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ŒUVRES D'ART EN VEDETTE

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GÉORGIE O'KEEFFE

DIEGO RIVERA - Portrait de Enriqueta G. Dávila - huile sur toile - 79 1/8 x 48 3/8 in.

RIVERA DIEGO

WILLEM DE KOONING - Femme dans une barque - huile sur papier couché sur masonite - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

TOM WESSELMANN

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

WAYNE THIEBAUD

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - huile sur toile - 31 1/4 x 39 1/2 in.

ALFRED SISLEY

EMIL NOLDE - Sonnenblumen, Abend II - huile sur toile - 26 1/2 x 35 3/8 in.

EMIL NOLDE

ALEXANDER CALDER - La Croix - huile sur toile - 28 3/4 x 36 1/4 in.

ALEXANDRE CALDER

Au début des années 1870, Winslow Homer a souvent peint des scènes de la vie à la campagne près d'un petit hameau agricole réputé depuis des générations pour ses remarquables champs de blé, situé entre la rivière Hudson et les Catskills, dans l'État de New York. Aujourd'hui, Hurley est bien plus célèbre pour avoir inspiré l'une des plus grandes œuvres d'Homer, Snap the Whip, peinte au cours de l'été 1872. Parmi les nombreuses autres peintures inspirées par la région, Girl Standing in the Wheatfield est riche en sentiments, mais sans sentimentalisme excessif. Elle est directement liée à une étude peinte en France en 1866 et intitulée In the Wheatfields (Dans les champs de blé), ainsi qu'à une autre étude peinte l'année suivante, après son retour en Amérique. Mais Homère aurait sans doute été le plus fier de celle-ci. Il s'agit d'un portrait, d'une étude de costume, d'une peinture de genre dans la grande tradition de la peinture pastorale européenne, et d'un tour de force atmosphérique dramatiquement rétro-éclairé, imprégné de la lumière de l'heure qui s'estompe rapidement, avec des notes lambda et fleuries et des touches d'épis de blé. En 1874, Homer a envoyé quatre tableaux à l'exposition de la National Academy of Design. L'une d'entre elles était intitulée "Girl". Ne serait-ce pas celle-ci ?

WINSLOW HOMER

FRIDA KAHLO - Hammer and Sickle (and unborn baby) - plâtre sec et techniques mixtes - 16 1/4 x 13 x 6 in.

KAHLO FRIDA

N.C. WYETH - Été. "Hush" - huile sur toile - 33 3/4 x 30 1/4 in.

N.C. WYETH

SEAN SCULLY - Grey Red - huile sur aluminium - 85 x 75 in.

SEAN SCULLY (EN)

Le monde de Marc Chagall ne peut être contenu ou limité par les étiquettes que nous lui attachons. C'est un monde d'images et de significations qui forment leur propre discours splendidement mystique. Les Mariés sous le baldaquin a été entrepris alors que l'artiste entrait dans sa 90e année, un homme qui avait connu la tragédie et le conflit, mais qui n'avait jamais oublié les moments de plaisir de la vie. Ici, les délices rêveurs d'un mariage dans un village russe, avec ses arrangements de participants bien rodés, nous sont présentés avec un esprit si joyeux et une innocence si gaie qu'il est impossible de résister à son charme. En utilisant une émulsion dorée combinant l'huile et la gouache opaque à base d'eau, la chaleur, le bonheur et l'optimisme du positivisme habituel de Chagall sont enveloppés d'un éclat lumineux suggérant l'influence des icônes religieuses à feuilles d'or ou de la peinture du début de la Renaissance qui cherchait à donner l'impression d'une lumière divine ou d'une illumination spirituelle. L'utilisation d'une combinaison d'huile et de gouache peut s'avérer difficile. Mais ici, dans Les Mariés sous le baldaquin, Chagall l'utilise pour donner à la scène une qualité d'un autre monde, presque comme si elle venait de se matérialiser à partir de l'œil de son esprit. La finesse de sa texture donne l'impression que la lumière émane de l'œuvre elle-même et confère une qualité spectrale aux personnages qui flottent dans le ciel.

MARC CHAGALL

ANISH KAPOOR - Halo - acier inoxydable - 120 x 120 x 27 in.

ANISH KAPOOR

TOM WESSELMANN - Bedroom Brunette with Irises - huile sur aluminium découpé - 105 3/4 x 164 5/8 in.

TOM WESSELMANN

MARSDEN HARTLEY - Préludes et Fugues de Bach n° 1 (thème musical) - huile sur toile posée sur carton - 28 1/2 x 21 in.

MARSDEN HARTLEY

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

PABLO PICASSO

Le Portrait de Sylvie Lacombe, peint par Théo van Rysselberghe en 1906, est un chef-d'œuvre classique réalisé par l'un des portraitistes les plus raffinés et les plus cohérents de son époque. La couleur est harmonieuse, le pinceau vigoureux et adapté à sa tâche matérielle, son corps et son visage sont vrais et révélateurs. La personne représentée est la fille de son grand ami, le peintre Georges Lacombe, qui a partagé une association étroite avec Gauguin et a été membre des Nabis avec les artistes Bonnard, Denis et Vuillard, entre autres. Si nous connaissons aujourd'hui Sylvie Lacombe, c'est grâce à l'habileté de Van Rysselberghe à rendre les subtiles expressions du visage et, par une observation minutieuse et un souci du détail, à donner un aperçu de son monde intérieur. Il a choisi un regard direct, ses yeux vers les vôtres, une alliance inéluctable entre le sujet et le spectateur, quelle que soit notre relation physique avec le tableau. Van Rysselberghe avait largement abandonné la technique pointilliste lorsqu'il a peint ce portrait. Mais il a continué à appliquer les principes de la théorie des couleurs en utilisant des teintes de rouge - roses et mauves - contre des verts pour créer une palette harmonieuse et améliorée de couleurs complémentaires à laquelle il a ajouté un accent fort pour attirer le regard - un nœud rouge intensément saturé posé de manière asymétrique sur le côté de sa tête.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

N.C. WYETH

Il n'est pas difficile de comprendre comment la brillante disposition en deux rangées de quatre lettres de Robert Indiana a pu contribuer à renforcer un mouvement au cours des années 1960. Il est né d'une exposition profondément ressentie à la religion et d'un ami et mentor, Ellsworth Kelly, dont le style dur et les couleurs sensuelles et non accentuées ont fait une impression durable. Mais comme Indiana l'a déclaré, c'est un moment de chance qui s'est produit lorsque "l'amour m'a mordu" et que le dessin lui est apparu net et précis. Indiana a bien sûr soumis le dessin à de nombreuses épreuves, puis le logo a commencé à apparaître un peu partout. Le message, qui se traduit le mieux par une sculpture, se trouve dans des villes du monde entier et a été traduit en plusieurs langues, notamment en italien, sous le nom de "Amor", dont le "O" est également incliné vers la droite. Mais au lieu d'être frappée par le pied du "L", cette version confère au "A" qui la surplombe un effet de vacillement magnifiquement mis en scène. Elle donne une impression nouvelle, mais non moins profonde, de l'amour et de sa nature émotionnellement chargée. Dans les deux cas, le "O" incliné de Love confère de l'instabilité à un dessin par ailleurs stable, une projection profonde de la critique implicite d'Indiana de "la sentimentalité souvent creuse associée au mot, suggérant métaphoriquement un désir non partagé et une déception plutôt qu'une affection saccharine" (Robert Indiana's Best : A Mini Retrospective, New York Times, 24 mai 2018). La répétition, bien sûr, a la mauvaise habitude d'atténuer notre appréciation du génie de la simplicité et du design révolutionnaire. Tard dans sa vie, Indiana déplorait que "c'était une idée merveilleuse, mais aussi une terrible erreur. Elle est devenue trop populaire. Et il y a des gens qui n'aiment pas la popularité". Mais nous, habitants d'un monde en proie à la discorde et à la tourmente, nous vous remercions. "Love" et ses nombreuses versions nous rappellent avec force notre capacité à aimer, et c'est là notre meilleur espoir éternel d'un avenir meilleur.

ROBERT INDIANA (EN)

ADOLPH GOTTLIEB - Azimut - huile sur toile - 95 3/4 x 144 1/4 in.

ADOLPH GOTTLIEB

FRANK STELLA - The Musket - techniques mixtes sur aluminium - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 in.

FRANK STELLA (EN)

SALOMON VAN RUYSDAEL - Paysage de dunes avec des personnages au repos et un couple à cheval, vue sur la cathédrale de Nimègue - huile sur toile - 26 1/2 x 41 1/2 in.

SALOMON VAN RUYSDAEL

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Paysage de rivière avec un moulin à vent et une chapelle - huile sur panneau - 22 1/2 x 31 3/4 in.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronze et parpaing - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

JOAN MIRO (EN)