הכותרת של ז'ורז' סרה, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte נחשפה בתערוכה האימפרסיוניסטית השמינית. סרה יכול לטעון לתואר "האימפרסיוניסט המדעי" המקורי שפעל באופן שנודע כפוינטיליזם או דיוויזיוניזם. עם זאת, היה זה חברו ואיש סודו, פול סיניאק בן ה-24 והדיאלוג המתמיד ביניהם שהוביל לשיתוף פעולה בהבנת הפיזיקה של האור והצבע והסגנון שנוצר. סיניאק היה צייר אימפרסיוניסטי חסר הכשרה, אך מוכשר להפליא, שמזגו התאים באופן מושלם לקפדנות ולמשמעת שנדרשו כדי להשיג את עבודת המכחול והצבע המייגעים להפליא. סיניאק הטמיע במהירות את הטכניקה. הוא גם היה עד למסע המפרך בן השנתיים של סרה, שבנה אינספור שכבות של נקודות צבע לא מעורבבות על לה גרנד ז'אטה בגודל עצום. יחד, סיניאק, המוחצן החצוף, וסרה, מופנם בסתר, עמדו לחתור תחת מהלך האימפרסיוניזם, ולשנות את מהלך האמנות המודרנית.

פול סיניאק

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

ג'ורג'יה אוקיף

דייגו ריברה - דיוקן אנריקטה ג' דווילה - שמן על בד - 79 1/8 x 48 3/8 אינץ'.

דייגו ריברה

וילם דה KOONING - אישה בסירת משוטים - שמן על נייר הניח על הבונים החופשיים - 47 1/2 x 36 1/4 ב.

וילם דה קונינג

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

ויין תיאבאוד

אלפרד סיסלי - ל'אגלייז דה מורט, לה סואר - בד שמן - 31 1/4 x 39 1/2 אינץ'.

אלפרד סיסלי

אמיל נולדה - Sonnenblumen, Abend II - שמן על בד - 26 1/2 x 35 3/8 אינץ'.

אמיל נולדה

בתחילת שנות ה-70 של המאה ה-19 צייר וינסלו הומר לעתים קרובות סצנות של חיים כפריים ליד כפר חקלאי קטן שנודע במשך דורות בזכות דוכני החיטה המרשימים שלו, הממוקם בין נהר ההדסון לקטסקיל במדינת ניו יורק. כיום הארלי מפורסם הרבה יותר כהשראה לאחת מיצירותיו הגדולות ביותר של הומרוס, Snap the Whip שצויר בקיץ 1872. בין הציורים הרבים האחרים בהשראת האזור, נערה עומדת בשדה החיטה עשירה בסנטימנטים, אך לא סנטימנטלית מדי. הוא מתקשר ישירות למחקר משנת 1866 שצויר בצרפת בשם "בשדות החיטה", ומחקר נוסף שצויר שנה לאחר מכן לאחר שובו לאמריקה. אבל הומרוס היה ללא ספק גאה ביותר בזה. זהו דיוקן, חדר לימוד תלבושות, ציור ז'אנרי במסורת הגדולה של הציור הפסטורלי האירופי, וטור דה פורס מואר בדרמטיות, ספוג באור השעה הזוהר הדועך במהירות, מצופה בתווים פרחוניים ונגיעות קוצים של חיטה. בשנת 1874 שלח הומרוס ארבעה ציורים לתערוכה של האקדמיה הלאומית לעיצוב. אחד מהם נקרא "ילדה". יכול להיות שזה לא זה?

וינסלו הומר

פרידה KAHLO - פטיש ומגל (ותינוק שטרם נולד) - טיח יבש ומדיה מעורבת - 16 1/4 x 13 x 6 אינץ '.

פרידה קאלו

נ.C ווית' - סאמר. "שקט" - שמן על בד - 33 3/4 x 30 1/4 אינץ'.

נ.C. וייט

שון סקאלי - אדום אפור - שמן על אלומיניום - 85 x 75 אינץ'.

שון סקאלי

עולמו של מארק שאגאל אינו יכול להיות מוכל או מוגבל על ידי התוויות שאנו מצמידים אליו. זהו עולם של דימויים ומשמעויות היוצרים שיח מיסטי להפליא משלהם. Les Mariés sous le baldaquin (החתן והכלה מתחת לחופה) החל עם כניסתו של האמן לשנתו ה-90, אדם שידע טרגדיה וסכסוכים, אך מעולם לא שכח את רגעי ההנאה של החיים. כאן, התענוגות החלומיים של חתונה כפרית רוסית עם סידורי המשתתפים השחוקים היטב מובאים אלינו בשנינות כה שמחה ותמימות עליזה, שאין התנגדות לקסמה. באמצעות תחליב בגוון זהוב המשלב שמן וגואש אטום על בסיס מים, החום, האושר והאופטימיות של הפוזיטיביזם הרגיל של שאגאל עטופים בזוהר זוהר המרמז על השפעתם של איקונות דתיות בעלות עלי זהב או ציורים מראשית הרנסנס שביקשו להקנות רושם של אור אלוהי או הארה רוחנית. שימוש בשילוב של שמן וגואש יכול להיות מאתגר. אבל כאן, ב-Les Mariés sous le baldaquin, שאגאל משתמש בו כדי להעניק לסצנה איכות אחרת, כמעט כאילו זה עתה התממשה מתוך עינו. עדינותו הטקסטואלית יוצרת את הרושם שהאור נובע מהיצירה עצמה ומעניקה איכות ספקטרלית לדמויות המרחפות בשמיים.

מארק שאגאל

טום וסלמן - ברונטית חדר שינה עם איריסים - שמן על אלומיניום חתוך - 105 3/4 x 164 5/8 אינץ '.

טום ווסלמן

דיוקן סילבי לאקומב של תיאו ואן רייסלברגה, שצויר בשנת 1906, הוא יצירת מופת קלאסית של אחד מציירי הדיוקנאות המעודנים והעקביים ביותר של זמנו. הצבע הרמוני, עבודת המכחול נמרצת ומותאמת למשימתה החומרית, גופה וארשת פניה אמיתיים וחושפניים. היושבת היא בתו של חברו הטוב, הצייר ז'ורז' לאקומב, שחלק קשר הדוק עם גוגן, והיה חבר בלה-נאביס עם האמנים בונאר, דניס ווילאר, בין היתר. כיום אנו יודעים על סילבי לאקומב משום שואן ריסלברג מיומנת כל כך בעיבוד הבעות פנים עדינות ובאמצעות התבוננות זהירה ותשומת לב לפרטים, סיפקה תובנות על עולמה הפנימי. הוא בחר במבט ישיר, עיניה אליך, ברית בלתי נמנעת בין הסובייקט לצופה, ללא קשר ליחסנו הפיזי לציור. ואן ריסלברג נטש במידה רבה את הטכניקה הפוינטיליסטית כשצייר דיוקן זה. אבל הוא המשיך ליישם את הקווים המנחים של תורת הצבעים על ידי שימוש בגוונים של אדום - ורוד וסגול - כנגד ירוקים כדי ליצור פלטת צבעים הרמונית ומשופרת של צבעים משלימים, שאליהם הוסיף מבטא חזק כדי למשוך את העין - קשת אדומה רוויה מאוד המונחת באופן א-סימטרי בצד ראשה.

תיאו ואן רייסלברג

לא קשה להבין כיצד הסידור המבריק בן שתי השורות של רוברט אינדיאנה בן ארבע האותיות סייע להעצים תנועה בשנות השישים. מקורו בחשיפה עמוקה לדת ומהחבר והמנטור אלסוורת' קלי, שסגנונו הקשוח וצבעו החושני וחסר המבטא הותירו רושם עז. אבל כמו שאינדיאנה קרא, זה היה רגע של נשיקה שקרה בדיוק כש"אהבה נשכה אותי!" והעיצוב הגיע אליו חד וממוקד. אינדיאנה, כמובן, העבירה את העיצוב בצעדים רבים, ואז הלוגו החל לנבוט בכל מקום. המסר, המועבר בצורה הטובה ביותר בפיסול, עומד בערים ברחבי העולם ותורגם למספר שפות, שאחת מהן היא האיטרציה האיטלקית שלו, "אמור" עם האות "O" המקרית שלו גם היא מוטה ימינה. אבל במקום להיבעט ברגל של "L", גרסה זו מעניקה אפקט מתנודד מבוים להפליא ל "A" לעיל. זה נותן רושם חדש, אבל לא פחות עמוק, של אהבה וטבעה הטעון רגשית. בכל מקרה, האות O המוטה של לאב מקנה חוסר יציבות לעיצוב יציב אחרת, השלכה עמוקה של הביקורת המובלעת של אינדיאנה על "הסנטימנטליות החלולה לעתים קרובות הקשורה במילה, המרמזת באופן מטאפורי על כמיהה נכזבת ואכזבה במקום על חיבה סכרינית" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018). לחזרתיות, כמובן, יש הרגל מגונה להחליש את הערכתנו לגאונות של פשטות ועיצוב פורץ דרך. בשלב מאוחר בחייה, אינדיאנה קוננה על כך ש"זה היה רעיון נפלא, אבל גם טעות איומה. זה הפך פופולרי מדי. ויש אנשים שלא אוהבים פופולריות". אבל אנחנו, תושבי עולם רווי מחלוקות ולכודים במהומה, תודה. "אהבה" וגרסאותיה הרבות הן תזכורות חזקות ליכולתנו לאהוב, וזוהי תקוותנו הנצחית הטובה ביותר לעתיד טוב יותר.

רוברט אינדיאנה

אמן בלתי מעורער של התנועה הניאו-אימפרסיוניסטית הבלגית המשגשגת משנת 1887 ואילך, תיאו ואן רייסלברגה צייר דיוקן זה של אשתו, מריה (לבית מונום) במהלך העשור הראשון של המאה העשרים. הוא המשיך הלאה מהשפעת הטונאליזם, האימפרסיוניזם והפוינטיליזם של סרה של ויסלר כדי לשכלל הבנה מעודנת ביותר של צבע, תהודה הרמונית ועיבוד קפדני של אלמנטים צורניים. כשרטט למופת, רשמים אופטיים המבוססים על אינטראקציות צבע נותרו דאגה עיקרית עבור ואן רייסלברגה. כאן, משיכות צבע קצרות החליפו את הנקודות הקטנות של פוינטיליסט, וערכת הצבעים אינה ההומוגנית, ההרמונית, שעבורה יש לאמן מוניטין ראוי. במקום זאת, דיוקן זה מקדם את תורת הצבעים באופן שונה לחלוטין. העניין החזותי שלו נשען על הניגודים הדינמיים של הקופור הכסוף של אשתו, שמלתה בגוון פלטינה ומעטפת האח הלבנה - כולם מבוימים בתוך החיוניות האופטית של הסביבה הנשלטת על ידי אדום וירוק משלימים. זוהי הדגמה ויזואלית מגרה של צייר שהבין את ההשפעה הדינמית של ערכת צבעים יוצאת דופן זו וסידר את היושב במבטא חזק באלכסון וביצע את הנוסחה במלאכה ובזריזות של צייר בשליטה מלאה על נכסיו הציוריים.

תיאו ואן רייסלברג

SERGIO DE CAMARGO - תבליט אופוס 194 - עץ צבוע - 22 3/4 x 14 1/4 x 2 3/4 אינץ '.

סרג'יו דה קמרגו

Irving Norman's masterpiece, "The Human Condition," from 1980, draws upon the artist's lifetime of acquired experiences and knowledge. Surviving as a volunteer fighter during the Spanish Civil War, the artist returned to the United States after the loyalist defeat. Upon his return, fervent studio practice in Half Moon Bay, California, would become his life's devotion. <br><br>The present work, a nearly 16-foot-wide triptych, is reminiscent of Hieronymus Bosch's triptych, "The Garden of Earthly Delights," c. 1510. The dystopian vision portrayed in 'The Human Condition" is a warning - a lesson from the European dictatorships Norman experienced firsthand during the 1930s. Disturbing tableaus show the darkness of humanity and the evil that can rise to prominence when humanity is at its worst. There is hope, however, in the experience of the viewer: Norman thought of his audience as the greatest hope for humankind.

אירווינג נורמן

ג'יימס רוזנקוויסט - יהירות לא הוגנת עבור גורדון מאטה קלארק - שמן על בד - 62 3/4 x 43 x 2 3/4 אינץ '.

ג'יימס רוזנקוויסט

Over his six-decade career, David Hockney reinvigorated the role of the representational artist by continually responding to his surroundings and embracing new forms of picture making. He was an early adaptor of technological advances such as Polaroid film, color photocopiers, and fax machines. He has also been the painter capable of reading the brushstrokes of Vermeer, Caravaggio, Velázquez, and Ingres and assert confidently that they too, relied upon instruments such as the camera obscura to trace out their pictures. <br><br>Beginning in 2009, Hockney exploited the drawing and painting applications of an iPad. Using its range of digital brushstrokes, color effects, and working with textures, dots, lines, and scribbles. his idiosyncratic perception of the natural world had never been more fully realized. Nor has he been more popular or credible in providing the blissful if guilty pleasure we feel in the presence of these works. When the Metropolitan Museum hosted his 2017 retrospective, visually stunning iPad paintings were chosen as the grand finale for one of their most memorable exhibitions in recent history. <br><br>Yosemite II, October 16th, 2011, is a monumental work and among the largest of the “Yosemite Suite” of some two dozen iPad ‘paintings’ that extends our appreciation of the breadth of Hockney’s fascination with the American West. He is the artist who made sun-splashed swimming pools de rigueur symbols of California culture. That he dared join the ranks of artists such as Albert Bierstadt and Ansel Adams, known for their dramatic lighting, atmospheric effects, and Yosemite’s awe-inspiring scale is a measure of Hockney’s self-professed certainly that this art is now, and forever woven into the fabric of art history. Nothing makes this claim more valid than his rejection of a single vanishing point perspective that has dominated Western art since the Renaissance. Hockney has often cited Meindert Hobbema’s painting The Avenue at Middelbarnis of 1689 as an apt demonstration of the dynamic impact of contrasting vanishing points: the first, a road that recedes to a vanishing point, and another in the sky, where the eye is led upward because of the verticality of the trees. Yosemite II, October 16th, 2011 presents as a similarly immersive experience for the viewer, no longer the passive observer, but instead, the active participant impelled to consciously and simultaneously connect with multiple perspectives – the second of which presents as the white granite face of El Capitan.

דייוויד הוקני

ANSEL ADAMS - סופת רעמים, עמק יוסמיטי, קליפורניה - הדפס כסף ג'לטין - 40 1/2 x 30 אינץ'

אנסל אדמס

דמויותיו של נואס מפותחות באופן חופשי סביב דמות אודליסקית מרכזית באופן המרמז על נושא שהעסיק את פיקאסו כבר ב-1906 זה של פינוקים נשיים במסגרת הרמון. בתיאור ציוריו המאוחרים ציין פיקאסו כי "אף פעם אי אפשר לדעת מה עומד לצאת, אבל ברגע שהציור יוצא לדרך, נולד סיפור או רעיון... אני מבלה שעה אחר שעה בזמן שאני מציירת, מתבוננת ביצורים שלי וחושבת על הדברים המטורפים שהם עושים... זה כיף גדול, תאמין לי". Nues מזכיר את ההערכה הזו, פרולוג חופשי כמו שרק פיקאסו יכול להשיג. בין התנוחות הרבות, הדמות המקוצרת השוחה בבריכה מקסימה במיוחד.

פבלו פיקאסו

דמיאן הירסט - מחשבות נשכחות - פרפרים וברק ביתי על בד - 68 x 68 x 1 3/8 אינץ '. (מנקודה לנקודה)

דמיאן הירסט

פרנק סטלה - ללא כותרת - מדיה מעורבת תלת מימדית על הסיפון, רכוב על עץ - 43 x 128 x 12 אינץ '.

פרנק סטלה

פרננדו בוטרו - בלרינה - ברונזה - 41 x 24 x 24 אינץ '.

פרננדו בוטרו

PIERRE BONNARD - סוליי קווסטאנט - שמן על בד - 14 1/2 x 22 1/2 אינץ'.

פייר בונרד

המוניטין של רולדוף באואר כמבשר ההפשטה הלא אובייקטיבית משתלב לרוב עם זה של וסילי קנדינסקי. המקום ההזוי הזה בתוך גדולי האמנים המופשטים ראוי בהחלט. אבל לטוב ולרע, מקומו של באואר בתולדות האמנות קשור קשר בל יינתק לחוזה הכושל שחתם עם סולומן ר. גוגנהיים בהדרכתה של אהובתו לשעבר, הילה רביי. פרסטו 10 נוצרה ב-1917, כאשר באואר היה עובד בגלריה בברלין Galerie Der Sturm, וככל הנראה הציג באחת מתערוכות היחיד של האמן בשנים 1917, 1918 ו-1920. זה היה גם בין הציורים שנבחרו על ידי באואר והילה רביי להיכלל בתערוכה העולמית של ניו יורק "אמנות המחר" שנפתחה ב-1 ביוני 1939. הוא מופיע בקטלוג החמישי של אוסף סולומון ר. גוגנהיים של ציורים לא אובייקטיביים.

רודולף באואר

ז'אן ארפ - פסל מיתיק - ברונזה - 25 x 9 1/2 x 12 אינץ'

ז'אן ארפ

לארי ריברס

סלומון ואן RUYSDAEL - נוף דיונה עם דמויות נחות זוג על סוסים, נוף של קתדרלת ניימגן מעבר - שמן על בד - 26 1/2 x 41 1/2 אינץ '.

סלומון ואן רוסדאל

פסלי הרצפה של קרל אנדרה עשויים בדרך כלל מאריחים זוהרים של עופרת, אבץ או נחושת. הם שונים מרוב יצירות האמנות המינימליסטיות האחרות בנגישות שלהם: הם אמורים ללכת על. מבחינה היסטורית, אנדרה מציב את עצמו בשושלת היוחסין של קונסטנטין ברנקושי והנרי מור. אנדרה ממשיך במסורת שלהם לצמצם את אוצר המילים של הפיסול לצורות החיוניות והפשוטות ביותר שלו. העבודות מדברות גם לרעיון של דונלד ג'אד על "חפצים ספציפיים", שהדגישו את החוויה הפנומנית של הצופה וחקר המבנה והמרחב.

קרל אנדרה

לירוי ניימן - קרנבל בוונציה - שמן על הסיפון - 48X96 אינץ'.

לירוי ניימן

אלפרד סיסלי - Vaches au paturage sur les bords de la Seine - פסטל על נייר - 11 1/4 x 15 1/2 אינץ'

אלפרד סיסלי

Mel Ramos is best known for his paintings of superheroes and female nudes juxtaposed with pop culture imagery. Many of the subjects in his paintings emerge from iconic brands or cultural touchstones like Chiquita bananas, M&M bags, or Snickers. In these works, visual delight is combined with suggested edible and commercial indulgence.<br><br>Leta and the Hill Myna diverges from some of Ramos’ other nudes. Here Ramos depicts his wife, whom he spoke of as his greatest muse. Like his works depicting superheroes, Leta and the Hill Myna is imbued with mythos and lore. Myna birds are native to South Asia where some are taught to speak, often to recite religious. Furthermore, playing on his wife’s name and the avian theme, Ramos is referencing the famous tale of Leda and the Swan in which Zeus embodies a bird to rape Leda. The story has been reinterpreted throughout history, including by great artists such as Paul Cezanne, Cy Twombly and Fernando Botero. With this depiction, Ramos places himself in that same art historical lineage.

מל ראמוס

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - פסטל על נייר מונח על הלוח - 10 3/8 x 14 3/4 אינץ '.

קמיל פיסארו

HERB ALPERT - ראש חץ - ברונזה - 201 x 48 x 48 אינץ'.

הרב אלפרט

הפיתולים והקימורים המעוצבים ותחושת הנזילות והתנועה של פסלי הברונזה הרבים של הרב אלברט תוארו כדומים ל"עשן קפוא יצוק". הם כונו 'טוטמים של רוח', והכינוי מתאים במיוחד ל-Freedom, פסל ברונזה מתנשא לגובה של 17 מטרים שהוא מחווה של אלברט לערכים ולאמונות של האינדיאנים בחיים בהרמוניה עם הטבע. מלא בהתייחסויות לציפורים, הרעיון לחופש הגיע לאלברט כשהוא ישב על חוף באיפנמה, ברזיל, שבוי בלהקת ציפורים שצפה ללא מאמץ על זרמי האוויר. צוות של חופש הוקדש לעיר מאליבו והוצב לצד כביש החוף הפסיפי בצומת מזרח רמבלה ויסטה רואד.

הרב אלפרט

כחברה באגודת האמנות האגדית של גוטאי ששגשגה בין 1954 ל-1972, הופיעה סדאמסה מוטונגה כאשר האקזיסטנציאליזם הסוריאליסטי הפוסט-אטומי היה בחוד החנית של ההתפתחות האמנותית ביפן. עם זאת, הוא בחר בדרך אחרת. הוא הפנה את גבו להרס שחוללה המלחמה ויצר עבודה רעננה, שמחה ומשביעת. "ללא כותרת" מ-1966 הוא בסגנון הקלאסי שלו, שהתפתח במקביל לציוריו של מוריס לואיס, מה שמכונה "רעלה". זה עשוי להציע את המסרק המואר, העין והנוצות המנומרות של ציפור גלינאקית, אבל כל אסוציאציות כאלה הן כנראה שרירותיות ולא מכוונות. במקום זאת, זוהי תצוגה מוצלחת להפליא של האוונגרד של מוטונגה לקחת על Tarashikomi יפני מסורתי — הטכניקה הכוללת הטיית הבד בזוויות שונות כדי לאפשר תערובות של שרף ואמייל לזרום אחד על השני לפני הצבע יבש לחלוטין.

סדאמסה מוטונגה

ג'וזף סטלה - שכיבה בעירום - שמן על בד - 50 x 52 1/2 אינץ'.

ג'וזף סטלה

פרננדו BOTERO - Autoretrato a la manera de Velázquez - סנגווין ועפרונות צבעוניים על קרטון - 60 1/2 x 47 1/2 אינץ '.

פרננדו בוטרו

מארק קווין - Lovebomb - למינציה תמונה על אלומיניום - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 אינץ '.

מארק קווין

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

אלכסנדר קלדר

מבין טוטמי הרוח הרבים של הרב אלברט מברונזה, בצבע שחור-משיי, למעטים יש את התחושה הגברית המובהקת של Warrior. ומעליו כתר יורד ומשונן שיכול בקלות להתייחס לסמל של ציפור טרף ככיסוי הראש של צ'יף אינדיאני במישורים, התואר "לוחם" הוא תיאור מתאים המתייחס בין היתר לתכונות של כוח, אומץ ורוח בלתי שבירה. בדומה לעבודתו של הנרי מור, אסוציאציות אלה תלויות, בין השאר, בחלל שלילי כדי ליצור את הרושם הדינמי והחזק שהפסל האימתני הזה יוצר.

הרב אלפרט

יאן ג'וזפסון ואן גוין - נוף נהר עם טחנת רוח וקפלה - שמן על הלוח - 22 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

יאן ג'וזפסון ואן גוין

JOAN MIRO - L'Oiseau - ברונזה ומחסום - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 אינץ '.

ג'ואן מירו

HELIO OITICICA - מטאסקמה 69 - גואש על נייר - 17 5/8 x 21 1/8 אינץ '.

הליו אוטיקיצה

ויליאם ב. אגלסטון - ללא כותרת (מכונית כחולה, מתוך פעמוני אבק, כרך 11) - הדפס פיגמנט ארכיוני - 31 1/2 x 48 אינץ '.

ויליאם ב. אגלסטון

ויליאם ב. אגלסטון - ללא כותרת (מתוך היער הדמוקרטי) - הדפס פיגמנט ארכיוני - 31 1/2 x 48 אינץ '.

ויליאם ב. אגלסטון

ויליאם ב. אגלסטון - ללא כותרת (מתוך ערב הבחירות) - הדפס פיגמנט ארכיוני - 32 1/2 x 48 1/4 אינץ '.

ויליאם ב. אגלסטון

אנדי וורהול הוא שם נרדף לאמנות האמריקאית במחצית השנייה של המאה ה-20 וידוע בדיוקנאות האיקוניים שלו ובמוצרי הצריכה, המערבבים תרבות פופולרית ואמנות יפה, מגדירים מחדש מהי אמנות יכולה להיות וכיצד אנו ניגשים לאמנות. בעוד שרבות מעבודותיו של וורהול עשויות שלא לייצג אנשים מפורסמים, התיאורים שלו של חפצים דוממים מרוממים את נושאיו לרמה של סלבריטאות. וורהול תיאר לראשונה נעליים בשלב מוקדם בקריירה שלו, כשעבד כמאייר אופנה וחזר לנושא בשנות ה-80, כשהוא משלב את הקסם שלו עם צרכנות וזוהר. עם הרצון המתמיד שלו למזג תרבות גבוהה ונמוכה, וורהול בחר להדגיש משהו שנמצא כל כך בכל מקום כמו נעליים. הנושא יכול לציין עוני או עושר, תפקוד או אופנה. וורהול מהלל את ערימת הנעליים, מכסה אותן בפטינה של אבק יהלומים נוצץ, ומטשטש עוד יותר את המשמעות בין הצורך התועלתני לבין פיסת האמירה המסוגננת.

אנדי וורהול

© 2023 קרן קאלדר, ניו יורק / האגודה לזכויות אמנים (ARS), ניו יורק

אלכסנדר קלדר

© 2023 קרן קאלדר, ניו יורק / האגודה לזכויות אמנים (ARS), ניו יורק

אלכסנדר קלדר

© 2023 קרן קאלדר, ניו יורק / האגודה לזכויות אמנים (ARS), ניו יורק

אלכסנדר קלדר

LE PHO - פרחים - שמן על בד - 28 3/4 x 21 1/4 אינץ '.

לה פו

רודולפו מוראלס - ללא כותרת - שמן על בד - 37 1/4 x 39 1/4 אינץ '

רודולפו מוראלס

© 2023 קרן קאלדר, ניו יורק / האגודה לזכויות אמנים (ARS), ניו יורק

אלכסנדר קלדר

© 2023 קרן קאלדר, ניו יורק / האגודה לזכויות אמנים (ARS), ניו יורק

אלכסנדר קלדר

אירווינג נורמן - פרידה - שמן על בד - 90 x 100 אינץ'.

אירווינג נורמן

אד רושה הוא אחד האמנים האמריקאים המכובדים ביותר, בין השאר בשל חקר סמלי אמריקנה והיחסים בין שפה לאמנות. הסוף הוא נושא קולנועי בו השתמש האמן בשנות התשעים והתווכים, והופיע בציורים, הדפסים ורישומים – בעיקר בציור בקנה מידה גדול במוזיאון לאמנות מודרנית בשנת 1991. בהתייחסו לחלוף הזמן וההתיישנות, רושה עושה שימוש בגופן מיושן ובמסורת קולנועית ישנה של שימוש בטקסט בקולנוע. המושג ארעיות מוגבר על ידי המילים עצמן, הסוף, ואת אופיו של המדיום עצמו; טכנולוגיית הלייזר להולוגרמות, שנחשבת עתידנית כאשר פותחה בשנות ה-60, יוצרת גם תחושה של ארעיות כאשר הדימויים משתנים עם תנועת הצופה. אמנם יש תנועה מולדת במילים ובדימויים המשתנים, אך הולוגרמות אלה מייצגות גם עצירה מלאה – רגע חולף קפוא בזמן.

אד רושה

ANSEL ADAMS - זריחה חורפית, סיירה נבדה מאורן בודד - הדפס כסף ג'לטין - 18 3/4 x 22 3/4 אינץ'

אנסל אדמס

אירווינג נורמן - טוטמים - שמן על בד - 72 x 110 אינץ'.

אירווינג נורמן

Celebrated for his vivid use of color, grand presentations of the female figure, and skillful work in multiple media, Tom Wesselmann was one of the most influential artists to emerge from the Pop art movement during the 1960s. Originally planning a career as a cartoonist, Wesselmann quickly established himself as one of the driving forces of contemporary art in New York. Since 1983, Tom Wesselmann used enamel on cut-out steel to depict his loose and energetic, yet meticulous, sketches in the third dimension. Ranging in scale, the sculptural works are an innovative part of the artist’s oeuvre.<br><br>Wesselmann's work is included in museum collections worldwide, including the Whitney Museum of American Art, the Smithsonian American Art Museum, the Art Institute of Chicago, the Albright-Knox Art Gallery, the Museum of Modern Art in New York, the Walker Art Center, and the National Galerie, Berlin, among many others.<br><br>"Partial Monica with Hat and Beads" is from the collection of Gloria Luria, a pioneer of the art scene in Miami as an art dealer and collector. She introduced into the region artists that are today considered icons of art history: Pat Steir, David Hockney, Andy Warhol, Arakawa, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Larry Rivers, Claes Oldenburg, and many more. Luria has dedicated her life to fostering a thriving culture in the region from being a founding member and president of the Art Dealers Association of South Florida to helping bring the art fair, Art Miami, to the Miami Beach Convention Center. Her philanthropic generosity also extends to the performing arts, helping support Tanglewood and the Boston Symphony Orchestra, and the Adrienne Arsht Center for the Performing Arts and the New World Symphony.

טום ווסלמן

דבורה באטרפילד היא פסלת אמריקאית, הידועה בעיקר בזכות פסלי הסוסים שלה העשויים מחפצים החל מעץ, מתכת וחפצים אחרים שנמצאו. היצירה מ-1981, ללא כותרת (סוס), מורכבת ממקלות ונייר על חימוש תיל. קנה המידה המרשים של יצירה זו יוצר אפקט יוצא דופן באופן אישי, ומציג דוגמה בולטת לנושא המפורסם של באטרפילד. באטרפילד יצרה במקור את הסוסים מעץ וחומרים אחרים שנמצאו בשטחה בבוזמן, מונטנה וראתה בסוסים דיוקן עצמי מטאפורי, וכרתה את התהודה הרגשית של צורות אלה.

דבורה באטרפילד

Marc Newson is widely recognized as one of the most influential designers of our time. His subjects range from seemingly ordinary objects such as bicycles to groundbreaking designs in furniture and airplanes. The Philadelphia Museum of Art's 2013-2014 exhibition "Marc Newson: At Home" exposed a new American audience to Newson's futuristic aesthetic in a traditional museum setting. <br><br>"Micarta Table" (2007) uses contemporary materials, including plastic composites, to create the illusion of a traditional wood veneer surface. This blending of old and new is a hallmark of Newson's work. Examples of Newson's work can be found in museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York, The San Francisco Museum of Modern Art, and the Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum, New York City.

מארק ניוסון

הרב אלפרט - השראה - ברונזה - 100 x 20 x 12 אינץ '.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - אמן קונצרטים - ברונזה - 93X14 אינץ'

הרב אלפרט

כחברה באגודת האמנות האגדית של גוטאי ששגשגה בין 1954 ל-1972, הופיעה סדאמסה מוטונגה כאשר האקזיסטנציאליזם הסוריאליסטי הפוסט-אטומי היה בחוד החנית של ההתפתחות האמנותית ביפן. עם זאת, הוא בחר בדרך אחרת. הוא הפנה את גבו להרס שחוללה המלחמה ויצר עבודה רעננה, שמחה ומשביעת. "ללא כותרת" מ-1969 הוא בסגנונו הקלאסי, שהתפתח במקביל לציוריו של מוריס לואיס, המכונים "רעלה". זוהי תצוגה מוצלחת להפליא של אוונגרד של Motonaga לקחת על Tarashikomi יפני מסורתי — הטכניקה הכוללת הטיית הבד בזוויות שונות כדי לאפשר תערובות של שרף ואמייל לזרום אחד על השני לפני הצבע יבש לחלוטין.

סדאמסה מוטונגה

A veteran of the battle of Verdun, Fernand Leger witnessed the horror and staggering loss of over 1 Million of his fellow countrymen during World War I. This horrific experience of fighting in the trenches of Europe left an indelible mark on the artist. The modern and mechanized aspects of this new form of warfare, with tanks, modern artillery, and gruesome tactics, inspired Leger to create some of his greatest masterpieces. <br><br>The Present drawing, executed in 1930, is a relic from the decade following the First World War. Untitled (1930) was purchased from the Katherine Kuh galley in Chicago- and has been impeccably preserved by the family of the original purchaser. It is exceedingly rare to find drawings like Untitled outside of Museum collections.

פרננד לגר

"Ray Gun became a catch title for all sorts of things. Looking down on the street, I would find this angle in the shape of a ray gun everywhere. And I would collect the ray guns. They became quite an obsession."<br>-Claes Oldenburg<br><br>"Two Ray Guns" (1964) was initially sold through the venerable Sidney Janis Gallery. The work draws upon Oldenburg's keen observational sense and fascination with science fiction and popular American culture. The fascination with Ray Guns became a conceptual art practice for Oldenburg; he would not construct them in the traditional sense but instead, find objects that could be reduced into the form. Ray Gun Examples exist in plastic, bronze, plaster, and many different media. <br><br>Our example from the Ray Gun series has been in the same important American collection for many years. Several examples from this series are in prominent museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York.

קלאס אולדנבורג

אנסל אדמס - אספנס, צפון ניו מקסיקו - הדפס כסף ג'לטין - 15 1/4 x 19 1/4 אינץ '.

אנסל אדמס

צ'אק קלוז - דיוקן עצמי - סוויטה של 4 הולוגרמות זכוכית - 14 x 11 אינץ '.

צ'אק קלוז

איליין דה קונינג - המטאדור - גואש על נייר - 7 3/4 x 9 1/2 אינץ'

איליין דה קונינג

PABLO PICASSO - Fumeur a la Cigarette Blanche - אקווטינט על הנייר - 21 1/4 x 15 1/4 אינץ'.

פבלו פיקאסו

פרנסיס CELENTANO - ציור קינטי אליפטי - אקריליק על הבונים החופשיים - 48 x 48 x 6 1/2 אינץ '.

פרנסיס סלנטנו

קרלוס לונה - לה מיה (1225 OC) - שמן על בד - 47X58 אינץ'

קרלוס לונה

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

אירווינג נורמן

דמיאן הירסט - איה סופיה (סדרת הקתדרלה) - הדפס מסך עם זיגוגים ואבק יהלומים - 47 1/4 x 47 1/4 אינץ '.

דמיאן הירסט

רוברטו מאטה - L'epreuve - שמן על בד - 29 1/2 x 25 1/2 אינץ'.

רוברטו מאטה

סת' קאופמן - ליגנום ספייר - ברונזה עם פטינה ירוקה - 103 1/2 x 22 x 17 אינץ'.

סת' קאופמן

ויליאם ונדט - נוף קליפורניה - שמן על בד - 23 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

ויליאם וונדט

"פנים" היא אחת היצירות המודרניות יותר של מוריס אסקאנזי, הקוראת לזכור את עבודתם של בונרד או וילארד. הסצנה האינטימית מראה דוגמנית עירומה, שנראית באופן דרמטי בפרופיל, מתחזה לצייר בסטודיו שטוף שמש. הדלת לחדר פתוחה, מה שנותן את הרושם שהצופה גונב הצצה לאינטראקציה פרטית בין האמן לדוגמנית. מראה הממוקמת בחוכמה על גב הדלת הפתוחה חושפת את השתקפותו של הצייר, אותו אנו אמורים לקחת כ- Askenazy עצמו, בעבודה. Askenazy מקפיד מאוד לתאר את פרטי החדר, מן העות'מאנית בדוגמת הציורים ממוסגרים על הקירות, כל פסיפס של צבע אימפרסיוניסטי.

מוריס אסקזי

אנדי וורהול - הצל (מתוך מיתוסים) - הדפסת מסך צבעונית עם אבק יהלומים על נייר - 37 1/2 x 37 1/2 אינץ'.

אנדי וורהול

אנדי וורהול - אהבה - הדפס מסך - 25 1/2 x 19 1/4 אינץ'

אנדי וורהול

פרנסיסקו טולדו - ללא כותרת - טכניקה מעורבת על נייר - 8 x 10 1/4 אינץ'.

פרנסיסקו טולדו

ליאון אוגוסטין ל'הרמיט - Etude de vieille femme - פסטל ועפרונות צבעוניים על קרטון - 25 1/2 x 20 1/4 אינץ '.

ליאון אוגוסטין ל'הרמיט

לירוי ניימן - פרש סוסים - טכניקה מעורבת על נייר - 22X28 אינץ'

לירוי ניימן

IMOGEN CUNNINGHAM - המיטה הלא מיוצרת - הדפס ג'לטין כסף - 10 1/4 x 13 1/2 אינץ '.

IMOGEN CUNNINGHAM

אנדי וורהול - אהבה - הדפס מסך - 25 1/4 x 19 1/2 אינץ'

אנדי וורהול

אנדי וורהול - אהבה - הדפס מסך - 25 1/2 x 19 3/8 אינץ'

אנדי וורהול

וילם דה קונינג - ללא כותרת - גרפיט על נייר - 8 x 10 1/2 אינץ '.

וילם דה קונינג

הרב אלפרט - איזון נגדי - ברונזה - 28X28 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - טבע האדם - ברונזה - 44X10X7 אינץ'

הרב אלפרט

AI WEIWEI - כסאות "אגדה" - עץ - 49 x 45 x 17 1/2 אינץ'.

איי ווייווי

אבל ג'ורג' ורשבסקי - עצים בבריטני - שמן על בד - 25 1/2 x 32 אינץ'.

אבל ג'ורג' ורשבסקי

דייגו ריברה - Guardante Silente De La Verdad, En El Tramo de la 'Revelacion Del Camino' - גרפיט על נייר מונח לקרטון - 22X22 אינץ'

דייגו ריברה

ROSS BLECKNER - ללא כותרת - שמן על נייר צילום - 37 1/2 x 24 3/4 אינץ '.

רוס בלקנר

הרב אלפרט - חלומות זהב - אקריליק על בד - 48X72 אינץ'.

הרב אלפרט

HERB ALPERT - כישוף - אקריליק על בד - 200 ס"מ.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - שלג שקט - אקריליק על בד - 72X48 אינץ'.

הרב אלפרט

HERB ALPERT - דיבור רך - אקריליק על בד - 48X72 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - נופלים עליך - אקריליק על בד - 48X72 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - עכשיו תשמעו את זה - אקריליק על בד - 48X72 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - Jive Talk - אקריליק על בד - 48X72 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - נגד הרוח - אקריליק על בד - 48X72 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - קפיץ שקט - אקריליק על בד - 48X72 אינץ'.

הרב אלפרט

אדוארד ווסטון - צ'ריס, סנטה מוניקה - הדפס כסף ג'לטין - 9 1/2 x 7 1/2 אינץ '.

אדוארד ווסטון

אנדי וורהול - קרולינה הררה - פולארויד, פולקולור - 4 1/4 x 3 3/8 אינץ'.

אנדי וורהול

אנדי וורהול - אנדי וורהול - הדפס כסף ג'לטין - 10 x 8 אינץ'.

אנדי וורהול

אירווינג נורמן - נשים רתכים, הספינה - גרפיט על נייר - 14 1/4 x 28 3/8 אינץ'.

אירווינג נורמן

LOUISE BOURGEOIS - ללא כותרת - הולוגרמה מזכוכית (הולוגרמה בודדת מסט 23) - 10 3/4 x 13 3/4 אינץ'

לואיז בורז'ואה

אנדי וורהול - ג'ורג' - פולארויד, פולקולור - 4 1/4 x 3 3/8 אינץ'.

אנדי וורהול

HERB ALPERT - ירח ברזילאי - אקריליק על בד - 36X72 אינץ'.

הרב אלפרט

HERB ALPERT - ערפל ברזילאי - אקריליק על בד - 36X72 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - בידוד - אקריליק על בד - 36X60 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - זיכרונות שבורים - אקריליק על בד - 60X36 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - רק חלום משם - אקריליק על בד - 60X36 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - הצופה - אקריליק על בד - 60X36 אינץ'.

הרב אלפרט

MICAELA AMATO - נערת קמרון - זכוכית יצוקה - 16 x 12 x 10 1/2 אינץ'.

מיכאלה אמאטו

ז'אן מנהיים - לפני הסערה - שמן על הלוח - 12 x 15 1/2 ב.

ז'אן מנהיים

וילם דה קונינג - לליסה - ליטוגרפיה - 17 1/2 x 23 1/4 אינץ'.

וילם דה קונינג

הרב אלפרט - בבלט - אקריליק על בד - 48X48 אינץ'.

הרב אלפרט

הרב אלפרט - חיבור - אקריליק על בד - 36X48 אינץ'.

הרב אלפרט

קרלוס לונה - חטא titulo - טכניקה מעורבת על הנייר - 22 1/2 x 30 1/4 אינץ'.

קרלוס לונה

DAVID MORRIS - Horn Plenty 2 - פולימר מצופה ניקל על בסיס אבן יצוקה - 18 1/2 x 9 1/4 x 11 אינץ'.

דייוויד מוריס

קרלוס לונה - ללא כותרת - טכניקה מעורבת על נייר - 30 x 22 1/2 אינץ'.

קרלוס לונה

JOSEF ALBERS - ניסוח: ביטוי - טביעת מסך - משמאל: 10 x 12 3/8 אינץ'.

יוזף אלברס

ג'ורג ' אורטמן - עשר יצירות X עשרה ציירים - הדפסת מסך - 24 x 20 ב.

ג'ורג' אורטמן

אירווינג נורמן - הקרקס, איזון חוק 2 (מחקר) - עיפרון על נייר - 11 x 9 אינץ '.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - הקרקס, חוק האיזון 2a (מחקר) - עיפרון על נייר - 11 x 9 אינץ '.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (מחקר אפשרי ל"אלמוות של הסימפוניה התשיעית של בטהובן") - עיפרון על נייר - 14x11 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (גופות בקריפטה) - עיפרון על נייר - 7 1/2 x 3 7/8 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (מחקר מלחמה) - גרפיט על נייר - 6 x 3 1/2 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (גופות) - עיפרון על נייר - 6 3/4 x 2 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (איש מעשן) - עט על נייר - 8 7/8 x 6 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (אדם עם ציפור אש) - גרפיט ועפרון על נייר - 12 x 8 7/8 אינץ '.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (מחקר אפשרי ל"חגיגה") - גרפיט על נייר - 4 7/8 x 3 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (מחקר אפשרי ל"מעבודה") - עיפרון על נייר - 11 x 14 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (ראש עם אש) - גרפיט ועפרון על נייר - 12 x 8 7/8 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (מחקר אפשרי ל"מעבודה") - עיפרון על נייר - 11 x 14 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (ראשים מופשטים) - עט על נייר - 8 7/8 x 6 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (מחקר אפשרי ל"חיי הנצח של הסימפוניה התשיעית" של בטהובן 2) - גרפיט על נייר - 14 x 11 אינץ '.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (ארבעה ראשים) - גרפיט על נייר - 5 x 3 1/2 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - ללא כותרת (מחקר אפשרי ל"מעבודה") - גרפיט על נייר - 5 x 3 1/2 אינץ'.

אירווינג נורמן

בחדשות

שירותים

הת'ר ג'יימס פיין ארט מספקת מגוון רחב של שירותים מבוססי לקוח המתאימים לצרכי איסוף האמנות הספציפיים שלך. צוות התפעול שלנו כולל מטפלים מקצועיים באמנות, מחלקת רשם מלאה וצוות לוגיסטי בעל ניסיון רב בהובלת אמנות, התקנה וניהול אוספים. עם שירות כפפות לבנות וטיפול מותאם אישית, הצוות שלנו עובר את הקילומטר הנוסף כדי להבטיח שירותי אמנות יוצאי דופן עבור לקוחותינו.

תכנון נדל"ן ומס

ניהול אוספים

משיכת השקעות

ניהול לוגיסטיקה

שמאות הערכה

פיננסיים

משאבים נוספים

הכירו אותנו

גרפיקה מוצגת

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

ג'ורג'יה אוקיף

דייגו ריברה - דיוקן אנריקטה ג' דווילה - שמן על בד - 79 1/8 x 48 3/8 אינץ'.

דייגו ריברה

וילם דה KOONING - אישה בסירת משוטים - שמן על נייר הניח על הבונים החופשיים - 47 1/2 x 36 1/4 ב.

וילם דה קונינג

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

טום ווסלמן

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

ויין תיאבאוד

אלפרד סיסלי - ל'אגלייז דה מורט, לה סואר - בד שמן - 31 1/4 x 39 1/2 אינץ'.

אלפרד סיסלי

אמיל נולדה - Sonnenblumen, Abend II - שמן על בד - 26 1/2 x 35 3/8 אינץ'.

אמיל נולדה

אלכסנדר קלדר - הצלב - שמן על בד - 28 3/4 x 36 1/4 אינץ '.

אלכסנדר קלדר

בתחילת שנות ה-70 של המאה ה-19 צייר וינסלו הומר לעתים קרובות סצנות של חיים כפריים ליד כפר חקלאי קטן שנודע במשך דורות בזכות דוכני החיטה המרשימים שלו, הממוקם בין נהר ההדסון לקטסקיל במדינת ניו יורק. כיום הארלי מפורסם הרבה יותר כהשראה לאחת מיצירותיו הגדולות ביותר של הומרוס, Snap the Whip שצויר בקיץ 1872. בין הציורים הרבים האחרים בהשראת האזור, נערה עומדת בשדה החיטה עשירה בסנטימנטים, אך לא סנטימנטלית מדי. הוא מתקשר ישירות למחקר משנת 1866 שצויר בצרפת בשם "בשדות החיטה", ומחקר נוסף שצויר שנה לאחר מכן לאחר שובו לאמריקה. אבל הומרוס היה ללא ספק גאה ביותר בזה. זהו דיוקן, חדר לימוד תלבושות, ציור ז'אנרי במסורת הגדולה של הציור הפסטורלי האירופי, וטור דה פורס מואר בדרמטיות, ספוג באור השעה הזוהר הדועך במהירות, מצופה בתווים פרחוניים ונגיעות קוצים של חיטה. בשנת 1874 שלח הומרוס ארבעה ציורים לתערוכה של האקדמיה הלאומית לעיצוב. אחד מהם נקרא "ילדה". יכול להיות שזה לא זה?

וינסלו הומר

פרידה KAHLO - פטיש ומגל (ותינוק שטרם נולד) - טיח יבש ומדיה מעורבת - 16 1/4 x 13 x 6 אינץ '.

פרידה קאלו

נ.C ווית' - סאמר. "שקט" - שמן על בד - 33 3/4 x 30 1/4 אינץ'.

נ.C. וייט

שון סקאלי - אדום אפור - שמן על אלומיניום - 85 x 75 אינץ'.

שון סקאלי

עולמו של מארק שאגאל אינו יכול להיות מוכל או מוגבל על ידי התוויות שאנו מצמידים אליו. זהו עולם של דימויים ומשמעויות היוצרים שיח מיסטי להפליא משלהם. Les Mariés sous le baldaquin (החתן והכלה מתחת לחופה) החל עם כניסתו של האמן לשנתו ה-90, אדם שידע טרגדיה וסכסוכים, אך מעולם לא שכח את רגעי ההנאה של החיים. כאן, התענוגות החלומיים של חתונה כפרית רוסית עם סידורי המשתתפים השחוקים היטב מובאים אלינו בשנינות כה שמחה ותמימות עליזה, שאין התנגדות לקסמה. באמצעות תחליב בגוון זהוב המשלב שמן וגואש אטום על בסיס מים, החום, האושר והאופטימיות של הפוזיטיביזם הרגיל של שאגאל עטופים בזוהר זוהר המרמז על השפעתם של איקונות דתיות בעלות עלי זהב או ציורים מראשית הרנסנס שביקשו להקנות רושם של אור אלוהי או הארה רוחנית. שימוש בשילוב של שמן וגואש יכול להיות מאתגר. אבל כאן, ב-Les Mariés sous le baldaquin, שאגאל משתמש בו כדי להעניק לסצנה איכות אחרת, כמעט כאילו זה עתה התממשה מתוך עינו. עדינותו הטקסטואלית יוצרת את הרושם שהאור נובע מהיצירה עצמה ומעניקה איכות ספקטרלית לדמויות המרחפות בשמיים.

מארק שאגאל

ANISH KAPOOR - Halo - נירוסטה - 120 x 120 x 27 in.

אניש קאפור

טום וסלמן - ברונטית חדר שינה עם איריסים - שמן על אלומיניום חתוך - 105 3/4 x 164 5/8 אינץ '.

טום ווסלמן

MARSDEN HARTLEY - באך פרלודס ופוגות מס '1 (נושא מוסיקלי) - שמן על בד מונח על הסיפון - 28 1/2 x 21 אינץ '.

מרסדן הארטלי

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

פבלו פיקאסו

דיוקן סילבי לאקומב של תיאו ואן רייסלברגה, שצויר בשנת 1906, הוא יצירת מופת קלאסית של אחד מציירי הדיוקנאות המעודנים והעקביים ביותר של זמנו. הצבע הרמוני, עבודת המכחול נמרצת ומותאמת למשימתה החומרית, גופה וארשת פניה אמיתיים וחושפניים. היושבת היא בתו של חברו הטוב, הצייר ז'ורז' לאקומב, שחלק קשר הדוק עם גוגן, והיה חבר בלה-נאביס עם האמנים בונאר, דניס ווילאר, בין היתר. כיום אנו יודעים על סילבי לאקומב משום שואן ריסלברג מיומנת כל כך בעיבוד הבעות פנים עדינות ובאמצעות התבוננות זהירה ותשומת לב לפרטים, סיפקה תובנות על עולמה הפנימי. הוא בחר במבט ישיר, עיניה אליך, ברית בלתי נמנעת בין הסובייקט לצופה, ללא קשר ליחסנו הפיזי לציור. ואן ריסלברג נטש במידה רבה את הטכניקה הפוינטיליסטית כשצייר דיוקן זה. אבל הוא המשיך ליישם את הקווים המנחים של תורת הצבעים על ידי שימוש בגוונים של אדום - ורוד וסגול - כנגד ירוקים כדי ליצור פלטת צבעים הרמונית ומשופרת של צבעים משלימים, שאליהם הוסיף מבטא חזק כדי למשוך את העין - קשת אדומה רוויה מאוד המונחת באופן א-סימטרי בצד ראשה.

תיאו ואן רייסלברג

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

נ.C. וייט

לא קשה להבין כיצד הסידור המבריק בן שתי השורות של רוברט אינדיאנה בן ארבע האותיות סייע להעצים תנועה בשנות השישים. מקורו בחשיפה עמוקה לדת ומהחבר והמנטור אלסוורת' קלי, שסגנונו הקשוח וצבעו החושני וחסר המבטא הותירו רושם עז. אבל כמו שאינדיאנה קרא, זה היה רגע של נשיקה שקרה בדיוק כש"אהבה נשכה אותי!" והעיצוב הגיע אליו חד וממוקד. אינדיאנה, כמובן, העבירה את העיצוב בצעדים רבים, ואז הלוגו החל לנבוט בכל מקום. המסר, המועבר בצורה הטובה ביותר בפיסול, עומד בערים ברחבי העולם ותורגם למספר שפות, שאחת מהן היא האיטרציה האיטלקית שלו, "אמור" עם האות "O" המקרית שלו גם היא מוטה ימינה. אבל במקום להיבעט ברגל של "L", גרסה זו מעניקה אפקט מתנודד מבוים להפליא ל "A" לעיל. זה נותן רושם חדש, אבל לא פחות עמוק, של אהבה וטבעה הטעון רגשית. בכל מקרה, האות O המוטה של לאב מקנה חוסר יציבות לעיצוב יציב אחרת, השלכה עמוקה של הביקורת המובלעת של אינדיאנה על "הסנטימנטליות החלולה לעתים קרובות הקשורה במילה, המרמזת באופן מטאפורי על כמיהה נכזבת ואכזבה במקום על חיבה סכרינית" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018). לחזרתיות, כמובן, יש הרגל מגונה להחליש את הערכתנו לגאונות של פשטות ועיצוב פורץ דרך. בשלב מאוחר בחייה, אינדיאנה קוננה על כך ש"זה היה רעיון נפלא, אבל גם טעות איומה. זה הפך פופולרי מדי. ויש אנשים שלא אוהבים פופולריות". אבל אנחנו, תושבי עולם רווי מחלוקות ולכודים במהומה, תודה. "אהבה" וגרסאותיה הרבות הן תזכורות חזקות ליכולתנו לאהוב, וזוהי תקוותנו הנצחית הטובה ביותר לעתיד טוב יותר.

רוברט אינדיאנה

אדולף גוטליב - אזימוט - שמן על בד - 95 3/4 x 144 1/4 אינץ'.

אדולף גוטליב

פרנק סטלה - המוסקט - מדיה מעורבת על אלומיניום - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 אינץ '.

פרנק סטלה

סלומון ואן RUYSDAEL - נוף דיונה עם דמויות נחות זוג על סוסים, נוף של קתדרלת ניימגן מעבר - שמן על בד - 26 1/2 x 41 1/2 אינץ '.

סלומון ואן רוסדאל

יאן ג'וזפסון ואן גוין - נוף נהר עם טחנת רוח וקפלה - שמן על הלוח - 22 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

יאן ג'וזפסון ואן גוין

JOAN MIRO - L'Oiseau - ברונזה ומחסום - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 אינץ '.

ג'ואן מירו

איש קשר

צרו קשר

שם *

עניין באמנות *

דואר אלקטרוני *

מספר טלפון

הודעה *

קפצ'ה

לברר