James Rosenquist : un POPpuissant
Heather James présente une vue intime de certaines œuvres du pionnier du pop, James Rosenquist. Les toiles à grande échelle de Rosenquist présentent des images collées tirées de la publicité et de la culture commerciale.
Formé comme peintre d'affiches, Rosenquist a utilisé cette expérience pour créer des toiles massives qui ressemblent elles-mêmes aux publicités que nous rencontrons dans la vie quotidienne. Ces toiles brillent par leur aspect brillant et leur rythme rapide, la juxtaposition d'images disparates faisant allusion à des observations sociopolitiques plus larges. L'exposition couvre trois décennies de travail, des années 1960 aux années 1980, et retrace l'évolution du processus et du style de l'artiste.
"Je suis celui qui a donné des stéroïdes au Pop Art." - James Rosenquist
L'exposition s'ouvre sur un dessin personnel, exposant le processus de Rosenquist, de ses notes manuscrites aux images culturelles qu'il prévoyait d'utiliser. L'œuvre montre les différentes considérations, de la couleur à la forme en passant par la composition, et est couronnée par sa signature et la date en bas à droite.
Dans les années 1970, l'exposition se penche sur l'une des œuvres les plus personnelles de Rosenquist, un hommage à son ami proche et collègue artiste, Gordon Matta-Clark. Matta-Clark était un artiste conceptuel et le fils du peintre surréaliste chilien Roberto Matta-Clark. Pour en savoir plus sur son père, visitez notre exposition virtuelle, Following Surrealism : Conçu avec le feu. Gordon Matta-Clark faisait partie de la scène new-yorkaise du centre-ville aux côtés de Trisha Brown, Laurie Anderson, Yvonne Rainer, Phillip Glass, etc. Il est mort tragiquement à l'âge de 35 ans d'un cancer du pancréas. Cette peinture est un hommage émouvant, le titre faisant allusion à sa courte vie et à sa mort prématurée.
Rosenquist inclut dans l'œuvre elle-même une foule de symboles dédiés à son ami. Il y a le 35 qui fait référence à son âge et le fil de fer comme s'il coupait dans l'espace, un peu comme Matta-Clark coupait dans des bâtiments abandonnés pour créer ses œuvres. Plus poignant encore, le centre de l'œuvre présente une paire de ciseaux, à la fois symbole du destin et de la coupure du fil de la vie, mais aussi de l'une des œuvres les plus célèbres de son ami proche. "Hair" de Matta-Clark montre l'artiste en train de se tondre les cheveux après une année de croissance et d'archiver ses tresses. Cette œuvre combine performance, art corporel et art conceptuel dans un acte profondément intime. Rosenquist en rend habilement compte dans la peinture en superposant son style de collage pour créer des couches de sens.
L'exposition se termine dans les années 1980. Bien que le Pop art soit surtout associé à l'Amérique du milieu du siècle dernier, les années 80 ont vu une résurgence menée par son confrère Andy Warhol. Une société américaine enhardie cherche à flexibiliser les nouvelles priorités du consumérisme et des intérêts des entreprises avec bravade. C'était une intersection parfaite pour que les artistes pop examinent les complexités impliquées. Et Rosenquist était heureux de rendre service en assemblant ses collages caractéristiques pour mettre en valeur ses arguments.
"Samba School" est une peinture complexe dans laquelle des images incongrues sont littéralement fragmentées et imbriquées les unes dans les autres, obligeant le spectateur à se confronter à la qualité esthétique de la toile et à la relation conceptuelle entre des images disjointes. L'œuvre a été présentée dans le film d'Oliver Stone, "Wall Street", qui a capturé le zeitgeist culturel de la décennie et ce n'est pas une coïncidence si l'œuvre le fait aussi dans ses flashs et ses brillances rapides mettant en scène de belles femmes et de beaux objets.
Mais le brillant pour le plaisir du brillant n'était pas le but de Rosenquist. C'est plutôt avec la quintessence de l'ironie des années 80 qu'il s'est tourné vers l'examen de la relation entre l'humanité, le consumérisme et l'environnement. Au cours des années 1980 et dans les années 1990, Rosenquist était profondément préoccupé par l'environnement, comme en témoignent "Television or the Cat's Cradle Supports Electronic Picture" et "Sky Hole (from Welcome to the Water Planet)".
Les œuvres se concentrent sur la flore tropicale juxtaposée au cosmos. La première semble également suggérer un lien avec la présence naissante de l'électronique et de l'environnement, un équilibre délicat comme dans le jeu du berceau du chat des enfants. Bien que statique, la désintégration et la réunion angulaires nous donnent l'impression que les images clignotent à grande vitesse, comme si l'on surfait sur les chaînes de télévision, que l'on conduisait sur une autoroute de panneaux publicitaires, ou même que l'on sautait d'un site Web à l'autre.
Au fur et à mesure que l'on avance dans l'exposition, l'ambition et la complexité abondent dans chaque œuvre, Rosenquist adaptant son approche à de nouvelles préoccupations et à de nouveaux centres d'intérêt, mais le cœur de l'artiste - la culture de consommation courante et les peintures à grande échelle rappelant les panneaux d'affichage - demeure, ce qui nous donne un point de repère pour nous plonger dans ses peintures.
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