Situada en la belleza salvaje de Jackson Hole, Wyoming, con los Parques Nacionales como un impresionante telón de fondo, Heather James Jackson ha traído el más alto calibre de obras de arte y servicios a la Intermontaña Oeste durante más de una década.

Atendiendo a la comunidad única que hace de Jackson Hole un destino incomparable para la cultura estadounidense y al aire libre, Heather James se esfuerza por ofrecer una selección inigualable de obras de arte y servicios de guante blanco para los lugareños y visitantes por igual.

172 Center Street, Suite 101
P.O. Box 3580
Jackson Hole, WY 83001
(307) 200-6090

Horario: De lunes a sábado de 11 a 18 horas 

Exposiciones

Herb Alpert: Los cuadros del café
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22 de diciembre de 2020 - 30 de septiembre de 2023
Max Pellegrini: Silencio y fantasía
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30 de julio de 2020 - 30 de septiembre de 2023
Claude Monet: un genio del impresionismo
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18 de agosto - 31 de octubre de 2022
Impresionismo en Heather James Fine Art
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1 de septiembre - 31 de octubre de 2022
Jackson Hole - Top Works
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15 de septiembre - 15 de octubre de 2022
Picasso - Grabados y obras sobre papel
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1 de septiembre - 12 de octubre de 2022
Marc Chagall: El color del amor
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Del 8 de septiembre al 12 de octubre de 2022
Todo lo que hemos visto: Paisajes impresionistas de Monet a Kleitsch
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9 de agosto de 2021 - 30 de septiembre de 2022
Maravillas del arte impresionista y moderno en América y Europa
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26 de agosto de 2020 - 30 de abril de 2021
Retratos: Desde el siglo XIX hasta hoy
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Retratos: Desde el siglo XIX hasta hoy

26 de agosto de 2020 - 30 de abril de 2021
Jackson Hole: Lo más destacado desde 1900 hasta la actualidad
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Jackson Hole: Lo más destacado desde 1900 hasta la actualidad

1 de noviembre de 2019 - 31 de julio de 2020
Sam Francis: A la vista en Jackson Hole
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Sam Francis: A la vista en Jackson Hole

1 de julio - 15 de octubre de 2019
Edward Hopper
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Edward Hopper

1 de julio - 30 de septiembre de 2019
Andy Warhol
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Andy Warhol

16 de julio - 31 de agosto de 2019
David Levinthal
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David Levinthal

1 de diciembre de 2018 - 31 de enero de 2019
Herb Alpert: Una Melodía Visual
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Del 1 al 30 de septiembre de 2018
Las pinturas de Sir Winston Churchill
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1 de agosto - 16 de septiembre de 2018
Elaine de Kooning
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Elaine de Kooning

1 de julio - 4 de agosto de 2018
Norman Rockwell: El artista en acción
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Norman Rockwell: El artista en acción

30 de junio - 30 de septiembre de 2016
Max Pellegrini: Una exposición retrospectiva
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Max Pellegrini: Una exposición retrospectiva

27 de noviembre de 2015 - 27 de marzo de 2016
Earl Cunningham: Fauve americano
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Earl Cunningham: Fauve americano

8 de septiembre - 29 de octubre de 2011

OBRA DE ARTE A LA VISTA

IRVING NORMAN - Presidente del Consejo de Administración - óleo sobre lienzo - 90 x 48 pulg.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Restaurante Carrusel - óleo sobre lienzo - 60 x 72 pulgadas.

IRVING NORMAN

NATHAN OLIVEIRA - Desnudo saliendo de la alfombra - óleo sobre lienzo - 52 x 48 in.

NATHAN OLIVEIRA

NATHAN OLIVEIRA - Figura con ojos azules - óleo sobre lienzo - 66 x 54 in.

NATHAN OLIVEIRA

ANDY WARHOL - Pepper Pot from Campbell's Soup - serigrafía en colores - 35 x 23 in.

ANDY WARHOL

NATHAN OLIVEIRA - Sin título - óleo sobre tela - 84 X 63 in.

NATHAN OLIVEIRA

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’.  Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’.  Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird.  Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

CÓRCULO MARÍA

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

MAX PELLEGRINI

IRVING NORMAN - Frosted Window - óleo sobre lienzo - 36 x 90 pulgadas.

IRVING NORMAN

FIONA RAE - Sin título (amarillo, rojo + marrón) - óleo sobre lienzo - 72 x 78 pulg.

FIONA RAE

The Queen of the Night drinks water from the clasped hands of faith, while two shepherds embrace each other, unaware of Jesus’ birth. Angels, portrayed almost translucently on the canvas, spray holy water and bring about the giving of gifts. A precious jewel is depicted in the right corner, while a humble basket of turkeys sits on the cape of the Madonna. Nearby rests a basket with a goldfinch, an ancient symbol, which is a harbinger of good luck for newborn babies. The baby Jesus, just as the clasped hands that the Queen drinks out of, represents faith – the angels have sprinkled with holy water and he will soon make himself known to the world.<br><br>“For me the faith in religion becomes faith in painting and will defeat the giants." – Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

MAX PELLEGRINI

Un joven y una joven se abrazan, una mujer sostiene a un niño, un bebé dormido sostiene un hilo negro y rojo, otra joven se desnuda y un ángel extiende sus alas en esta composición de collage. Juntos, estos personajes crean una narración en la que el amor, el destino y la vida de los jóvenes se entrelazan: el bebé dormido sostiene un hilo rojo y un hilo negro, que recuerda a los tres Destinos mitológicos, que hicieron girar la vida y la muerte en su telar. Estos hilos están conectados físicamente con los jóvenes amantes, que se abrazan, sin ser conscientes de la influencia que el niño tiene sobre ellos. Una mujer que sostiene a un niño vela por el amor del niño y de la niña, así como María y Jesús velan y defienden a la humanidad. La fusión de narrativas y símbolos es un elemento común en la obra de Pellegrini, y aquí se expresa con maestría.

MAX PELLEGRINI

Las imágenes de espejo de una figura camuflada abrazan a un hombre desnudo y barbudo, que es casi como un niño en su relativa estatura. Su abrazo refleja el de la Piedad de Miguel Angel, y las muchas representaciones similares de Cristo y la Virgen. Un tono oscuro de azul proyecta una sombra sobre la composición, sin duda un indicador temporal, pero posiblemente una referencia al período azul de Picasso también, un gran influencer en la obra de Arte de Pellegrini. Los paneles de pared detrás de las figuras representan escenas religiosas, y recuerdan al espectador las paredes de vidrieras en iglesias y capillas. La luz brilla desde las ventanas de la ciudad de abajo, también iluminada por una luna llena que alcanza el pico sobre el paisaje montañoso.

MAX PELLEGRINI

ALERTA DE HIERBAS - Tres Plumas - bronce - 38 x 20 x 9 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Cataratas de águila - bronce - 41 1/2 x 10 x 10 in.

HERB ALPERT

FERNANDO CANOVAS - Sodoma & Gomorra - acrílico sobre tela - 63 5/8 x 51 1/4 in.

FERNANDO CANOVAS

FERNANDO CANOVAS - Sodoma - acrílico sobre tela - 63 5/8 x 51 1/4 in.

FERNANDO CANOVAS

RUSSELL YOUNG - Retrato de Brando - serigrafía en lino con polvo de diamante - 62 5/8 x 47 3/4 in.

RUSSELL YOUNG

PETER D. GERAKARIS - Dafne I - óleo sobre lienzo - 72 x 36 in.

PETER D. GERAKARIS

PETER D. GERAKARIS - Daphne II (Abofetear ese bajo) - óleo sobre lienzo - 72 x 36 in.

PETER D. GERAKARIS

CONSTANCE MALLINSON - Pareja - óleo sobre papel - 95 x 52 1/2 in.

CONSTANCE MALLINSON

SAUL KAMINER - La Peluquera - óleo sobre lienzo - 63 1/4 x 51 1/4 in.

SAUL KAMINER

CONSTANCIA MALLINSON - Extremidades cortadas - óleo sobre papel - 52 1/2 x 60 1/2 in.

CONSTANCE MALLINSON

DEBORAH OROPALLO - Sin título - óleo sobre lienzo - 76 x 67 in.

DEBORAH OROPALLO

PAUL JENKINS - Sin título - acuarela y tinta sobre papel - 29 3/4 x 42 3/4 pulg.

PAUL JENKINS

Confluir, colapsar, aumentar las narrativas históricas y corporales a través de un punto de vista satírico.

EDGAR SERRANO

LAWRENCE SCHILLER - Bobby Kennedy, Pg 25 - Platinum Print - 24 x 20 in.

LAWRENCE SCHILLER

Tony de los Reyes’ 2006-2011 series Chasing Moby Dick analyzes the intersection of politics and culture through the lens of Herman Melville’s masterpiece (1851). Much like Captain Ahab’s hunt for Moby Dick, de los Reyes invasions America as “highly contentious and monomaniacal,” especially in light of former President George Bush’s singular hunt for Osama bin Laden. According to de los Reyes, "Melville knew that America, being ever-hungry, would not/could not stop at the ocean's edge. Part of the American spirit is to continue expanding, even to our detriment."<br><br>This painting is named after the fictitious whaling ship, imagined by Melville, that Captain Ahab commands and leads on a three-year expedition while chasing Moby Dick. de los Reyes’ method creates a delicate balance between abstraction and realism that makes the ship appear almost ghostly. This quality may be a physical manifestation of the monomaniacal intention of Captain Ahab, and thus America, that cannot end, even after its own destruction.

TONY DE LOS REYES

WILLIAM WEGMAN - Double Portrait - gelatina de plata - 7 1/4 x 6 3/4 in.

WILLIAM WEGMAN

PENELOPE GOTTLIEB - Diosorea Bulbifera - acrílico y tinta sobre impresión Audubon - 38 x 26 in.

PENELOPE GOTTLIEB

LUC BERNARD - Bordes no 14 - óleo sobre lienzo - 40 x 40 in.

LUC BERNARD

WILLIAM WEGMAN - Tres Muñecas - Estampado de gelatina de plata - 7 1/4 x 6 3/4 pulg.

WILLIAM WEGMAN

LUC BERNARD - Bordes no. 11 - óleo sobre lienzo - 42 x 35 in.

LUC BERNARD

LUC BERNARD - Bordes no 15 - óleo sobre lienzo - 36 x 31 in.

LUC BERNARD

Planta invasora encontrada en WY

PENELOPE GOTTLIEB

LAWRENCE SCHILLER - Marilyn Monroe, "Something's Gotta Give" - impresión de gelatina plateada - 24 x 20 in.

LAWRENCE SCHILLER

EDWARD STEICHEN - Colette - impresión de gelatina plateada - 13 x 10 1/4 in.

EDWARD STEICHEN

EDWARD STEICHEN - Estanque Walden - Impresión de gelatina de plata - 9 x 13 pulgadas.

EDWARD STEICHEN

EDWARD STEICHEN - Improvisación: "George Washington" - impresión en gelatina de plata - 9 x 7 1/4 in.

EDWARD STEICHEN

EDWARD STEICHEN - Carl Sandburg - fotografía en blanco y negro - 12 1/2 x 10 1/4 in.

EDWARD STEICHEN

EDWARD STEICHEN - Autorretrato con parafernalia fotográfica - impresión en gelatina de plata - 13 1/4x 8 3/4 in.

EDWARD STEICHEN

LUC BERNARD - Cinergía nº 4 - óleo y tinta sumi sobre lienzo - 10 x 14 pulg.

LUC BERNARD

DIRECTOR SENIOR

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ANDREA RICO DAHLIN

Director Senior
Jackson Hole, Wyoming

A punto de cumplir 20 años en el sector, Andrea es licenciada en Historia del Arte con especialización en Bellas Artes por la Universidad de Binghamton (Nueva York ) y tiene un máster en Arte Moderno, Connoisseurship e Historia del Mercado del Arte por Christie's Education (Nueva York). Aporta su experiencia tanto en museos como en casas de subastas, habiendo trabajado en el Museo de Arte Nelson-Atkins de Kansas City y en Christie's de Nueva York.

Desde que se unió a Heather James Fine Art en 2015, Andrea ha asegurado consignaciones y ha ayudado a construir notables colecciones privadas y de museos con importantes artistas, que incluyen a Claude Monet, Alfred Sisley, Henri Matisse, Edgar Degas, Norman Rockwell, Andrew Wyeth, Elaine de Kooning, Andy Warhol y Tom Wesselmann.

EN LAS NOTICIAS

SERVICIOS

Heather James Fine Art ofrece una amplia gama de servicios basados en el cliente que se adaptan a sus necesidades específicas de coleccionismo de arte. Nuestro equipo de operaciones está formado por gestores profesionales de arte, un departamento de registro completo y un equipo logístico con amplia experiencia en el transporte, instalación y gestión de colecciones de arte. Con servicio de guante blanco y atención personalizada, nuestro equipo hace todo lo posible para garantizar servicios artísticos excepcionales para nuestros clientes.

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CONÓCENOS

ARTE DESTACADO

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GEORGIA O'KEEFFE

DIEGO RIVERA - Retrato de Enriqueta G. Dávila - óleo sobre lienzo - 79 1/8 x 48 3/8 in.

DIEGO RIVERA

WILLEM DE KOONING - Mujer en un bote de remos - óleo sobre papel colocado sobre masonita - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

TOM WESSELMANN

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

WAYNE THIEBAUD

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - lienzo al óleo - 31 1/4 x 39 1/2 in.

ALFRED SISLEY

EMIL NOLDE - Sonnenblumen, Abend II - óleo sobre lienzo - 26 1/2 x 35 3/8 in.

EMIL NOLDE

ALEXANDER CALDER - La Cruz - óleo sobre lienzo - 28 3/4 x 36 1/4 in.

ALEXANDER CALDER

A principios de la década de 1870, Winslow Homer pintaba con frecuencia escenas de la vida en el campo cerca de una pequeña aldea agrícola famosa durante generaciones por sus notables plantaciones de trigo, situada entre el río Hudson y los Catskills, en el estado de Nueva York. Hoy en día Hurley es mucho más famoso por haber inspirado una de las mayores obras de Homer, Snap the Whip (Chasquear el látigo), pintada el verano de 1872. Entre los muchos otros cuadros inspirados en la región, Muchacha de pie en el campo de trigo es rico en sentimientos, pero no demasiado sentimentalista. Está directamente relacionado con un estudio de 1866 pintado en Francia y titulado In the Wheatfields (En los campos de trigo), y con otro pintado al año siguiente de su regreso a América. Pero, sin duda, Homero se habría sentido más orgulloso de éste. Se trata de un retrato, un estudio de vestuario, un cuadro de género en la gran tradición de la pintura pastoril europea, y un espectacular tour de force atmosférico a contraluz, impregnado de la luz de las horas crepusculares que se desvanece rápidamente, animado con notas lambiscentes y floridas y toques de espigas de trigo. En 1874, Homer envió cuatro cuadros a la exposición de la Academia Nacional de Diseño. Uno se titulaba "Muchacha". ¿No podría ser éste?

WINSLOW HOMER

FRIDA KAHLO - La hoz y el martillo (y el bebé no nacido) - yeso seco y técnica mixta - 16 1/4 x 13 x 6 in.

FRIDA KAHLO

N.C. WYETH - Verano. "Hush" - óleo sobre lienzo - 33 3/4 x 30 1/4 in.

N.C. WYETH

SEAN SCULLY - Rojo Gris - óleo sobre aluminio - 85 x 75 in.

SEAN SCULLY

El mundo de Marc Chagall no puede ser contenido ni limitado por las etiquetas que le ponemos. Es un mundo de imágenes y significados que forman su propio discurso espléndidamente místico. Les Mariés sous le baldaquin (Los novios bajo el baldaquín) fue iniciado cuando el artista entraba en su nonagésimo año, un hombre que había conocido la tragedia y la lucha, pero que nunca olvidó los momentos de placer arrebatador de la vida. Aquí, las delicias de ensueño de una boda en un pueblo ruso, con sus arreglos de asistentes bien vestidos, se nos presentan con un ingenio tan feliz y una inocencia tan alegre que no hay quien se resista a su encanto. Utilizando una emulsión de tonos dorados que combina óleo y aguada opaca al agua, la calidez, la alegría y el optimismo del positivismo habitual de Chagall se envuelven en un resplandor luminoso que sugiere la influencia de los iconos religiosos dorados o de la pintura del Renacimiento temprano que pretendía transmitir la impresión de luz divina o iluminación espiritual. Utilizar una combinación de óleo y gouache puede ser todo un reto. Pero aquí, en Les Mariés sous le baldaquin, Chagall lo emplea para dar a la escena una calidad de otro mundo, casi como si acabara de materializarse a partir del ojo de su mente. La delicadeza de su textura crea la impresión de que la luz emana de la propia obra y confiere un carácter espectral a las figuras que flotan en el cielo.

MARC CHAGALL

ANISH KAPOOR - Halo - acero inoxidable - 120 x 120 x 27 in.

ANISH KAPOOR

TOM WESSELMANN - Dormitorio moreno con lirios - óleo sobre aluminio recortado - 105 3/4 x 164 5/8 pulg.

TOM WESSELMANN

MARSDEN HARTLEY - Bach Preludes et Fugues No. 1 (Tema musical) - óleo sobre lienzo colocado sobre tabla - 28 1/2 x 21 in.

MARSDEN HARTLEY

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

PABLO PICASSO

El Retrato de Sylvie Lacombe de Théo van Rysselberghe, pintado en 1906, es una obra maestra clásica de uno de los retratistas más refinados y coherentes de su época. El color es armonioso, la pincelada vigorosa y adaptada a su tarea material, su cuerpo y su semblante verdaderos y reveladores. La modelo es la hija de su buen amigo, el pintor Georges Lacombe, que compartió una estrecha asociación con Gauguin y fue miembro de Les Nabis con los artistas Bonnard, Denis y Vuillard, entre otros. Ahora conocemos a Sylvie Lacombe porque Van Rysselberghe es muy hábil en la representación de sutiles expresiones faciales y, a través de una cuidadosa observación y atención al detalle, nos ha proporcionado una visión de su mundo interior. Ha elegido una mirada directa, sus ojos a los tuyos, un pacto ineludible entre sujeto y espectador independientemente de nuestra relación física con el cuadro. Van Rysselberghe había abandonado en gran medida la técnica puntillista cuando pintó este retrato. Sin embargo, siguió aplicando las directrices de la teoría del color, utilizando tintes rojos -rosas y malvas- frente a verdes para crear una armoniosa paleta ameliorada de colores complementarios a la que añadió un fuerte acento para atraer la mirada: un lazo rojo intensamente saturado colocado asimétricamente a un lado de la cabeza.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

N.C. WYETH

No es difícil comprender cómo la brillante disposición en dos filas de cuatro letras de Robert Indiana llegó a contribuir a potenciar un movimiento durante la década de 1960. Su origen surgió de una profunda exposición a la religión y de su amigo y mentor Ellsworth Kelly, cuyo estilo de bordes duros y color sensual y sin acentos causó una impresión duradera. Pero como Indiana exclamó, fue un momento de kismet que simplemente sucedió cuando "¡EL AMOR me mordió!" y el diseño le llegó nítido y centrado. Indiana, por supuesto, sometió el diseño a muchas pruebas, y entonces el logotipo empezó a brotar por todas partes. El mensaje, que se transmite mejor en forma de escultura, está presente en ciudades de todo el mundo y se ha traducido a varios idiomas, entre ellos su iteración italiana, "Amor", con su fortuita "O" también inclinada hacia la derecha. Pero en lugar de ser pateada por el pie de la "L", esta versión confiere a la "A" superior un efecto de tambaleo bellamente escenificado. Da una impresión nueva, pero no menos profunda, del amor y de su naturaleza emocionalmente cargada.  En cualquier caso, la "O" inclinada de Love imparte inestabilidad a un diseño por lo demás estable, una profunda proyección de la crítica implícita de Indiana al "sentimentalismo a menudo hueco asociado con la palabra, que metafóricamente sugiere anhelo y decepción no correspondidos en lugar de afecto sacarino" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, 24 de mayo de 2018). La repetición, por supuesto, tiene la mala costumbre de empañar nuestro aprecio por el genio de la simplicidad y el diseño innovador. A finales de su vida, Indiana se lamentó de que "fue una idea maravillosa, pero también un terrible error. Se hizo demasiado popular. Y hay gente a la que no le gusta la popularidad". Pero nosotros, habitantes de un mundo plagado de divisiones y sumido en la confusión, se lo agradecemos. "Love" y sus muchas versiones nos recuerdan con fuerza nuestra capacidad de amar, y esa es nuestra mejor esperanza eterna de un futuro mejor.

ROBERT INDIANA

ADOLPH GOTTLIEB - Azimut - óleo sobre lienzo - 95 3/4 x 144 1/4 in.

ADOLPH GOTTLIEB

FRANK STELLA - The Musket - técnica mixta sobre aluminio - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 in.

FRANK STELLA

SALOMON VAN RUYSDAEL - Un paisaje de dunas con figuras descansando y una pareja a caballo, una vista de la catedral de Nimega más allá - óleo sobre lienzo - 26 1/2 x 41 1/2 pulg.

SALOMON VAN RUYSDAEL

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Paisaje fluvial con molino de viento y capilla - óleo sobre tabla - 22 1/2 x 31 3/4 pulg.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronce y bloque de hormigón - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

JOAN MIRO

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