Palmwüste

AUSSTELLUNGEN KUNSTWERKE IN DER AUSSTELLUNG VERBUNDENE NACHRICHTEN DIENSTLEISTUNGEN

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Unsere Galerie in Palm Desert liegt zentral im kalifornischen Palm Springs, angrenzend an den beliebten Einkaufs- und Essbereich von El Paseo. Unsere Kundschaft schätzt unsere Auswahl an Nachkriegs-, Moderner- und Zeitgenössischer Kunst. Das herrliche Wetter in den Wintermonaten zieht Besucher aus der ganzen Welt an, um unsere schöne Wüste zu sehen und in unserer Galerie vorbeizuschauen. Die bergige Wüstenlandschaft im Freien bietet die perfekte landschaftliche Kulisse für das visuelle Fest, das im Inneren erwartet.

45188 Portola Avenue
Palm Desert, CA 92260
(760) 346-8926

Öffnungszeiten:
Montag bis Samstag 9-17 Uhr

Ausstellungen

ALLE ANSEHEN

Die Kunst des Schenkens: Gelegenheiten für die Feiertage
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Die Kunst des Schenkens: Gelegenheiten für die Feiertage

21. November 2023 - 20. Januar 2024
Picasso: Jenseits der Leinwand
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Picasso: Jenseits der Leinwand

4. Oktober 2023 - 30. April 2024
Kein anderes Land: Ein Jahrhundert amerikanischer Landschaften
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Kein anderes Land: Ein Jahrhundert amerikanischer Landschaften

21. September 2023 - 31. März 2024
Ansel Adams: Bejahung des Lebens
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Ansel Adams: Bejahung des Lebens

21. September 2023 - 31. März 2024
Kunst des amerikanischen Westens: Eine prominente Sammlung
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Kunst des amerikanischen Westens: Eine prominente Sammlung

24. August 2023 - 29. Februar 2024
Alexander Calder: Die Gestaltung eines primären Universums
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Alexander Calder: Die Gestaltung eines primären Universums

August 23, 2023 - Februar 29, 2024
Erster Kreis: Kreise in der Kunst
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Erster Kreis: Kreise in der Kunst

14. Februar 2023 - 29. Februar 2024
Das Blut deines Herzens: Überschneidungen von Kunst und Literatur
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Das Blut deines Herzens: Überschneidungen von Kunst und Literatur

12. September 2022 - 31. Dezember 2023
Andy Warhol Polaroids: Verrückte Wunder
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Andy Warhol Polaroids: Verrückte Wunder

13. Dezember 2021 - 31. März 2024
California Here We Come: Die kalifornischen Impressionisten
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California Here We Come: Die kalifornischen Impressionisten

12. Juli 2021 - 31. Dezember 2023
Muster und Dekoration: Feminismus und Freundschaft
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Muster und Dekoration: Feminismus und Freundschaft

14. September 2020 - 31. Dezember 2023
Jae Kon Park: Leben und Wurzel
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Jae Kon Park: Leben und Wurzel

12. März 2020 - 31. März 2024
Irving Norman: Dunkle Materie
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Irving Norman: Dunkle Materie

27. November 2019 - 31. März 2024
Blumen für den Frühling, Grundsteinlegung
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Blumen für den Frühling, Grundsteinlegung

8. Mai - 30. November 2023
Pop-Art: Meine Liebe kann man nicht kaufen
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Pop-Art: Meine Liebe kann man nicht kaufen

26. Januar - 31. Oktober 2023
Papierschnitt: Einzigartige Arbeiten auf Papier
ARCHIV

Papierschnitt: Einzigartige Arbeiten auf Papier

27. April 2022 - 31. Oktober 2023
Andy Warhol: Glamour am Rande der Gesellschaft
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Andy Warhol: Glamour am Rande der Gesellschaft

27. Oktober 2021 - 30. September 2023
Eine schöne Zeit: Amerikanische Kunst im Gilded Age
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Eine schöne Zeit: Amerikanische Kunst im Gilded Age

24. Juni 2021 - 31. August 2023
In den 80er Jahren war es akzeptabel
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In den 80er Jahren war es akzeptabel

27. April 2021 - 31. August 2023
Alexander Calder: Ein Universum der Malerei
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Alexander Calder: Ein Universum der Malerei

10. August 2022 - 31. August 2023
Paul Jenkins: Das Phänomenale einfärben
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Paul Jenkins: Das Phänomenale einfärben

27. Dezember 2019 - 31. März 2023
N.C. Wyeth: Ein Jahrzehnt der Malerei
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N.C. Wyeth: Ein Jahrzehnt der Malerei

29. September 2022 - 31. März 2023
Herb Alpert: Geflüsterte Unterhaltungen
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Herb Alpert: Geflüsterte Unterhaltungen

7. März - 13. März 2023
Georgia O
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Georgia O'Keeffe und Marsden Hartley: Moderne Köpfe

1. Februar 2022 - 28. Februar 2023
Norman Zammitt: Der Verlauf der Farbe
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Norman Zammitt: Der Verlauf der Farbe

19. März 2020 - 28. Februar 2023
Bildhauerei für die Sinne: Bildhauerei im Freien
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Bildhauerei für die Sinne: Bildhauerei im Freien

4. August 2021 - 28. Februar 2023
Figurative Meister Amerikas
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Figurative Meister Amerikas

4. Januar - 12. Februar 2023
James Rosenquist: Potenter Pop
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James Rosenquist: Potenter Pop

7. Juni 2021 - 31. Januar 2023
Jeder braucht eine Fantasie: Pop Art in Amerika
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Jeder braucht eine Fantasie: Pop Art in Amerika

7. Juni 2021 - 31. Januar 2023
Abstrakter Expressionismus: Die Überwindung des Radikalen
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Abstrakter Expressionismus: Die Überwindung des Radikalen

12. Januar 2022 - 31. Januar 2023
Das Geschenk der Kunst
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Das Geschenk der Kunst

24. November 2022 - 7. Januar 2023
Ein glitzernder Urlaub: Kunst für alle
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Ein glitzernder Urlaub: Kunst für alle

15. Dezember 2022 - 7. Januar 2023
Schwarze Abstraktion: Felandus Thames, Rodney McMillian, Sam Gilliam und Theaster Gates
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Schwarze Abstraktion: Felandus Thames, Rodney McMillian, Sam Gilliam und Theaster Gates

Mai 2020 - Dezember 2022
Meine eigene Haut: Frida Kahlo und Diego Rivera
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Meine eigene Haut: Frida Kahlo und Diego Rivera

16. Juni - 31. Dezember 2022
Josef Albers: Das Herz der Malerei
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Josef Albers: Das Herz der Malerei

12. Mai - 30. November 2022
Subtile Opulenz
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Subtile Opulenz

8. September 2021 - 31. August 2022
Abstrakter Expressionismus: Die beharrlichen Frauen
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Abstrakter Expressionismus: Die beharrlichen Frauen

1. November 2021 - 31. August 2022
Alexander Calder: Den Kosmos malen
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Alexander Calder: Den Kosmos malen

2. März - 12. August 2022
Mercedes-Materie: Eine wunderbare Qualität
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Mercedes-Materie: Eine wunderbare Qualität

22. März 2021 - 30. Juni 2022
Ein unsichtbarer Zustand: Asiatische amerikanische Künstler und Abstraktion
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Ein unsichtbarer Zustand: Asiatische amerikanische Künstler und Abstraktion

23. April 2020 - 30. Juni 2022
Moore! Moore! Moore! Henry Moore und die Bildhauerei
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Moore! Moore! Moore! Henry Moore und die Bildhauerei

3. März 2021 - 30. April 2022
Stilleben, Stillleben
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Stilleben, Stillleben

April 10, 2020 - April 30, 2022
Elaine und Willem de Kooning: Malen im Licht
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Elaine und Willem de Kooning: Malen im Licht

3. August 2021 - 31. Januar 2022
Die coole Schule
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Die coole Schule

30. März 2020 - 31. Dezember 2021
American Eye: Auswahlen aus der Pardee-Sammlung
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American Eye: Auswahlen aus der Pardee-Sammlung

28. Februar - 31. Dezember 2021
Andy Warhol Polaroids: Ars Longa
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Andy Warhol Polaroids: Ars Longa

10. Dezember 2020 - 31. Dezember 2021
Andy Warhol Polaroids: Me, Myself, & I
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Andy Warhol Polaroids: Me, Myself, & I

10. Dezember 2020 - 31. Dezember 2021
Andy Warhol Polaroids: Alles, was glänzt
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Andy Warhol Polaroids: Alles, was glänzt

10. Dezember 2020 - 31. Dezember 2021
Andy Warhol Polaroids: Bring es auf den Laufsteg
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Andy Warhol Polaroids: Bring es auf den Laufsteg

10. Dezember 2020 - 31. Dezember 2021
Maurice Golubow
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Maurice Golubow

1. Oktober 2020 - 31. Dezember 2021
Jüdische Moderne Teil 2: Figuration von Chagall bis Norman
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Jüdische Moderne Teil 2: Figuration von Chagall bis Norman

30. April 2020 - 31. Dezember 2021
Unsere meistgesehene Kunst des Monats
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Unsere meistgesehene Kunst des Monats

Oktober 14 - November 14, 2021
Die Gloria-Luria-Sammlung
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Die Gloria-Luria-Sammlung

16. März 2020 - 31. Oktober 2021
Vincent van Gogh und die großen Impressionisten des Grand Boulevard
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Vincent van Gogh und die großen Impressionisten des Grand Boulevard

2. März - 10. August 2021
Moderne Drucke
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Moderne Drucke

26. Dezember 2020 - 19. Juni 2021
Pop-Figuren: Mel Ramos und Tom Wesselmann
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Pop-Figuren: Mel Ramos und Tom Wesselmann

26. März 2020 - 30. April 2021
Die radikale Linie
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Die radikale Linie

April 11, 2020 - Januar 31, 2021
Herb Alpert: Neueste Werke
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Herb Alpert: Neueste Werke

September 28 - Dezember 13, 2020
Juwelen des Impressionismus und der modernen Kunst
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Juwelen des Impressionismus und der modernen Kunst

19. Februar - 31. Oktober 2020
Cool Britannia: Die jungen britischen Künstler
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Cool Britannia: Die jungen britischen Künstler

2. April - 30. September 2020
Wöchentliche Gelegenheiten
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Wöchentliche Gelegenheiten

26. Juni - 31. August 2020
Theophilus Brown und Paul Wonner: Durch verschiedene Objektive gesehen
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Theophilus Brown und Paul Wonner: Durch verschiedene Objektive gesehen

1. November 2019 - 31. Juli 2020
Hassel Smith: Die gemessenen Gemälde
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Hassel Smith: Die gemessenen Gemälde

12. Februar - 20. April 2020
Mesa Modern
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Mesa Modern

13. Februar - 29. Februar 2020
Die Kalifornier
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Die Kalifornier

1. November 2019 - 14. Februar 2020
Opulenter Minimalismus
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Opulenter Minimalismus

3. Dezember 2019 - 31. Januar 2020
Paul Jenkins und Robert Natkin
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Paul Jenkins und Robert Natkin

1. November - 27. Dezember 2019
Morris Louis - Die frühen Gemälde
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Morris Louis - Die frühen Gemälde

11. Oktober - 30. November 2019
Anselm Kiefer
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Anselm Kiefer

15. August - 30. September 2019
Paul Jenkins: Phänomenal
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Paul Jenkins: Phänomenal

1. Juli - 31. August 2019
Das Anwesen von Paul Wonner und William Theophilus Brown
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Das Anwesen von Paul Wonner und William Theophilus Brown

21. Juli - 31. August 2019
Material und Abstraktion: Theaster Gates, Sam Gilliam und Rodney McMillian.
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Material und Abstraktion: Theaster Gates, Sam Gilliam und Rodney McMillian.

25. Juli - 31. August 2019
Peter Shelton: Eine Sache, auf die Sie stoßen.
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Peter Shelton: Eine Sache, auf die Sie stoßen.

16. Juli - 31. August 2019
Alexander Calder: Kosmische Abstraktion
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Alexander Calder: Kosmische Abstraktion

21. Juni - 30. August 2019
Julian Schnabel
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Julian Schnabel

4. Juni - 31. Juli 2019
Hassel Smith
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Hassel Smith

6. Mai - 30. Juni 2019
Luc Bernard: Unkonventionelle Grenzen
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Luc Bernard: Unkonventionelle Grenzen

3. Mai - 31. Mai 2019
Sam Francis: Von der Dämmerung bis zur Morgendämmerung
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Sam Francis: Von der Dämmerung bis zur Morgendämmerung

15. November 2018 - 29. April 2019
Architektonische Landschaften
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Architektonische Landschaften

1. Dezember 2018 - 31. Januar 2019
N.C. Wyeth: Gemälde und Illustrationen
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N.C. Wyeth: Gemälde und Illustrationen

1. Februar - 31. Mai 2018
Herb Alpert: Eine visuelle Melodie
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Herb Alpert: Eine visuelle Melodie

17. Februar - 31. Mai 2018
Gregory Sumida: Americana
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Gregory Sumida: Americana

5. April - 31. Mai 2018
Erhabene Abstraktion
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Erhabene Abstraktion

25. November 2017 - 31. Mai 2018
Die Gemälde von Sir Winston Churchill
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Die Gemälde von Sir Winston Churchill

21. März - 30. Mai 2018
Wojciech Fangor
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Wojciech Fangor

25. November 2017 - 17. März 2018
Edward S. Curtis.
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Edward S. Curtis.

3. Februar - 17. März 2018
Alexander Calder
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Alexander Calder

21. November 2015 - 28. Mai 2016
Meister des kalifornischen Impressionismus
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Meister des kalifornischen Impressionismus

22. November 2014 - 23. Mai 2015
Lawrence Schiller: Marilyn Monroe und Great Moments aus den 60er Jahren
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Lawrence Schiller: Marilyn Monroe und Great Moments aus den 60er Jahren

23. November 2012 - 31. Januar 2013
Malerische Abstraktion: Bereiche von AbEx
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Malerische Abstraktion: Bereiche von AbEx

25. November 2011 - 31. Mai 2012
Washi Tales: Werke von Kyoko Ibe
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Washi Tales: Werke von Kyoko Ibe

11. Dezember 2011 - 28. Januar 2012
Meister des Impressionismus und der modernen Kunst
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Meister des Impressionismus und der modernen Kunst

20. November 2010 - 25. September 2011
Picasso
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Picasso

20. November 2009 - 25. Mai 2010

KUNSTWERKE ZUR ANSICHT

ALLE ANSEHEN

Am 15. Mai 1886 wurde ein visuelles Manifest für eine neue Kunstbewegung geboren, als Georges Seurats krönendes Werk, Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte, auf der Achten Impressionisten-Ausstellung enthüllt wurde. Seurat kann für sich in Anspruch nehmen, der ursprüngliche "wissenschaftliche Impressionist" zu sein, der in einer Weise arbeitete, die später als Pointillismus oder Divisionismus bekannt wurde. Es war jedoch sein Freund und Vertrauter, der 24-jährige Paul Signac, und ihr ständiger Dialog, der zu einer Zusammenarbeit führte, um die Physik des Lichts und der Farbe zu verstehen und den daraus entstandenen Stil zu entwickeln. Signac war ein ungeschulter, aber äußerst talentierter impressionistischer Maler, dessen Temperament perfekt zu der Strenge und Disziplin passte, die für die mühsame Pinselführung und Farbgebung erforderlich waren. Signac eignete sich die Technik schnell an. Er war auch Zeuge von Seurats mühsamer zweijähriger Reise, auf der er unzählige Schichten unvermischter Farbpunkte auf dem kolossal großen La Grande Jatte aufbaute. Gemeinsam waren Signac, der forsche, extrovertierte Künstler, und Seurat, der verschlossene, introvertierte Künstler, im Begriff, den Impressionismus zu untergraben und den Lauf der modernen Kunst zu verändern.

PAUL SIGNAC

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

ALEXANDER KALANDER

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

ALFRED SISLEY

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

ALEXANDER KALANDER

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

EMIL NOLDE

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.  

TOM WESSELMANN

In den frühen 1870er Jahren malte Winslow Homer häufig Szenen des Landlebens in der Nähe eines kleinen Bauerndorfes, das seit Generationen für seine bemerkenswerten Weizenbestände bekannt ist und zwischen dem Hudson River und den Catskills im Bundesstaat New York liegt. Heute ist Hurley weitaus bekannter als Inspiration für eines von Homers größten Werken, Snap the Whip, das im Sommer 1872 entstand. Unter den vielen anderen Gemälden, die von der Region inspiriert wurden, ist Girl Standing in the Wheatfield reich an Gefühlen, aber nicht übermäßig sentimental. Es steht in direktem Zusammenhang mit einer 1866 in Frankreich gemalten Studie mit dem Titel In the Wheatfields und einem weiteren Gemälde, das er im Jahr darauf nach seiner Rückkehr nach Amerika malte. Aber auf dieses Bild wäre Homer zweifellos am stolzesten gewesen. Es ist ein Porträt, eine Kostümstudie, ein Genrebild in der großen Tradition der europäischen Pastoralmalerei und eine dramatisch beleuchtete, stimmungsvolle Tour de Force, durchdrungen vom schnell schwindenden Licht der Abenddämmerung, aufgelockert durch zarte, blumige Noten und einen Hauch von Weizenähren. Im Jahr 1874 schickte Homer vier Gemälde zur Ausstellung der National Academy of Design. Eines trug den Titel "Mädchen". Könnte es sich nicht um dieses Gemälde handeln?

WINSLOW HOMER

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

SEAN SCULLY

Die Welt von Marc Chagall lässt sich nicht eindämmen oder begrenzen durch die Etiketten, die wir ihr anheften. Es ist eine Welt der Bilder und Bedeutungen, die ihren eigenen, herrlich mystischen Diskurs bilden. Les Mariés sous le baldaquin (Die Braut und der Bräutigam unter dem Baldachin) entstand zu Beginn des 90. Lebensjahres des Künstlers, eines Mannes, der Tragödien und Kämpfe erlebt hatte, der aber nie die Momente der Freude im Leben vergaß. Hier werden uns die träumerischen Freuden einer russischen Dorfhochzeit mit ihren Arrangements aus altgedienten Teilnehmern mit so viel fröhlichem Witz und heiterer Unschuld vor Augen geführt, dass man sich ihrem Charme nicht entziehen kann. Durch die Verwendung einer goldfarbenen Emulsion, die eine Kombination aus Öl und opaker Gouache auf Wasserbasis darstellt, wird die Wärme, das Glück und der Optimismus von Chagalls üblichem Positivismus in einen leuchtenden Glanz gehüllt, der an den Einfluss von religiösen Ikonen mit Blattgold oder an die Malerei der Frührenaissance erinnert, die den Eindruck von göttlichem Licht oder spiritueller Erleuchtung vermitteln wollte. Die Kombination von Öl und Gouache kann eine Herausforderung sein. Aber hier, in Les Mariés sous le baldaquin, setzt Chagall sie ein, um der Szene eine jenseitige Qualität zu verleihen, fast so, als ob sie sich vor seinem geistigen Auge materialisiert hätte. Die zarte Textur erweckt den Eindruck, dass das Licht vom Werk selbst ausgeht, und verleiht den im Himmel schwebenden Figuren eine gespenstische Qualität.

MARC CHAGALL

"La femme au tambourin" (1939) is one of Pablo Picasso’s greatest graphic works. Partially based on compositions by Degas and Poussin, the work exudes a strong Classical presence with a Modernist edge. Thought to be a depiction of Dora Maar, Picasso’s lover at the time, the print is highly coveted by institutional and private collectors. One impression from this edition is included in the permanent collection of the Museum of Modern Art, New York, and another is included in the National Gallery of Art, Washington, D.C.<br><br>Picasso’s experimentations in printmaking began in the first decade of the 20th century and engaged him for many decades, into the 1970s. In this time, Picasso embraced multiple methods of printmaking, including lithography, etching, aquatint, and linoleum block printing. His earliest prints were, like the present work, intaglio. With La femme au tambourin, Picasso incorporated the additional medium of aquatint, which yielded a watercolor-like effect throughout the composition and an extreme range of tonal qualities. This technique in particular afforded opportunities for expression that could not be found in painting. For his experimental reach and depth of mastery, Picasso’s corpus of graphic work is among the most highly respected and coveted in the history of art, rivaling that of Rembrandt.

PABLO PICASSO

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

TOM WESSELMANN

ALBERT BIERSTADT - Die Golden Gate - Öl auf Leinwand - 27 3/8 x 38 3/4 Zoll.

ALBERT BIERSTADT

Théo van Rysselberghes Portrait de Sylvie Lacombe aus dem Jahr 1906 ist ein klassisches Meisterwerk eines der raffiniertesten und konsequentesten Porträtmaler seiner Zeit. Die Farben sind harmonisch, der Pinselstrich kraftvoll und auf seine Aufgabe zugeschnitten, Körper und Antlitz wahrhaftig und freizügig. Bei der Dargestellten handelt es sich um die Tochter seines guten Freundes, des Malers Georges Lacombe, der eng mit Gauguin befreundet war und mit den Künstlern Bonnard, Denis, Vuillard u. a. zu den Nabis gehörte. Wir wissen jetzt über Sylvie Lacombe Bescheid, weil Van Rysselberghe so geschickt darin ist, subtile Gesichtsausdrücke wiederzugeben und durch sorgfältige Beobachtung und Liebe zum Detail Einblicke in ihre innere Welt zu geben. Er wählte einen direkten Blick, ihre Augen auf die des Betrachters, eine unausweichliche Verbindung zwischen Subjekt und Betrachter, unabhängig von unserer physischen Beziehung zum Bild. Van Rysselberghe hatte die pointillistische Technik weitgehend aufgegeben, als er dieses Porträt malte. Er wandte jedoch weiterhin die Richtlinien der Farbtheorie an, indem er Rottöne - Rosatöne und Mauvetöne - gegen Grüntöne einsetzte, um eine harmonisch abgestimmte Palette von Komplementärfarben zu schaffen, denen er einen starken Akzent hinzufügte, um den Blick auf sich zu ziehen - eine intensiv gesättigte, rote Schleife, die asymmetrisch an der Seite ihres Kopfes angebracht ist.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

STEUERFLÜSSE

Es ist nicht schwer zu begreifen, wie Robert Indiana mit seiner brillanten zweireihigen Anordnung von vier Buchstaben in den 1960er Jahren eine Bewegung beflügeln konnte. Es entstand aus einer tief empfundenen Auseinandersetzung mit der Religion und mit seinem Freund und Mentor Ellsworth Kelly, dessen kantiger Stil und sinnliche, unakzentuierte Farben einen bleibenden Eindruck hinterließen. Aber wie Indiana sagte, war es ein Moment des Kismet, der einfach passierte, als "LOVE mich biss" und das Design scharf und konzentriert zu ihm kam. Indiana testete den Entwurf natürlich auf Herz und Nieren, und dann begann das Logo überall zu sprießen. Die Botschaft, die am besten in Form einer Skulptur vermittelt wird, steht in Städten auf der ganzen Welt und wurde in mehrere Sprachen übersetzt, nicht zuletzt in die italienische Version "Amor" mit dem zufälligen, ebenfalls nach rechts geneigten "O". Doch anstatt vom Fuß des "L" getreten zu werden, verleiht diese Version dem "A" darüber einen schön inszenierten Wipp-Effekt. So entsteht ein neuer, aber nicht weniger tiefgründiger Eindruck von der Liebe und ihrer emotionalen Ausstrahlung. In jedem Fall verleiht das gekippte "O" von Love einem ansonsten stabilen Entwurf Instabilität, eine tiefgreifende Projektion von Indianas impliziter Kritik an "der oft hohlen Sentimentalität, die mit dem Wort verbunden ist und metaphorisch eher unerwiderte Sehnsucht und Enttäuschung als zuckersüße Zuneigung suggeriert" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, 24. Mai 2018). Wiederholungen haben natürlich die unangenehme Angewohnheit, unsere Wertschätzung für die Genialität der Einfachheit und des bahnbrechenden Designs zu dämpfen. In seinem späten Leben beklagte Indiana, dass "es eine wunderbare Idee, aber auch ein schrecklicher Fehler war. Sie wurde zu populär. Und es gibt Leute, die keine Popularität mögen. Aber wir, die Bewohner einer Welt, die von Zwietracht und Aufruhr geprägt ist, danken Ihnen. "Love" und seine vielen Versionen erinnern uns daran, dass wir zur Liebe fähig sind, und das ist unsere beste, immerwährende Hoffnung auf eine bessere Zukunft.

ROBERT INDIANA

Théo van Rysselberghe, ein unbestrittener Meister der ab 1887 aufblühenden belgischen neoimpressionistischen Bewegung, malte dieses Porträt seiner Frau Maria (geborene Monnom) im ersten Jahrzehnt des zwanzigsten Jahrhunderts. Jahrhunderts. Unter dem Einfluss des Tonalismus von Whistler, des Impressionismus und des Pointillismus von Seurat hatte er ein hochgradig verfeinertes Verständnis für die Farbe, ihre harmonischen Resonanzen und eine akribische Wiedergabe der formalen Elemente entwickelt. Als vorbildlicher Zeichner bleibt der optische Eindruck, der auf dem Zusammenspiel der Farben beruht, ein Hauptanliegen von Van Rysselberghe. Hier ersetzen kurze Farbstriche die kleinen Punkte eines Pointillisten, und das Farbschema ist nicht das homogenisierte, harmonische, für das der Künstler einen wohlverdienten Ruf genießt. Vielmehr wird in diesem Porträt die Farbtheorie auf eine ganz andere Weise weiterentwickelt. Sein visuelles Interesse liegt in den dynamischen Kontrasten der versilberten Frisur seiner Frau, ihres platinfarbenen Kleides und des strahlend weißen Kaminmantels - alles in der optischen Lebendigkeit der von komplementären Rot- und Grüntönen dominierten Umgebung. Es ist eine visuell anregende Demonstration eines Malers, der die dynamische Wirkung dieses ungewöhnlichen Farbschemas verstanden hat und der die Dargestellte mit einem starken Akzent auf einer Diagonale arrangiert und die Formel mit dem Geschick und der Gewandtheit eines Malers ausgeführt hat, der sein malerisches Vermögen voll beherrscht.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Irving Norman's masterpiece, "The Human Condition," from 1980, draws upon the artist's lifetime of acquired experiences and knowledge. Surviving as a volunteer fighter during the Spanish Civil War, the artist returned to the United States after the loyalist defeat. Upon his return, fervent studio practice in Half Moon Bay, California, would become his life's devotion. <br><br>The present work, a nearly 16-foot-wide triptych, is reminiscent of Hieronymus Bosch's triptych, "The Garden of Earthly Delights," c. 1510. The dystopian vision portrayed in 'The Human Condition" is a warning - a lesson from the European dictatorships Norman experienced firsthand during the 1930s. Disturbing tableaus show the darkness of humanity and the evil that can rise to prominence when humanity is at its worst. There is hope, however, in the experience of the viewer: Norman thought of his audience as the greatest hope for humankind.

IRVING NORMAN

JEAN-MICHEL BASQUIAT - Ohne Titel (Anatomie der Taube) - Öl, Graphit und Kreide auf Papier - 22 x 30 Zoll.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

Die Figuren von Nues sind frei um eine zentrale Odaliskenfigur herum entwickelt, was auf ein Thema hindeutet, das Picasso bereits 1906 beschäftigte: die weiblichen Ausschweifungen in einem Harem. Bei der Beschreibung seiner späten Zeichnungen bemerkte Picasso, dass "man nie weiß, was dabei herauskommt, aber sobald die Zeichnung beginnt, wird eine Geschichte oder eine Idee geboren... Ich verbringe Stunde um Stunde damit, meine Kreaturen zu beobachten und über die verrückten Dinge nachzudenken, die sie tun... Es macht großen Spaß, glauben Sie mir." Nues erinnert an diese Einschätzung, ein ausgelassenes Treiben, wie es nur Picasso zustande bringen kann. Unter den vielen Posen ist die verkürzte Figur, die im Schwimmbad schwimmt, besonders reizvoll.

PABLO PICASSO

MEL RAMOS - Nude Descending a Staircase #2 - Öl auf Leinwand - 70 x 52 1/8 in.

MEL RAMOS

PIERRE BONNARD - Soleil Couchant - Öl auf Leinwand - 14 1/2 x 22 1/2 Zoll.

PIERRE BONNARD

JEAN ARP - Skulptur Mythique - Bronze - 25 x 9 1/2 x 12 in.

JEAN ARP

GEORGES ROUAULT - Carlotta - Öl auf Leinwand - 15 7/8 x 12 1/4 Zoll.

GEORGES ROUAULT

EDVARD MUNCH - House on the Coast I - Holzschnitt auf Velin mit Aquarellzusätzen des Künstlers - 16 x 23 in.

EDVARD MUNCH

SALOMON VAN RUYSDAEL - Eine Dünenlandschaft mit rastenden Figuren und einem Paar zu Pferd, dahinter ein Blick auf die Kathedrale von Nimwegen - Öl auf Leinwand - 26 1/2 x 41 1/2 Zoll.

SALOMON VAN RUYSDAEL

ALFRED SISLEY - Vaches au paturage sur les bords de la Seine - Pastell auf Papier - 11 1/4 x 15 1/2 Zoll.

ALFRED SISLEY

HERB ALPERT - Pfeilspitze - Bronze - 201 x 48 x 48 x 48 in.

HERB ALPERT

Ruldof Bauers Ruf als Wegbereiter der ungegenständlichen Abstraktion wird meist mit dem von Wassily Kandinsky in Verbindung gebracht. Dieser heilige Platz unter den größten abstrakten Künstlern ist wohlverdient. Doch im Guten wie im Schlechten ist Bauers Platz in der Kunstgeschichte untrennbar mit dem unglücklichen Vertrag verbunden, den er unter Anleitung seiner ehemaligen Geliebten Hilla Rebay mit Soloman R. Guggenheim unterzeichnete. Presto 10 entstand 1917, als Bauer eine feste Größe in der Berliner Galerie Der Sturm war und wahrscheinlich auf einer der Einzelausstellungen des Künstlers in den Jahren 1917, 1918 und 1920 ausgestellt wurde. Es gehörte auch zu den Gemälden, die von Bauer und Hilla Rebay für die am 1. Juni 1939 eröffnete Ausstellung "Art of Tomorrow" auf der New Yorker Weltausstellung ausgewählt wurden. Es ist im fünften Katalog der Solomon R. Guggenheim-Sammlung nicht-gegenständlicher Gemälde aufgeführt.

RUDOLF BAUER

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDER KALANDER

Picasso scholars widely consider "Gros oiseau corrida" (1953) as one of the finest ceramic editions by the artist. The commanding presence and choice of subject matter show that the work held a deeply personal meaning for the artist. <br><br>Picasso's self-imposed exile from Franco-controlled Spain left an unquenched internal longing for his homeland. It was through the artist's depiction of the Spanish "Corrida," or bullfight, that Picasso could return to his native culture and traditions. The earthenware material used in the creation of this work is symbolic of the soil and raw earth of the Spanish countryside. Additionally, the avian vessel was a special theme for Picasso, who would often utilize the bird-like shape of ceramics. Picasso learned to paint birds as a child from his pigeon-breeding father, and as an adult, he had many pet birds.<br><br>The bohemian coastal setting of Vallauris became a refuge for Picasso, a place where he could escape his celebrity status in Paris. While working with Suzanne and Georges Ramié of the Madoura workshop in Vallauris, Picasso produced over 600 works. These works, created over a twenty-year period, are now ensconced in the canon of art history. Comparable Picasso ceramics can be found in prominent Museum collections worldwide.

PABLO PICASSO

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - Pastell auf Papier auf Karton aufgelegt - 10 3/8 x 14 3/4 in.

CAMILLE PISSARRO

Von Herb Alberts vielen in Bronze gegossenen, seidig-schwarz patinierten Geistertotems haben nur wenige eine so ausgeprägt männliche Ausstrahlung wie Warrior. Der Titel "Warrior" ist eine treffende Beschreibung, die unter anderem die Attribute Stärke, Mut und unzerbrechlicher Geist anspricht, und wird von einer absteigenden, gezackten Krone gekrönt, die sich ebenso gut auf den Kamm eines Raubvogels wie auf den Kopfschmuck eines Häuptlings der Prärieindianer beziehen könnte. Ähnlich wie bei den Arbeiten von Henry Moore hängen diese Assoziationen zum Teil vom Negativraum ab, um den dynamischen und starken Eindruck zu erzeugen, den diese beeindruckende Skulptur vermittelt.

HERB ALPERT

JOAN MIRO - L'Oiseau - Bronze und Ziegelstein - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

JOAN MIRO

JOSEPH STELLA - Liegender Akt - Öl auf Leinwand - 50 x 52 1/2 Zoll.

JOSEPH STELLA

GERARD CURTIS DELANO - Navajo Camp - Öl auf Platte - 23 1/2 x 29 1/2 Zoll.

GERARD CURTIS DELANO

RODOLFO MORALES - Ohne Titel - Öl auf Leinwand - 37 1/4 x 39 1/4 Zoll.

RODOLFO MORALES

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDER KALANDER

LE PHO - Blumen - Öl auf Leinwand - 28 3/4 x 21 1/4 Zoll.

LE PHO

IRVING NORMAN - The Academy - Öl auf Leinwand - 110 x 90 in.

IRVING NORMAN

Andy Warhol ist ein Synonym für die amerikanische Kunst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und bekannt für seine ikonischen Porträts und Konsumgüter, in denen er Populärkultur und bildende Kunst vermischte und damit neu definierte, was Kunst sein könnte und wie wir Kunst betrachten. Viele von Warhols Werken stellen zwar keine berühmten Persönlichkeiten dar, aber seine Darstellungen von unbelebten Gegenständen erheben seine Subjekte auf eine Ebene der Berühmtheit. Warhol stellte erstmals zu Beginn seiner Karriere Schuhe dar, als er als Modeillustrator arbeitete, und kehrte in den 1980er Jahren zu diesem Thema zurück, um seine Faszination für Konsum und Glamour zu verbinden. In seinem ständigen Bestreben, Hoch- und Niedrigkultur zu vereinen, wählte Warhol ein Thema, das so allgegenwärtig ist wie Schuhe. Das Motiv kann für Armut oder Reichtum, Funktion oder Mode stehen. Warhol glamourisiert den Haufen Schuhe, indem er sie mit einer Patina aus glitzerndem Diamantenstaub überzieht und so die Bedeutung zwischen utilitaristischer Notwendigkeit und stilisiertem Statement-Piece weiter verwischt.

ANDY WARHOL

FREDERICK CARL FRIESEKE - Hügel bei Giverny - Öl auf Leinwand - 25 1/4 x 31 1/4 Zoll.

FREDERICK CARL FRIESEKE

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDER KALANDER

Ross Bleckner ist ein gefeierter amerikanischer Maler, dessen Werke auf Verlust, Erinnerung und Veränderung verweisen, wie z.B. Untersuchungen der Zelle während der AIDS-Epidemie oder als Reaktion auf die Krebsdiagnose seines Vaters. Die MoMA-Ausstellung von 1965, die die Op Art, The Responsive Eye, mit den Künstlern Richard Anuszkiewicz, Tadasky und Francis Celentano in den Vordergrund stellte, hatte einen tiefen Einfluss auf ihn als Künstler. Dieses Gemälde entfaltet, wie seine anderen immersiven, großformatigen Werke, eine kraftvolle, hypnotische, schwindelerregende Wirkung. Ästhetisch ansprechend, erforschen Bleckers Leinwände die Wahrnehmung - visuell, emotional, physisch, zeitlich. Bleckner gehört zur gleichen Generation und ist mit Julian Schnabel, David Salle, Eric Fischl und Peter Halley befreundet, die alle die malerische Technik auf die Leinwand zurückbringen.

ROSS BLECKNER

PAUL JENKINS - Phenomena By Return - Acryl auf Leinwand - 104 3/4 x 49 5/8 in.

PAUL JENKINS

IRVING NORMAN - Abschied - Öl auf Leinwand - 90 x 100 in.

IRVING NORMAN

ANSEL ADAMS - Winter Sunrise, Sierra Nevada from Lone Pine - Gelatinesilberdruck - 18 3/4 x 22 3/4 Zoll.

ANSEL ADAMS

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDER KALANDER

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Flusslandschaft mit einer Windmühle und einer Kapelle - Öl auf Platte - 22 1/2 x 31 3/4 Zoll.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

MARC QUINN - Lovebomb - Fotolaminat auf Aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 Zoll.

MARC QUINN

IRVING NORMAN - Totems - Öl auf Leinwand - 72 x 110 in.

IRVING NORMAN

Deborah Butterfield ist eine amerikanische Bildhauerin, die vor allem für ihre Skulpturen von Pferden aus Holz, Metall und anderen gefundenen Objekten bekannt ist. Das 1981er Stück Ohne Titel (Pferd) besteht aus Sticks und Papier auf Drahtarmatur. Die beeindruckende Größe dieses Stückes erzeugt eine bemerkenswerte Wirkung in Person und stellt ein eindrucksvolles Beispiel für Butterfields gefeiertes Thema dar. Butterfield schuf die Pferde ursprünglich aus Holz und anderen Materialien, die auf ihrem Grundstück in Bozeman, Montana, zu finden waren, und sah die Pferde als metaphorisches Selbstporträt, das die emotionale Resonanz dieser Formen aufgreift.

DEBORAH BUTTERFIELD

HERB ALPERT - Inspiriert - Bronze - 100 x 20 x 12 Zoll.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Konzertmeister - Bronze - 93 x 14 Zoll.

HERB ALPERT

EDGAR ALWIN PAYNE - Navajos in Ruhe - Öl auf Leinwand - 19 1/2 x 23 1/2 Zoll.

EDGAR ALWIN PAYNE

ANDY WARHOL - Goethe - Siebdruck in Farben - 38 x 38 in.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL - Goethe - Siebdruck in Farben - 38 x 38 in.

ANDY WARHOL

MILTON AVERY - Village by the Sea - Aquarell, Rohrfeder und Bleistift auf Papier - 21 1/2 x 30 1/4 Zoll.

MILTON AVERY

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

VALERIE JAUDON

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

CHINESISCH

ANDY WARHOL - Ford Auto - Graphit auf Papier - 11 1/2 x 15 3/4 Zoll.

ANDY WARHOL

ANSEL ADAMS - Aspens, Northern New Mexico - Gelatinesilberdruck - 15 1/4 x 19 1/4 Zoll.

ANSEL ADAMS

EDGAR ALWIN PAYNE - Venezianische Boote auf Sotto Marino - Öl auf Platte - 23 3/8 x 26 1/4 Zoll.

EDGAR ALWIN PAYNE

Richard Diebenkorn erklärte einmal: "Alle Gemälde entstehen aus einer Stimmung heraus, aus einer Beziehung zu Dingen oder Menschen, aus einem vollständigen visuellen Eindruck." Bekannt für seine prägende Rolle in der Bay Area Figurative Art-Bewegung, einer Gegenbewegung zur Abstraktion, die im New York der Nachkriegszeit dominierte, oszillierte Diebenkorn oft zwischen Figuration und Abstraktion. 1952 nahm er für ein akademisches Jahr einen Lehrauftrag an der University of Illinois in Urbana an. Dort unterrichtete er Architekturstudenten im Zeichnen und nutzte eines der Schlafzimmer in seinem Haus als Atelier. Diese Periode von 1952-53, bekannt als die Urbana-Serie, war eine produktive und entscheidende Zeit in der Entwicklung von Diebenkorns Stil. Seine innovative Erforschung der Figuration durch Abstraktion begann in diesen entscheidenden frühen Jahren und sollte in seiner weithin gefeierten Ocean Park-Serie der späten 1960er bis 80er Jahre zur vollen Entfaltung kommen.

RICHARD DIEBENKORN

ANDY WARHOL - Pepper Pot von Campbell's Soup - Siebdruck in Farben - 35 x 23 in.

ANDY WARHOL

"Bouquets de Fleurs" (1901) is a glowing Post-Impressionist still life. As the revolutionary wave of Impressionism receded from its apex, artists such as Henri Manguin, Henri Matisse, Kees van Dongen, Louis Valtat, and others emerged as part of the new avant-garde in Europe. These “Fauves,” or roughly translated “wild beasts,” would attack their canvases with a bold and vibrant new palette. This completely new way of painting was not initially celebrated by critics, or the artistic elite, but is today recognized among the most innovative and original artistic movements of the 20th Century. <br><br>The present work, painted just before the revolution of Fauvism took hold, demonstrates a critical transitionary period in Modern Art. The subject is depicted with a masterful compositional sense and attention to spatial relationships. Manguin’s competency in composition would allow him to experiment freely with color during the first decade of the 20th Century. The slightly later but comparable Manguin still life “Flowers” (1915) is in the permanent collection of the Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.

HENRI MANGUIN

WAYNE THIEBAUD - Paint Cans - Farblithografie auf Velinpapier - 38 3/4 x 29 1/8 Zoll.

WAYNE THIEBAUD

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

CHINESISCH

JOANNA POUSETTE-DART - Ohne Titel (Red Desert Study) - Acryl auf Holzplatte - 33 1/2 x 42 x 3/4 Zoll.

JOANNA POUSETTE-DART

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - Bronze mit grüner Patina - 103 1/2 x 22 x 17 in.

SETH KAUFMAN

WILLIAM WENDT - Kalifornische Landschaft - Öl auf Leinwand - 23 1/2 x 31 3/4 Zoll.

WILLIAM WENDT

ANDY WARHOL - Ohne Titel (Blumen) - Tinte und Aquarell auf Papier - 15 1/4 x 12 3/8 Zoll.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL - The Shadow (aus Myths) - Farbsiebdruck mit Diamantstaub auf Papier - 37 1/2 x 37 1/2 in.

ANDY WARHOL

DONALD SULTAN - Gelbe Tulpe #18 - Öl und Teer auf Papier - 20 x 20 in.

DONALD SULTAN

BLANCHE LAZZELL - Studie Nr. 4 für "Gemälde XII" - Gouache auf Papier - 8 7/8 x 8 in.

BLANCHE LAZZELL

ANDY WARHOL - Liebe - Siebdruck - 25 1/2 x 19 1/4 Zoll.

ANDY WARHOL

HERB ALPERT - Gegengewicht - Bronze - 28 x 28 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Menschliche Natur - Bronze - 44 x 10 x 7 Zoll.

HERB ALPERT

AI WEIWEI - "Fairytale" Stühle - Holz - 49 x 45 x 17 1/2 in.

AI WEIWEIWEI

JULIAN OPIE - Bijou Gets Undressed 5 - Siebdruck auf Fedrigoni Sirio Papier - 20 1/2 x 38 1/8 in.

JULIAN OPIE

JULIAN OPIE - Bijou Gets Undressed 8 - Siebdruck auf Fedrigoni Sirio Papier - 20 1/2 x 38 1/8 in.

JULIAN OPIE

ANDY WARHOL - Liebe - Siebdruck - 25 1/4 x 19 1/2 Zoll.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL - Liebe - Siebdruck - 25 1/2 x 19 3/8 Zoll.

ANDY WARHOL

CARL MORRIS - White Field - Acryl auf Leinwand - 75 x 63 in.

CARL MORRIS

HERB ALPERT - Now Hear This - Acryl auf Leinwand - 48 x 72 in.

HERB ALPERT

ROSS BLECKNER - Ohne Titel - Öl auf Fotopapier - 37 1/2 x 24 3/4 Zoll.

ROSS BLECKNER

HERB ALPERT - Gegen den Wind - Acryl auf Leinwand - 48 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Goldene Träume - Acryl auf Leinwand - 48 x 72 in.

HERB ALPERT

ANDY WARHOL - Carolina Herrera - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL - Andy Warhol - Gelatinesilberdruck - 10 x 8 in. ea.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL - George - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 Zoll.

ANDY WARHOL

ROY LICHTENSTEIN - Heuhaufen #6 - Lithographie - 13 1/4 x 23 1/2 Zoll.

ROY LICHTENSTEIN

ROY LICHTENSTEIN - Heuhaufen #4 - Lithographie - 13 1/4 x 23 1/2 Zoll.

ROY LICHTENSTEIN

PAUL JENKINS - Ohne Titel - Aquarell und Tusche auf Papier - 29 3/4 x 42 3/4 in.

PAUL JENKINS

HERB ALPERT - Der Beobachter - Acryl auf Leinwand - 60 x 36 Zoll.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Fractured Memories - Acryl auf Leinwand - 60 x 36 Zoll.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Just a Dream Away - Acryl auf Leinwand - 60 x 36 in.

HERB ALPERT

MICAELA AMATO - Kamerun Mädchen - Gussglas - 16 x 12 x 10 1/2 Zoll.

MICAELA AMATO

JOHN BALDESSARI - Front Row (Valentine) - 17 Farb-Siebdrucke - 37 3/4 x 33 3/4 Zoll.

JOHN BALDESSARI

JOHN MILLEI - Ohne Titel - Öl auf Mylar - 24 x 28 in.

JOHN MILLEI

JOSEF ALBERS - Formulierung: Artikulation - Siebdruck - 12 x 14 5/8 Zoll z.B.

JOSEF ALBERS

JOSEF ALBERS - Formulierung: Artikulation - Siebdruck - 10 x 13 Zoll z.B.

JOSEF ALBERS

JOSEF ALBERS - Formulierung: Artikulation - Siebdruck - 9 1/8 x 13 7/8 Zoll z.B.

JOSEF ALBERS

JOSEF ALBERS - Formulierung: Artikulation - Siebdruck - 11 3/4 x 11 3/4 x 11 3/4 Zoll. ea.

JOSEF ALBERS

MELVIN MARTINEZ - Blase - Mischtechnik auf Papier - 14 x 18 Zoll

MELVIN MARTINEZ

JOSEF ALBERS - Formulierung: Artikulation - Siebdruck - 10 x 12 7/8 Zoll

JOSEF ALBERS

JOSEF ALBERS - Formulierung: Artikulation - Siebdruck - 12 7/8 x 15 3/4 Zoll

JOSEF ALBERS

JOSEF ALBERS - Formulierung: Artikulation - Siebdruck - 12 1/4 x 12 1/4 x 12 1/4 in.

JOSEF ALBERS

GEORGE ORTMAN - Ten Works X Ten Painters - Siebdruck - 24 x 20 in.

GEORGE ORTMAN

JOSEF ALBERS - Formulierung: Artikulation - Siebdruck - 8 1/4 x 17 Zoll

JOSEF ALBERS

IN DEN NACHRICHTEN

NACHRICHTEN

Verkaufen Sie Ihre Blue Chip Werke mit Heather James

Heather James Fine Art ist aktiv auf der Suche nach Blue-Chip-Kunstwerken in allen wichtigen Genres und Medien. Mehr...

NACHRICHTEN

Heather James Museum für Bildende Kunst Leihgaben

Heather James Fine Art wurde die Ehre zuteil, Kunstwerke für Museumsausstellungen in aller Welt zur Verfügung zu stellen. Mehr...

NACHRICHTEN

Claude Monet Kürzlich verkaufte Werke

Monet und seine Werke sind eine Spezialität von Heather James Fine Art, denn wir haben im Laufe der Jahre Dutzende seiner Gemälde verkauft. Mehr...

NACHRICHTEN

Der Kunstmarkt März 2023

Jim Carona, Mitbegründer von Heather James Fine Art, erörtert die Widerstandsfähigkeit des Kunstmarktes und bietet Einblicke in Kunstinvestitionen in Zeiten der Finanzkrise. Mehr...

NACHRICHTEN

Van Gogh-Leihgaben an das Detroit Institute of Arts

Für Heather James Fine Art ist es eine Ehre und ein Vergnügen, die Leihgabe von zwei bedeutenden Werken für die Ausstellung "Van Gogh in America" im Detroit Institute mehr...

PRESSE

Van Gogh als Leihgabe von Heather James bei "Van Gogh in Amerika" zieht Publikum an

Oktober 2, 2022
Der von Heather James geliehene Van Gogh in der Ausstellung "Van Gogh in Amerika" zieht ein begeistertes Publikum an.
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PRESSE

Heather James leiht großen Van Gogh an "Van Gogh in Amerika" aus

30. September 2022
Heather James leiht "Ernte in der Provence", das Van Gogh 1888 malte und das von der Landschaft und den Farben von Arles, Frankreich, inspiriert wurde, an das Detroit Institute of Art für "Van Gogh in
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NACHRICHTEN

Widerstandsfähigkeit des Kunstmarktes

Jim Carona, Mitbegründer von Heather James Fine Art, gibt einen Überblick über die Entwicklung des Kunstmarktes in früheren Rezessionsphasen und erläutert, warum sich der Kunstmarkt als stabil erwiesen hat. mehr...

NACHRICHTEN

Kunst als Investition

Kunst gehört zu den besten Anlagen für 2022. Sehen Sie sich unsere ausführliche Analyse von Kunst als Vermögenswert für Ihr Portfolio an. Mehr...

NACHRICHTEN

Luxuriöse Hausinstallation

Sehen Sie sich dieses Video an, in dem die fleißigen Kunsthandwerker unserer Abteilung Operations die von Chip Tom kuratierten Werke von Heather James Fine Art in diesem Luxushaus installieren, Mehr...

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Mai 2022 Kunstauktion Saisonrückblick mit Jim Carona

Heather James Fine Art Inhaber James Carona im Gespräch mit Fine Art Assistant Jenna Grotelueschen über die Kunstauktionssaison Mai 2022 Mehr...

PRESSE

Kurator Chip Tom hilft im Inneren des Musterhauses der Wüstenoase

6. April 2022
Entdecken Sie das gemeinschaftliche Designprojekt mit Arbeiten von 11 verschiedenen Designern und exklusiven Kunstwerken von Heather James Fine Art.
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Iconic Life stellt das von der HJFA kuratierte Desert Oasis Show House vor

6. April 2022
Die prominente Innenarchitektin Chris Barrett gibt Einblicke in ihr neuestes Projekt, für das sie Kunstwerke von Heather James Fine Art zur Verfügung gestellt hat.
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PRESSE

Chip Tom Gastrichter

März, 25, 2022
Der leitende Kurator Chip Tom beurteilt die Rückkehr der Coachella Valley Watercolor Society (CVWS) zu einer persönlichen Ausstellung für ihre 32. jährliche Kunstausstellung für Mitglieder.
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Kennenlernen von Heather James Fine Art

Anlässlich des 25-jährigen Jubiläums erzählt das Team von Heather James, was unsere Mission für uns bedeutet. Mehr...

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Wir feiern 25 Jahre Heather James Fine Art

Im Jahr 2021 feierte Heather James Fine Art sein 25-jähriges Bestehen. In dieser Zeit haben wir über 6.500 Kunstwerke an Sammler vermittelt. mehr...

NACHRICHTEN

Breck Kling auf der Art Basel Miami Beach

Palm Beach Fine Art Consultant, Breck Kling, besuchte die Art Basel Miami Beach und traf sich mit Kunden in der Region. Hier sind die wichtigsten Erkenntnisse. Mehr...

NACHRICHTEN

Heather James Asien

Heather James Fine Art sucht Fine Art Consultants, die unser Verkaufsteam verstärken und unsere Expansion auf dem asiatischen Markt unterstützen. Mehr...

NACHRICHTEN

Heather James eröffnet Beratungsbüro in London

HJFA ist seit seiner Gründung vor 25 Jahren international tätig. Unser Londoner Beratungsunternehmen, das von Emma Barnes geleitet wird, stellt ein aufregendes neues Kapitel dar, das es uns ermöglicht, unsere Kunden direkter in Mehr...

KATALOGE

Revolutionen in der modernen Kunst

In Revolutions in Modern Art wollen wir beleuchten, wie die größten Namen der modernen Kunst den Lauf der Kunstgeschichte verändert haben. Mehr...

KATALOGE

Heather James Fine Art - Über uns

Heather James Fine Art ist seit über 25 Jahren im Geschäft und präsentiert bedeutende Werke aus verschiedenen Epochen und Genres, darunter zeitgenössische, moderne, impressionistische, amerikanische, lateinamerikanische und alte Meister. Mehr...

SEITEN

Mesa Modern

Das Mesa Modern Design House ist eine Zusammenarbeit von Kunstwerken von Heather James Fine Art, Innenarchitektur von Michelle Boudreau, Landschaftsarchitektur von John Feldman von Ecocentrix und Design von Mehr...

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Hassel-Smith-Eröffnungsempfang

Hassel Smith Eröffnungsempfang bei Heather James Fine Art - Palm Desert mit Eröffnungsansprachen von Ted Mills und Mark Harrington mehr...

DIENSTLEISTUNGEN

Heather James Fine Art bietet eine breite Palette von kundenorientierten Dienstleistungen, die auf Ihre spezifischen Bedürfnisse zugeschnitten sind. Unser Operations-Team besteht aus professionellen Kunsthändlern, einer kompletten Registrierungsabteilung und einem Logistikteam mit umfangreicher Erfahrung im Bereich Kunsttransport, Installation und Sammlungsmanagement. Mit einem weißen Handschuhservice und einer persönlichen Betreuung geht unser Team noch einen Schritt weiter, um unseren Kunden außergewöhnliche Kunstleistungen zu bieten.

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KENNENLERNEN

FEATURED ART

Laut dem vom Brandywine River Museum of Art zusammengestellten Werkverzeichnis wurde die Vorzeichnung für Puritan Cod Fishers von N. C. Wyeth vor seinem Tod im Oktober 1945 fertiggestellt. Der Eintrag enthält eine Abbildung der Skizze sowie die Inschriften des Künstlers und den Titel Puritan Cod Fishers, der im Katalog als "alternativ" bezeichnet wird. In jedem Fall handelt es sich bei der großformatigen Leinwand um ein einzigartiges Werk, das, wie Andrew Wyeth sich später erinnerte, ausschließlich von seiner Hand gemalt wurde, eine abgegrenzte Zusammenarbeit von Entwurf und Komposition des Vaters, die von einem bemerkenswerten Sohn in die Tat umgesetzt wurde. Für Andrew Wyeth muss es eine tief empfundene und emotionale Erfahrung gewesen sein. Angesichts der Detailtreue und Authentizität seines Vaters stellen die Linien des kleinen Segelschiffs eine Schaluppe dar, wie sie im 16. Jahrhundert verwendet wurde. Jahrhundert gebräuchlich war. Andererseits hat Andrew die Farbtöne der unruhigen See wahrscheinlich stärker vertieft, als es sein Vater getan hätte - eine Wahl, die die Gefährlichkeit der Aufgabe angemessen unterstreicht.

Andrew Wyeth & N. C. Wyeth

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

TOM WESSELMANN

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

ALFRED SISLEY

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

WAYNE THIEBAUD

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

ALEXANDER KALANDER

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

EMIL NOLDE

In den frühen 1870er Jahren malte Winslow Homer häufig Szenen des Landlebens in der Nähe eines kleinen Bauerndorfes, das seit Generationen für seine bemerkenswerten Weizenbestände bekannt ist und zwischen dem Hudson River und den Catskills im Bundesstaat New York liegt. Heute ist Hurley weitaus bekannter als Inspiration für eines von Homers größten Werken, Snap the Whip, das im Sommer 1872 entstand. Unter den vielen anderen Gemälden, die von der Region inspiriert wurden, ist Girl Standing in the Wheatfield reich an Gefühlen, aber nicht übermäßig sentimental. Es steht in direktem Zusammenhang mit einer 1866 in Frankreich gemalten Studie mit dem Titel In the Wheatfields und einem weiteren Gemälde, das er im Jahr darauf nach seiner Rückkehr nach Amerika malte. Aber auf dieses Bild wäre Homer zweifellos am stolzesten gewesen. Es ist ein Porträt, eine Kostümstudie, ein Genrebild in der großen Tradition der europäischen Pastoralmalerei und eine dramatisch beleuchtete, stimmungsvolle Tour de Force, durchdrungen vom schnell schwindenden Licht der Abenddämmerung, aufgelockert durch zarte, blumige Noten und einen Hauch von Weizenähren. Im Jahr 1874 schickte Homer vier Gemälde zur Ausstellung der National Academy of Design. Eines trug den Titel "Mädchen". Könnte es sich nicht um dieses Gemälde handeln?

WINSLOW HOMER

Emerging at the end of the Gilded Age, N.C. Wyeth was one of the most important American artists and illustrators. His paintings and illustrations brought life to classic literature from Treasure Island to The Boy’s King Arthur and more. He is most remembered for his ability to capture crucial moments in narratives, fleshing out just a few words into a visual representation of deep drama and tension. Patriarch of the Wyeth artistic dynasty which includes his son Andrew and grandson Jamie, his influence touched future illustrators and artists.<br><br>Perhaps his most important legacy is how he shaped American imagination – of America itself and of wild possibilities. Wyeth’s powerful paintings gave life to many of the stories America told of itself. His early paintings captured life of the American West and some of his most beloved illustrations were for novels such as The Last of the Mohicans or short stories like “Rip Van Winkle”. Despite this success, Wyeth struggled with the commercialism of illustrations and advertisements, seeking his work to be accepted as fine art. Throughout his career, he experimented with different styles shifting from Impressionism to Divisionism to Regionalism.<br><br>N.C. Wyeth produced over 3,000 paintings and illustrated 112 books. His illustrations for the publisher Charles Scribner’s Sons were so popular they became known as Scribner’s Classics and remain in print to this day.<br><br>This quietly powerful painting of a Native American forms part of a quartet of paintings, inspired by and a metaphor for the four seasons. The paintings were used to illustrate George T. Marsh’s set of poems “The Moods”. Wyeth recognized that the series came at a crucial moment in his career in which the paintings go beyond realism to capture atmosphere and mood, an internal world of emotion made external. He even contemplated and attempted to write his own poems based on these paintings.<br> <br><br>Summer, Hush is a striking example of Wyeth pulling from his imagination and melding it with careful observation of nature. As noted in a letter to his mother, Wyeth combined the fictional subject with natural effects as in the sky. Native Americans were a subject he returned to numerous times; these paintings reflect not only Wyeth’s fascination but also of America. As observed by art historian Krstine Ronan, Wyeth was part of a larger dialogue that developed around Native Americans, cementing a general Native American culture in the imagination of the United States. Thus, the painting operates on numerous levels simultaneously. How do we relate to this painting and its conception of the four seasons? How do we interpret Wyeth’s depiction of a Native American? What role do Native Americans play in America’s imagination?<br><br>We must also not forget that these works were first used to illustrate the poems of George T. Marsh. Marsh, a poet born in New York who often also wrote of the Canadian wilderness, provides subtle evocations of the seasons hinted at in the series title “The Moods”. This painting was used alongside “Hush,” which ends:<br><br>Are they runes of summers perished<br><br>That the fisher hears –and ceases—<br><br>Or the voice of one he cherished.<br><br>Within these few lines, Wyeth gives us a thoughtful and restrained painting that stirs from within. The poem and the painting avoid obvious clichés to represent the seasons. They develop a profound interpretation filled with sensitivity.<br><br>These paintings were important to Wyeth who hoped that “they may suggest to some architect the idea that such decorations would be appropriate in a library or capitol or some public building.” Summer, Hush demonstrates Wyeth’s control of color and composition so that small touches such as the ripples of water or the towering cloud that envelopes the figure are in service to sketch out the feeling of summer and of the poem. Through exploring this rich and complex painting, we are better able to appreciate NC Wyeth as an artist and the role this specific painting plays in the context of art history.

N.C. WYETH

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

SEAN SCULLY

Die Welt von Marc Chagall lässt sich nicht eindämmen oder begrenzen durch die Etiketten, die wir ihr anheften. Es ist eine Welt der Bilder und Bedeutungen, die ihren eigenen, herrlich mystischen Diskurs bilden. Les Mariés sous le baldaquin (Die Braut und der Bräutigam unter dem Baldachin) entstand zu Beginn des 90. Lebensjahres des Künstlers, eines Mannes, der Tragödien und Kämpfe erlebt hatte, der aber nie die Momente der Freude im Leben vergaß. Hier werden uns die träumerischen Freuden einer russischen Dorfhochzeit mit ihren Arrangements aus altgedienten Teilnehmern mit so viel fröhlichem Witz und heiterer Unschuld vor Augen geführt, dass man sich ihrem Charme nicht entziehen kann. Durch die Verwendung einer goldfarbenen Emulsion, die eine Kombination aus Öl und opaker Gouache auf Wasserbasis darstellt, wird die Wärme, das Glück und der Optimismus von Chagalls üblichem Positivismus in einen leuchtenden Glanz gehüllt, der an den Einfluss von religiösen Ikonen mit Blattgold oder an die Malerei der Frührenaissance erinnert, die den Eindruck von göttlichem Licht oder spiritueller Erleuchtung vermitteln wollte. Die Kombination von Öl und Gouache kann eine Herausforderung sein. Aber hier, in Les Mariés sous le baldaquin, setzt Chagall sie ein, um der Szene eine jenseitige Qualität zu verleihen, fast so, als ob sie sich vor seinem geistigen Auge materialisiert hätte. Die zarte Textur erweckt den Eindruck, dass das Licht vom Werk selbst ausgeht, und verleiht den im Himmel schwebenden Figuren eine gespenstische Qualität.

MARC CHAGALL

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

TOM WESSELMANN

Shortly after arriving in Paris by April 1912, Marsden Hartley received an invitation. It had come from Gertrude Stein and what he saw at her 27 rue de Fleurus flat stunned him. Despite his presumptions and preparedness, “I had to get used to so much of everything all at once…a room full of staggering pictures, a room full of strangers and two remarkable looking women, Alice and Gertrude Stein…I went often I think after that on Saturday evenings — always thinking, in my reserved New England tone, ‘ how do people do things like that — let everyone in off the street to look at their pictures?… So one got to see a vast array of astounding pictures — all burning with life and new ideas — and as strange as the ideas seemed to be — all of them terrifically stimulating — a new kind of words for an old theme.” (Susan Elizabeth Ryan, The Autobiography of Marsden Hartley, pg. 77)<br><br>The repeated visits had a profound effect. Later that year, Hartley was clearly disappointed when Arthur B. Davies and Walt Kuhn chose two of his still-life paintings for the upcoming New York Armory show in February 1913. “He (Kuhn) speaks highly of them (but) I would not have chosen them myself chiefly because I am so interested at this time in the directly abstract things of the present. But Davies says that no American has done this kind of thing and they would (not) serve me and the exhibition best at this time.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, early November 1912) A month later, he announced his departure from formal representationalism in “favor of intuitive abstraction…a variety of expression I find to be closest to my temperament and ideals. It is not like anything here. It is not like Picasso, it is not like Kandinsky, not like any cubism. For want of a better name, subliminal or cosmic cubism.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, December 1912)<br><br>At the time, Hartley consumed Wassily Kandinsky’s recently published treatise Uber das Geistige in der Kunst (The Art of Spiritual Harmony) and Stieglitz followed the artist’s thoughts with great interest. For certain, they both embraced musical analogy as an opportunity for establishing a new visual language of abstraction. Their shared interest in the synergetic effects of music and art can be traced to at least 1909 when Hartley exhibited landscape paintings of Maine under titles such as “Songs of Autumn” and “Songs of Winter” at the 291 Gallery. The gravity of Hartley’s response to the treatise likely sparked Stieglitz’s determination to purchase Kandinsky’s seminal painting Improvisation no. 27 (Garden of Love II) at the Armory Show. As for Hartley, he announced to his niece his conviction that an aural/vision synesthetic pairing of art and music was a way forward for modern art. “Did you ever hear of anyone trying to paint music — or the equivalent of sound in color?…there is only one artist in Europe working on it (Wassily Kandinsky) and he is a pure theorist and his work is quite without feeling — whereas I work wholly from intuition and the subliminal.” (D. Cassidy, Painting the Musical City: Jazz and Cultural Identity in American Art, Washington, D.C., pg. 6)<br><br>In Paris, during 1912 and 1913 Hartley was inspired to create a series of six musically themed oil paintings, the first of which, Bach Preludes et Fugues, no. 1 (Musical Theme), incorporates strong Cubist elements as well as Kandinsky’s essential spirituality and synesthesia. Here, incorporating both elements seems particularly appropriate. Whereas Kandinsky’s concepts were inspired by Arnold Schoenberg’s twelve-tone method of composition whereby no note could be reused until the other eleven had been played, Hartley chose Bach’s highly structured, rigorously controlled twenty-four Preludes and Fugues from his Well-Tempered Clavier, each of which establishes an absolute tonality. The towering grid of Bach Preludes et Fugues, no. 1 suggests the formal structure of an organ, its pipes ever-rising under a high, vaulted church ceiling to which Hartley extends an invitation to stand within the lower portion of the picture plane amongst the triangular and circular ‘sound tesserae’ and absorb its essential sonority and deeply reverberating sound. All of it is cast with gradients of color that conjures an impression of Cézanne’s conceptual approach rather than Picasso’s, Analytic Cubism. Yet Bach Preludes et Fugues, no. 1, in its entirety suggests the formal structural of Picasso’s Maisons à Horta (Houses on the Hill, Horta de Ebro), one of the many Picasso paintings Gertrude Stein owned and presumably staged in her residence on the many occasions he came to visit.

MARSDEN HARTLEY

Théo van Rysselberghes Portrait de Sylvie Lacombe aus dem Jahr 1906 ist ein klassisches Meisterwerk eines der raffiniertesten und konsequentesten Porträtmaler seiner Zeit. Die Farben sind harmonisch, der Pinselstrich kraftvoll und auf seine Aufgabe zugeschnitten, Körper und Antlitz wahrhaftig und freizügig. Bei der Dargestellten handelt es sich um die Tochter seines guten Freundes, des Malers Georges Lacombe, der eng mit Gauguin befreundet war und mit den Künstlern Bonnard, Denis, Vuillard u. a. zu den Nabis gehörte. Wir wissen jetzt über Sylvie Lacombe Bescheid, weil Van Rysselberghe so geschickt darin ist, subtile Gesichtsausdrücke wiederzugeben und durch sorgfältige Beobachtung und Liebe zum Detail Einblicke in ihre innere Welt zu geben. Er wählte einen direkten Blick, ihre Augen auf die des Betrachters, eine unausweichliche Verbindung zwischen Subjekt und Betrachter, unabhängig von unserer physischen Beziehung zum Bild. Van Rysselberghe hatte die pointillistische Technik weitgehend aufgegeben, als er dieses Porträt malte. Er wandte jedoch weiterhin die Richtlinien der Farbtheorie an, indem er Rottöne - Rosatöne und Mauvetöne - gegen Grüntöne einsetzte, um eine harmonisch abgestimmte Palette von Komplementärfarben zu schaffen, denen er einen starken Akzent hinzufügte, um den Blick auf sich zu ziehen - eine intensiv gesättigte, rote Schleife, die asymmetrisch an der Seite ihres Kopfes angebracht ist.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Es ist nicht schwer zu begreifen, wie Robert Indiana mit seiner brillanten zweireihigen Anordnung von vier Buchstaben in den 1960er Jahren eine Bewegung beflügeln konnte. Es entstand aus einer tief empfundenen Auseinandersetzung mit der Religion und mit seinem Freund und Mentor Ellsworth Kelly, dessen kantiger Stil und sinnliche, unakzentuierte Farben einen bleibenden Eindruck hinterließen. Aber wie Indiana sagte, war es ein Moment des Kismet, der einfach passierte, als "LOVE mich biss" und das Design scharf und konzentriert zu ihm kam. Indiana testete den Entwurf natürlich auf Herz und Nieren, und dann begann das Logo überall zu sprießen. Die Botschaft, die am besten in Form einer Skulptur vermittelt wird, steht in Städten auf der ganzen Welt und wurde in mehrere Sprachen übersetzt, nicht zuletzt in die italienische Version "Amor" mit dem zufälligen, ebenfalls nach rechts geneigten "O". Doch anstatt vom Fuß des "L" getreten zu werden, verleiht diese Version dem "A" darüber einen schön inszenierten Wipp-Effekt. So entsteht ein neuer, aber nicht weniger tiefgründiger Eindruck von der Liebe und ihrer emotionalen Ausstrahlung. In jedem Fall verleiht das gekippte "O" von Love einem ansonsten stabilen Entwurf Instabilität, eine tiefgreifende Projektion von Indianas impliziter Kritik an "der oft hohlen Sentimentalität, die mit dem Wort verbunden ist und metaphorisch eher unerwiderte Sehnsucht und Enttäuschung als zuckersüße Zuneigung suggeriert" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, 24. Mai 2018). Wiederholungen haben natürlich die unangenehme Angewohnheit, unsere Wertschätzung für die Genialität der Einfachheit und des bahnbrechenden Designs zu dämpfen. In seinem späten Leben beklagte Indiana, dass "es eine wunderbare Idee, aber auch ein schrecklicher Fehler war. Sie wurde zu populär. Und es gibt Leute, die keine Popularität mögen. Aber wir, die Bewohner einer Welt, die von Zwietracht und Aufruhr geprägt ist, danken Ihnen. "Love" und seine vielen Versionen erinnern uns daran, dass wir zur Liebe fähig sind, und das ist unsere beste, immerwährende Hoffnung auf eine bessere Zukunft.

ROBERT INDIANA

SALOMON VAN RUYSDAEL - Eine Dünenlandschaft mit rastenden Figuren und einem Paar zu Pferd, dahinter ein Blick auf die Kathedrale von Nimwegen - Öl auf Leinwand - 26 1/2 x 41 1/2 Zoll.

SALOMON VAN RUYSDAEL

JOAN MIRO - L'Oiseau - Bronze und Ziegelstein - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

JOAN MIRO

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Flusslandschaft mit einer Windmühle und einer Kapelle - Öl auf Platte - 22 1/2 x 31 3/4 Zoll.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

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