זה היה מקובל בשנות ה -80

שנות ה-80 היוו אבן בוחן תרבותית במשך עשרות שנים והשפיעו על אופנה, קולנוע וטלוויזיה, אך השפעתה כקשר לאמנות הייתה ברובה נקודה עיוורת. אבל לקחת צעד אחורה ואת מלוא כוחו של העשור הופך להיות ברור, והכניס להקשר סוציו-פוליטי, אנו יכולים לראות שילוב של פעולה ותגובה לתנועות קודמות.

התערוכה מתבונן בהרחבה בעשור של שינוי מהיר ותגובתנות. הוא מבקש למקם בהקשר ובשילוב שורה של תנועות וקבוצות של אמנים כדי להבין טוב יותר את האמנות והאמנים, את היחסים שהם יצרו, ולהבין את היסודות שהניחו לדורות הבאים. בווריד זה, המופע מתמקד באמנים שעלו או עבדו בשנות השמונים ובמקביל מסתכלים קדימה על חלק מהעבודות שהם ימשיכו להפיק.

אחת הקבוצות החשובות ביותר שיצאו היו הניאו-אקספרסיוניסטים, שכללו את יוליאן שנאבל, פרנצ'סקו קלמנטה, מימו פלדינו וסנדרו צ'יה. למרות המיקום הגיאוגרפי המגוון, מה שאיחד את האמנים היה השימוש במדיה מעורבת מוגזמת, עבודת מכחול חגיגית במודע ופיגורציה גסה, שהתיישרו בדחיפה נגד ההסתמכות של העשור הקודם על מינימליזם וקונספטואליות. קונספט גבוה פינה את מקומו לעבודות בעלות השפעה גבוהה, התמקד פחות ברעיונות ויותר על פני השטח. ביסוד "השיבה" הזו לציור תולדות חצופות ומאצ'ואיזם, המשקפות את השמרנות של העשור. השוו אותם לאמני התבנית והקישוט בתערוכה הוירטואלית שלנו, "תבנית וקישוט: פמיניזם וחברות", וניתן לראות חזרה מודעת למיתוסים של אמנות "הרואית" ו"גאון" יחיד במינו.

אבל לא המושגיות ולא שיתוף הפעולה הסתיימו. בשנות ה-70 וה-80, דור התמונות הגדיר מחדש באילו דימויים ניתן להשתמש באמנות וכיצד ניתן להשתמש בה. עמותה רופפת הכוללת את סינדי שרמן וריצ'רד פרינס, כמו הניאו-אקספרסיוניסטים, יצאה מאמריקה מאוכזבת יותר, מסוחררת מווטרגייט, סוף מלחמת וייטנאם, והתגפלציה של שנות ה-70. במקום לפנות להתרברבות מוגזמת, דור התמונות פנה לתיאוריה ביקורתית חדשה שהתגלתה, כגון פירוק חלוצי סופרים צרפתים כולל מישל פוקו. באמצעות תקשורת המונים, שרמן, פרינס וחבריהם האמנים ציטטו, חפרו, מסגרות מחדש, מחשבה מחודשת, וצילמו מחדש "תמונות" וצילום כדי להטיל ספק באותנטיות לעומת מקוריות וכיצד הם מעצבים את התפיסות שלנו על עצמנו ועל העולם. הזהות המהותית פינה את מקומה להמשגת מבנים חברתיים.

העבודה המיוצרת היא בבת אחת מפתה ומנותקת בקור רוח. "ללא כותרת מס' 110" נזכר בסדרה המפורסמת הקודמת של שרמן, "סטילס ללא כותרת". עבודתו של שרמן עוסקת בתפקיד ובבניית זהויות של נשים. מצד שני, פרינס מתאים מילים ודימויים, מבקש מאיתנו לשקול מה הדימויים האלה אומרים לתרבות הקולקטיבית תוך הטלת ספק באותנטיות.

לא רק אמנים חדשים או מתעוררים כבשו את העשור. למרות ששמו היה שם נרדף לפופ ארט של מרכז אמריקה, אנדי וורהול הגיע לרמה חדשה של תהילה וסלבריטאים במהלך העשור הזה. יותר מתמיד, וורהול הפנה את עינו לעשירים, מפורסמים וידועים לשמצה מאירים את המשמעות של להיות אמריקאי ומהי התרבות האמריקאית. חברו לאמן הפופ, ג'יימס רוזנקוויסט, אף הציג את אחד מציוריו, "בית ספר סמבה", בסרט מכונן של התקופה – "וול סטריט". כפי שהסרט מציין מתוך התרבות האמריקאית של התקופה, "... תאוות בצע, מחוסר מילה טובה יותר, זה טוב." התרוממות רוח חומרית זו אינה קשורה להופעתם של הניאו-אקספרסיוניסטים.

כסף נגע בחלקים אחרים של הזמן. המגמה הרווחת הייתה פוסטמודרניזם. משטחים ומראה קיבלו עדיפות על פני פונקציונליות, ותשוקת הצרכנים נחסרה תוך שמירה על ערעור מסחרי. מגמה זו של תיאטרליות וברק התרחקה מחתרנות ואירוניה כאשר הצטרפה לגל הצרכנות והעניין התאגידי. בצומת הזה, אמנים כמו ג'ף קונס עלו לתהילה. קונס מרומם חפצים יומיומיים המערערים את הציפיות שלנו ובמקביל מדגישים את האופי הקיטשי שלהם. העבודות בתערוכה מזכירות ביצי פברז'ה מסוננות דרך מסנן מבריק ודביק. זה חיקוי זול? האם זהו המשך של תולדות האמנות והמלאכה? האם קונס חוקר צרכנות, חוגג אותה, או משהו באמצע?

דיוקנאותיו של ג'ורג' קונדו, דמויי קריקטורה ומעט מפלצתיים, הם ביטוי נפלא לאמנות וחשיבה פוסט-מודרנית. כפי שתואר על ידי V&A, "האובייקט הפוסטמודרני שיקף את הרצון לשלב הצהרות חתרניות עם ערעור מסחרי". בהצהרה זו נמצא הלב הפועם של ציוריו של קונדו. קונדו מצייר מהזיכרון, ובהתבוננות בעבודתו, הצופה יכול לדמיין כיצד ציורים אלה נשברים ונזכרים בתמונות שנחפרו מהזיכרון של קונדו של תולדות האמנות ושל מצבים פסיכולוגיים. כל דבר ישן הופך לחדש שוב.

עם זאת, בניגוד לגאונות המיתולוגית של האמן הייחודי בתנועה הניאו-אקספרסיוניסטית (ובתולדות האמנות בכלל), שיתוף הפעולה היה חשוב ביותר בתקופה זו. כשמסתכלים על הצילום של טסנג קוונג צ'י וורהול, אנו רואים כיצד אמנים קיימו דיאלוגים חשובים בינם לבין עצמם. בתמונה של גרייס ג'ונס, אנו רואים שיחה משולשת בין גרייס ג'ונס, קוונג צ'י הצלם, וקית' הרינג שצייר את ג'ונס.

תערוכה זו נסגרת עם התנועות הערפיליות ביותר מהתקופה. כל כך אמורפי הוא שזה נקרא באופן שונה פוסט-קונספטואליות, ניאו מושגית, מושגיות ניאו-גיאומטרית (ניאו-גיאומטרית) והפשטה פוסט-מופשטת. אמנים תחת מטריה גדולה זו כוללים את ג'ני הולצר, דונלד סולטן, כריסטופר צמר, פיטר האלי, רוס בלקנר ועוד. מה שאיחד את האמנים המגוונים האלה היה הרעיון שהקונספט יכול לקבל עדיפות על פני התוצר הסופי בקיצוניות, והייתה להם אווירה של "סימולציה". לדוגמה, נראה שיצירותיו של האלי הן המשך ליצירות מינימליסטיות בעורקו של פרנק סטלה. עם זאת, הציור הוא ביקורת על הצריכה והתעשיה. כמו האלי, ציוריו של בלקנר בוחרים במשותף את האסתטיקה של מינימליזם או אמנות אופ תוך אמירות רגשיות ופוליטיות, נוקבות על הרס משבר האיידס. גם כאשר הציורים ייצוגיים יותר, ציירים כמו סולטן בחנו את צריכת הדימוי ואת האובייקט האמנותי. הפשטה היא לא רק הפשטה. זה מקבל משמעויות חדשות בסביבות חדשות.

בעוד שקונס וקונדו יכולים להיחשב לסמל הסמלי ביותר של הפוסטמודרניזם, רבים מהאמנים האחרים בפוסט-קונספטואליות יכולים להיחשב פוסטמודרניים, תחושה של חתרנות, סתירה ואירוניה מוסוויים בתיאטרליות ומתחזקים על ידי התיאורטי. פסלו של הולצר מפתה באמצעות השימוש בחומרים, בצורתו ואפילו במילים המגולפות במושב, אך הביט מקרוב והטרויזם מבלבל ומפריע. עבודתו של הולצר חותרת תחת הדחפים הצרכניים שלנו.

העשור הדינמי הוכיח זמן פורה לאמנות. אמנים נעו בכיוונים שונים באסוציאציות רופפות בדרכים סותרות לכאורה, ובכל זאת הדיאלוגים בינם לבין עצמם דחפו. אמנים אלה לא רק לשבור מן העבר אבל שאלה מה זה אומר עבור ההווה. אין זה צירוף מקרים שללימוד בבית הספר של סטודיו ניו יורק, שנוסד על ידי האמנית מרסדס מטר, הייתה השפעה עמוקה על כריסטופר צמר. למידע נוסף על בית הספר והחומר בתערוכה הווירטואלית שלנו מרצדס חומר: איכות מופלאה. מקונס לשרמן ועד הולצר, האמנים הסתכלו מיד קדימה ואחורה בתחושה של סגנון ואירוניה.