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MARIA MADERA

Consultor de Bellas Artes, Europa
Basilea, Suiza

María Wood es Consultora de Bellas Artes con sede en Basilea, Suiza, donde dirige nuestra consultoría europea. En Basilea no sólo se celebra la feria de arte más prestigiosa del mundo, Art Basel, sino también museos de arte de primer orden como la Fondation Beyeler y el Kunstmuseum Basel. Fuera de Basilea, Maryvisita regularmente a nuestros clientes en toda Europa para ayudarles con todas sus necesidades de coleccionismo. Durante su tiempo en Heather James, Mary ha adquirido y colocado obras maestras para Heather James Fine Art, como Claude Monet, Alexander Calder, David Hockney, René Magritte, Robert Rauschenberg y Damien Hirst. 

"Me encanta la combinación de historia y gente de todo el mundo que vive en Suiza. Caminando por la calle, se escuchan muchos idiomas diferentes y se ve la rica y extensa historia de Basilea por todas partes - Mittlere Brücke (el puente central) en el centro de la ciudad, inaugurado en 1226! Mi lugar favorito para visitar es la Fundación Beyeler porque sus exposiciones, su arquitectura y sus terrenos son extraordinarios. Situado a las afueras de Basilea, el museo es un lugar idílico para pasar una tarde".

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HEATHER JAMES FINE ART - BASEL se ha convertido en un valioso recurso para los clientes locales, proporcionando una amplia gama de apoyo y asistencia para una amplia gama de propiedades. Con la ayuda de los expertos en Bellas Artes de Heather James, nuestros representantes pueden ayudarle si tiene preguntas sobre la compra o venta, o si desea que se valore un objeto de su colección.

Ofrecemos una amplia gama de servicios basados en el cliente, incluyendo planificación de patrimonio sin supatrimonio e impuestos, gestión de cobros, tasaciones, gestión logística, adquisiciones y servicios financieros.

EN LAS NOTICIAS

NOTICIAS

El mercado del arte Marzo 2023

El cofundador de Heather James Fine Art, Jim Carona, habla de la resistencia del mercado del arte y ofrece su opinión sobre la inversión en arte en tiempos de crisis financiera. Más...

PRENSA

El Van Gogh prestado por Heather James incluido en "Van Gogh in America" atrae a la multitud

2 de octubre de 2022
El Van Gogh prestado por Heather James incluido en "Van Gogh in America" atrae a un público entusiasta.
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PRENSA

Heather James presta el mayor Van Gogh a "Van Gogh en América"

30 de septiembre de 2022
Heather James presta "Cosecha en Provenza", que Van Gogh pintó en 1888, inspirado en el paisaje y los colores de Arles, Francia, al Detroit Institute of Art para "Van Gogh en
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NOTICIAS

Resistencia del mercado del arte

El cofundador de Heather James Fine Art, Jim Carona, revisa el comportamiento del mercado del arte durante anteriores períodos de recesión y ofrece observaciones clave sobre por qué el mercado del arte ha demostrado ser Más...

NOTICIAS

El arte como inversión

El arte se encuentra entre las mejores apuestas para 2022. Vea nuestro análisis en profundidad del arte como activo en su cartera. Más...

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Conociendo a Heather James Fine Art

Celebrando más de 25 años, el equipo de Heather James se sincera sobre lo que significa para nosotros nuestra misión. Más...

NOTICIAS

Celebrando 25 años de Heather James Fine Art

En 2021, Heather James Fine Art celebró 25 años en el negocio. En ese tiempo, hemos colocado más de 6.500 obras de arte con coleccionistas Más...

NOTICIAS

Heather James Asia

Heather James Fine Art está buscando Consultores de Arte para unirse a nuestro equipo de ventas y ayudar a nuestra expansión en el mercado asiático. Más...

NOTICIAS

Informe de Art Basel y UBS sobre el mercado del arte 2021

Art Basel y UBS han publicado recientemente The Art Market Report 2021, un análisis anual del mercado del arte mundial. Más...

NOTICIAS

UBS y Art Basel hablan de las tendencias del coleccionismo en 2021

Lo más destacado de la revisión de mitad de año del coleccionismo de arte de UBS y Art Basel. Más...

CATÁLOGOS

Revoluciones en el arte moderno

En Revoluciones en el Arte Moderno, esperamos arrojar luz sobre cómo los grandes nombres del arte moderno han cambiado el curso de la historia del arte. Más...

CATÁLOGOS

Heather James Fine Art - Acerca de nosotros

Heather James Fine Art lleva más de 25 años en el negocio, presentando importantes obras que abarcan periodos de tiempo y géneros como el contemporáneo, el moderno, el impresionista, el americano, el latinoamericano y los antiguos maestros. Más...

NOTICIAS

Anunciando Consultoría de Arte en Basilea, Suiza

Nos complace anunciar a Mary Wood como consultora de arte para Heather James Fine Art, con sede en Basilea, Suiza. Más...

NOTICIAS

The Baer Faxt: Basel Consultancy

El Baer Faxt anuncia que Heather James Fine Art Basel Consultancy. Más...

SERVICIOS

Heather James Fine Art ofrece una amplia gama de servicios basados en el cliente que se adaptan a sus necesidades específicas de coleccionismo de arte. Nuestro equipo de operaciones está formado por gestores profesionales de arte, un departamento de registro completo y un equipo logístico con amplia experiencia en el transporte, instalación y gestión de colecciones de arte. Con servicio de guante blanco y atención personalizada, nuestro equipo hace todo lo posible para garantizar servicios artísticos excepcionales para nuestros clientes.

PLANIFICACIÓN PATRIMONIAL Y FISCAL

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CONÓCENOS

GALERÍAS

Interior de la galería PALM DESERT

DESERTO DE PALM

45188 Portola Avenue
Palm Desert, CA 92260
(760) 346-8926
Horario: Con cita previa

Galería Jackson Hole

JACKSON

172 Center Street, Suite 101
P.O. Box 3580
 Jackson Hole, WY 83001
(307) 200-6090
Horario: Con cita previa

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NUEVA YORK

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BASILEA

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MONTECITO

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PLAYA DE PALMA

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ARTE DESTACADO

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GEORGIA O'KEEFFE

DIEGO RIVERA - Retrato de Enriqueta G. Dávila - óleo sobre lienzo - 79 1/8 x 48 3/8 in.

DIEGO RIVERA

WILLEM DE KOONING - Mujer en un bote de remos - óleo sobre papel colocado sobre masonita - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

TOM WESSELMANN

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

WAYNE THIEBAUD

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - lienzo al óleo - 31 1/4 x 39 1/2 in.

ALFRED SISLEY

EMIL NOLDE - Sonnenblumen, Abend II - óleo sobre lienzo - 26 1/2 x 35 3/8 in.

EMIL NOLDE

ALEXANDER CALDER - La Cruz - óleo sobre lienzo - 28 3/4 x 36 1/4 in.

ALEXANDER CALDER

A principios de la década de 1870, Winslow Homer pintaba con frecuencia escenas de la vida en el campo cerca de una pequeña aldea agrícola famosa durante generaciones por sus notables plantaciones de trigo, situada entre el río Hudson y los Catskills, en el estado de Nueva York. Hoy en día Hurley es mucho más famoso por haber inspirado una de las mayores obras de Homer, Snap the Whip (Chasquear el látigo), pintada el verano de 1872. Entre los muchos otros cuadros inspirados en la región, Muchacha de pie en el campo de trigo es rico en sentimientos, pero no demasiado sentimentalista. Está directamente relacionado con un estudio de 1866 pintado en Francia y titulado In the Wheatfields (En los campos de trigo), y con otro pintado al año siguiente de su regreso a América. Pero, sin duda, Homero se habría sentido más orgulloso de éste. Se trata de un retrato, un estudio de vestuario, un cuadro de género en la gran tradición de la pintura pastoril europea, y un espectacular tour de force atmosférico a contraluz, impregnado de la luz de las horas crepusculares que se desvanece rápidamente, animado con notas lambiscentes y floridas y toques de espigas de trigo. En 1874, Homer envió cuatro cuadros a la exposición de la Academia Nacional de Diseño. Uno se titulaba "Muchacha". ¿No podría ser éste?

WINSLOW HOMER

FRIDA KAHLO - La hoz y el martillo (y el bebé no nacido) - yeso seco y técnica mixta - 16 1/4 x 13 x 6 in.

FRIDA KAHLO

N.C. WYETH - Verano. "Hush" - óleo sobre lienzo - 33 3/4 x 30 1/4 in.

N.C. WYETH

SEAN SCULLY - Rojo Gris - óleo sobre aluminio - 85 x 75 in.

SEAN SCULLY

El mundo de Marc Chagall no puede ser contenido ni limitado por las etiquetas que le ponemos. Es un mundo de imágenes y significados que forman su propio discurso espléndidamente místico. Les Mariés sous le baldaquin (Los novios bajo el baldaquín) fue iniciado cuando el artista entraba en su nonagésimo año, un hombre que había conocido la tragedia y la lucha, pero que nunca olvidó los momentos de placer arrebatador de la vida. Aquí, las delicias de ensueño de una boda en un pueblo ruso, con sus arreglos de asistentes bien vestidos, se nos presentan con un ingenio tan feliz y una inocencia tan alegre que no hay quien se resista a su encanto. Utilizando una emulsión de tonos dorados que combina óleo y aguada opaca al agua, la calidez, la alegría y el optimismo del positivismo habitual de Chagall se envuelven en un resplandor luminoso que sugiere la influencia de los iconos religiosos dorados o de la pintura del Renacimiento temprano que pretendía transmitir la impresión de luz divina o iluminación espiritual. Utilizar una combinación de óleo y gouache puede ser todo un reto. Pero aquí, en Les Mariés sous le baldaquin, Chagall lo emplea para dar a la escena una calidad de otro mundo, casi como si acabara de materializarse a partir del ojo de su mente. La delicadeza de su textura crea la impresión de que la luz emana de la propia obra y confiere un carácter espectral a las figuras que flotan en el cielo.

MARC CHAGALL

ANISH KAPOOR - Halo - acero inoxidable - 120 x 120 x 27 in.

ANISH KAPOOR

TOM WESSELMANN - Dormitorio moreno con lirios - óleo sobre aluminio recortado - 105 3/4 x 164 5/8 pulg.

TOM WESSELMANN

MARSDEN HARTLEY - Bach Preludes et Fugues No. 1 (Tema musical) - óleo sobre lienzo colocado sobre tabla - 28 1/2 x 21 in.

MARSDEN HARTLEY

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

PABLO PICASSO

El Retrato de Sylvie Lacombe de Théo van Rysselberghe, pintado en 1906, es una obra maestra clásica de uno de los retratistas más refinados y coherentes de su época. El color es armonioso, la pincelada vigorosa y adaptada a su tarea material, su cuerpo y su semblante verdaderos y reveladores. La modelo es la hija de su buen amigo, el pintor Georges Lacombe, que compartió una estrecha asociación con Gauguin y fue miembro de Les Nabis con los artistas Bonnard, Denis y Vuillard, entre otros. Ahora conocemos a Sylvie Lacombe porque Van Rysselberghe es muy hábil en la representación de sutiles expresiones faciales y, a través de una cuidadosa observación y atención al detalle, nos ha proporcionado una visión de su mundo interior. Ha elegido una mirada directa, sus ojos a los tuyos, un pacto ineludible entre sujeto y espectador independientemente de nuestra relación física con el cuadro. Van Rysselberghe había abandonado en gran medida la técnica puntillista cuando pintó este retrato. Sin embargo, siguió aplicando las directrices de la teoría del color, utilizando tintes rojos -rosas y malvas- frente a verdes para crear una armoniosa paleta ameliorada de colores complementarios a la que añadió un fuerte acento para atraer la mirada: un lazo rojo intensamente saturado colocado asimétricamente a un lado de la cabeza.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

N.C. WYETH

No es difícil comprender cómo la brillante disposición en dos filas de cuatro letras de Robert Indiana llegó a contribuir a potenciar un movimiento durante la década de 1960. Su origen surgió de una profunda exposición a la religión y de su amigo y mentor Ellsworth Kelly, cuyo estilo de bordes duros y color sensual y sin acentos causó una impresión duradera. Pero como Indiana exclamó, fue un momento de kismet que simplemente sucedió cuando "¡EL AMOR me mordió!" y el diseño le llegó nítido y centrado. Indiana, por supuesto, sometió el diseño a muchas pruebas, y entonces el logotipo empezó a brotar por todas partes. El mensaje, que se transmite mejor en forma de escultura, está presente en ciudades de todo el mundo y se ha traducido a varios idiomas, entre ellos su iteración italiana, "Amor", con su fortuita "O" también inclinada hacia la derecha. Pero en lugar de ser pateada por el pie de la "L", esta versión confiere a la "A" superior un efecto de tambaleo bellamente escenificado. Da una impresión nueva, pero no menos profunda, del amor y de su naturaleza emocionalmente cargada. En cualquier caso, la "O" inclinada de Love imparte inestabilidad a un diseño por lo demás estable, una profunda proyección de la crítica implícita de Indiana al "sentimentalismo a menudo hueco asociado con la palabra, que metafóricamente sugiere anhelo y decepción no correspondidos en lugar de afecto sacarino" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, 24 de mayo de 2018). La repetición, por supuesto, tiene la mala costumbre de empañar nuestro aprecio por el genio de la simplicidad y el diseño innovador. A finales de su vida, Indiana se lamentó de que "fue una idea maravillosa, pero también un terrible error. Se hizo demasiado popular. Y hay gente a la que no le gusta la popularidad". Pero nosotros, habitantes de un mundo plagado de divisiones y sumido en la confusión, se lo agradecemos. "Love" y sus muchas versiones nos recuerdan con fuerza nuestra capacidad de amar, y esa es nuestra mejor esperanza eterna de un futuro mejor.

ROBERT INDIANA

ADOLPH GOTTLIEB - Azimut - óleo sobre lienzo - 95 3/4 x 144 1/4 in.

ADOLPH GOTTLIEB

FRANK STELLA - The Musket - técnica mixta sobre aluminio - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 in.

FRANK STELLA

SALOMON VAN RUYSDAEL - Un paisaje de dunas con figuras descansando y una pareja a caballo, una vista de la catedral de Nimega más allá - óleo sobre lienzo - 26 1/2 x 41 1/2 pulg.

SALOMON VAN RUYSDAEL

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Paisaje fluvial con molino de viento y capilla - óleo sobre tabla - 22 1/2 x 31 3/4 pulg.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronce y bloque de hormigón - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

JOAN MIRO