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Nuestra galería en Palm Desert está ubicada en el centro en el área de Palm Springs de California, adyacente a la popular zona comercial y de restaurantes de El Paseo. Nuestra clientela aprecia nuestra selección de arte postguerra, moderno y contemporáneo. El magnífico clima durante los meses de invierno atrae a visitantes de todo el mundo a ver nuestro hermoso desierto, y pasar por nuestra galería. El paisaje montañoso del desierto en el exterior ofrece el telón de fondo panorámico perfecto para la fiesta visual que le espera en su interior.

45188 Avenida Portola
Palm Desert, CA 92260
(760) 346-8926

Horario:
de lunes a viernes de 9 a 5

Exposiciones

Flores para la primavera
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Flores para la primavera

8 de mayo - 30 de noviembre de 2023
Primer Círculo: Los círculos en el arte
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Primer Círculo: Los círculos en el arte

14 de febrero - 31 de agosto de 2023
Arte pop: Can't Buy My Love
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Arte pop: Can't Buy My Love

26 de enero - 31 de julio de 2023
La sangre de tu corazón: Intersecciones del arte y la literatura
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La sangre de tu corazón: Intersecciones del arte y la literatura

12 de septiembre de 2022 - 30 de septiembre de 2023
Más a la vida: diálogos impresionistas de Monet y más allá
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Más a la vida: diálogos impresionistas de Monet y más allá

17 de agosto de 2022 - 31 de agosto de 2023
Alexander Calder: Un universo de pintura
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Alexander Calder: Un universo de pintura

10 de agosto de 2022 - 31 de agosto de 2023
Corte de papel: Obras únicas en papel
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Corte de papel: Obras únicas en papel

27 de abril de 2022 - 31 de octubre de 2023
Polaroids de Andy Warhol: Wicked Wonders
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Polaroids de Andy Warhol: Wicked Wonders

13 de diciembre de 2021 - 30 de septiembre de 2023
Andy Warhol: Glamour al límite
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Andy Warhol: Glamour al límite

27 de octubre de 2021 - 30 de septiembre de 2023
California Here We Come: Los Impresionistas de California
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California Here We Come: Los Impresionistas de California

12 de julio de 2021 - 30 de septiembre de 2023
Una época hermosa: el arte americano en la Edad Dorada
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Una época hermosa: el arte americano en la Edad Dorada

24 de junio de 2021 - 31 de agosto de 2023
Era aceptable en los 80
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Era aceptable en los 80

27 de abril de 2021 - 31 de agosto de 2023
Patrón y decoración: Feminismo y Amistad
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Patrón y decoración: Feminismo y Amistad

14 de septiembre de 2020 - 30 de septiembre de 2023
El parque Jae Kon: La vida y la raíz
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El parque Jae Kon: La vida y la raíz

12 de marzo de 2020 - 30 de septiembre de 2023
Irving Norman: Materia oscura
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Irving Norman: Materia oscura

27 de noviembre de 2019 - 30 de septiembre de 2023
El encuentro con la vida: N.C. Wyeth y los murales de MetLife
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El encuentro con la vida: N.C. Wyeth y los murales de MetLife

18 de julio de 2022 - 25 de abril de 2023
N.C. Wyeth: Una década de pintura
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N.C. Wyeth: Una década de pintura

29 de septiembre de 2022 - 31 de marzo de 2023
Paul Jenkins: Coloreando el Fenómeno
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Paul Jenkins: Coloreando el Fenómeno

27 de diciembre de 2019 - 31 de marzo de 2023
Herb Alpert: Conversaciones susurradas
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Herb Alpert: Conversaciones susurradas

Del 7 al 13 de marzo de 2023
Georgia O
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Georgia O'Keeffe y Marsden Hartley: Mentes modernas

1 de febrero de 2022 - 28 de febrero de 2023
Escultura para los sentidos: Escultura al aire libre
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Escultura para los sentidos: Escultura al aire libre

4 de agosto de 2021 - 28 de febrero de 2023
Norman Zammitt: La progresión del color
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Norman Zammitt: La progresión del color

19 de marzo de 2020 - 28 de febrero de 2023
Maestros figurativos de América
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Maestros figurativos de América

Del 4 de enero al 12 de febrero de 2023
Todo el mundo necesita una fantasía: El arte pop en América
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Todo el mundo necesita una fantasía: El arte pop en América

7 de junio de 2021 - 31 de enero de 2023
James Rosenquist: Pop potente
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James Rosenquist: Pop potente

7 de junio de 2021 - 31 de enero de 2023
Expresionismo abstracto: Trascendiendo lo radical
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Expresionismo abstracto: Trascendiendo lo radical

12 de enero de 2022 - 31 de enero de 2023
Unas vacaciones chispeantes: Arte para todos
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Unas vacaciones chispeantes: Arte para todos

15 de diciembre de 2022 - 7 de enero de 2023
El regalo del arte
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El regalo del arte

24 de noviembre de 2022 - 7 de enero de 2023
Mi propia piel: Frida Kahlo y Diego Rivera
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Mi propia piel: Frida Kahlo y Diego Rivera

16 de junio - 31 de diciembre de 2022
Josef Albers: El corazón de la pintura
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Josef Albers: El corazón de la pintura

12 de mayo - 30 de noviembre de 2022
Expresionismo abstracto: Las mujeres persistentes
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Expresionismo abstracto: Las mujeres persistentes

1 de noviembre de 2021 - 31 de agosto de 2022
Opulencia sutil
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Opulencia sutil

8 de septiembre de 2021 - 31 de agosto de 2022
Alexander Calder: Pintando el Cosmos
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Alexander Calder: Pintando el Cosmos

Del 2 de marzo al 12 de agosto de 2022
Un Estado Invisible: Los artistas asiáticos americanos y la abstracción
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Un Estado Invisible: Los artistas asiáticos americanos y la abstracción

23 de abril de 2020 - 30 de junio de 2022
El Resto Tan Hermoso: El arte contemporáneo y China
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El Resto Tan Hermoso: El arte contemporáneo y China

12 de mayo de 2020 - 30 de junio de 2022
Materia de Mercedes: Una cualidad milagrosa
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Materia de Mercedes: Una cualidad milagrosa

22 de marzo de 2021 - 30 de junio de 2022
¡More! ¡More! Moore! Henry Moore y la escultura
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¡More! ¡More! Moore! Henry Moore y la escultura

3 de marzo de 2021 - 30 de abril de 2022
Vida inmóvil, vida inmóvil
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Vida inmóvil, vida inmóvil

10 de abril de 2020 - 30 de abril de 2022
Elaine y Willem de Kooning: Pintar en la luz
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Elaine y Willem de Kooning: Pintar en la luz

3 de agosto de 2021 - 31 de enero de 2022
Polaroids de Andy Warhol: Ars Longa
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Polaroids de Andy Warhol: Ars Longa

10 de diciembre de 2020 - 31 de diciembre de 2021
Polaroids de Andy Warhol: Me, Myself, & I
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Polaroids de Andy Warhol: Me, Myself, & I

10 de diciembre de 2020 - 31 de diciembre de 2021
Polaroids de Andy Warhol: Todo lo que brilla
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Polaroids de Andy Warhol: Todo lo que brilla

10 de diciembre de 2020 - 31 de diciembre de 2021
Polaroids de Andy Warhol: Llevarlo a la pasarela
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Polaroids de Andy Warhol: Llevarlo a la pasarela

10 de diciembre de 2020 - 31 de diciembre de 2021
Maurice Golubov
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Maurice Golubov

1 de octubre de 2020 - 31 de diciembre de 2021
American Eye: Selecciones de la Colección Pardee
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American Eye: Selecciones de la Colección Pardee

28 de febrero - 31 de diciembre de 2021
La Escuela Genial
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La Escuela Genial

30 de marzo de 2020 - 31 de diciembre de 2021
Modernismo judío Parte 2: Figuración de Chagall a Norman
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Modernismo judío Parte 2: Figuración de Chagall a Norman

30 de abril de 2020 - 31 de diciembre de 2021
Nuestro arte más visto del mes
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Nuestro arte más visto del mes

14 de octubre - 14 de noviembre de 2021
La colección Gloria Luria
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La colección Gloria Luria

16 de marzo de 2020 - 31 de octubre de 2021
Vincent van Gogh y los grandes impresionistas del Grand Boulevard
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Vincent van Gogh y los grandes impresionistas del Grand Boulevard

Del 2 de marzo al 10 de agosto de 2021
Impresiones modernas
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Impresiones modernas

26 de diciembre de 2020 - 19 de junio de 2021
Figuras Pop: Mel Ramos y Tom Wesselmann
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Figuras Pop: Mel Ramos y Tom Wesselmann

26 de marzo de 2020 - 30 de abril de 2021
La Línea Radical
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La Línea Radical

11 de abril de 2020 - 31 de enero de 2021
Herb Alpert: Obras recientes
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Herb Alpert: Obras recientes

Del 28 de septiembre al 13 de diciembre de 2020
Joyas del Impresionismo y el Arte Moderno
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Joyas del Impresionismo y el Arte Moderno

Del 19 de febrero al 31 de octubre de 2020
Cool Britannia: Los jóvenes artistas británicos
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Cool Britannia: Los jóvenes artistas británicos

2 de abril - 30 de septiembre de 2020
Oportunidades semanales
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Oportunidades semanales

Del 26 de junio al 31 de agosto de 2020
Theophilus Brown y Paul Wonner: Visto a través de diferentes lentes
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Theophilus Brown y Paul Wonner: Visto a través de diferentes lentes

1 de noviembre de 2019 - 31 de julio de 2020
Hassel Smith: Los cuadros medidos
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Hassel Smith: Los cuadros medidos

12 de febrero - 20 de abril de 2020
Mesa Moderna
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Mesa Moderna

13 de febrero - 29 de febrero de 2020
Los californianos
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Los californianos

1 de noviembre de 2019 - 14 de febrero de 2020
Minimalismo Opulento
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Minimalismo Opulento

3 de diciembre de 2019 - 31 de enero de 2020
Paul Jenkins y Robert Natkin
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Paul Jenkins y Robert Natkin

1 de noviembre - 27 de diciembre de 2019
Morris Louis - Las primeras pinturas
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Morris Louis - Las primeras pinturas

11 de octubre - 30 de noviembre de 2019
Anselm Kiefer
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Anselm Kiefer

15 de agosto - 30 de septiembre de 2019
Paul Jenkins: Fenomenal
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Paul Jenkins: Fenomenal

1 de julio - 31 de agosto de 2019
Peter Shelton: Una cosa con la que te topas
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Peter Shelton: Una cosa con la que te topas

16 de julio - 31 de agosto de 2019
El patrimonio de Paul Wonner y William Theophilus Brown
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El patrimonio de Paul Wonner y William Theophilus Brown

21 de julio - 31 de agosto de 2019
Alexander Calder: Abstracción cósmica
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Alexander Calder: Abstracción cósmica

21 de junio - 30 de agosto de 2019
Julian Schnabel
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Julian Schnabel

4 de junio - 31 de julio de 2019
Hassel Smith
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Hassel Smith

6 de mayo - 30 de junio de 2019
Luc Bernard: Fronteras no convencionales
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Luc Bernard: Fronteras no convencionales

3 de mayo - 31 de mayo de 2019
Sam Francis: Del anochecer al amanecer
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Sam Francis: Del anochecer al amanecer

15 de noviembre de 2018 - 29 de abril de 2019
Paisajes arquitectónicos
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Paisajes arquitectónicos

1 de diciembre de 2018 - 31 de enero de 2019
Gregory Sumida: Americana
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Gregory Sumida: Americana

5 de abril - 31 de mayo de 2018
N.C. Wyeth: Pinturas e Ilustraciones
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N.C. Wyeth: Pinturas e Ilustraciones

1 de febrero - 31 de mayo de 2018
Herb Alpert: Una Melodía Visual
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Herb Alpert: Una Melodía Visual

17 de febrero - 31 de mayo de 2018
Abstracción Sublime
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Abstracción Sublime

25 de noviembre de 2017 - 31 de mayo de 2018
Las pinturas de Sir Winston Churchill
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Las pinturas de Sir Winston Churchill

21 de marzo - 30 de mayo de 2018
Edward S. Curtis
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Edward S. Curtis

3 de febrero - 17 de marzo de 2018
Wojciech Fangor
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Wojciech Fangor

25 de noviembre de 2017 - 17 de marzo de 2018
Ferrari y Futuristas: Una mirada italiana a la velocidad
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Ferrari y Futuristas: Una mirada italiana a la velocidad

21 de noviembre de 2016 - 30 de enero de 2017
Alexander Calder
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Alexander Calder

21 de noviembre de 2015 - 28 de mayo de 2016
Maestros del Impresionismo Californiano
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Maestros del Impresionismo Californiano

22 de noviembre de 2014 - 23 de mayo de 2015
Lawrence Schiller: Marilyn Monroe y Great Moments from the 60s
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Lawrence Schiller: Marilyn Monroe y Great Moments from the 60s

23 de noviembre de 2012 - 31 de enero de 2013
Abstracción de pintura: Esferas de AbEx
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Abstracción de pintura: Esferas de AbEx

25 de noviembre de 2011 - 31 de mayo de 2012
Cuentos Washi: Obras de Kyoko Ibe
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Cuentos Washi: Obras de Kyoko Ibe

11 diciembre 2011 - 28 enero 2012
Maestros del Impresionismo y del Arte Moderno
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Maestros del Impresionismo y del Arte Moderno

20 de noviembre de 2010 - 25 de septiembre de 2011
Picasso
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Picasso

20 de noviembre de 2009 - 25 de mayo de 2010

OBRA DE ARTE A LA VISTA

El 15 de mayo de 1886 nació un manifiesto visual para un nuevo movimiento artístico cuando se presentó la obra cumbre de Georges Seurat, Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, en la Octava Exposición Impresionista. Seurat puede reivindicar el título de "Impresionista científico" original, trabajando de una manera que llegó a conocerse como Puntillismo o Divisionismo. Sin embargo, fue su amigo y confidente Paul Signac, de 24 años, y su diálogo constante lo que propició una colaboración en la comprensión de la física de la luz y el color y el estilo que surgió. Signac era un pintor impresionista sin formación, pero con un talento asombroso, cuyo temperamento se adaptaba perfectamente al rigor y la disciplina necesarios para lograr la pincelada y el color laboriosos. Signac asimiló rápidamente la técnica. También fue testigo del arduo viaje de dos años de Seurat construyendo miríadas de capas de puntos de color sin mezclar en La Grande Jatte, de tamaño colosal. Juntos, Signac, el extrovertido descarado, y Seurat, el introvertido reservado, estaban a punto de subvertir el curso del Impresionismo y cambiar el curso del arte moderno.

PAUL SIGNAC

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GEORGIA O'KEEFFE

DIEGO RIVERA - Retrato de Enriqueta G. Dávila - óleo sobre lienzo - 79 1/8 x 48 3/8 in.

DIEGO RIVERA

WILLEM DE KOONING - Mujer en un bote de remos - óleo sobre papel colocado sobre masonita - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

WAYNE THIEBAUD

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - lienzo al óleo - 31 1/4 x 39 1/2 in.

ALFRED SISLEY

EMIL NOLDE - Sonnenblumen, Abend II - óleo sobre lienzo - 26 1/2 x 35 3/8 in.

EMIL NOLDE

A principios de la década de 1870, Winslow Homer pintaba con frecuencia escenas de la vida en el campo cerca de una pequeña aldea agrícola famosa durante generaciones por sus notables plantaciones de trigo, situada entre el río Hudson y los Catskills, en el estado de Nueva York. Hoy en día Hurley es mucho más famoso por haber inspirado una de las mayores obras de Homer, Snap the Whip (Chasquear el látigo), pintada el verano de 1872. Entre los muchos otros cuadros inspirados en la región, Muchacha de pie en el campo de trigo es rico en sentimientos, pero no demasiado sentimentalista. Está directamente relacionado con un estudio de 1866 pintado en Francia y titulado In the Wheatfields (En los campos de trigo), y con otro pintado al año siguiente de su regreso a América. Pero, sin duda, Homero se habría sentido más orgulloso de éste. Se trata de un retrato, un estudio de vestuario, un cuadro de género en la gran tradición de la pintura pastoril europea, y un espectacular tour de force atmosférico a contraluz, impregnado de la luz de las horas crepusculares que se desvanece rápidamente, animado con notas lambiscentes y floridas y toques de espigas de trigo. En 1874, Homer envió cuatro cuadros a la exposición de la Academia Nacional de Diseño. Uno se titulaba "Muchacha". ¿No podría ser éste?

WINSLOW HOMER

FRIDA KAHLO - La hoz y el martillo (y el bebé no nacido) - yeso seco y técnica mixta - 16 1/4 x 13 x 6 in.

FRIDA KAHLO

N.C. WYETH - Verano. "Hush" - óleo sobre lienzo - 33 3/4 x 30 1/4 in.

N.C. WYETH

SEAN SCULLY - Rojo Gris - óleo sobre aluminio - 85 x 75 in.

SEAN SCULLY

El mundo de Marc Chagall no puede ser contenido ni limitado por las etiquetas que le ponemos. Es un mundo de imágenes y significados que forman su propio discurso espléndidamente místico. Les Mariés sous le baldaquin (Los novios bajo el baldaquín) fue iniciado cuando el artista entraba en su nonagésimo año, un hombre que había conocido la tragedia y la lucha, pero que nunca olvidó los momentos de placer arrebatador de la vida. Aquí, las delicias de ensueño de una boda en un pueblo ruso, con sus arreglos de asistentes bien vestidos, se nos presentan con un ingenio tan feliz y una inocencia tan alegre que no hay quien se resista a su encanto. Utilizando una emulsión de tonos dorados que combina óleo y aguada opaca al agua, la calidez, la alegría y el optimismo del positivismo habitual de Chagall se envuelven en un resplandor luminoso que sugiere la influencia de los iconos religiosos dorados o de la pintura del Renacimiento temprano que pretendía transmitir la impresión de luz divina o iluminación espiritual. Utilizar una combinación de óleo y gouache puede ser todo un reto. Pero aquí, en Les Mariés sous le baldaquin, Chagall lo emplea para dar a la escena una calidad de otro mundo, casi como si acabara de materializarse a partir del ojo de su mente. La delicadeza de su textura crea la impresión de que la luz emana de la propia obra y confiere un carácter espectral a las figuras que flotan en el cielo.

MARC CHAGALL

TOM WESSELMANN - Dormitorio moreno con lirios - óleo sobre aluminio recortado - 105 3/4 x 164 5/8 pulg.

TOM WESSELMANN

El Retrato de Sylvie Lacombe de Théo van Rysselberghe, pintado en 1906, es una obra maestra clásica de uno de los retratistas más refinados y coherentes de su época. El color es armonioso, la pincelada vigorosa y adaptada a su tarea material, su cuerpo y su semblante verdaderos y reveladores. La modelo es la hija de su buen amigo, el pintor Georges Lacombe, que compartió una estrecha asociación con Gauguin y fue miembro de Les Nabis con los artistas Bonnard, Denis y Vuillard, entre otros. Ahora conocemos a Sylvie Lacombe porque Van Rysselberghe es muy hábil en la representación de sutiles expresiones faciales y, a través de una cuidadosa observación y atención al detalle, nos ha proporcionado una visión de su mundo interior. Ha elegido una mirada directa, sus ojos a los tuyos, un pacto ineludible entre sujeto y espectador independientemente de nuestra relación física con el cuadro. Van Rysselberghe había abandonado en gran medida la técnica puntillista cuando pintó este retrato. Sin embargo, siguió aplicando las directrices de la teoría del color, utilizando tintes rojos -rosas y malvas- frente a verdes para crear una armoniosa paleta ameliorada de colores complementarios a la que añadió un fuerte acento para atraer la mirada: un lazo rojo intensamente saturado colocado asimétricamente a un lado de la cabeza.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

No es difícil comprender cómo la brillante disposición en dos filas de cuatro letras de Robert Indiana llegó a contribuir a potenciar un movimiento durante la década de 1960. Su origen surgió de una profunda exposición a la religión y de su amigo y mentor Ellsworth Kelly, cuyo estilo de bordes duros y color sensual y sin acentos causó una impresión duradera. Pero como Indiana exclamó, fue un momento de kismet que simplemente sucedió cuando "¡EL AMOR me mordió!" y el diseño le llegó nítido y centrado. Indiana, por supuesto, sometió el diseño a muchas pruebas, y entonces el logotipo empezó a brotar por todas partes. El mensaje, que se transmite mejor en forma de escultura, está presente en ciudades de todo el mundo y se ha traducido a varios idiomas, entre ellos su iteración italiana, "Amor", con su fortuita "O" también inclinada hacia la derecha. Pero en lugar de ser pateada por el pie de la "L", esta versión confiere a la "A" superior un efecto de tambaleo bellamente escenificado. Da una impresión nueva, pero no menos profunda, del amor y de su naturaleza emocionalmente cargada.  En cualquier caso, la "O" inclinada de Love imparte inestabilidad a un diseño por lo demás estable, una profunda proyección de la crítica implícita de Indiana al "sentimentalismo a menudo hueco asociado con la palabra, que metafóricamente sugiere anhelo y decepción no correspondidos en lugar de afecto sacarino" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, 24 de mayo de 2018). La repetición, por supuesto, tiene la mala costumbre de empañar nuestro aprecio por el genio de la simplicidad y el diseño innovador. A finales de su vida, Indiana se lamentó de que "fue una idea maravillosa, pero también un terrible error. Se hizo demasiado popular. Y hay gente a la que no le gusta la popularidad". Pero nosotros, habitantes de un mundo plagado de divisiones y sumido en la confusión, se lo agradecemos. "Love" y sus muchas versiones nos recuerdan con fuerza nuestra capacidad de amar, y esa es nuestra mejor esperanza eterna de un futuro mejor.

ROBERT INDIANA

Maestro indiscutible del floreciente movimiento neoimpresionista belga a partir de 1887, Théo van Rysselberghe pintó este retrato de su esposa, Maria (de soltera Monnom), durante la primera década del siglo XX. A partir de la influencia del tonalismo de Whistler, del impresionismo y del puntillismo de Seurat, perfeccionó una comprensión muy refinada del color, de sus resonancias armónicas y de la representación meticulosa de los elementos formales. Dibujante ejemplar, las impresiones ópticas basadas en las interacciones cromáticas siguieron siendo una de las principales preocupaciones de Van Rysselberghe. Aquí, los trazos cortos de color sustituyen a los pequeños puntos de un puntillista, y el esquema de color no es el homogeneizado y armonioso por el que el artista tiene una merecida reputación. Más bien, este retrato avanza la teoría del color de una manera totalmente diferente. Su interés visual reside en los contrastes dinámicos del peinado plateado de su esposa, su vestido platino y el manto blanco de la chimenea, todo ello enmarcado en la vitalidad óptica de un entorno dominado por rojos y verdes complementarios. Es una demostración visualmente estimulante de un pintor que comprendió el impacto dinámico de esta inusual combinación de colores y que dispuso al modelo con un fuerte acento en diagonal y ejecutó la fórmula con la destreza y agilidad de un pintor en pleno control de sus recursos pictóricos.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

SERGIO DE CAMARGO - Relieve Opus 194 - madera pintada - 22 3/4 x 14 1/4 x 2 3/4 in.

SERGIO DE CAMARGO

Irving Norman's masterpiece, "The Human Condition," from 1980, draws upon the artist's lifetime of acquired experiences and knowledge. Surviving as a volunteer fighter during the Spanish Civil War, the artist returned to the United States after the loyalist defeat. Upon his return, fervent studio practice in Half Moon Bay, California, would become his life's devotion.  <br><br>The present work, a nearly 16-foot-wide triptych, is reminiscent of Hieronymus Bosch's triptych, "The Garden of Earthly Delights," c. 1510.  The dystopian vision portrayed in 'The Human Condition" is a warning - a lesson from the European dictatorships Norman experienced firsthand during the 1930s.   Disturbing tableaus show the darkness of humanity and the evil that can rise to prominence when humanity is at its worst.  There is hope, however, in the experience of the viewer: Norman thought of his audience as the greatest hope for humankind.

IRVING NORMAN

JAMES ROSENQUIST - Vanity Unfair for Gordon Matta Clark - óleo sobre lienzo - 62 3/4 x 43 x 2 3/4 in.

JAMES ROSENQUIST

Over his six-decade career, David Hockney reinvigorated the role of the representational artist by continually responding to his surroundings and embracing new forms of picture making. He was an early adaptor of technological advances such as Polaroid film, color photocopiers, and fax machines. He has also been the painter capable of reading the brushstrokes of Vermeer, Caravaggio, Velázquez, and Ingres and assert confidently that they too, relied upon instruments such as the camera obscura to trace out their pictures. <br><br>Beginning in 2009, Hockney exploited the drawing and painting applications of an iPad. Using its range of digital brushstrokes, color effects, and working with textures, dots, lines, and scribbles. his idiosyncratic perception of the natural world had never been more fully realized.  Nor has he been more popular or credible in providing the blissful if guilty pleasure we feel in the presence of these works. When the Metropolitan Museum hosted his 2017 retrospective, visually stunning iPad paintings were chosen as the grand finale for one of their most memorable exhibitions in recent history. <br><br>Yosemite II, October 16th, 2011, is a monumental work and among the largest of the “Yosemite Suite” of some two dozen iPad ‘paintings’ that extends our appreciation of the breadth of Hockney’s fascination with the American West. He is the artist who made sun-splashed swimming pools de rigueur symbols of California culture. That he dared join the ranks of artists such as Albert Bierstadt and Ansel Adams, known for their dramatic lighting, atmospheric effects, and Yosemite’s awe-inspiring scale is a measure of Hockney’s self-professed certainly that this art is now, and forever woven into the fabric of art history. Nothing makes this claim more valid than his rejection of a single vanishing point perspective that has dominated Western art since the Renaissance. Hockney has often cited Meindert Hobbema’s painting The Avenue at Middelbarnis of 1689 as an apt demonstration of the dynamic impact of contrasting vanishing points: the first, a road that recedes to a vanishing point, and another in the sky, where the eye is led upward because of the verticality of the trees. Yosemite II, October 16th, 2011 presents as a similarly immersive experience for the viewer, no longer the passive observer, but instead, the active participant impelled to consciously and simultaneously connect with multiple perspectives – the second of which presents as the white granite face of El Capitan.

DAVID HOCKNEY

ANSEL ADAMS - Thunderstorm, Yosemite Valley, CA - gelatin silver print - 40 1/2 x 30 3/4 in.

ANSEL ADAMS

Las figuras de Nues se desarrollan libremente en torno a una figura central de odalisca de una manera que sugiere un tema que ocupaba a Picasso ya en 1906, el de las indulgencias femeninas en un entorno de harén.  Al describir sus últimos dibujos, Picasso señaló que "uno nunca sabe lo que va a salir, pero en cuanto el dibujo se pone en marcha, nace una historia o una idea... Me paso hora tras hora mientras dibujo, observando a mis criaturas y pensando en las locuras que hacen... Es muy divertido, créeme". Nues es una evocación de esa apreciación, un retozo libre como sólo Picasso puede lograr. Entre las muchas poses, la figura abreviada nadando en la piscina es especialmente encantadora.

PABLO PICASSO

DAMIEN HIRST - Pensamientos olvidados - mariposas y brillo doméstico sobre lienzo - 68 x 68 x 1 3/8 pulgadas (punto a punto)

DAMIEN HIRST

FRANK STELLA - Sin título - técnica mixta tridimensional sobre tabla, montada sobre madera - 43 x 128 x 12 pulg.

FRANK STELLA

FERNANDO BOTERO - Bailarina - bronce - 41 x 24 x 24 in.

FERNANDO BOTERO

PIERRE BONNARD - Soleil Couchant - óleo sobre lienzo - 14 1/2 x 22 1/2 in.

PIERRE BONNARD

La reputación de Ruldof Bauer como precursor de la abstracción no objetiva suele ir unida a la de Wassily Kandinsky. Ese lugar sagrado entre los más grandes artistas abstractos es bien merecido.  Pero, para bien y para mal, el lugar de Bauer en la historia del arte está inextricablemente ligado al nefasto contrato que firmó con Soloman R. Guggenheim bajo la dirección de su antigua amante, Hilla Rebay.  Presto 10 fue creado en 1917, cuando Bauer era un fijo en la Galerie Der Sturm, la galería de Berlín, y probablemente se expuso en una de las exposiciones individuales del artista en 1917, 1918 y 1920. También fue uno de los cuadros elegidos por Bauer y Hilla Rebay para ser incluidos en la exposición "Art of Tomorrow" de la Feria Mundial de Nueva York, inaugurada el 1 de junio de 1939. Aparece en el quinto catálogo de la colección Solomon R. Guggenheim de pinturas no objetivas.

RUDOLF BAUER

JEAN ARP - Escultura Mythique - bronce - 25 x 9 1/2 x 12 in.

JEAN ARP

Larry Rivers is considered by many to be the father of the Pop Art movement.  In Rivers's 1980 work "Beyond Camel," we see a slightly out of focus Camel Cigarette pack, an item from consumer culture Rivers has appropriated to create a critique of commoditization and consumer culture. Rivers would have certainly been aware of the work of Stuart Davis and his 1921 painting, "Lucky Strike," depicting a flattened pack of cigarettes. Rivers interprets his subject with a Pop Art perspective; however, the imagery is almost larger than life, and the brand image is presented as a subject unto itself.  <br><br>In 2002, a retrospective of Rivers's work was held at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C.

LARRY RIVERS

SALOMON VAN RUYSDAEL - Un paisaje de dunas con figuras descansando y una pareja a caballo, una vista de la catedral de Nimega más allá - óleo sobre lienzo - 26 1/2 x 41 1/2 pulg.

SALOMON VAN RUYSDAEL

Las esculturas de Carl Andre están hechas típicamente de azulejos brillantes de plomo, zinc o cobre. Se diferencian de la mayoría de las obras de arte minimalistas en su accesibilidad: están pensadas para ser pisadas. Históricamente, Andre se sitúa en el linaje de Constantin Brancusi y Henry Moore. Andre continúa con su tradición de reducir el vocabulario de la escultura a sus formas más vitales y sencillas. Las obras también hablan de la idea de Donald Judd de "objetos específicos", que enfatiza la experiencia fenomenológica del espectador y la exploración de la estructura y el espacio.

CARL ANDRE

LEROY NEIMAN - Carnaval en Venecia - óleo sobre tabla - 48 x 96 pulg.

LEROY NEIMAN

ALFRED SISLEY - Vaches au paturage sur les bords de la Seine - pastel sobre papel - 11 1/4 x 15 1/2 pulg.

ALFRED SISLEY

Mel Ramos is best known for his paintings of superheroes and female nudes juxtaposed with pop culture imagery. Many of the subjects in his paintings emerge from iconic brands or cultural touchstones like Chiquita bananas, M&M bags, or Snickers. In these works, visual delight is combined with suggested edible and commercial indulgence.<br><br>Leta and the Hill Myna diverges from some of Ramos’ other nudes. Here Ramos depicts his wife, whom he spoke of as his greatest muse. Like his works depicting superheroes, Leta and the Hill Myna is imbued with mythos and lore. Myna birds are native to South Asia where some are taught to speak, often to recite religious. Furthermore, playing on his wife’s name and the avian theme, Ramos is referencing the famous tale of Leda and the Swan in which Zeus embodies a bird to rape Leda. The story has been reinterpreted throughout history, including by great artists such as Paul Cezanne, Cy Twombly and Fernando Botero. With this depiction, Ramos places himself in that same art historical lineage.

MEL RAMOS

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - pastel sobre papel verjurado sobre tabla - 10 3/8 x 14 3/4 pulg.

CAMILLE PISSARRO

HERB ALPERT - Punta de flecha - bronce - 201 x 48 x 48 in.

HERB ALPERT

Los giros y curvas artesanales y la sensación de fluidez y movimiento de las numerosas esculturas de bronce de Herb Albert se han descrito como "humo congelado fundido". Se les ha llamado "tótems espirituales", y el apelativo es especialmente adecuado para Freedom, una imponente escultura de bronce de siete pies que es el tributo de Albert a los valores y creencias de los nativos americanos sobre la vida en armonía con la naturaleza. Llena de referencias pajareras, la idea de Freedom se le ocurrió a Albert mientras estaba sentado en una playa de Ipanema (Brasil), cautivado por una bandada de pájaros que flotaban sin esfuerzo en las corrientes de aire. Se ha dedicado un molde de Freedom a la ciudad de Malibú y se ha colocado junto a la Pacific Coast Highway en la intersección East Rambla Vista Road.

HERB ALPERT

Como miembro de la legendaria Asociación de Arte Gutai, que floreció entre 1954 y 1972, Sadamasa Motonaga surgió cuando el existencialismo surrealista post-atómico estaba a la vanguardia del desarrollo artístico en Japón. Sin embargo, eligió un camino diferente. Dio la espalda a la destrucción provocada por la guerra y creó una obra fresca, jubilosa y lúdica. La obra "Sin título", de 1966, es de su estilo clásico, que se desarrolló al mismo tiempo que las pinturas de Morris Louis llamadas "Velo". Podría sugerir la cresta brillantemente iluminada, el ojo y el plumaje moteado de un pájaro gallináceo, pero cualquier asociación de este tipo es probablemente arbitraria y no intencionada. En cambio, se trata de una muestra brillantemente exitosa de la versión vanguardista de Motonaga del tradicional Tarashikomi japonés, la técnica que consiste en inclinar el lienzo en diferentes ángulos para permitir que las mezclas de resina y esmalte fluyan unas sobre otras antes de que la pintura esté completamente seca.

SADAMASA MOTONAGA

JOSEPH STELLA - Desnudo Reclinado - óleo sobre lienzo - 50 x 52 1/2 in.

JOSEPH STELLA

FERNANDO BOTERO - Autoretrato a la manera de Velázquez - sanguina y crayón sobre cartón - 60 1/2 x 47 1/2 in.

FERNANDO BOTERO

MARC QUINN - Lovebomb - foto laminado sobre aluminio - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

MARC QUINN

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDER CALDER

De los muchos tótems espirituales de Herb Albert, fundidos en bronce y patinados en negro sedoso, pocos tienen la sensación claramente masculina del Guerrero. Rematado con una corona descendente y dentada que podría referirse tanto a la cresta de un ave de presa como al tocado de un jefe de los indios de las llanuras, el título "Guerrero" es una descripción acertada que se refiere a los atributos de fuerza, valor y espíritu inquebrantable, entre otros.  Al igual que la obra de Henry Moore, esas asociaciones dependen, en parte, del espacio negativo para crear la impresión dinámica y fuerte que produce esta formidable escultura.

HERB ALPERT

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Paisaje fluvial con molino de viento y capilla - óleo sobre tabla - 22 1/2 x 31 3/4 pulg.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronce y bloque de hormigón - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

JOAN MIRO

HELIO OITICICA - Metaesquema 69 - gouache sobre papel - 17 5/8 x 21 1/8 pulg.

HELIO OITICICA

WILLIAM B. EGGLESTON - Sin título (Blue Car, From Dust Bells, Vol. 11) - impresión en pigmento de archivo - 31 1/2 x 48 pulg.

WILLIAM B. EGGLESTON

WILLIAM B. EGGLESTON - Sin título (Del bosque democrático) - impresión en pigmento de archivo - 31 1/2 x 48 pulg.

WILLIAM B. EGGLESTON

WILLIAM B. EGGLESTON - Untitled (From Election Eve) - impresión en pigmento de archivo - 32 1/2 x 48 1/4 in.

WILLIAM B. EGGLESTON

Andy Warhol es sinónimo del arte estadounidense de la segunda mitad del siglo XX y es conocido por sus icónicos retratos y productos de consumo, que mezclan la cultura popular y las bellas artes, redefiniendo lo que puede ser el arte y cómo nos acercamos a él. Aunque muchas de las obras de Warhol no representan a personas famosas, sus representaciones de objetos inanimados elevan a sus sujetos a un nivel de celebridad. Warhol representó por primera vez los zapatos al principio de su carrera, cuando trabajaba como ilustrador de moda, y volvió a tratar el tema en la década de 1980, combinando su fascinación por el consumismo y el glamour. Con su constante deseo de fusionar la alta y la baja cultura, Warhol eligió destacar algo tan omnipresente como los zapatos. El tema puede denotar pobreza o riqueza, función o moda. Warhol da un toque de glamour a los zapatos, cubriéndolos con una pátina de polvo de diamante brillante, difuminando aún más el significado entre la necesidad utilitaria y la pieza estilizada.

ANDY WARHOL

© 2023 Calder Foundation, Nueva York / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

ALEXANDER CALDER

© 2023 Calder Foundation, Nueva York / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

ALEXANDER CALDER

© 2023 Calder Foundation, Nueva York / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

ALEXANDER CALDER

LE PHO - Flores - óleo sobre lienzo - 28 3/4 x 21 1/4 pulg.

LE PHO

RODOLFO MORALES - Sin título - óleo sobre lienzo - 37 1/4 x 39 1/4 pulg.

RODOLFO MORALES

© 2023 Calder Foundation, Nueva York / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

ALEXANDER CALDER

© 2023 Calder Foundation, Nueva York / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

ALEXANDER CALDER

IRVING NORMAN - Farewell - óleo sobre tela - 90 x 100 in.

IRVING NORMAN

Ed Ruscha es uno de los artistas americanos más distinguidos, en parte por sus exploraciones de los símbolos de Americana y la relación entre el lenguaje y el arte. The End es un tema cinematográfico que el artista utilizó en los años 90 y 2000 y que aparece en pinturas, grabados y dibujos, especialmente en la pintura a gran escala de 1991 en el Museo de Arte Moderno. Para hacer frente al paso del tiempo y a la obsolescencia, Ruscha utiliza un tipo de letra anticuado y una antigua tradición cinematográfica de utilizar texto en las películas. El concepto de efímero se enriquece con las propias palabras, The End, y la naturaleza del propio medio; considerado futurista cuando se desarrolló en los años sesenta, la tecnología láser para hologramas también crea una sensación de impermanencia a medida que las imágenes cambian con el movimiento del espectador. Mientras que hay un movimiento innato en las palabras e imágenes en movimiento, estos hologramas también representan un punto final - un momento transitorio congelado en el tiempo.

ED RUSCHA

ANSEL ADAMS - Winter Sunrise, Sierra Nevada from Lone Pine - gelatin silver print - 18 3/4 x 22 3/4 in.

ANSEL ADAMS

IRVING NORMAN - Totems - óleo sobre tela - 72 x 110 in.

IRVING NORMAN

Celebrated for his vivid use of color, grand presentations of the female figure, and skillful work in multiple media, Tom Wesselmann was one of the most influential artists to emerge from the Pop art movement during the 1960s. Originally planning a career as a cartoonist, Wesselmann quickly established himself as one of the driving forces of contemporary art in New York. Since 1983, Tom Wesselmann used enamel on cut-out steel to depict his loose and energetic, yet meticulous, sketches in the third dimension. Ranging in scale, the sculptural works are an innovative part of the artist’s oeuvre.<br><br>Wesselmann's work is included in museum collections worldwide, including the Whitney Museum of American Art, the Smithsonian American Art Museum, the Art Institute of Chicago, the Albright-Knox Art Gallery, the Museum of Modern Art in New York, the Walker Art Center, and the National Galerie, Berlin, among many others.<br><br>"Partial Monica with Hat and Beads" is from the collection of Gloria Luria, a pioneer of the art scene in Miami as an art dealer and collector. She introduced into the region artists that are today considered icons of art history: Pat Steir, David Hockney, Andy Warhol, Arakawa, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Larry Rivers, Claes Oldenburg, and many more. Luria has dedicated her life to fostering a thriving culture in the region from being a founding member and president of the Art Dealers Association of South Florida to helping bring the art fair, Art Miami, to the Miami Beach Convention Center. Her philanthropic generosity also extends to the performing arts, helping support Tanglewood and the Boston Symphony Orchestra, and the Adrienne Arsht Center for the Performing Arts and the New World Symphony.

TOM WESSELMANN

Deborah Butterfield es una escultora estadounidense, mejor conocida por sus esculturas de caballos hechas de objetos que van desde madera, metal y otros objetos encontrados. La pieza de 1981, Sin título (Caballo), está compuesta por palos y papel sobre armadura de alambre. La impresionante escala de esta pieza crea un efecto notable en persona, presentando un ejemplo sorprendente de la célebre temática de Butterfield. Butterfield originalmente creó los caballos de madera y otros materiales encontrados en su propiedad en Bozeman, Montana y vio a los caballos como un autorretrato metafórico, minando la resonancia emocional de estas formas.

DEBORAH BUTTERFIELD

Marc Newson is widely recognized as one of the most influential designers of our time.  His subjects range from seemingly ordinary objects such as bicycles to groundbreaking designs in furniture and airplanes.  The Philadelphia Museum of Art's 2013-2014 exhibition "Marc Newson: At Home" exposed a new American audience to Newson's futuristic aesthetic in a traditional museum setting.  <br><br>"Micarta Table" (2007) uses contemporary materials, including plastic composites, to create the illusion of a traditional wood veneer surface.  This blending of old and new is a hallmark of Newson's work.  Examples of Newson's work can be found in museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York, The San Francisco Museum of Modern Art, and the Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum, New York City.

MARC NEWSON

HERB ALPERT - Inspirado - bronce - 100 x 20 x 12 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Maestro de concierto - bronce - 93 x 14 pulg.

HERB ALPERT

Como miembro de la legendaria Asociación de Arte Gutai, que floreció entre 1954 y 1972, Sadamasa Motonaga surgió cuando el existencialismo surrealista post-atómico estaba a la vanguardia del desarrollo artístico en Japón. Sin embargo, eligió un camino diferente. Dio la espalda a la destrucción provocada por la guerra y creó una obra fresca, jubilosa y lúdica. La obra "Sin título", de 1969, se inscribe en su estilo clásico, que se desarrolló al mismo tiempo que las pinturas de Morris Louis denominadas "Velo". Es una muestra brillantemente lograda de la versión vanguardista de Motonaga del tradicional Tarashikomi japonés, la técnica que consiste en inclinar el lienzo en diferentes ángulos para permitir que las mezclas de resina y esmalte fluyan unas sobre otras antes de que la pintura esté completamente seca.

SADAMASA MOTONAGA

A veteran of the battle of Verdun, Fernand Leger witnessed the horror and staggering loss of over 1 Million of his fellow countrymen during World War I.  This horrific experience of fighting in the trenches of Europe left an indelible mark on the artist.  The modern and mechanized aspects of this new form of warfare, with tanks, modern artillery, and gruesome tactics, inspired Leger to create some of his greatest masterpieces.  <br><br>The Present drawing, executed in 1930, is a relic from the decade following the First World War.  Untitled (1930) was purchased from the Katherine Kuh galley in Chicago- and has been impeccably preserved by the family of the original purchaser.  It is exceedingly rare to find drawings like Untitled outside of Museum collections.

FERNAND LEGER

"Ray Gun became a catch title for all sorts of things. Looking down on the street, I would find this angle in the shape of a ray gun everywhere. And I would collect the ray guns. They became quite an obsession."<br>-Claes Oldenburg<br><br>"Two Ray Guns" (1964) was initially sold through the venerable Sidney Janis Gallery. The work draws upon Oldenburg's keen observational sense and fascination with science fiction and popular American culture. The fascination with Ray Guns became a conceptual art practice for Oldenburg; he would not construct them in the traditional sense but instead, find objects that could be reduced into the form. Ray Gun Examples exist in plastic, bronze, plaster, and many different media.  <br><br>Our example from the Ray Gun series has been in the same important American collection for many years. Several examples from this series are in prominent museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York.

CLAES OLDENBURG

ANSEL ADAMS - Aspens, Northern New Mexico - gelatin silver print - 15 1/4 x 19 1/4 in.

ANSEL ADAMS

CHUCK CLOSE - Autorretrato - conjunto de 4 hologramas de vidrio - 14 x 11 in. ea.

CIERRE DE CHUCK

ELAINE DE KOONING - El Matador - gouache sobre papel - 7 3/4 x 9 1/2 pulg.

ELAINE DE KOONING

PABLO PICASSO - Fumeur a la Cigarette Blanche - aguatinta sobre papel - 21 1/4 x 15 1/4 in.

PABLO PICASSO

FRANCIS CELENTANO - Pintura Cinética Elíptica - acrílico sobre masonita - 48 x 48 x 6 1/2 in.

FRANCIS CELENTANO

CARLOS LUNA - La Mia (1225 OC) - óleo sobre lienzo - 47 x 58 in.

CARLOS LUNA

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice.  <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

IRVING NORMAN

DAMIEN HIRST - Hagia Sophia (Serie Catedral) - serigrafía con esmaltes y polvo de diamante - 47 1/4 x 47 1/4 in.

DAMIEN HIRST

ROBERTO MATTA - L'epreuve - óleo sobre lienzo - 29 1/2 x 25 1/2 in.

ROBERTO MATTA

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - bronce con pátina verde - 103 1/2 x 22 x 17 in.

SETH KAUFMAN

WILLIAM WENDT - Paisaje de California - óleo sobre lienzo - 23 1/2 x 31 3/4 in.

WILLIAM WENDT

"Interior" es una de las composiciones más modernas de Maurice Askenazy, que evoca la obra de Bonnard o Vuillard. La escena íntima muestra una modelo femenina desnuda, dramáticamente vista de perfil, posando para un pintor en un estudio soleado. La puerta de la sala está abierta, dando la impresión de que el espectador está robando una visión de una interacción privada entre el artista y la modelo. Un ingenioso espejo colocado en la parte posterior de la puerta abierta revela el reflejo del pintor, a quien se supone que debemos tomar como el propio Askenazy, en el trabajo. Askenazy cuida mucho los detalles de la habitación, desde el otomano estampado hasta las pinturas enmarcadas en las paredes, cada una de ellas un mosaico de color impresionista.

MAURICE ASKENAZY

ANDY WARHOL - The Shadow (from Myths) - serigrafía en color con polvo de diamante sobre papel - 37 1/2 x 37 1/2 in.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL - Amor - serigrafía - 25 1/2 x 19 1/4 in.

ANDY WARHOL

FRANCISCO TOLEDO - Sin título - técnica mixta sobre papel - 8 x 10 1/4 in.

FRANCISCO TOLEDO

LEON AUGUSTIN L'HERMITTE - Etude de vieille femme - pastel y crayón sobre cartón - 25 1/2 x 20 1/4 in.

LEON AUGUSTIN L'HERMITTE

LEROY NEIMAN - Jinete Ecuestre - técnica mixta sobre papel - 22 x 28 in.

LEROY NEIMAN

IMOGEN CUNNINGHAM - The Unmade Bed - impresión en gelatina de plata - 10 1/4 x 13 1/2 in.

IMOGEN CUNNINGHAM

ANDY WARHOL - Amor - serigrafía - 25 1/4 x 19 1/2 pulg.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL - Amor - serigrafía - 25 1/2 x 19 3/8 pulg.

ANDY WARHOL

WILLEM DE KOONING - Sin título - Grafito sobre papel - 8 x 10 1/2 pulg.

WILLEM DE KOONING

HERB ALPERT - Contrapeso - bronce - 28 x 28 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Naturaleza Humana - bronce - 44 x 10 x 7 in.

HERB ALPERT

AI WEIWEI - Sillas "Fairytale" - madera - 49 x 45 x 17 1/2 in.

AI WEIWEI

ABEL GEORGE WARSHAWSKY - Árboles en Bretaña - óleo sobre lienzo - 25 1/2 x 32 in.

ABEL GEORGE WARSHAWSKY

DIEGO RIVERA - Guardante Silente De La Verdad, En El Tramo De La 'Revelacion Del Camino' - grafito sobre papel pegado a cartulina - 22 x 22 in.

DIEGO RIVERA

ROSS BLECKNER - Sin título - óleo sobre papel fotográfico - 37 1/2 x 24 3/4 pulg.

ROSS BLECKNER

HERB ALPERT - Sueños dorados - acrílico sobre lienzo - 48 x 72 pulg.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Spellbound - acrílico sobre lienzo - 72 x 48 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Nieve silenciosa - acrílico sobre lienzo - 72 x 48 pulg.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Soft Spoken - acrílico sobre lienzo - 48 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Falling for You - acrílico sobre lienzo - 48 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Now Hear This - acrílico sobre lienzo - 48 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Jive Talk - acrílico sobre lienzo - 48 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Contra el viento - acrílico sobre lienzo - 48 x 72 pulg.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Primavera silenciosa - acrílico sobre lienzo - 48 x 72 pulg.

HERB ALPERT

EDWARD WESTON - Charis, Santa Monica - impresión en gelatina de plata - 9 1/2 x 7 1/2 pulg.

EDWARD WESTON

ANDY WARHOL - Carolina Herrera - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL - Andy Warhol - impresión en gelatina de plata - 10 x 8 in. ea.

ANDY WARHOL

IRVING NORMAN - Mujeres Soldadoras, El Barco - grafito sobre papel - 14 1/4 x 28 3/8 in.

IRVING NORMAN

LOUISE BOURGEOIS - Sin título - holograma en vidrio (holograma único del conjunto 23) - 10 3/4 x 13 3/4 pulg.

LOUISE BOURGEOIS

ANDY WARHOL - George - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL

HERB ALPERT - Luna de Brasil - acrílico sobre lienzo - 36 x 72 pulg.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Brasilian Mist - acrílico sobre lienzo - 36 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Aislamiento - acrílico sobre lienzo - 36 x 60 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Fractured Memories - acrílico sobre lienzo - 60 x 36 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Just a Dream Away - acrílico sobre lienzo - 60 x 36 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - El observador - acrílico sobre lienzo - 60 x 36 pulg.

HERB ALPERT

MICAELA AMATO - Chica de Camerún - vidrio fundido - 16 x 12 x 10 1/2 in.

MICAELA AMATO

JEAN MANNHEIM - Antes de la tormenta - óleo sobre tabla - 12 x 15 1/2 pulg.

JEAN MANNHEIM

WILLEM DE KOONING - Para Lisa - litografía - 17 1/2 x 23 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

HERB ALPERT - En el Ballet - acrílico sobre lienzo - 48 x 48 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Conexión - acrílico sobre lienzo - 36 x 48 in.

HERB ALPERT

CARLOS LUNA - Sin titulo - técnica mixta sobre papel - 22 1/2 x 30 1/4 in.

CARLOS LUNA

DAVID MORRIS - Horn Plenty 2 - polímero niquelado sobre una base de piedra fundida - 18 1/2 x 9 1/4 x 11 in.

DAVID MORRIS

CARLOS LUNA - Sin título - técnica mixta sobre papel - 30 x 22 1/2 in.

CARLOS LUNA

JOSEF ALBERS - Formulación: Articulación - serigrafía - izquierda: 10 x 12 3/8 in. ea.

JOSEF ALBERS

GEORGE ORTMAN - Ten Works X Ten Painters - serigrafía - 24 x 20 in.

GEORGE ORTMAN

IRVING NORMAN - El Circo, Equilibrio del acto 2 (un estudio) - lápiz sobre papel - 11 x 9 in.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - El circo, El acto de equilibrio 2a (un estudio) - lápiz sobre papel - 11 x 9 pulgadas.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Posible estudio para "La Inmortalidad de la 9ª Sinfonía de Beethoven") - lápiz sobre papel - 14 x 11 in.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Cuerpos en la Cripta) - lápiz sobre papel - 7 1/2 x 3 7/8 in.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Estudio de la Guerra) - grafito sobre papel - 6 x 3 1/2 pulgadas.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Cuerpos) - lápiz sobre papel - 6 3/4 x 2 in.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Hombre Fumador) - bolígrafo sobre papel - 8 7/8 x 6 pulgadas.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Hombre con Pájaro de Fuego) - grafito y lápiz sobre papel - 12 x 8 7/8 pulg.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Posible estudio para "Celebración") - grafito sobre papel - 4 7/8 x 3 in.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Posible estudio para "Desde el trabajo") - lápiz sobre papel - 11 x 14 in.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Cabeza con fuego) - grafito y lápiz sobre papel - 12 x 8 7/8 pulgadas.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Posible estudio para "Desde el trabajo") - lápiz sobre papel - 11 x 14 in.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Abstract Heads) - bolígrafo sobre papel - 8 7/8 x 6 in.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Posible estudio para "La Inmortalidad de la 9ª Sinfonía de Beethoven" 2) - grafito sobre papel - 14 x 11 in.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Cuatro cabezas) - grafito sobre papel - 5 x 3 1/2 pulgadas.

IRVING NORMAN

IRVING NORMAN - Sin título (Posible estudio para "Desde el trabajo") - grafito sobre papel - 5 x 3 1/2 pulgadas.

IRVING NORMAN

EN LAS NOTICIAS

SERVICIOS

Heather James Fine Art ofrece una amplia gama de servicios basados en el cliente que se adaptan a sus necesidades específicas de coleccionismo de arte. Nuestro equipo de operaciones está formado por gestores profesionales de arte, un departamento de registro completo y un equipo logístico con amplia experiencia en el transporte, instalación y gestión de colecciones de arte. Con servicio de guante blanco y atención personalizada, nuestro equipo hace todo lo posible para garantizar servicios artísticos excepcionales para nuestros clientes.

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CONÓCENOS

ARTE DESTACADO

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GEORGIA O'KEEFFE

DIEGO RIVERA - Retrato de Enriqueta G. Dávila - óleo sobre lienzo - 79 1/8 x 48 3/8 in.

DIEGO RIVERA

WILLEM DE KOONING - Mujer en un bote de remos - óleo sobre papel colocado sobre masonita - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

TOM WESSELMANN

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

WAYNE THIEBAUD

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - lienzo al óleo - 31 1/4 x 39 1/2 in.

ALFRED SISLEY

EMIL NOLDE - Sonnenblumen, Abend II - óleo sobre lienzo - 26 1/2 x 35 3/8 in.

EMIL NOLDE

ALEXANDER CALDER - La Cruz - óleo sobre lienzo - 28 3/4 x 36 1/4 in.

ALEXANDER CALDER

A principios de la década de 1870, Winslow Homer pintaba con frecuencia escenas de la vida en el campo cerca de una pequeña aldea agrícola famosa durante generaciones por sus notables plantaciones de trigo, situada entre el río Hudson y los Catskills, en el estado de Nueva York. Hoy en día Hurley es mucho más famoso por haber inspirado una de las mayores obras de Homer, Snap the Whip (Chasquear el látigo), pintada el verano de 1872. Entre los muchos otros cuadros inspirados en la región, Muchacha de pie en el campo de trigo es rico en sentimientos, pero no demasiado sentimentalista. Está directamente relacionado con un estudio de 1866 pintado en Francia y titulado In the Wheatfields (En los campos de trigo), y con otro pintado al año siguiente de su regreso a América. Pero, sin duda, Homero se habría sentido más orgulloso de éste. Se trata de un retrato, un estudio de vestuario, un cuadro de género en la gran tradición de la pintura pastoril europea, y un espectacular tour de force atmosférico a contraluz, impregnado de la luz de las horas crepusculares que se desvanece rápidamente, animado con notas lambiscentes y floridas y toques de espigas de trigo. En 1874, Homer envió cuatro cuadros a la exposición de la Academia Nacional de Diseño. Uno se titulaba "Muchacha". ¿No podría ser éste?

WINSLOW HOMER

FRIDA KAHLO - La hoz y el martillo (y el bebé no nacido) - yeso seco y técnica mixta - 16 1/4 x 13 x 6 in.

FRIDA KAHLO

N.C. WYETH - Verano. "Hush" - óleo sobre lienzo - 33 3/4 x 30 1/4 in.

N.C. WYETH

SEAN SCULLY - Rojo Gris - óleo sobre aluminio - 85 x 75 in.

SEAN SCULLY

El mundo de Marc Chagall no puede ser contenido ni limitado por las etiquetas que le ponemos. Es un mundo de imágenes y significados que forman su propio discurso espléndidamente místico. Les Mariés sous le baldaquin (Los novios bajo el baldaquín) fue iniciado cuando el artista entraba en su nonagésimo año, un hombre que había conocido la tragedia y la lucha, pero que nunca olvidó los momentos de placer arrebatador de la vida. Aquí, las delicias de ensueño de una boda en un pueblo ruso, con sus arreglos de asistentes bien vestidos, se nos presentan con un ingenio tan feliz y una inocencia tan alegre que no hay quien se resista a su encanto. Utilizando una emulsión de tonos dorados que combina óleo y aguada opaca al agua, la calidez, la alegría y el optimismo del positivismo habitual de Chagall se envuelven en un resplandor luminoso que sugiere la influencia de los iconos religiosos dorados o de la pintura del Renacimiento temprano que pretendía transmitir la impresión de luz divina o iluminación espiritual. Utilizar una combinación de óleo y gouache puede ser todo un reto. Pero aquí, en Les Mariés sous le baldaquin, Chagall lo emplea para dar a la escena una calidad de otro mundo, casi como si acabara de materializarse a partir del ojo de su mente. La delicadeza de su textura crea la impresión de que la luz emana de la propia obra y confiere un carácter espectral a las figuras que flotan en el cielo.

MARC CHAGALL

ANISH KAPOOR - Halo - acero inoxidable - 120 x 120 x 27 in.

ANISH KAPOOR

TOM WESSELMANN - Dormitorio moreno con lirios - óleo sobre aluminio recortado - 105 3/4 x 164 5/8 pulg.

TOM WESSELMANN

MARSDEN HARTLEY - Bach Preludes et Fugues No. 1 (Tema musical) - óleo sobre lienzo colocado sobre tabla - 28 1/2 x 21 in.

MARSDEN HARTLEY

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

PABLO PICASSO

El Retrato de Sylvie Lacombe de Théo van Rysselberghe, pintado en 1906, es una obra maestra clásica de uno de los retratistas más refinados y coherentes de su época. El color es armonioso, la pincelada vigorosa y adaptada a su tarea material, su cuerpo y su semblante verdaderos y reveladores. La modelo es la hija de su buen amigo, el pintor Georges Lacombe, que compartió una estrecha asociación con Gauguin y fue miembro de Les Nabis con los artistas Bonnard, Denis y Vuillard, entre otros. Ahora conocemos a Sylvie Lacombe porque Van Rysselberghe es muy hábil en la representación de sutiles expresiones faciales y, a través de una cuidadosa observación y atención al detalle, nos ha proporcionado una visión de su mundo interior. Ha elegido una mirada directa, sus ojos a los tuyos, un pacto ineludible entre sujeto y espectador independientemente de nuestra relación física con el cuadro. Van Rysselberghe había abandonado en gran medida la técnica puntillista cuando pintó este retrato. Sin embargo, siguió aplicando las directrices de la teoría del color, utilizando tintes rojos -rosas y malvas- frente a verdes para crear una armoniosa paleta ameliorada de colores complementarios a la que añadió un fuerte acento para atraer la mirada: un lazo rojo intensamente saturado colocado asimétricamente a un lado de la cabeza.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

N.C. WYETH

No es difícil comprender cómo la brillante disposición en dos filas de cuatro letras de Robert Indiana llegó a contribuir a potenciar un movimiento durante la década de 1960. Su origen surgió de una profunda exposición a la religión y de su amigo y mentor Ellsworth Kelly, cuyo estilo de bordes duros y color sensual y sin acentos causó una impresión duradera. Pero como Indiana exclamó, fue un momento de kismet que simplemente sucedió cuando "¡EL AMOR me mordió!" y el diseño le llegó nítido y centrado. Indiana, por supuesto, sometió el diseño a muchas pruebas, y entonces el logotipo empezó a brotar por todas partes. El mensaje, que se transmite mejor en forma de escultura, está presente en ciudades de todo el mundo y se ha traducido a varios idiomas, entre ellos su iteración italiana, "Amor", con su fortuita "O" también inclinada hacia la derecha. Pero en lugar de ser pateada por el pie de la "L", esta versión confiere a la "A" superior un efecto de tambaleo bellamente escenificado. Da una impresión nueva, pero no menos profunda, del amor y de su naturaleza emocionalmente cargada.  En cualquier caso, la "O" inclinada de Love imparte inestabilidad a un diseño por lo demás estable, una profunda proyección de la crítica implícita de Indiana al "sentimentalismo a menudo hueco asociado con la palabra, que metafóricamente sugiere anhelo y decepción no correspondidos en lugar de afecto sacarino" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, 24 de mayo de 2018). La repetición, por supuesto, tiene la mala costumbre de empañar nuestro aprecio por el genio de la simplicidad y el diseño innovador. A finales de su vida, Indiana se lamentó de que "fue una idea maravillosa, pero también un terrible error. Se hizo demasiado popular. Y hay gente a la que no le gusta la popularidad". Pero nosotros, habitantes de un mundo plagado de divisiones y sumido en la confusión, se lo agradecemos. "Love" y sus muchas versiones nos recuerdan con fuerza nuestra capacidad de amar, y esa es nuestra mejor esperanza eterna de un futuro mejor.

ROBERT INDIANA

ADOLPH GOTTLIEB - Azimut - óleo sobre lienzo - 95 3/4 x 144 1/4 in.

ADOLPH GOTTLIEB

FRANK STELLA - The Musket - técnica mixta sobre aluminio - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 in.

FRANK STELLA

SALOMON VAN RUYSDAEL - Un paisaje de dunas con figuras descansando y una pareja a caballo, una vista de la catedral de Nimega más allá - óleo sobre lienzo - 26 1/2 x 41 1/2 pulg.

SALOMON VAN RUYSDAEL

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Paisaje fluvial con molino de viento y capilla - óleo sobre tabla - 22 1/2 x 31 3/4 pulg.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronce y bloque de hormigón - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

JOAN MIRO

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