ממוקם ביופי הפראי של ג'קסון הול, ויומינג, עם פארקים לאומיים כרקע מדהים, הת'ר ג'יימס ג'קסון הביאה את הקליבר הגבוה ביותר של יצירות אמנות ושירותים למערב Intermountain במשך למעלה מעשור.

הת'ר ג'יימס, המספקת את הקהילה הייחודית שהופכת את ג'קסון הול ליעד שאין שני לו לתרבות האמריקאית ולחיק הטבע, שואפת לספק מבחר שאין דומה לו של יצירות אמנות ושירותי כפפות לבנות למקומיים ולמבקרים כאחד.

172 סנטר סטריט, סוויטה 101
תיבת דואר 3580
ג'קסון הול, WY 83001
(307) 200-6090

שעות פעילות: שני עד שבת 11:00-18:00 

תערוכות

הרב אלפרט: ציורי הקפה
הנוכחי

הרב אלפרט: ציורי הקפה

22 בדצמבר 2020 - 30 בספטמבר 2023
מקס פלגריני: שתיקה ופנטזיה
הנוכחי

מקס פלגריני: שתיקה ופנטזיה

30 ביולי 2020 - 30 בספטמבר 2023
קלוד מונה: גאון אימפרסיוניסטי
ארכיון

קלוד מונה: גאון אימפרסיוניסטי

18 באוגוסט - 31 באוקטובר 2022
אימפרסיוניזם בהת
ארכיון

אימפרסיוניזם בהת'ר ג'יימס פיין ארט

1 בספטמבר - 31 באוקטובר 2022
ג
ארכיון

ג'קסון הול - עבודות מובילות

15 בספטמבר - 15 באוקטובר 2022
פיקאסו - הדפסים ועבודות על נייר
ארכיון

פיקאסו - הדפסים ועבודות על נייר

1 בספטמבר - 12 באוקטובר 2022
מארק שאגאל: צבע האהבה
ארכיון

מארק שאגאל: צבע האהבה

8 בספטמבר - 12 באוקטובר 2022
דיוקנאות: מהמאה ה-19 ועד היום
ארכיון

דיוקנאות: מהמאה ה-19 ועד היום

26 באוגוסט 2020 - 30 באפריל 2021
ג
ארכיון

ג'קסון הול: קטעים נבחרים מ-1900 עד היום

1 בנובמבר 2019 - 31 ביולי 2020
סם פרנסיס: בתצוגה בג
ארכיון

סם פרנסיס: בתצוגה בג'קסון הול

1 ביולי - 15 באוקטובר 2019
אדוארד הופר
ארכיון

אדוארד הופר

1 ביולי - 30 בספטמבר 2019
אנדי וורהול
ארכיון

אנדי וורהול

16 ביולי - 31 באוגוסט 2019
דוד לוינטאל
ארכיון

דוד לוינטאל

1 בדצמבר 2018 - 31 בינואר 2019
הרב אלפרט: מנגינה ויזואלית
ארכיון

הרב אלפרט: מנגינה ויזואלית

1 באוגוסט - 30 בספטמבר 2018
ציוריו של סר וינסטון צ
ארכיון

ציוריו של סר וינסטון צ'רצ'יל

1 באוגוסט - 16 בספטמבר 2018
איליין דה קונינג
ארכיון

איליין דה קונינג

1 ביולי - 4 באוגוסט 2018
נורמן רוקוול: האמן בעבודה
ארכיון

נורמן רוקוול: האמן בעבודה

30 ביוני - 30 בספטמבר 2016
מקס פלגריני: תערוכה רטרוספקטיבית
ארכיון

מקס פלגריני: תערוכה רטרוספקטיבית

27 בנובמבר 2015 - 27 במרץ 2016
ארל קנינגהם: אמריקן פאוב
ארכיון

ארל קנינגהם: אמריקן פאוב

8 בספטמבר - 29 באוקטובר 2011

גרפיקה בתצוגה

אירווינג נורמן - יו"ר מועצת המנהלים - שמן על בד - 90 x 48 אינץ'.

אירווינג נורמן

אירווינג נורמן - מסעדת קרוסלה - שמן על בד - 60x72 אינץ'.

אירווינג נורמן

נתן אוליביירה - דריכה בעירום מהשטיח - שמן על בד - 52 x 48 אינץ'.

נתן אוליביירה

נתן אוליביירה - דמות עם עיניים כחולות - שמן על בד - 66 x 54 אינץ'.

נתן אוליביירה

אנדי וורהול - סיר פלפל ממרק קמפבל - הדפסת מסך בצבעים - 35 x 23 ב.

אנדי וורהול

נתן אוליביירה - ללא כותרת - שמן על בד - 84 X 63 אינץ'.

נתן אוליביירה

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’.  Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’.  Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird.  Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

מרי קורסה

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

מקס פלגריני

אירווינג נורמן - חלון קפוא - שמן על בד - 36 x 90 אינץ'.

אירווינג נורמן

FIONA RAE - ללא כותרת (צהוב, אדום + חום) - שמן על בד - 72 x 78 אינץ'.

פיונה ריי

The Queen of the Night drinks water from the clasped hands of faith, while two shepherds embrace each other, unaware of Jesus’ birth. Angels, portrayed almost translucently on the canvas, spray holy water and bring about the giving of gifts. A precious jewel is depicted in the right corner, while a humble basket of turkeys sits on the cape of the Madonna. Nearby rests a basket with a goldfinch, an ancient symbol, which is a harbinger of good luck for newborn babies. The baby Jesus, just as the clasped hands that the Queen drinks out of, represents faith – the angels have sprinkled with holy water and he will soon make himself known to the world.<br><br>“For me the faith in religion becomes faith in painting and will defeat the giants." – Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

מקס פלגריני

גבר ואישה צעירים מחבקים זה את זה, אישה מחזיקה ילד, תינוק ישן מחזיק חוט שחור ואדום, אישה צעירה אחרת מתפשטת, ומלאך פורש את כנפיו בקולאז ' זה כמו קומפוזיציה. יחד, דמויות אלה יוצרות נרטיב שבו אהבה צעירה, גורל וחיים שזורים זה בזה: התינוק הישן מחזיק חוט אדום וחוט שחור, המזכיר את שלושת הגורלות המיתולוגיים, שסובבו חיים ומוות על נוליהם. חוטים אלה קשורים פיזית לאוהבים הצעירים, אשר מחבקים זה את זה, לחלוטין לא מודעים לאחזקה שיש לתינוק עליהם. אישה המחזיקה ילד משגיחה על אהבתם של הנער והילדה הצעירים, בדיוק כפי שמרים וישו משגיחים על האנושות ומגנים עליה. מיזוג הנרטיבים והסמלים הוא מרכיב נפוץ ב יצירתו של פלגריני, והוא בא לידי ביטוי כאן במיומנות.

מקס פלגריני

תמונות מראה של דמות מוסווית כוללות גבר חשוף חזה ומזוקן, שהוא כמעט ילדותי במעמדו היחסי. החיבוק שלהם משקף את זה של פיטה של מיכלאנג'לו, ואת התיאורים דומים רבים של ישו והמדונה. גוון כהה של כחול מטיל צל על הקומפוזיציה, ללא ספק אינדיקטור זמני, אבל אולי התייחסות לתקופה הכחולה של פיקאסו גם כן, משפיע מרכזי על יצירותיו של פלגריני. לוחות הקיר שמאחורי הדמויות מתארים סצינות דתיות, ומזכירים לצופה קירות ויטראז' בכנסיות ובבתי תפילה. אור זורח מחלונות בעיר שמתחת, מואר גם על ידי ירח מלא שהגיע לשיאו מעל נוף הררי.

מקס פלגריני

HERB ALPERT - שלוש נוצות - ברונזה - 38 x 20 x 9 אינץ'.

הרב אלפרט

HERB ALPERT - מפלי הנשר - ברונזה - 41 1/2 x 10 x 10 אינץ'.

הרב אלפרט

פרננדו קנובאס - סדום ועמורה - אקריליק על בד - 63 5/8 x 51 1/4 אינץ'.

פרננדו קנובאס

פרננדו CANOVAS - סדום - אקריליק על בד - 63 5/8 x 51 1/4 in.

פרננדו קנובאס

ראסל יאנג - ברנדו פורטרט - טביעת מסך על פשתן עם אבק יהלומים - 62 5/8 x 47 3/4 אינץ'.

ראסל יאנג

פיטר ד. ג'רקריס - דפני I - שמן על בד - 72 x 36 אינץ'.

פיטר ד. ג'רקריס

פיטר ד. ג'רקריס - דפני השנייה (סטירה כי בס) - שמן על בד - 72 x 36 אינץ '.

פיטר ד. ג'רקריס

קונסטנס מלינסון - זוג - שמן על נייר - 95 x 52 1/2 אינץ'.

קונסטנס מלינסון

סול קמינר - לה פלוקארה - שמן על בד - 63 1/4 x 51 1/4 אינץ'.

שאול קמינר

קונסטנס מלינסון - גפיים כרותות - שמן על נייר - 52 1/2 x 60 1/2 אינץ'.

קונסטנס מלינסון

דבורה OROPALLO - ללא כותרת - שמן על בד - 76 x 67 אינץ'.

דבורה אורופלו

פול ג'נקינס - ללא כותרת - צבעי מים ודיו על נייר - 29 3/4 x 42 3/4 אינץ'.

פול ג'נקינס

מתנפחים, קורסים, מעצימים נרטיבים היסטוריים וגוףיים מנקודת מבט סאטירית.

אדגר סראנו

לורנס שילר - בובי קנדי, עמ' 25 - הדפס פלטינה - 24x20 אינץ'.

לורנס שילר

Tony de los Reyes’ 2006-2011 series Chasing Moby Dick analyzes the intersection of politics and culture through the lens of Herman Melville’s masterpiece (1851). Much like Captain Ahab’s hunt for Moby Dick, de los Reyes invasions America as “highly contentious and monomaniacal,” especially in light of former President George Bush’s singular hunt for Osama bin Laden. According to de los Reyes, "Melville knew that America, being ever-hungry, would not/could not stop at the ocean's edge. Part of the American spirit is to continue expanding, even to our detriment."<br><br>This painting is named after the fictitious whaling ship, imagined by Melville, that Captain Ahab commands and leads on a three-year expedition while chasing Moby Dick. de los Reyes’ method creates a delicate balance between abstraction and realism that makes the ship appear almost ghostly. This quality may be a physical manifestation of the monomaniacal intention of Captain Ahab, and thus America, that cannot end, even after its own destruction.

טוני דה לוס רייס

ויליאם וגמן - דיוקן כפול - הדפס ג'לטין מכסף - 7 1/4 x 6 3/4 אינץ'.

ויליאם ווגמן

PENELOPE GOTTLIEB - Diosorea Bulbifera - אקריליק ודיו מעל הדפס אודובון - 38 x 26 אינץ'.

פנלופה גוטליב

LUC BERNARD - קצוות מס' 14 - שמן על בד - 40x40 אינץ'.

לוק ברנרד

ויליאם וגמן - שלוש בובות - הדפס ג'לטין מכסף - 7 1/4 x 6 3/4 אינץ'.

ויליאם ווגמן

LUC BERNARD - קצוות מס' 11 - שמן על בד - 42x35 אינץ'.

לוק ברנרד

LUC BERNARD - קצוות מס ' 15 - שמן על בד - 36 x 31 אינץ'.

לוק ברנרד

צמח פולשני נמצא ב- WY

פנלופה גוטליב

לורנס שילר - מרילין מונרו, "משהו חייב לתת" - הדפס ג'לטין כסף - 24 x 20 אינץ '.

לורנס שילר

אדוארד סטייצ'ן - קולט - הדפס ג'לטין מכסף - 13 x 10 1/4 אינץ'.

אדוארד סטייקן

אדוארד סטייצ'ן - בריכת וולדן - הדפס ג'לטין מכסף - 9x13 אינץ'.

אדוארד סטייקן

אדוארד סטייכן - אלתור: "ג'ורג 'וושינגטון" - הדפס ג'לטין מכסף - 9 x 7 1/4 אינץ '.

אדוארד סטייקן

אדוארד סטייכן - קארל סנדבורג - תצלום בשחור-לבן - 12 1/2 x 10 1/4 אינץ'.

אדוארד סטייקן

אדוארד סטייכן - דיוקן עצמי עם אביזרים לצילום - הדפס ג'לטין מכסף - 13 1/4x 8 3/4 אינץ'.

אדוארד סטייקן

LUC BERNARD - Cinergy No. 4 - שמן ודיו סומי על בד - 10 x 14 אינץ'.

לוק ברנרד

מנהל בכיר

אנדראה-אינטרנט-פוסט

אנדראה ריקו דאלין

מנהל בכיר
ג'קסון הול, ויומינג

אנדריאה, המתקרבת ל-20 שנה בתעשייה, היא בעלת תואר ראשון בתולדות האמנות עם קטין באמנות מאוניברסיטת בינגהמטון, בינגהמטון, ניו יורק, ותואר שני באמנות מודרנית, אנינות טעם והיסטוריה של שוק האמנות מהחינוך של כריסטי, ניו יורק, ניו יורק. היא מביאה מומחיות מניסיונה הן במוזיאונים והן בבתי מכירות פומביות, לאחר שעבדה במוזיאון נלסון-אטקינס לאמנות בקנזס סיטי ובכריסטי'ס בניו יורק.

מאז שהצטרפה להת'ר ג'יימס פיין ארט ב-2015, אנדריאה השיגה משלוחים ועזרה לבנות אוספים פרטיים ומוזיאונים בולטים עם אמנים חשובים, הכוללים את קלוד מונה, אלפרד סיסלי, אנרי מאטיס, אדגר דגה, נורמן רוקוול, אנדרו וייט, איליין דה קונינג, אנדי וורהול וטום וסלמן.

בחדשות

שירותים

הת'ר ג'יימס פיין ארט מספקת מגוון רחב של שירותים מבוססי לקוח המתאימים לצרכי איסוף האמנות הספציפיים שלך. צוות התפעול שלנו כולל מטפלים מקצועיים באמנות, מחלקת רשם מלאה וצוות לוגיסטי בעל ניסיון רב בהובלת אמנות, התקנה וניהול אוספים. עם שירות כפפות לבנות וטיפול מותאם אישית, הצוות שלנו עובר את הקילומטר הנוסף כדי להבטיח שירותי אמנות יוצאי דופן עבור לקוחותינו.

  • שירותים ביתיים
  • שירותים-ג'סיקה1
  • Svc_hirst
  • שירותים-בריאן1
  • Svc_Warhol
  • מיזוג
  • Svc_kapoor

הכירו אותנו

גרפיקה מוצגת

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

ג'ורג'יה אוקיף

דייגו ריברה - דיוקן אנריקטה ג' דווילה - שמן על בד - 79 1/8 x 48 3/8 אינץ'.

דייגו ריברה

וילם דה KOONING - אישה בסירת משוטים - שמן על נייר הניח על הבונים החופשיים - 47 1/2 x 36 1/4 ב.

וילם דה קונינג

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

טום ווסלמן

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

ויין תיאבאוד

אלפרד סיסלי - ל'אגלייז דה מורט, לה סואר - בד שמן - 31 1/4 x 39 1/2 אינץ'.

אלפרד סיסלי

אמיל נולדה - Sonnenblumen, Abend II - שמן על בד - 26 1/2 x 35 3/8 אינץ'.

אמיל נולדה

אלכסנדר קלדר - הצלב - שמן על בד - 28 3/4 x 36 1/4 אינץ '.

אלכסנדר קלדר

בתחילת שנות ה-70 של המאה ה-19 צייר וינסלו הומר לעתים קרובות סצנות של חיים כפריים ליד כפר חקלאי קטן שנודע במשך דורות בזכות דוכני החיטה המרשימים שלו, הממוקם בין נהר ההדסון לקטסקיל במדינת ניו יורק. כיום הארלי מפורסם הרבה יותר כהשראה לאחת מיצירותיו הגדולות ביותר של הומרוס, Snap the Whip שצויר בקיץ 1872. בין הציורים הרבים האחרים בהשראת האזור, נערה עומדת בשדה החיטה עשירה בסנטימנטים, אך לא סנטימנטלית מדי. הוא מתקשר ישירות למחקר משנת 1866 שצויר בצרפת בשם "בשדות החיטה", ומחקר נוסף שצויר שנה לאחר מכן לאחר שובו לאמריקה. אבל הומרוס היה ללא ספק גאה ביותר בזה. זהו דיוקן, חדר לימוד תלבושות, ציור ז'אנרי במסורת הגדולה של הציור הפסטורלי האירופי, וטור דה פורס מואר בדרמטיות, ספוג באור השעה הזוהר הדועך במהירות, מצופה בתווים פרחוניים ונגיעות קוצים של חיטה. בשנת 1874 שלח הומרוס ארבעה ציורים לתערוכה של האקדמיה הלאומית לעיצוב. אחד מהם נקרא "ילדה". יכול להיות שזה לא זה?

וינסלו הומר

פרידה KAHLO - פטיש ומגל (ותינוק שטרם נולד) - טיח יבש ומדיה מעורבת - 16 1/4 x 13 x 6 אינץ '.

פרידה קאלו

נ.C ווית' - סאמר. "שקט" - שמן על בד - 33 3/4 x 30 1/4 אינץ'.

נ.C. וייט

שון סקאלי - אדום אפור - שמן על אלומיניום - 85 x 75 אינץ'.

שון סקאלי

עולמו של מארק שאגאל אינו יכול להיות מוכל או מוגבל על ידי התוויות שאנו מצמידים אליו. זהו עולם של דימויים ומשמעויות היוצרים שיח מיסטי להפליא משלהם. Les Mariés sous le baldaquin (החתן והכלה מתחת לחופה) החל עם כניסתו של האמן לשנתו ה-90, אדם שידע טרגדיה וסכסוכים, אך מעולם לא שכח את רגעי ההנאה של החיים. כאן, התענוגות החלומיים של חתונה כפרית רוסית עם סידורי המשתתפים השחוקים היטב מובאים אלינו בשנינות כה שמחה ותמימות עליזה, שאין התנגדות לקסמה. באמצעות תחליב בגוון זהוב המשלב שמן וגואש אטום על בסיס מים, החום, האושר והאופטימיות של הפוזיטיביזם הרגיל של שאגאל עטופים בזוהר זוהר המרמז על השפעתם של איקונות דתיות בעלות עלי זהב או ציורים מראשית הרנסנס שביקשו להקנות רושם של אור אלוהי או הארה רוחנית. שימוש בשילוב של שמן וגואש יכול להיות מאתגר. אבל כאן, ב-Les Mariés sous le baldaquin, שאגאל משתמש בו כדי להעניק לסצנה איכות אחרת, כמעט כאילו זה עתה התממשה מתוך עינו. עדינותו הטקסטואלית יוצרת את הרושם שהאור נובע מהיצירה עצמה ומעניקה איכות ספקטרלית לדמויות המרחפות בשמיים.

מארק שאגאל

ANISH KAPOOR - Halo - נירוסטה - 120 x 120 x 27 in.

אניש קאפור

טום וסלמן - ברונטית חדר שינה עם איריסים - שמן על אלומיניום חתוך - 105 3/4 x 164 5/8 אינץ '.

טום ווסלמן

MARSDEN HARTLEY - באך פרלודס ופוגות מס '1 (נושא מוסיקלי) - שמן על בד מונח על הסיפון - 28 1/2 x 21 אינץ '.

מרסדן הארטלי

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

פבלו פיקאסו

דיוקן סילבי לאקומב של תיאו ואן רייסלברגה, שצויר בשנת 1906, הוא יצירת מופת קלאסית של אחד מציירי הדיוקנאות המעודנים והעקביים ביותר של זמנו. הצבע הרמוני, עבודת המכחול נמרצת ומותאמת למשימתה החומרית, גופה וארשת פניה אמיתיים וחושפניים. היושבת היא בתו של חברו הטוב, הצייר ז'ורז' לאקומב, שחלק קשר הדוק עם גוגן, והיה חבר בלה-נאביס עם האמנים בונאר, דניס ווילאר, בין היתר. כיום אנו יודעים על סילבי לאקומב משום שואן ריסלברג מיומנת כל כך בעיבוד הבעות פנים עדינות ובאמצעות התבוננות זהירה ותשומת לב לפרטים, סיפקה תובנות על עולמה הפנימי. הוא בחר במבט ישיר, עיניה אליך, ברית בלתי נמנעת בין הסובייקט לצופה, ללא קשר ליחסנו הפיזי לציור. ואן ריסלברג נטש במידה רבה את הטכניקה הפוינטיליסטית כשצייר דיוקן זה. אבל הוא המשיך ליישם את הקווים המנחים של תורת הצבעים על ידי שימוש בגוונים של אדום - ורוד וסגול - כנגד ירוקים כדי ליצור פלטת צבעים הרמונית ומשופרת של צבעים משלימים, שאליהם הוסיף מבטא חזק כדי למשוך את העין - קשת אדומה רוויה מאוד המונחת באופן א-סימטרי בצד ראשה.

תיאו ואן רייסלברג

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

נ.C. וייט

לא קשה להבין כיצד הסידור המבריק בן שתי השורות של רוברט אינדיאנה בן ארבע האותיות סייע להעצים תנועה בשנות השישים. מקורו בחשיפה עמוקה לדת ומהחבר והמנטור אלסוורת' קלי, שסגנונו הקשוח וצבעו החושני וחסר המבטא הותירו רושם עז. אבל כמו שאינדיאנה קרא, זה היה רגע של נשיקה שקרה בדיוק כש"אהבה נשכה אותי!" והעיצוב הגיע אליו חד וממוקד. אינדיאנה, כמובן, העבירה את העיצוב בצעדים רבים, ואז הלוגו החל לנבוט בכל מקום. המסר, המועבר בצורה הטובה ביותר בפיסול, עומד בערים ברחבי העולם ותורגם למספר שפות, שאחת מהן היא האיטרציה האיטלקית שלו, "אמור" עם האות "O" המקרית שלו גם היא מוטה ימינה. אבל במקום להיבעט ברגל של "L", גרסה זו מעניקה אפקט מתנודד מבוים להפליא ל "A" לעיל. זה נותן רושם חדש, אבל לא פחות עמוק, של אהבה וטבעה הטעון רגשית.  בכל מקרה, האות O המוטה של לאב מקנה חוסר יציבות לעיצוב יציב אחרת, השלכה עמוקה של הביקורת המובלעת של אינדיאנה על "הסנטימנטליות החלולה לעתים קרובות הקשורה במילה, המרמזת באופן מטאפורי על כמיהה נכזבת ואכזבה במקום על חיבה סכרינית" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018). לחזרתיות, כמובן, יש הרגל מגונה להחליש את הערכתנו לגאונות של פשטות ועיצוב פורץ דרך. בשלב מאוחר בחייה, אינדיאנה קוננה על כך ש"זה היה רעיון נפלא, אבל גם טעות איומה. זה הפך פופולרי מדי. ויש אנשים שלא אוהבים פופולריות". אבל אנחנו, תושבי עולם רווי מחלוקות ולכודים במהומה, תודה. "אהבה" וגרסאותיה הרבות הן תזכורות חזקות ליכולתנו לאהוב, וזוהי תקוותנו הנצחית הטובה ביותר לעתיד טוב יותר.

רוברט אינדיאנה

אדולף גוטליב - אזימוט - שמן על בד - 95 3/4 x 144 1/4 אינץ'.

אדולף גוטליב

פרנק סטלה - המוסקט - מדיה מעורבת על אלומיניום - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 אינץ '.

פרנק סטלה

סלומון ואן RUYSDAEL - נוף דיונה עם דמויות נחות זוג על סוסים, נוף של קתדרלת ניימגן מעבר - שמן על בד - 26 1/2 x 41 1/2 אינץ '.

סלומון ואן רוסדאל

יאן ג'וזפסון ואן גוין - נוף נהר עם טחנת רוח וקפלה - שמן על הלוח - 22 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

יאן ג'וזפסון ואן גוין

JOAN MIRO - L'Oiseau - ברונזה ומחסום - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 אינץ '.

ג'ואן מירו

איש קשר

צרו קשר