Hans Hofmann
KUNSTWERK
"Die ganze Welt, wie wir sie visuell erfahren, kommt zu uns durch das mystische Reich der Farbe." - Hans Hofmann
ÜBER
Viele verweisen auf Hans Hofmanns Einfluss als Lehrer, doch weniger erkennen ihn als einen der großen Maler der amerikanischen Nachkriegszeit an. Heather James freut sich, vier exemplarische Werke Hofmanns anbieten zu können, die die bemerkenswerte Bandbreite seines Vermächtnisses zeigen. Wichtige Richtungen der Abstraktion gewannen in dem weiten Feld, das er durch seine Lehre und sein Beispiel geebnet hat, an Dynamik.
Der 1880 geborene Hofmann, eine Generation entfernt von den ältesten abstrakten Expressionisten wie de Kooning oder Rothko, verbrachte das entscheidende Jahrzehnt zwischen 1904 und 1914 in Paris, kannte Picasso und Matisse und war bei der Eröffnung der großen Cézanne-Retrospektive im Jahr 1906 vor Ort. Es überrascht daher nicht, dass Hofmann nach seiner Ankunft in New York im Jahr 1932 einen etwas umständlichen Weg zu dem Stil einschlug, für den er heute am besten in Erinnerung ist. Jahrzehnte bevor er leuchtende Rechtecke aus reiner, fließender Farbe malte, die gemeinhin als "Slabs" bekannt sind, pinselte, fleckte und tropfte Hofmann die Farbe mit einer lockereren, zufallsbasierten Hand. Ob er oder Pollock der Pionier der "Tropf"-Maltechnik war, ist noch immer umstritten. Weniger umstritten ist der Einfluss seiner Lehre auf Joan Mitchell und einige der jüngeren Maler, die sich einer lyrischeren, stärker an der Natur orientierten Form des Abstrakten Expressionismus zuwandten.
"Kunst ist für mich die Verherrlichung des menschlichen Geistes, und als solche ist sie die kulturelle Dokumentation der Zeit, in der sie produziert wird." - Hans Hofmann
Ohne Titel (Ansicht des Hafens von Provincetown), c. 1937
Kein Künstler hat die Kluft zwischen der europäischen Moderne und dem amerikanischen Abstrakten Expressionismus so überbrückt wie Hans Hofmann. Ohne Titel (Ansicht des Hafens von Provincetown) kombiniert nahtlos Elemente aus beiden Epochen. Es verbindet die ungezügelte Farbigkeit der Fauves mit grob gepinselten Passagen, die die automatistischen Techniken der New York School vorwegnehmen. Das Gemälde ist sehr gestisch und nimmt die Motive und die dynamische Geschwindigkeit der Pinselführung von Raoul Dufy auf, strahlt aber eine männlichere und kühnere Energie aus. Dieser Ansatz deutet auf die Wurzeln des Action Painting hin und spiegelt Hofmanns innovativen Geist während seiner Zeit in Providence, Rhode Island, wider.
Lied der Liebe, 1952
Der 72-jährige Hans Hofmann hat diese Leinwand mit Bedacht und Überlegung bearbeitet, um durch Zurückhaltung Wirkung zu erzielen. Großzügige Freiräume lassen die Leinwand atmen, wo blaue Farbe in ausdrucksstarken Passagen tropft und wie flüssige Träume fließt. Hofmanns Werk wird nie eng mit dem Surrealismus in Verbindung gebracht. Dennoch berühren die fadenartigen Ranken, die sich durch das Feld schlängeln, die Wurzeln des surrealen Automatismus und erinnern an den skurrilen Geist Mirós. Am beeindruckendsten ist, dass die offenen Flächen nicht rein weiß oder "getönt" sind, sondern von einer schattenhaften Präsenz durchdrungen sind, die dem Gemälde eine reiche, eindringliche Tiefe verleiht und es zu einer fesselnden und suggestiven visuellen Erfahrung macht.
Der Aufstieg, 1960
Zu einer Zeit gemalt, als die meisten amerikanischen Maler die Abstraktion entweder in neue Richtungen trieben oder sie ablehnten, ist The Climb dennoch ein Gemälde seiner Zeit, das sich durch Sinnlichkeit und einen geschickten, malerischen Anschlag auszeichnet. Während die Passagen von Klettern eher gebürstet als geschüttet oder gebeizt sind, spiegelt es die zarte Lyrik seiner ehemaligen Schülerin Helen Frankenthaler wider, die seit 1952 mit fließenden Farbflächen experimentierte, die mit aquarellartiger Leichtigkeit in die Leinwand einzogen. Andererseits erinnern diese kurzen Bänder und prismatischen Schlieren an jene glücklichen Tage in Paris, als Hofmann mit seinem guten Freund Robert Delaunay die Farbtheorie durcharbeitete und viel über Prismen nachdachte. Sie spiegeln auch die Lektionen wider, die er von den Fauves und den Künstlern gelernt hat, die die Abstraktion wahrhaftig erfunden haben: Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Frantisek Kupka und Piet Mondrian, um nur einige der Hauptakteure zu nennen. Der Aufstieg ist der glorreiche Ausdruck eines Malers, der sowohl aus der Vergangenheit als auch aus der Gegenwart schöpft, der spielerisch, aber nicht frivol malt, voll informiert und bereit, seine Fähigkeiten als Maler einfach und mit großer Überzeugung zum Ausdruck zu bringen.
Unbetitelt, 1962
Entstanden kurz nach Hofmanns Rückzug aus dem Schuldienst, Ohne Titel ist eine überschwängliche Darstellung von überbordender Farbe, die durch einen selbstbewussten, aggressiven Farbauftrag gekennzeichnet ist und seine Fähigkeit unter Beweis stellt, Raum und Tiefe ohne traditionelle Methoden der Perspektive und Modellierung zu manipulieren. Die bogenförmige, kräftig gebürstete, blau-weiße Passage ist ein Energieblitz, der gegen wärmere Töne und dunkle Bereiche gebürstet ist und in einem Raum von räumlicher Tiefe und Dynamik schwebt, der visuell fesselnd ist. Diese späte Periode von Hofmanns Karriere ist bemerkenswert für diesen jugendlichen Erkundungsdrang und die Ausnutzung seiner dynamischen Push-Pull-Theorie. Das Zusammenspiel der Farben dient nicht nur als ästhetische Wahl, sondern auch als Verkörperung seiner Theorien und zeigt die visuelle Spannung, die die Leinwand zum Leben erweckt, mit Formen und Farben, die sich vor- und zurückbewegen und eine lebendige Oberfläche schaffen, die das Auge des Betrachters fesselt. Die angedeutete räumliche Tiefe und der energiegeladene Lichtbogen vor dem warmen Hintergrund spiegeln seine Überzeugung wider, dass abstrakte Malerei das Gefühl einer dreidimensionalen Welt hervorrufen kann, nicht durch direkte Darstellung, sondern durch die emotionalen und visuellen Kräfte von Farbe und Form.
Gelbe Vase, 1942
Hofmann malte "Yellow Vase" nur zwei Jahre vor seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie Art of This Century in New York im Jahr 1944. Dieses lebendige Werk ist eine improvisierte Studie, die sich mit der Zersetzung der Form befasst, die 1942 ein sich entwickelndes Prinzip des Abstrakten Expressionismus war. Hofmann war zu dieser Zeit ein prominenter Lehrer, zu dessen Schülern Helen Frankenthaler, Allan Kaprow, Michael Goldberg und Dutzende andere zählten. Die "Gelbe Vase" fängt die Dynamik von Hofmanns einzigartigem Ansatz der Darstellung und Abstraktion ein. Die Energie und Bewegung seiner Werke sollten sich als einer seiner wichtigsten Beiträge zur amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts erweisen.
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