Désert de palmier

EXPOSITIONS ŒUVRES D'ART EXPOSÉES ACTUALITES SERVICES

Notre galerie à Palm Desert est située au centre de la région de Palm Springs en Californie, à côté de la zone commerçante et salle à manger populaire d'El Paseo. Notre clientèle apprécie notre sélection d'art d'après-guerre, moderne et contemporain. Le temps magnifique pendant les mois d'hiver attire les visiteurs de partout dans le monde pour voir notre beau désert, et s'arrêter à notre galerie. Le paysage désertique montagneux à l'extérieur offre la toile de fond panoramique parfaite à la fête visuelle qui vous attend à l'intérieur.

45188, avenue Portola
Palm Desert, Californie 92260
(760) 346-8926

Heures d'ouverture :
du lundi au vendredi de 9h à 17h

Expositions

AFFICHER TOUS LES

Des fleurs pour le printemps, un coup de pied dans la fourmilière

COURANT

Des fleurs pour le printemps, un coup de pied dans la fourmilière

8 mai - 30 novembre 2023

Premier cercle : Les cercles dans l

COURANT

Premier cercle : Les cercles dans l'art

14 février - 31 août 2023

Pop Art : Can't Buy My Love

COURANT

Pop Art : Can't Buy My Love

Du 26 janvier au 31 juillet 2023

Le sang de votre cœur : Intersections de l

COURANT

Le sang de votre cœur : Intersections de l'art et de la littérature

12 septembre 2022 - 30 septembre 2023

Plus que de la vie : Dialogues impressionnistes de Monet et au-delà

COURANT

Plus que de la vie : Dialogues impressionnistes de Monet et au-delà

17 août 2022 - 31 août 2023

Alexander Calder : Un univers de peinture

COURANT

Alexander Calder : Un univers de peinture

10 août 2022 - 31 août 2023

Papier découpé : Œuvres uniques sur papier

COURANT

Papier découpé : Œuvres uniques sur papier

27 avril 2022 - 31 octobre 2023

Polaroïds d

COURANT

Polaroïds d'Andy Warhol : Merveilles de la vie

13 décembre 2021 - 30 septembre 2023

Andy Warhol : le glamour à fleur de peau

COURANT

Andy Warhol : le glamour à fleur de peau

27 octobre 2021 - 30 septembre 2023

La Californie nous voilà : les impressionnistes californiens

COURANT

La Californie nous voilà : les impressionnistes californiens

12 juillet 2021 - 30 septembre 2023

Une belle époque : l

COURANT

Une belle époque : l'art américain à l'âge d'or

24 juin 2021 - 31 août 2023

COURANT

C'était acceptable dans les années 80

27 avril 2021 - 31 août 2023

Motifs et décorations : Féminisme et amitié

COURANT

Motifs et décorations : Féminisme et amitié

14 septembre 2020 - 30 septembre 2023

Le parc Jae Kon : La vie et la racine

COURANT

Le parc Jae Kon : La vie et la racine

12 mars 2020 - 30 septembre 2023

Irving Norman : Matière noire

COURANT

Irving Norman : Matière noire

27 novembre 2019 - 30 septembre 2023

Rencontre avec la vie : N.C. Wyeth et les fresques de MetLife

ARCHIVES

Rencontre avec la vie : N.C. Wyeth et les fresques de MetLife

18 juillet 2022 - 25 avril 2023

N.C. Wyeth : Une décennie de peinture

ARCHIVES

N.C. Wyeth : Une décennie de peinture

29 septembre 2022 - 31 mars 2023

Paul Jenkins : Colorer le phénomène

ARCHIVES

Paul Jenkins : Colorer le phénomène

27 décembre 2019 - 31 mars 2023

Herb Alpert : Conversations chuchotées

ARCHIVES

Herb Alpert : Conversations chuchotées

7 mars - 13 mars 2023

Georgia O

ARCHIVES

Georgia O'Keeffe et Marsden Hartley : Esprits modernes

1er février 2022 - 28 février 2023

Sculpture pour les sens : Sculpture en plein air

ARCHIVES

Sculpture pour les sens : Sculpture en plein air

4 août 2021 - 28 février 2023

Norman Zammitt : La progression de la couleur

ARCHIVES

Norman Zammitt : La progression de la couleur

19 mars 2020 - 28 février 2023

Maîtres figuratifs des Amériques

ARCHIVES

Maîtres figuratifs des Amériques

Du 4 janvier au 12 février 2023

Tout le monde a besoin d

ARCHIVES

Tout le monde a besoin d'une fantaisie : Le Pop Art en Amérique

7 juin 2021 - 31 janvier 2023

James Rosenquist : une explosion de puissance

ARCHIVES

James Rosenquist : une explosion de puissance

7 juin 2021 - 31 janvier 2023

Expressionnisme abstrait : Transcender le radical

ARCHIVES

Expressionnisme abstrait : Transcender le radical

12 janvier 2022 - 31 janvier 2023

Des vacances pétillantes : L

ARCHIVES

Des vacances pétillantes : L'art pour tous

15 décembre 2022 - 7 janvier 2023

Le don de l

ARCHIVES

Le don de l'art

24 novembre 2022 - 7 janvier 2023

Ma propre peau : Frida Kahlo et Diego Rivera

ARCHIVES

Ma propre peau : Frida Kahlo et Diego Rivera

Du 16 juin au 31 décembre 2022

Abstraction noire : Felandus Thames, Rodney McMillian, Sam Gilliam, et Theaster Gates

ARCHIVES

Abstraction noire : Felandus Thames, Rodney McMillian, Sam Gilliam, et Theaster Gates

Mai 2020 - Décembre 2022

Josef Albers : Le cœur de la peinture

ARCHIVES

Josef Albers : Le cœur de la peinture

12 mai - 30 novembre 2022

Expressionnisme abstrait : Les femmes persistantes

ARCHIVES

Expressionnisme abstrait : Les femmes persistantes

1er novembre 2021 - 31 août 2022

Opulence subtile

ARCHIVES

Opulence subtile

8 septembre 2021 - 31 août 2022

Alexander Calder : Peindre le cosmos

ARCHIVES

Alexander Calder : Peindre le cosmos

Du 2 mars au 12 août 2022

Un État invisible : Les artistes asiatiques-américains et l

ARCHIVES

Un État invisible : Les artistes asiatiques-américains et l'abstraction

23 avril 2020 - 30 juin 2022

Le reste est si beau : L

ARCHIVES

Le reste est si beau : L'art contemporain et la Chine

12 mai 2020 - 30 juin 2022

La matière Mercedes : Une qualité miraculeuse

ARCHIVES

La matière Mercedes : Une qualité miraculeuse

22 mars 2021 - 30 juin 2022

Moore ! Moore ! Moore ! Henry Moore et la sculpture

ARCHIVES

Moore ! Moore ! Moore ! Henry Moore et la sculpture

3 mars 2021 - 30 avril 2022

Nature morte, Nature morte

ARCHIVES

Nature morte, Nature morte

10 avril 2020 - 30 avril 2022

Elaine et Willem de Kooning : Peindre dans la lumière

ARCHIVES

Elaine et Willem de Kooning : Peindre dans la lumière

3 août 2021 - 31 janvier 2022

Polaroïds d

ARCHIVES

Polaroïds d'Andy Warhol : Ars Longa

10 décembre 2020 - 31 décembre 2021

Polaroïds d'Andy Warhol : Moi, moi et moi

ARCHIVES

Polaroïds d'Andy Warhol : Moi, moi et moi

10 décembre 2020 - 31 décembre 2021

Polaroïds d

ARCHIVES

Polaroïds d'Andy Warhol : Tout ce qui brille

10 décembre 2020 - 31 décembre 2021

Polaroïds d

ARCHIVES

Polaroïds d'Andy Warhol : Apportez-le sur la piste

10 décembre 2020 - 31 décembre 2021

Maurice Golubov

ARCHIVES

Maurice Golubov

1er octobre 2020 - 31 décembre 2021

American Eye : Sélections de la collection Pardee

ARCHIVES

American Eye : Sélections de la collection Pardee

28 février - 31 décembre 2021

ARCHIVES

L'école cool

30 mars 2020 - 31 décembre 2021

Le modernisme juif - Partie 2 : La figuration de Chagall à Norman

ARCHIVES

Le modernisme juif - Partie 2 : La figuration de Chagall à Norman

30 avril 2020 - 31 décembre 2021

Nos œuvres les plus vues du mois

ARCHIVES

Nos œuvres les plus vues du mois

14 octobre - 14 novembre 2021

La collection Gloria Luria

ARCHIVES

La collection Gloria Luria

16 mars 2020 - 31 octobre 2021

Vincent van Gogh et les grands impressionnistes du Grand Boulevard

ARCHIVES

Vincent van Gogh et les grands impressionnistes du Grand Boulevard

Du 2 mars au 10 août 2021

Imprimés modernes

ARCHIVES

Imprimés modernes

26 décembre 2020 - 19 juin 2021

Pop Figures : Mel Ramos et Tom Wesselmann

ARCHIVES

Pop Figures : Mel Ramos et Tom Wesselmann

26 mars 2020 - 30 avril 2021

La ligne radicale

ARCHIVES

La ligne radicale

11 avril 2020 - 31 janvier 2021

Herb Alpert : Travaux récents

ARCHIVES

Herb Alpert : Travaux récents

28 septembre - 13 décembre 2020

Les joyaux de l

ARCHIVES

Les joyaux de l'impressionnisme et de l'art moderne

19 février - 31 octobre 2020

Cool Britannia : Les jeunes artistes britanniques

ARCHIVES

Cool Britannia : Les jeunes artistes britanniques

2 avril - 30 septembre 2020

Opportunités hebdomadaires

ARCHIVES

Opportunités hebdomadaires

26 juin - 31 août 2020

Theophilus Brown et Paul Wonner : Vus à travers différents objectifs

ARCHIVES

Theophilus Brown et Paul Wonner : Vus à travers différents objectifs

1er novembre 2019 - 31 juillet 2020

Hassel Smith : Les tableaux mesurés

ARCHIVES

Hassel Smith : Les tableaux mesurés

12 février - 20 avril 2020

Mesa Modern

ARCHIVES

Mesa Modern

13 février - 29 février 2020

Les Californiens

ARCHIVES

Les Californiens

1er novembre 2019 - 14 février 2020

Minimalisme opulent

ARCHIVES

Minimalisme opulent

3 décembre 2019 - 31 janvier 2020

Paul Jenkins et Robert Natkin

ARCHIVES

Paul Jenkins et Robert Natkin

Du 1er novembre au 27 décembre 2019

Morris Louis - Les premières peintures

ARCHIVES

Morris Louis - Les premières peintures

11 octobre - 30 novembre 2019

Sur la ligne de partage des pouvoirs : Paysages américains de John Philip Falter à Barbara Kruger

ARCHIVES

Sur la ligne de partage des pouvoirs : Paysages américains de John Philip Falter à Barbara Kruger

5 septembre - 2 novembre 2019

Anselm Kiefer

ARCHIVES

Anselm Kiefer

15 août - 30 septembre 2019

Paul Jenkins : Phénoménal

ARCHIVES

Paul Jenkins : Phénoménal

Du 1er juillet au 31 août 2019

Peter Shelton : Une chose que vous rencontrez

ARCHIVES

Peter Shelton : Une chose que vous rencontrez

Du 16 juillet au 31 août 2019

La succession de Paul Wonner et William Theophilus Brown

ARCHIVES

La succession de Paul Wonner et William Theophilus Brown

21 juillet - 31 août 2019

Threads of Curiosity : Sélection d

ARCHIVES

Threads of Curiosity : Sélection d'une importante collection du Midwest

22 juillet - 31 août 2019

Matériau et abstraction : Theaster Gates, Sam Gilliam et Rodney McMillian

ARCHIVES

Matériau et abstraction : Theaster Gates, Sam Gilliam et Rodney McMillian

Du 25 juillet au 31 août 2019

Alexander Calder: Abstraction cosmique

ARCHIVES

Alexander Calder: Abstraction cosmique

21 juin - 30 août 2019

Julian Schnabel

ARCHIVES

Julian Schnabel

4 juin - 31 juillet 2019

Hassel Smith (en)

ARCHIVES

Hassel Smith (en)

6 mai - 30 juin 2019

Luc Bernard : Frontières non conventionnelles

ARCHIVES

Luc Bernard : Frontières non conventionnelles

3 mai - 31 mai 2019

Sam Francis: Du crépuscule à l

ARCHIVES

Sam Francis: Du crépuscule à l'aube

15 novembre 2018 - 29 avril 2019

Paysages architecturaux

ARCHIVES

Paysages architecturaux

1 er 2018 - 31 janvier 2019

Gregory Sumida: Americana

ARCHIVES

Gregory Sumida: Americana

5 avril - 31 mai 2018

N.C. Wyeth: Peintures et illustrations

ARCHIVES

N.C. Wyeth: Peintures et illustrations

1er février - 31 mai 2018

Herb Alpert: Une mélodie visuelle

ARCHIVES

Herb Alpert: Une mélodie visuelle

17 février - 31 mai 2018

Abstraction Sublime

ARCHIVES

Abstraction Sublime

25 novembre 2017 - 31 mai 2018

Les peintures de Sir Winston Churchill

ARCHIVES

Les peintures de Sir Winston Churchill

21 mars - 30 mai 2018

Edward S. Curtis (en)

ARCHIVES

Edward S. Curtis (en)

3 février - 17 mars 2018

Fangor Wojciech

ARCHIVES

Fangor Wojciech

25 novembre 2017 - 17 mars 2018

Ferrari et Futuristes : Un regard italien sur la vitesse

ARCHIVES

Ferrari et Futuristes : Un regard italien sur la vitesse

21 novembre 2016 - 30 janvier 2017

Alexandre Calder

ARCHIVES

Alexandre Calder

21 novembre 2015 - 28 mai 2016

Maîtres de l

ARCHIVES

Maîtres de l'impressionnisme californien

22 novembre 2014 - 23 mai 2015

Lawrence Schiller : Marilyn Monroe et Les grands moments des années 60

ARCHIVES

Lawrence Schiller : Marilyn Monroe et Les grands moments des années 60

23 novembre 2012 - 31 janvier 2013

Painterly Abstraction : Sphères d

ARCHIVES

Painterly Abstraction : Sphères d'AbEx

25 novembre 2011 - 31 mai 2012

Washi Tales : Oeuvres de Kyoko Ibe

ARCHIVES

Washi Tales : Oeuvres de Kyoko Ibe

11 décembre 2011 - 28 janvier 2012

Maîtres de l

ARCHIVES

Maîtres de l'impressionnisme et de l'art moderne

Du 20 novembre 2010 au 25 septembre 2011

Picasso

ARCHIVES

Picasso

Du 20 novembre 2009 au 25 mai 2010

OEUVRED-ŒUVRE SUR LA VUE

AFFICHER TOUS LES

Le 15 mai 1886, le manifeste visuel d'un nouveau mouvement artistique a vu le jour lorsque Georges Seurat a dévoilé son œuvre phare, Un dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte, à l'occasion de la huitième exposition impressionniste. Seurat peut se targuer d'être le premier "impressionniste scientifique", travaillant d'une manière qui sera connue sous le nom de pointillisme ou de divisionnisme. C'est cependant son ami et confident, Paul Signac, âgé de 24 ans, et leur dialogue constant qui ont conduit à une collaboration dans la compréhension de la physique de la lumière et de la couleur, et au style qui en a résulté. Signac était un peintre impressionniste sans formation, mais extrêmement talentueux, dont le tempérament était parfaitement adapté à la rigueur et à la discipline requises pour réaliser le travail laborieux et minutieux du pinceau et de la couleur. Signac assimile rapidement la technique. Il est également le témoin des deux années de travail ardu de Seurat, qui construit des myriades de couches de points de couleur non mélangés sur La Grande Jatte, une toile aux dimensions colossales. Ensemble, Signac, l'extraverti effronté, et Seurat, l'introverti secret, étaient sur le point de renverser le cours de l'impressionnisme et de changer le cours de l'art moderne.

PAUL SIGNAC

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GÉORGIE O'KEEFFE

DIEGO RIVERA - Portrait de Enriqueta G. Dávila - huile sur toile - 79 1/8 x 48 3/8 in.

RIVERA DIEGO

WILLEM DE KOONING - Femme dans une barque - huile sur papier couché sur masonite - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

WAYNE THIEBAUD

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - huile sur toile - 31 1/4 x 39 1/2 in.

ALFRED SISLEY

EMIL NOLDE - Sonnenblumen, Abend II - huile sur toile - 26 1/2 x 35 3/8 in.

EMIL NOLDE

Au début des années 1870, Winslow Homer a souvent peint des scènes de la vie à la campagne près d'un petit hameau agricole réputé depuis des générations pour ses remarquables champs de blé, situé entre la rivière Hudson et les Catskills, dans l'État de New York. Aujourd'hui, Hurley est bien plus célèbre pour avoir inspiré l'une des plus grandes œuvres d'Homer, Snap the Whip, peinte au cours de l'été 1872. Parmi les nombreuses autres peintures inspirées par la région, Girl Standing in the Wheatfield est riche en sentiments, mais sans sentimentalisme excessif. Elle est directement liée à une étude peinte en France en 1866 et intitulée In the Wheatfields (Dans les champs de blé), ainsi qu'à une autre étude peinte l'année suivante, après son retour en Amérique. Mais Homère aurait sans doute été le plus fier de celle-ci. Il s'agit d'un portrait, d'une étude de costume, d'une peinture de genre dans la grande tradition de la peinture pastorale européenne, et d'un tour de force atmosphérique dramatiquement rétro-éclairé, imprégné de la lumière de l'heure qui s'estompe rapidement, avec des notes lambda et fleuries et des touches d'épis de blé. En 1874, Homer a envoyé quatre tableaux à l'exposition de la National Academy of Design. L'une d'entre elles était intitulée "Girl". Ne serait-ce pas celle-ci ?

WINSLOW HOMER

FRIDA KAHLO - Hammer and Sickle (and unborn baby) - plâtre sec et techniques mixtes - 16 1/4 x 13 x 6 in.

KAHLO FRIDA

N.C. WYETH - Été. "Hush" - huile sur toile - 33 3/4 x 30 1/4 in.

N.C. WYETH

SEAN SCULLY - Grey Red - huile sur aluminium - 85 x 75 in.

SEAN SCULLY (EN)

Le monde de Marc Chagall ne peut être contenu ou limité par les étiquettes que nous lui attachons. C'est un monde d'images et de significations qui forment leur propre discours splendidement mystique. Les Mariés sous le baldaquin a été entrepris alors que l'artiste entrait dans sa 90e année, un homme qui avait connu la tragédie et le conflit, mais qui n'avait jamais oublié les moments de plaisir de la vie. Ici, les délices rêveurs d'un mariage dans un village russe, avec ses arrangements de participants bien rodés, nous sont présentés avec un esprit si joyeux et une innocence si gaie qu'il est impossible de résister à son charme. En utilisant une émulsion dorée combinant l'huile et la gouache opaque à base d'eau, la chaleur, le bonheur et l'optimisme du positivisme habituel de Chagall sont enveloppés d'un éclat lumineux suggérant l'influence des icônes religieuses à feuilles d'or ou de la peinture du début de la Renaissance qui cherchait à donner l'impression d'une lumière divine ou d'une illumination spirituelle. L'utilisation d'une combinaison d'huile et de gouache peut s'avérer difficile. Mais ici, dans Les Mariés sous le baldaquin, Chagall l'utilise pour donner à la scène une qualité d'un autre monde, presque comme si elle venait de se matérialiser à partir de l'œil de son esprit. La finesse de sa texture donne l'impression que la lumière émane de l'œuvre elle-même et confère une qualité spectrale aux personnages qui flottent dans le ciel.

MARC CHAGALL

TOM WESSELMANN - Bedroom Brunette with Irises - huile sur aluminium découpé - 105 3/4 x 164 5/8 in.

TOM WESSELMANN

Le Portrait de Sylvie Lacombe, peint par Théo van Rysselberghe en 1906, est un chef-d'œuvre classique réalisé par l'un des portraitistes les plus raffinés et les plus cohérents de son époque. La couleur est harmonieuse, le pinceau vigoureux et adapté à sa tâche matérielle, son corps et son visage sont vrais et révélateurs. La personne représentée est la fille de son grand ami, le peintre Georges Lacombe, qui a partagé une association étroite avec Gauguin et a été membre des Nabis avec les artistes Bonnard, Denis et Vuillard, entre autres. Si nous connaissons aujourd'hui Sylvie Lacombe, c'est grâce à l'habileté de Van Rysselberghe à rendre les subtiles expressions du visage et, par une observation minutieuse et un souci du détail, à donner un aperçu de son monde intérieur. Il a choisi un regard direct, ses yeux vers les vôtres, une alliance inéluctable entre le sujet et le spectateur, quelle que soit notre relation physique avec le tableau. Van Rysselberghe avait largement abandonné la technique pointilliste lorsqu'il a peint ce portrait. Mais il a continué à appliquer les principes de la théorie des couleurs en utilisant des teintes de rouge - roses et mauves - contre des verts pour créer une palette harmonieuse et améliorée de couleurs complémentaires à laquelle il a ajouté un accent fort pour attirer le regard - un nœud rouge intensément saturé posé de manière asymétrique sur le côté de sa tête.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

ROBERT INDIANA (EN)

Maître incontesté du mouvement néo-impressionniste belge en plein essor à partir de 1887, Théo van Rysselberghe a peint ce portrait de sa femme, Maria (née Monnom), au cours de la première décennie du XXe siècle. Après avoir subi l'influence du tonalisme de Whistler, de l'impressionnisme et du pointillisme de Seurat, il a perfectionné une compréhension très raffinée de la couleur et de ses résonances harmoniques, ainsi qu'un rendu méticuleux des éléments formels. Dessinateur exemplaire, les impressions optiques basées sur les interactions entre les couleurs sont restées l'une des principales préoccupations de Van Rysselberghe. Ici, de courtes touches de couleur ont remplacé les petits points d'un pointilliste, et la palette de couleurs n'est pas homogène et harmonieuse, comme le veut la réputation bien méritée de l'artiste. Au contraire, ce portrait fait progresser la théorie des couleurs d'une manière tout à fait différente. Son intérêt visuel repose sur les contrastes dynamiques de la coiffure argentée de sa femme, de sa robe couleur platine et du manteau de cheminée d'un blanc immaculé, le tout mis en scène dans l'éclat optique de l'environnement dominé par des rouges et des verts complémentaires. Il s'agit d'une démonstration visuellement stimulante d'un peintre qui a compris l'impact dynamique de cette combinaison de couleurs inhabituelle et qui a disposé le modèle avec un fort accent sur une diagonale et a exécuté la formule avec l'art et l'agilité d'un peintre en pleine possession de ses moyens picturaux.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

SERGIO DE CAMARGO - Relief Opus 194 - bois peint - 22 3/4 x 14 1/4 x 2 3/4 in.

SERGIO DE CAMARGO

Irving Norman's masterpiece, "The Human Condition," from 1980, draws upon the artist's lifetime of acquired experiences and knowledge. Surviving as a volunteer fighter during the Spanish Civil War, the artist returned to the United States after the loyalist defeat. Upon his return, fervent studio practice in Half Moon Bay, California, would become his life's devotion. <br><br>The present work, a nearly 16-foot-wide triptych, is reminiscent of Hieronymus Bosch's triptych, "The Garden of Earthly Delights," c. 1510. The dystopian vision portrayed in 'The Human Condition" is a warning - a lesson from the European dictatorships Norman experienced firsthand during the 1930s. Disturbing tableaus show the darkness of humanity and the evil that can rise to prominence when humanity is at its worst. There is hope, however, in the experience of the viewer: Norman thought of his audience as the greatest hope for humankind.

IRVING NORMAN (EN)

JAMES ROSENQUIST - Vanity Unfair pour Gordon Matta Clark - huile sur toile - 62 3/4 x 43 x 2 3/4 in.

JAMES ROSENQUIST

Over his six-decade career, David Hockney reinvigorated the role of the representational artist by continually responding to his surroundings and embracing new forms of picture making. He was an early adaptor of technological advances such as Polaroid film, color photocopiers, and fax machines. He has also been the painter capable of reading the brushstrokes of Vermeer, Caravaggio, Velázquez, and Ingres and assert confidently that they too, relied upon instruments such as the camera obscura to trace out their pictures. <br><br>Beginning in 2009, Hockney exploited the drawing and painting applications of an iPad. Using its range of digital brushstrokes, color effects, and working with textures, dots, lines, and scribbles. his idiosyncratic perception of the natural world had never been more fully realized. Nor has he been more popular or credible in providing the blissful if guilty pleasure we feel in the presence of these works. When the Metropolitan Museum hosted his 2017 retrospective, visually stunning iPad paintings were chosen as the grand finale for one of their most memorable exhibitions in recent history. <br><br>Yosemite II, October 16th, 2011, is a monumental work and among the largest of the “Yosemite Suite” of some two dozen iPad ‘paintings’ that extends our appreciation of the breadth of Hockney’s fascination with the American West. He is the artist who made sun-splashed swimming pools de rigueur symbols of California culture. That he dared join the ranks of artists such as Albert Bierstadt and Ansel Adams, known for their dramatic lighting, atmospheric effects, and Yosemite’s awe-inspiring scale is a measure of Hockney’s self-professed certainly that this art is now, and forever woven into the fabric of art history. Nothing makes this claim more valid than his rejection of a single vanishing point perspective that has dominated Western art since the Renaissance. Hockney has often cited Meindert Hobbema’s painting The Avenue at Middelbarnis of 1689 as an apt demonstration of the dynamic impact of contrasting vanishing points: the first, a road that recedes to a vanishing point, and another in the sky, where the eye is led upward because of the verticality of the trees. Yosemite II, October 16th, 2011 presents as a similarly immersive experience for the viewer, no longer the passive observer, but instead, the active participant impelled to consciously and simultaneously connect with multiple perspectives – the second of which presents as the white granite face of El Capitan.

DAVID HOCKNEY (EN)

ANSEL ADAMS - Thunderstorm, Yosemite Valley, CA - épreuve à la gélatine argentique - 40 1/2 x 30 3/4 in.

ANSEL ADAMS

Les figures de Nues sont librement développées autour d'une odalisque centrale d'une manière qui suggère un thème qui occupait Picasso dès 1906, celui de l'indulgence féminine dans un harem. En décrivant ses dessins tardifs, Picasso a noté que "on ne sait jamais ce qui va sortir, mais dès que le dessin commence, une histoire ou une idée naît... Je passe des heures et des heures à dessiner, à observer mes créatures et à penser aux choses folles qu'elles font... C'est très amusant, croyez-moi". Nues est évocateur de cette appréciation, un ébat en roue libre comme seul Picasso sait le faire. Parmi les nombreuses poses, la figure abrégée qui nage dans la piscine est particulièrement charmante.

PABLO PICASSO

DAMIEN HIRST - Forgotten Thoughts - papillons et vernis ménager sur toile - 68 x 68 x 1 3/8 in. (point à point)

DAMIEN HIRST

FRANK STELLA - Sans titre - média mixte tridimensionnel à bord, monté sur bois - 43 x 128 x 12 in.

FRANK STELLA (EN)

FERNANDO BOTERO - Ballerine - bronze - 41 x 24 x 24 in.

FERNANDO BOTERO

PIERRE BONNARD - Soleil Couchant - huile sur toile - 14 1/2 x 22 1/2 in.

PIERRE BONNARD

La réputation de Ruldof Bauer en tant que précurseur de l'abstraction non-objective est le plus souvent associée à celle de Wassily Kandinsky. Cette place sacrée parmi les plus grands artistes abstraits est bien méritée. Mais, pour le meilleur et pour le pire, la place de Bauer dans l'histoire de l'art est inextricablement liée au contrat malheureux qu'il a signé avec Soloman R. Guggenheim, avec les conseils de son ancienne amante, Hilla Rebay. Presto 10 a été créé en 1917 alors que Bauer était un habitué de la Galerie Der Sturm, la galerie berlinoise, et a probablement été exposé lors de l'une des expositions personnelles de l'artiste en 1917, 1918 et 1920. Il a probablement été exposé lors de l'une des expositions personnelles de l'artiste en 1917, 1918 et 1920. Il fait également partie des peintures choisies par Bauer et Hilla Rebay pour figurer dans l'exposition "Art of Tomorrow" de l'Exposition universelle de New York, qui a ouvert ses portes le 1er juin 1939. Elle figure dans le cinquième catalogue de la collection Solomon R. Guggenheim de peintures non-objectives.

RUDOLF BAUER

JEAN ARP - Sculpture Mythique - bronze - 25 x 9 1/2 x 12 in.

JEAN ARP

RIVIÈRES LARGES

SALOMON VAN RUYSDAEL - Paysage de dunes avec des personnages au repos et un couple à cheval, vue sur la cathédrale de Nimègue - huile sur toile - 26 1/2 x 41 1/2 in.

SALOMON VAN RUYSDAEL

Les sculptures au sol de Carl Andre sont généralement faites de carreaux de plomb, de zinc ou de cuivre incandescents. Elles se distinguent de la plupart des autres œuvres minimalistes par leur accessibilité : elles sont destinées à être parcourues à pied. Historiquement, André se situe dans la lignée de Constantin Brancusi et Henry Moore. André continue dans leur tradition de réduire le vocabulaire de la sculpture à ses formes les plus simples et vitales. Les œuvres parlent aussi de l'idée de Donald Judd d'"objets spécifiques", qui met l'accent sur l'expérience phénoménologique du spectateur et sur une exploration de la structure et de l'espace.

CARL ANDRÉ

LEROY NEIMAN - Carnaval à Venise - huile sur carton - 48 x 96 in.

LEROY NEIMAN

ALFRED SISLEY - Vaches au paturage sur les bords de la Seine - pastel sur papier - 11 1/4 x 15 1/2 in.

ALFRED SISLEY

Mel Ramos is best known for his paintings of superheroes and female nudes juxtaposed with pop culture imagery. Many of the subjects in his paintings emerge from iconic brands or cultural touchstones like Chiquita bananas, M&M bags, or Snickers. In these works, visual delight is combined with suggested edible and commercial indulgence.<br><br>Leta and the Hill Myna diverges from some of Ramos’ other nudes. Here Ramos depicts his wife, whom he spoke of as his greatest muse. Like his works depicting superheroes, Leta and the Hill Myna is imbued with mythos and lore. Myna birds are native to South Asia where some are taught to speak, often to recite religious. Furthermore, playing on his wife’s name and the avian theme, Ramos is referencing the famous tale of Leda and the Swan in which Zeus embodies a bird to rape Leda. The story has been reinterpreted throughout history, including by great artists such as Paul Cezanne, Cy Twombly and Fernando Botero. With this depiction, Ramos places himself in that same art historical lineage.

MEL RAMOS

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - pastel sur papier posé sur carton - 10 3/8 x 14 3/4 in.

PISSARRO CAMILLE

HERB ALPERT - Arrowhead - bronze - 201 x 48 x 48 po.

ALPERT HERB

On a dit des nombreuses sculptures en bronze d'Herb Albert qu'elles ressemblaient à de la "fumée gelée coulée" en raison de leurs courbes et de leur fluidité. Elles ont été qualifiées de "totems spirituels", et ce surnom est particulièrement approprié pour Freedom, une imposante sculpture en bronze de dix-sept pieds qui est l'hommage d'Albert aux valeurs et aux croyances des Amérindiens en matière de vie en harmonie avec la nature. Pleine de références à la volière, l'idée de Freedom est venue à Albert alors qu'il était assis sur une plage d'Ipanema, au Brésil, captivé par une volée d'oiseaux flottant sans effort sur les courants d'air. Un moulage de Freedom a été dédié à la ville de Malibu et placé le long de la Pacific Coast Highway à l'intersection East Rambla Vista Road.

ALPERT HERB

Membre de la légendaire association artistique Gutai qui a prospéré entre 1954 et 1972, Sadamasa Motonaga a émergé lorsque l'existentialisme surréaliste post-atomique était à la pointe du développement artistique au Japon. Pourtant, il a choisi une voie différente. Il a tourné le dos à la destruction causée par la guerre et a créé une œuvre fraîche, jubilatoire et ludique. Untitled" de 1966 est dans son style classique, qui s'est développé en même temps que les peintures dites "Veil" de Morris Louis. Il pourrait suggérer la crête brillamment éclairée, l'œil et le plumage tacheté d'un gallinacé, mais toute association de ce genre est probablement arbitraire et non intentionnelle. Il s'agit plutôt d'une démonstration brillamment réussie de l'approche avant-gardiste de Motonaga sur le Tarashikomi japonais traditionnel - la technique qui consiste à incliner la toile à différents angles pour permettre aux mélanges de résine et d'émail de couler les uns sur les autres avant que la peinture ne soit complètement sèche.

SADAMASA MOTONAGA

JOSEPH STELLA - Nu couché - huile sur toile - 50 x 52 1/2 in.

JOSEPH STELLA

FERNANDO BOTERO - Autoretrato a la manera de Velázquez - sanguine et crayon sur carton - 60 1/2 x 47 1/2 in.

FERNANDO BOTERO

MARC QUINN - Lovebomb - photo laminée sur aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

MARC QUINN

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

Parmi les nombreux totems spirituels d'Herb Albert, coulés en bronze et patinés d'un noir soyeux, rares sont ceux qui ont le caractère distinctement masculin de Warrior. Surmonté d'une couronne descendante dentelée qui pourrait aussi bien faire référence à la crête d'un oiseau de proie qu'à la coiffe d'un chef indien des Plaines, le titre de "guerrier" est une description appropriée qui évoque les attributs de la force, du courage et de l'esprit inébranlable, entre autres. À l'instar de l'œuvre d'Henry Moore, ces associations dépendent, en partie, de l'espace négatif pour créer l'impression dynamique et forte que dégage cette formidable sculpture.

ALPERT HERB

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Paysage de rivière avec un moulin à vent et une chapelle - huile sur panneau - 22 1/2 x 31 3/4 in.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronze et parpaing - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

JOAN MIRO (EN)

HELIO OITICICA - Metaesquema 69 - gouache sur papier - 17 5/8 x 21 1/8 in.

HELIO OITICICA

WILLIAM B. EGGLESTON - Sans titre (Blue Car, From Dust Bells, Vol. 11) - épreuve au pigment d'archives - 31 1/2 x 48 in.

WILLIAM B. EGGLESTON

WILLIAM B. EGGLESTON - Untitled (From Democratic Forest) - épreuve au pigment d'archivage - 31 1/2 x 48 in.

WILLIAM B. EGGLESTON

WILLIAM B. EGGLESTON - Untitled (From Election Eve) - épreuve au pigment d'archives - 32 1/2 x 48 1/4 in.

WILLIAM B. EGGLESTON

Andy Warhol est synonyme de l'art américain de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu pour ses portraits iconiques et ses produits de consommation, mêlant culture populaire et beaux-arts, redéfinissant ainsi ce que l'art pouvait être et la manière dont nous l'abordons. Si de nombreuses œuvres de Warhol ne représentent pas des personnes célèbres, ses représentations d'objets inanimés élèvent ses sujets à un niveau de célébrité. Warhol a représenté des chaussures pour la première fois au début de sa carrière, alors qu'il travaillait comme illustrateur de mode. Il est revenu à ce thème dans les années 1980, combinant sa fascination pour le consumérisme et le glamour. Dans son désir constant de fusionner la haute et la basse culture, Warhol a choisi de mettre en avant un objet aussi omniprésent que les chaussures. Le sujet peut dénoter la pauvreté ou la richesse, la fonction ou la mode. Warhol donne un aspect glamour à la pile de chaussures, en les recouvrant d'une patine de poussière de diamant brillante, brouillant encore plus le sens entre besoin utilitaire et pièce de style.

ANDY WARHOL (EN)

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

LE PHO - Fleurs - huile sur toile - 28 3/4 x 21 1/4 in.

LE PHO

RODOLFO MORALES - Sans titre - huile sur toile - 37 1/4 x 39 1/4 in.

RODOLFO MORALES

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

IRVING NORMAN - Adieu - huile sur toile - 90 x 100 po.

IRVING NORMAN (EN)

Ed Ruscha est l'un des artistes américains les plus distingués en partie pour ses explorations des symboles de l'Americana et de la relation entre le langage et l'art. La fin est un thème cinématographique que l'artiste a utilisé dans les années 1990 et 2000, apparaissant dans des peintures, des estampes et des dessins - notamment la grande peinture de 1991 au Musée d'art moderne. Abordant le passage du temps et l'obsolescence, Ruscha utilise une police de caractères archaïque et une vieille tradition cinématographique d'utilisation du texte au cinéma. Le concept d'éphémère est renforcé par les mots eux-mêmes, La Fin, et la nature du médium lui-même ; considéré comme futuriste lorsqu'il a été développé dans les années 1960, la technologie laser pour hologrammes crée également un sentiment d'impermanence lorsque les images changent avec le mouvement du spectateur. Bien qu'il y ait un mouvement inné dans les mots et les images en mouvement, ces hologrammes représentent aussi un point final - un moment transitoire figé dans le temps.

ED RUSCHA (EN)

ANSEL ADAMS - Winter Sunrise, Sierra Nevada from Lone Pine - épreuve à la gélatine argentique - 18 3/4 x 22 3/4 in.

ANSEL ADAMS

IRVING NORMAN - Totems - huile sur toile - 72 x 110 po.

IRVING NORMAN (EN)

Celebrated for his vivid use of color, grand presentations of the female figure, and skillful work in multiple media, Tom Wesselmann was one of the most influential artists to emerge from the Pop art movement during the 1960s. Originally planning a career as a cartoonist, Wesselmann quickly established himself as one of the driving forces of contemporary art in New York. Since 1983, Tom Wesselmann used enamel on cut-out steel to depict his loose and energetic, yet meticulous, sketches in the third dimension. Ranging in scale, the sculptural works are an innovative part of the artist’s oeuvre.<br><br>Wesselmann's work is included in museum collections worldwide, including the Whitney Museum of American Art, the Smithsonian American Art Museum, the Art Institute of Chicago, the Albright-Knox Art Gallery, the Museum of Modern Art in New York, the Walker Art Center, and the National Galerie, Berlin, among many others.<br><br>"Partial Monica with Hat and Beads" is from the collection of Gloria Luria, a pioneer of the art scene in Miami as an art dealer and collector. She introduced into the region artists that are today considered icons of art history: Pat Steir, David Hockney, Andy Warhol, Arakawa, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Larry Rivers, Claes Oldenburg, and many more. Luria has dedicated her life to fostering a thriving culture in the region from being a founding member and president of the Art Dealers Association of South Florida to helping bring the art fair, Art Miami, to the Miami Beach Convention Center. Her philanthropic generosity also extends to the performing arts, helping support Tanglewood and the Boston Symphony Orchestra, and the Adrienne Arsht Center for the Performing Arts and the New World Symphony.

TOM WESSELMANN

Deborah Butterfield est une sculptrice américaine, surtout connue pour ses sculptures de chevaux faites d'objets en bois, en métal et autres objets trouvés. La pièce de 1981, Untitled (Cheval), est composée de bâtons et de papier sur armature métallique. L'échelle impressionnante de cette pièce crée un effet remarquable en personne, présentant un exemple frappant du célèbre sujet de Butterfield. À l'origine, Butterfield a créé les chevaux à partir du bois et d'autres matériaux trouvés sur sa propriété à Bozeman, au Montana, et a vu les chevaux comme un autoportrait métaphorique, exploitant la résonance émotionnelle de ces formes.

DEBORAH BUTTERFIELD (EN)

Marc Newson is widely recognized as one of the most influential designers of our time. His subjects range from seemingly ordinary objects such as bicycles to groundbreaking designs in furniture and airplanes. The Philadelphia Museum of Art's 2013-2014 exhibition "Marc Newson: At Home" exposed a new American audience to Newson's futuristic aesthetic in a traditional museum setting. <br><br>"Micarta Table" (2007) uses contemporary materials, including plastic composites, to create the illusion of a traditional wood veneer surface. This blending of old and new is a hallmark of Newson's work. Examples of Newson's work can be found in museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York, The San Francisco Museum of Modern Art, and the Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum, New York City.

MARC NEWSON

HERB ALPERT - Inspiré - bronze - 100 x 20 x 12 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Concert Master - bronze - 93 x 14 in.

ALPERT HERB

Membre de la légendaire association artistique Gutai qui a prospéré entre 1954 et 1972, Sadamasa Motonaga a émergé lorsque l'existentialisme surréaliste post-atomique était à la pointe du développement artistique au Japon. Pourtant, il a choisi une voie différente. Il a tourné le dos à la destruction causée par la guerre et a créé une œuvre fraîche, jubilatoire et ludique. Untitled" de 1969 est dans son style classique, qui s'est développé en même temps que les peintures dites "Veil" de Morris Louis. Il s'agit d'une démonstration brillamment réussie de la version avant-gardiste de Motonaga sur le traditionnel Tarashikomi japonais - la technique qui consiste à incliner la toile à différents angles pour permettre aux mélanges de résine et d'émail de couler les uns sur les autres avant que la peinture ne soit complètement sèche.

SADAMASA MOTONAGA

A veteran of the battle of Verdun, Fernand Leger witnessed the horror and staggering loss of over 1 Million of his fellow countrymen during World War I. This horrific experience of fighting in the trenches of Europe left an indelible mark on the artist. The modern and mechanized aspects of this new form of warfare, with tanks, modern artillery, and gruesome tactics, inspired Leger to create some of his greatest masterpieces. <br><br>The Present drawing, executed in 1930, is a relic from the decade following the First World War. Untitled (1930) was purchased from the Katherine Kuh galley in Chicago- and has been impeccably preserved by the family of the original purchaser. It is exceedingly rare to find drawings like Untitled outside of Museum collections.

FERNAND LÉGER

"Ray Gun became a catch title for all sorts of things. Looking down on the street, I would find this angle in the shape of a ray gun everywhere. And I would collect the ray guns. They became quite an obsession."<br>-Claes Oldenburg<br><br>"Two Ray Guns" (1964) was initially sold through the venerable Sidney Janis Gallery. The work draws upon Oldenburg's keen observational sense and fascination with science fiction and popular American culture. The fascination with Ray Guns became a conceptual art practice for Oldenburg; he would not construct them in the traditional sense but instead, find objects that could be reduced into the form. Ray Gun Examples exist in plastic, bronze, plaster, and many different media. <br><br>Our example from the Ray Gun series has been in the same important American collection for many years. Several examples from this series are in prominent museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York.

CLAES OLDENBURG

ANSEL ADAMS - Aspens, Northern New Mexico - épreuve à la gélatine argentique - 15 1/4 x 19 1/4 in.

ANSEL ADAMS

CHUCK CLOSE - Autoportrait - suite de 4 hologrammes en verre - 14 x 11 in. chaque.

CHUCK FERMER

ELAINE DE KOONING - Le Matador - gouache sur papier - 7 3/4 x 9 1/2 in.

ELAINE DE KOONING

PABLO PICASSO - Fumeur à la Cigarette Blanche - aquatinte sur papier - 21 1/4 x 15 1/4 in.

PABLO PICASSO

FRANCIS CELENTANO - Peinture cinétique elliptique - acrylique sur masonite - 48 x 48 x 6 1/2 po.

FRANCIS CELENTANO

CARLOS LUNA - La Mia (1225 OC) - huile sur toile - 47 x 58 in.

CARLOS LUNA (EN)

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

IRVING NORMAN (EN)

DAMIEN HIRST - Hagia Sophia (Cathedral Series) - sérigraphie avec glacis et poussière de diamant - 47 1/4 x 47 1/4 in.

DAMIEN HIRST

ROBERTO MATTA - L'epreuve - huile sur toile - 29 1/2 x 25 1/2 in.

ROBERTO MATTA (EN)

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - bronze à patine verte - 103 1/2 x 22 x 17 in.

SETH KAUFMAN

WILLIAM WENDT - Paysage de Californie - huile sur toile - 23 1/2 x 31 3/4 in.

WILLIAM WENDT

"Interior" est l'une des compositions les plus modernes de Maurice Askenazy, évoquant l'œuvre de Bonnard ou de Vuillard. La scène intime montre une femme modèle nue, vue de profil, posant pour un peintre dans un studio ensoleillé. La porte de la salle est ouverte, donnant l'impression que le spectateur vole un aperçu d'une interaction privée entre l'artiste et le modèle. Un miroir astucieusement placé au dos de la porte ouverte révèle le reflet du peintre, que nous sommes censés prendre pour Askenazy lui-même, au travail. Askenazy prend grand soin de représenter les détails de la pièce, du pouf à motifs aux peintures encadrées sur les murs, chacune une mosaïque de couleur impressionniste.

MAURICE ASKENAZY

ANDY WARHOL - The Shadow (from Myths) - sérigraphie couleur avec poussière de diamant sur papier - 37 1/2 x 37 1/2 in.

ANDY WARHOL (EN)

ANDY WARHOL - Love - sérigraphie - 25 1/2 x 19 1/4 in.

ANDY WARHOL (EN)

FRANCISCO TOLEDO - Sans titre - Technique mixte sur papier - 8 x 10 1/4 po.

TOLÉO FRANCISCO

LEON AUGUSTIN L'HERMITTE - Etude de vieille femme - pastel et crayon sur carton - 25 1/2 x 20 1/4 in.

LÉON AUGUSTIN L'HERMITTE

LEROY NEIMAN - Cavalier équestre - technique mixte sur papier - 22 x 28 in.

LEROY NEIMAN

IMOGEN CUNNINGHAM - Le lit défait - épreuve à la gélatine argentique - 10 1/4 x 13 1/2 in.

IMOGEN CUNNINGHAM

ANDY WARHOL - Love - sérigraphie - 25 1/4 x 19 1/2 in.

ANDY WARHOL (EN)

ANDY WARHOL - Love - sérigraphie - 25 1/2 x 19 3/8 in.

ANDY WARHOL (EN)

WILLEM DE KOONING - Sans titre - Mine de plomb sur papier - 8 x 10 1/2 in.

WILLEM DE KOONING

HERB ALPERT - Balance de comptoir - bronze - 28 x 28 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Human Nature - bronze - 44 x 10 x 7 in.

ALPERT HERB

AI WEIWEI - Chaises "Fairytale" - bois - 49 x 45 x 17 1/2 in.

AI WEIWEI

ABEL GEORGE WARSHAWSKY - Arbres en Bretagne - huile sur toile - 25 1/2 x 32 in.

ABEL GEORGE WARSHAWSKY

DIEGO RIVERA - Guardante Silente De La Verdad, En El Tramo de la 'Revelacion Del Camino' - graphite sur papier couché sur carton - 22 x 22 in.

RIVERA DIEGO

ROSS BLECKNER - Sans titre - huile sur papier photographique - 37 1/2 x 24 3/4 in.

ROSS BLECKNER (EN)

HERB ALPERT - Golden Dreams - acrylique sur toile - 48 x 72 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Spellbound - acrylique sur toile - 72 x 48 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Silent Snow - acrylique sur toile - 72 x 48 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Soft Spoken - acrylique sur toile - 48 x 72 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Falling for You - acrylique sur toile - 48 x 72 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Now Hear This - acrylique sur toile - 48 x 72 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Jive Talk - acrylique sur toile - 48 x 72 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Contre le vent - acrylique sur toile - 48 x 72 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Silent Spring - acrylique sur toile - 48 x 72 in.

ALPERT HERB

EDWARD WESTON - Charis, Santa Monica - épreuve à la gélatine argentique - 9 1/2 x 7 1/2 in.

EDWARD WESTON

ANDY WARHOL - Carolina Herrera - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL (EN)

ANDY WARHOL - Andy Warhol - épreuve argentique sur gélatine - 10 x 8 in. ea.

ANDY WARHOL (EN)

IRVING NORMAN - Soudeuses, Le navire - graphite sur papier - 14 1/4 x 28 3/8 po.

IRVING NORMAN (EN)

LOUISE BOURGEOIS - Sans titre - hologramme en verre (hologramme unique de la série 23) - 10 3/4 x 13 3/4 in.

LOUISE BOURGEOIS

ANDY WARHOL - George - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL (EN)

HERB ALPERT - Brasilian Moon - acrylique sur toile - 36 x 72 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Brasilian Mist - acrylique sur toile - 36 x 72 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Isolation - acrylique sur toile - 36 x 60 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Fractured Memories - acrylique sur toile - 60 x 36 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Just a Dream Away - acrylique sur toile - 60 x 36 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - L'observateur - acrylique sur toile - 60 x 36 in.

ALPERT HERB

MICAELA AMATO - Fille du Cameroun - verre moulé - 16 x 12 x 10 1/2 in.

MICAELA AMATO (EN)

JEAN MANNHEIM - Avant la tempête - huile sur panneau - 12 x 15 1/2 in.

JEAN MANNHEIM

WILLEM DE KOONING - Pour Lisa - lithographie - 17 1/2 x 23 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

HERB ALPERT - Au ballet - acrylique sur toile - 48 x 48 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Connexion - acrylique sur toile - 36 x 48 in.

ALPERT HERB

CARLOS LUNA - Sin titulo - médias mixtes sur papier - 22 1/2 x 30 1/4 in.

CARLOS LUNA (EN)

DAVID MORRIS - Horn Plenty 2 - polymère nickelé sur une base de pierre moulée - 18 1/2 x 9 1/4 x 11 po.

DAVID MORRIS (EN)

CARLOS LUNA - Sans titre - supports mixtes sur papier - 30 x 22 1/2 in.

CARLOS LUNA (EN)

JOSEF ALBERS - Formulation : Articulation - sérigraphie - à gauche : 10 x 12 3/8 po ch.

ALBERS JOSEF

GEORGE ORTMAN - Ten Works X Ten Painters - sérigraphie - 24 x 20 po.

GEORGE ORTMAN

IRVING NORMAN - Le cirque, l'acte d'équilibre 2 (une étude) - crayon sur papier - 11 x 9 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - The Circus, The Balancing Act 2a (a Study) - crayon sur papier - 11 x 9 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (Étude possible pour "L'immortalité de la 9e symphonie de Beethoven") - crayon sur papier - 14 x 11 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (Corps en crypte) - crayon sur papier - 7 1/2 x 3 7/8 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (étude sur la guerre) - graphite sur papier - 6 x 3 1/2 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (Corps) - crayon sur papier - 6 3/4 x 2 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (Homme qui fume) - stylo sur papier - 8 7/8 x 6 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (Homme avec l'oiseau de feu) - graphite et crayon sur papier - 12 x 8 7/8 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (étude possible pour "Célébration") - graphite sur papier - 4 7/8 x 3 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (étude possible pour "From Work") - crayon sur papier - 11 x 14 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (tête avec feu) - graphite et crayon sur papier - 12 x 8 7/8 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (étude possible pour "From Work") - crayon sur papier - 11 x 14 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (têtes abstraites) - stylo sur papier - 8 7/8 x 6 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (Étude possible pour "L'immortalité de la 9e symphonie de Beethoven" 2) - graphite sur papier - 14 x 11 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (quatre têtes) - graphite sur papier - 5 x 3 1/2 in.

IRVING NORMAN (EN)

IRVING NORMAN - Sans titre (étude possible pour "From Work") - graphite sur papier - 5 x 3 1/2 in.

IRVING NORMAN (EN)

DANS LES NOUVELLES

SERVICES

Heather James Fine Art offre une vaste gamme de services à la clientèle qui répondent à vos besoins particuliers en matière de collection d'œuvres d'art. Notre équipe d'exploitation comprend des gestionnaires d'œuvres d'art professionnels, un service de registraire complet et une équipe logistique possédant une vaste expérience du transport, de l'installation et de la gestion des collections d'œuvres d'art. Avec un service de gants blancs et des soins personnalisés, notre équipe fait un effort supplémentaire pour assurer des services artistiques exceptionnels à nos clients.

PLANIFICATION SUCCESSORALE ET FISCALE

GESTION DES COLLECTIONS

GESTION LOGISTIQUE

RESSOURCES SUPPLÉMENTAIRES

APPRENEZ À NOUS CONNAÎTRE

ART POUR LES CARACTÉRISTIQUES

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GÉORGIE O'KEEFFE

DIEGO RIVERA - Portrait de Enriqueta G. Dávila - huile sur toile - 79 1/8 x 48 3/8 in.

RIVERA DIEGO

WILLEM DE KOONING - Femme dans une barque - huile sur papier couché sur masonite - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

TOM WESSELMANN

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

WAYNE THIEBAUD

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - huile sur toile - 31 1/4 x 39 1/2 in.

ALFRED SISLEY

EMIL NOLDE - Sonnenblumen, Abend II - huile sur toile - 26 1/2 x 35 3/8 in.

EMIL NOLDE

ALEXANDER CALDER - La Croix - huile sur toile - 28 3/4 x 36 1/4 in.

ALEXANDRE CALDER

Au début des années 1870, Winslow Homer a souvent peint des scènes de la vie à la campagne près d'un petit hameau agricole réputé depuis des générations pour ses remarquables champs de blé, situé entre la rivière Hudson et les Catskills, dans l'État de New York. Aujourd'hui, Hurley est bien plus célèbre pour avoir inspiré l'une des plus grandes œuvres d'Homer, Snap the Whip, peinte au cours de l'été 1872. Parmi les nombreuses autres peintures inspirées par la région, Girl Standing in the Wheatfield est riche en sentiments, mais sans sentimentalisme excessif. Elle est directement liée à une étude peinte en France en 1866 et intitulée In the Wheatfields (Dans les champs de blé), ainsi qu'à une autre étude peinte l'année suivante, après son retour en Amérique. Mais Homère aurait sans doute été le plus fier de celle-ci. Il s'agit d'un portrait, d'une étude de costume, d'une peinture de genre dans la grande tradition de la peinture pastorale européenne, et d'un tour de force atmosphérique dramatiquement rétro-éclairé, imprégné de la lumière de l'heure qui s'estompe rapidement, avec des notes lambda et fleuries et des touches d'épis de blé. En 1874, Homer a envoyé quatre tableaux à l'exposition de la National Academy of Design. L'une d'entre elles était intitulée "Girl". Ne serait-ce pas celle-ci ?

WINSLOW HOMER

FRIDA KAHLO - Hammer and Sickle (and unborn baby) - plâtre sec et techniques mixtes - 16 1/4 x 13 x 6 in.

KAHLO FRIDA

N.C. WYETH - Été. "Hush" - huile sur toile - 33 3/4 x 30 1/4 in.

N.C. WYETH

SEAN SCULLY - Grey Red - huile sur aluminium - 85 x 75 in.

SEAN SCULLY (EN)

Le monde de Marc Chagall ne peut être contenu ou limité par les étiquettes que nous lui attachons. C'est un monde d'images et de significations qui forment leur propre discours splendidement mystique. Les Mariés sous le baldaquin a été entrepris alors que l'artiste entrait dans sa 90e année, un homme qui avait connu la tragédie et le conflit, mais qui n'avait jamais oublié les moments de plaisir de la vie. Ici, les délices rêveurs d'un mariage dans un village russe, avec ses arrangements de participants bien rodés, nous sont présentés avec un esprit si joyeux et une innocence si gaie qu'il est impossible de résister à son charme. En utilisant une émulsion dorée combinant l'huile et la gouache opaque à base d'eau, la chaleur, le bonheur et l'optimisme du positivisme habituel de Chagall sont enveloppés d'un éclat lumineux suggérant l'influence des icônes religieuses à feuilles d'or ou de la peinture du début de la Renaissance qui cherchait à donner l'impression d'une lumière divine ou d'une illumination spirituelle. L'utilisation d'une combinaison d'huile et de gouache peut s'avérer difficile. Mais ici, dans Les Mariés sous le baldaquin, Chagall l'utilise pour donner à la scène une qualité d'un autre monde, presque comme si elle venait de se matérialiser à partir de l'œil de son esprit. La finesse de sa texture donne l'impression que la lumière émane de l'œuvre elle-même et confère une qualité spectrale aux personnages qui flottent dans le ciel.

MARC CHAGALL

ANISH KAPOOR - Halo - acier inoxydable - 120 x 120 x 27 in.

ANISH KAPOOR

TOM WESSELMANN - Bedroom Brunette with Irises - huile sur aluminium découpé - 105 3/4 x 164 5/8 in.

TOM WESSELMANN

MARSDEN HARTLEY - Préludes et Fugues de Bach n° 1 (thème musical) - huile sur toile posée sur carton - 28 1/2 x 21 in.

MARSDEN HARTLEY

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

PABLO PICASSO

Le Portrait de Sylvie Lacombe, peint par Théo van Rysselberghe en 1906, est un chef-d'œuvre classique réalisé par l'un des portraitistes les plus raffinés et les plus cohérents de son époque. La couleur est harmonieuse, le pinceau vigoureux et adapté à sa tâche matérielle, son corps et son visage sont vrais et révélateurs. La personne représentée est la fille de son grand ami, le peintre Georges Lacombe, qui a partagé une association étroite avec Gauguin et a été membre des Nabis avec les artistes Bonnard, Denis et Vuillard, entre autres. Si nous connaissons aujourd'hui Sylvie Lacombe, c'est grâce à l'habileté de Van Rysselberghe à rendre les subtiles expressions du visage et, par une observation minutieuse et un souci du détail, à donner un aperçu de son monde intérieur. Il a choisi un regard direct, ses yeux vers les vôtres, une alliance inéluctable entre le sujet et le spectateur, quelle que soit notre relation physique avec le tableau. Van Rysselberghe avait largement abandonné la technique pointilliste lorsqu'il a peint ce portrait. Mais il a continué à appliquer les principes de la théorie des couleurs en utilisant des teintes de rouge - roses et mauves - contre des verts pour créer une palette harmonieuse et améliorée de couleurs complémentaires à laquelle il a ajouté un accent fort pour attirer le regard - un nœud rouge intensément saturé posé de manière asymétrique sur le côté de sa tête.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

N.C. WYETH

ROBERT INDIANA (EN)

ADOLPH GOTTLIEB - Azimut - huile sur toile - 95 3/4 x 144 1/4 in.

ADOLPH GOTTLIEB

FRANK STELLA - The Musket - techniques mixtes sur aluminium - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 in.

FRANK STELLA (EN)

SALOMON VAN RUYSDAEL - Paysage de dunes avec des personnages au repos et un couple à cheval, vue sur la cathédrale de Nimègue - huile sur toile - 26 1/2 x 41 1/2 in.

SALOMON VAN RUYSDAEL

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Paysage de rivière avec un moulin à vent et une chapelle - huile sur panneau - 22 1/2 x 31 3/4 in.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronze et parpaing - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

JOAN MIRO (EN)

CONTACTER

Contactez-nous

nom *

Intérêt pour l'art *

email *

numéro de téléphone

Message *

Captcha

demander