Hans Hofmann
ŒUVRE D'ART
"Le monde entier, tel que nous le percevons visuellement, nous parvient à travers le royaume mystique de la couleur. - Hans Hofmann
ENVIRON
Nombreux sont ceux qui citent l'impact de Hans Hofmann en tant que professeur, mais moins nombreux sont ceux qui le reconnaissent comme l'un des grands peintres de l'après-guerre américaine. Heather James a le plaisir de proposer quatre œuvres exemplaires de Hofmann qui démontrent l'ampleur remarquable de son héritage. D'importantes voies de l'abstraction ont pris de l'ampleur dans le large sillon tracé par son enseignement et son exemple.
Né en 1880, à une génération des plus anciens expressionnistes abstraits tels que de Kooning ou Rothko, Hofmann a passé la décennie cruciale entre 1904 et 1914 à Paris, a connu Picasso et Matisse, et était sur la scène lors de l'ouverture de la grande rétrospective Cézanne en 1906. Il n'est donc pas surprenant qu'après son arrivée à New York en 1932, Hofmann ait emprunté un chemin quelque peu détourné vers le style caractéristique pour lequel il est aujourd'hui le plus connu. Des décennies avant de peindre des rectangles vibrants de couleurs pures et flottantes, communément appelés "dalles", Hofmann brossait, tachait et faisait couler la peinture d'une main plus lâche, basée sur le hasard. La question de savoir si c'est lui ou Pollock qui a été le pionnier de la technique de la peinture "goutte à goutte" n'est pas encore tranchée. L'impact de son enseignement sur Joan Mitchell et plusieurs jeunes peintres qui se sont tournés vers une forme plus lyrique d'expressionnisme abstrait, plus proche de la nature, est moins controversé.
"L'art est pour moi la glorification de l'esprit humain et, en tant que tel, la documentation culturelle de l'époque à laquelle il est produit." - Hans Hofmann
Sans titre (Vue du port de Provincetown), c. 1937
Aucun artiste n'a comblé le fossé entre le modernisme européen et l'expressionnisme abstrait américain comme l'a fait Hans Hofmann. Sans titre (vue du port de Provincetown) combine des éléments des deux périodes de manière transparente. Il fusionne la couleur débridée des Fauves avec des passages largement brossés, préfigurant les techniques automatistes de l'école de New York. La peinture est très gestuelle, incorporant les motifs et la vitesse dynamique du pinceau de Raoul Dufy, tout en projetant une énergie plus masculine et plus audacieuse. Cette approche rappelle les racines de l'Action Painting et reflète l'esprit d'innovation de Hofmann pendant son séjour à Providence, Rhode Island.
Chanson d'amour, 1952
Âgé de 72 ans, Hans Hofmann a travaillé cette toile de manière délibérée et réfléchie afin d'obtenir un impact grâce à la retenue. L'espace généreux permet à la toile de respirer et à la peinture bleue de couler dans des passages expressifs, s'écoulant comme des rêves liquides. L'œuvre d'Hofmann n'a jamais été associée au surréalisme. Pourtant, les vrilles qui serpentent à travers le champ touchent à la racine de l'automatisme surréaliste, faisant écho à l'esprit fantaisiste de Miró. Le plus impressionnant, c'est que les zones ouvertes ne sont pas d'un blanc brutal ou "toniques", mais imprégnées d'une présence ombragée qui confère à la peinture une profondeur riche et obsédante, ce qui en fait une expérience visuelle captivante et évocatrice.
L'ascension, 1960
Peint à une époque où la plupart des peintres américains poussaient l'abstraction dans de nouvelles directions ou la rejetaient, The Climb est néanmoins un tableau de son temps, marqué par une sensualité et une touche picturale habile. Si les passages de L'Escalade sont brossés plutôt que coulés ou teintés, ils reflètent le lyrisme délicat de son ancienne élève, Helen Frankenthaler, qui, depuis 1952, avait expérimenté des zones flottantes de couleur absorbées dans la toile avec une facilité comparable à celle de l'aquarelle. D'autre part, ces bandes courtes et ces bouillies prismatiques rappellent ces jours heureux à Paris où Hofmann travaillait sur la théorie de la couleur avec son grand ami Robert Delaunay et réfléchissait beaucoup sur les prismes. Elles reflètent également les leçons tirées des Fauves et des artistes qui ont véritablement inventé l'abstraction, Wassily Kandinsky, Kasimir Malevitch, Frantisek Kupka et Piet Mondrian, pour n'en citer que quelques-uns. L'Escalade est l'expression glorieuse d'un peintre qui puise à la fois dans le passé et dans le présent, qui peint de manière ludique mais non frivole, en toute connaissance de cause et prêt à exprimer ses capacités de peintre simplement et avec une grande conviction.
Sans titre, 1962
Peint peu de temps après que Hofmann se soit retiré de sa carrière d'enseignant, Sans titre est un déploiement de couleurs exubérantes marqué par une application confiante et agressive de la peinture qui met en évidence sa capacité à manipuler l'espace et la profondeur sans recourir aux méthodes traditionnelles de perspective et de modelage. Le passage bleu et blanc brossé vigoureusement est un éclair d'énergie brossé contre des tons plus chauds et des zones sombres, suspendu dans une pièce dont la profondeur spatiale et le dynamisme sont visuellement attrayants. Cette période tardive de la carrière d'Hofmann est remarquable pour cette vigueur exploratrice de la jeunesse et l'exploitation de sa théorie dynamique push-pull. Le jeu des couleurs n'est pas seulement un choix esthétique, mais une incarnation de ses théories, démontrant la tension visuelle qui donne vie à la toile avec des formes et des couleurs qui avancent et reculent, créant une surface vivante qui attire l'œil du spectateur. La profondeur spatiale implicite et l'arc électrique énergique dans la riche chaleur de la toile de fond reflètent sa conviction que la peinture abstraite peut évoquer un monde tridimensionnel, non pas par une représentation directe, mais par les forces émotionnelles et visuelles de la couleur et de la forme.
Vase jaune, 1942
Hofmann a peint "Yellow Vase" deux ans seulement avant sa première exposition personnelle à la galerie Art of This Century à New York en 1944. Cette œuvre vibrante est une étude impromptue qui examine la décomposition de la forme, qui, en 1942, était un principe évolutif de l'expressionnisme abstrait. Hofmann était un professeur réputé à cette époque, et ses élèves comprenaient Helen Frankenthaler, Allan Kaprow, Michael Goldberg et des dizaines d'autres. Le "Vase jaune" capture le dynamisme de l'approche unique de Hofmann en matière de représentation et d'abstraction. L'énergie et le mouvement de ses œuvres se sont révélés être l'une de ses contributions les plus importantes à l'art américain du XXe siècle.
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