Palmwüste

AUSSTELLUNGEN KUNSTWERKE IN DER AUSSTELLUNG VERBUNDENE NACHRICHTEN DIENSTLEISTUNGEN

Unsere Galerie in Palm Desert liegt zentral im kalifornischen Palm Springs, angrenzend an den beliebten Einkaufs- und Essbereich von El Paseo. Unsere Kundschaft schätzt unsere Auswahl an Nachkriegs-, Moderner- und Zeitgenössischer Kunst. Das herrliche Wetter in den Wintermonaten zieht Besucher aus der ganzen Welt an, um unsere schöne Wüste zu sehen und in unserer Galerie vorbeizuschauen. Die bergige Wüstenlandschaft im Freien bietet die perfekte landschaftliche Kulisse für das visuelle Fest, das im Inneren erwartet.

45188 Portola Avenue
Palm Desert, CA 92260
(760) 346-8926

Öffnungszeiten:
Nur nach Vereinbarung - bis 15. Oktober 2024

Ausstellungen

Hans Hofmann

AKTUELL

Hans Hofmann

14. August 2024 - 28. Februar 2025

Kunst unter 100.000 Dollar

AKTUELL

Kunst unter 100.000 Dollar

25. Juli 2024 - 31. Januar 2025

Ansel Adams: Bejahung des Lebens

AKTUELL

Ansel Adams: Bejahung des Lebens

1. Dezember 2023 - 31. Dezember 2024

Kein anderes Land: Ein Jahrhundert amerikanischer Landschaften

AKTUELL

Kein anderes Land: Ein Jahrhundert amerikanischer Landschaften

21. September 2023 - 31. Dezember 2024

Alexander Calder: Die Gestaltung eines primären Universums

AKTUELL

Alexander Calder: Die Gestaltung eines primären Universums

23. August 2023 - 31. Oktober 2024

Georgia O

AKTUELL

Georgia O'Keeffe und Ansel Adams: Moderne Kunst, moderne Freundschaft

13. Juli 2023 - 31. Oktober 2024

Das Blut deines Herzens: Überschneidungen von Kunst und Literatur

AKTUELL

Das Blut deines Herzens: Überschneidungen von Kunst und Literatur

12. September 2022 - 31. Dezember 2024

Dem Leben begegnen: N.C. Wyeth und die MetLife-Wandmalereien

AKTUELL

Dem Leben begegnen: N.C. Wyeth und die MetLife-Wandmalereien

18. Juli 2022 - 31. Dezember 2024

Andy Warhol Polaroids: Verrückte Wunder

AKTUELL

Andy Warhol Polaroids: Verrückte Wunder

13. Dezember 2021 - 31. Dezember 2024

Blumen für den Frühling, Grundsteinlegung

ARCHIV

Blumen für den Frühling, Grundsteinlegung

8. Mai 2023 - 31. August 2024

Kunst des amerikanischen Westens: Eine prominente Sammlung

ARCHIV

Kunst des amerikanischen Westens: Eine prominente Sammlung

24. August 2023 - 31. August 2024

Erster Kreis: Kreise in der Kunst

ARCHIV

Erster Kreis: Kreise in der Kunst

14. Februar 2023 - 31. August 2024

Gemälde von Dorothy Hood

ARCHIV

Gemälde von Dorothy Hood

18. März - 19. Juli 2024

Irving Norman: Dunkle Materie

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Irving Norman: Dunkle Materie

27. November 2019 - 30. Juni 2024

Picasso: Jenseits der Leinwand

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Picasso: Jenseits der Leinwand

4. Oktober 2023 - 30. April 2024

Papierschnitt: Einzigartige Arbeiten auf Papier

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Papierschnitt: Einzigartige Arbeiten auf Papier

27. April 2022 - 31. Oktober 2023

Andy Warhol: Glamour am Rande der Gesellschaft

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Andy Warhol: Glamour am Rande der Gesellschaft

27. Oktober 2021 - 30. September 2023

Alexander Calder: Ein Universum der Malerei

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Alexander Calder: Ein Universum der Malerei

10. August 2022 - 31. August 2023

Mehr zum Leben: Impressionistische Dialoge von Monet und darüber hinaus

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Mehr zum Leben: Impressionistische Dialoge von Monet und darüber hinaus

17. August 2022 - 31. August 2023

Eine schöne Zeit: Amerikanische Kunst im Gilded Age

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Eine schöne Zeit: Amerikanische Kunst im Gilded Age

24. Juni 2021 - 31. August 2023

In den 80er Jahren war es akzeptabel

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In den 80er Jahren war es akzeptabel

27. April 2021 - 31. August 2023

N.C. Wyeth: Ein Jahrzehnt der Malerei

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N.C. Wyeth: Ein Jahrzehnt der Malerei

29. September 2022 - 31. März 2023

Paul Jenkins: Das Phänomenale einfärben

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Paul Jenkins: Das Phänomenale einfärben

27. Dezember 2019 - 31. März 2023

Georgia O

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Georgia O'Keeffe und Marsden Hartley: Moderne Köpfe

1. Februar 2022 - 28. Februar 2023

Norman Zammitt: Der Verlauf der Farbe

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Norman Zammitt: Der Verlauf der Farbe

19. März 2020 - 28. Februar 2023

Figurative Meister Amerikas

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Figurative Meister Amerikas

4. Januar - 12. Februar 2023

Abstrakter Expressionismus: Die Überwindung des Radikalen

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Abstrakter Expressionismus: Die Überwindung des Radikalen

12. Januar 2022 - 31. Januar 2023

James Rosenquist: Potenter Pop

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James Rosenquist: Potenter Pop

7. Juni 2021 - 31. Januar 2023

Meine eigene Haut: Frida Kahlo und Diego Rivera

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Meine eigene Haut: Frida Kahlo und Diego Rivera

16. Juni - 31. Dezember 2022

Josef Albers: Das Herz der Malerei

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Josef Albers: Das Herz der Malerei

12. Mai - 30. November 2022

Abstrakter Expressionismus: Die beharrlichen Frauen

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Abstrakter Expressionismus: Die beharrlichen Frauen

1. November 2021 - 31. August 2022

Alexander Calder: Den Kosmos malen

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Alexander Calder: Den Kosmos malen

2. März - 12. August 2022

Mercedes-Materie: Eine wunderbare Qualität

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Mercedes-Materie: Eine wunderbare Qualität

22. März 2021 - 30. Juni 2022

Moore! Moore! Moore! Henry Moore und die Bildhauerei

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Moore! Moore! Moore! Henry Moore und die Bildhauerei

3. März 2021 - 30. April 2022

Elaine und Willem de Kooning: Malen im Licht

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Elaine und Willem de Kooning: Malen im Licht

3. August 2021 - 31. Januar 2022

Jüdische Moderne Teil 2: Figuration von Chagall bis Norman

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Jüdische Moderne Teil 2: Figuration von Chagall bis Norman

30. April 2020 - 31. Dezember 2021

Andy Warhol Polaroids: Bring es auf den Laufsteg

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Andy Warhol Polaroids: Bring es auf den Laufsteg

10. Dezember 2020 - 31. Dezember 2021

Andy Warhol Polaroids: Alles, was glänzt

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Andy Warhol Polaroids: Alles, was glänzt

10. Dezember 2020 - 31. Dezember 2021

Andy Warhol Polaroids: Me, Myself, & I

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Andy Warhol Polaroids: Me, Myself, & I

10. Dezember 2020 - 31. Dezember 2021

Andy Warhol Polaroids: Ars Longa

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Andy Warhol Polaroids: Ars Longa

10. Dezember 2020 - 31. Dezember 2021

American Eye: Auswahlen aus der Pardee-Sammlung

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American Eye: Auswahlen aus der Pardee-Sammlung

28. Februar - 31. Dezember 2021

Die Gloria-Luria-Sammlung

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Die Gloria-Luria-Sammlung

16. März 2020 - 31. Oktober 2021

Vincent van Gogh und die großen Impressionisten des Grand Boulevard

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Vincent van Gogh und die großen Impressionisten des Grand Boulevard

2. März - 10. August 2021

Pop-Figuren: Mel Ramos und Tom Wesselmann

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Pop-Figuren: Mel Ramos und Tom Wesselmann

26. März 2020 - 30. April 2021

Juwelen des Impressionismus und der modernen Kunst

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Juwelen des Impressionismus und der modernen Kunst

19. Februar - 31. Oktober 2020

Cool Britannia: Die jungen britischen Künstler

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Cool Britannia: Die jungen britischen Künstler

2. April - 30. September 2020

Die Kalifornier

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Die Kalifornier

1. November 2019 - 14. Februar 2020

Sam Francis: Von der Dämmerung bis zur Morgendämmerung

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Sam Francis: Von der Dämmerung bis zur Morgendämmerung

15. November 2018 - 29. April 2019

N.C. Wyeth: Gemälde und Illustrationen

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N.C. Wyeth: Gemälde und Illustrationen

1. Februar - 31. Mai 2018

Die Gemälde von Sir Winston Churchill

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Die Gemälde von Sir Winston Churchill

21. März - 30. Mai 2018

Ferrari und Zukunftsforscher: Ein italienischer Blick auf die Geschwindigkeit

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Ferrari und Zukunftsforscher: Ein italienischer Blick auf die Geschwindigkeit

21. November 2016 - 30. Januar 2017

Alexander Calder

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Alexander Calder

21. November 2015 - 28. Mai 2016

Meister des kalifornischen Impressionismus

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Meister des kalifornischen Impressionismus

22. November 2014 - 23. Mai 2015

Malerische Abstraktion: Bereiche von AbEx

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Malerische Abstraktion: Bereiche von AbEx

25. November 2011 - 31. Mai 2012

Meister des Impressionismus und der modernen Kunst

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Meister des Impressionismus und der modernen Kunst

20. November 2010 - 25. September 2011

Picasso

ARCHIV

Picasso

20. November 2009 - 25. Mai 2010

KUNSTWERKE ZUR ANSICHT

Laut dem vom Brandywine River Museum of Art zusammengestellten Werkverzeichnis wurde die Vorzeichnung für Puritan Cod Fishers von N. C. Wyeth vor seinem Tod im Oktober 1945 fertiggestellt. Der Eintrag enthält eine Abbildung der Skizze sowie die Inschriften des Künstlers und den Titel Puritan Cod Fishers, der im Katalog als "alternativ" bezeichnet wird. In jedem Fall handelt es sich bei der großformatigen Leinwand um ein einzigartiges Werk, das, wie Andrew Wyeth sich später erinnerte, ausschließlich von seiner Hand gemalt wurde, eine abgegrenzte Zusammenarbeit von Entwurf und Komposition des Vaters, die von einem bemerkenswerten Sohn in die Tat umgesetzt wurde. Für Andrew Wyeth muss es eine tief empfundene und emotionale Erfahrung gewesen sein. Angesichts der Detailtreue und Authentizität seines Vaters stellen die Linien des kleinen Segelschiffs eine Schaluppe dar, wie sie im 16. Jahrhundert verwendet wurde. Jahrhundert gebräuchlich war. Andererseits hat Andrew die Farbtöne der unruhigen See wahrscheinlich stärker vertieft, als es sein Vater getan hätte - eine Wahl, die die Gefährlichkeit der Aufgabe angemessen unterstreicht.

Andrew Wyeth & N. C. Wyeth

N.C. Wyeth’s extraordinary skills as an illustrator were borne of impeccable draftsmanship and as a painter, his warmly rich, harmonious sense of color, and ability to capture the quality of light itself. But it is his unmatched artistry in vivifying story and character with a powerful sense of mood that we admire most of all — the ability to transport himself to the world and time of his creation and to convey it with a beguiling sense of conviction. That ability is as apparent in the compositional complexities of Treasure Island’s “One More Step, Mr. Hands!” as it is here, in the summary account of a square-rigged, seventeenth-century merchant ship tossed upon the seas. The Coming of the Mayflower in 1620 is a simple statement of observable facts, yet Wyeth’s impeccable genius as an illustrator imbues it with the bracing salt air and taste that captures the adventuresome spirit of the men and women who are largely credited with the founding of America. That spirit is carried on the wind and tautly billowed sails, the jaunty heeling of the ship at the nose of a stiff gale, the thrusting, streamed-limned clouds, and the gulls jauntily arranged to celebrate an arrival as they are the feathered angels of providence guiding it to safe harbor.<br><br>The Coming of the Mayflower in 1620 was based on two studies, a composition drawing in graphite and a small presentation painting. The finished mural appears to have been installed in 1941.

N.C. WYETH

In den frühen 1870er Jahren malte Winslow Homer häufig Szenen des Landlebens in der Nähe eines kleinen Bauerndorfes, das seit Generationen für seine bemerkenswerten Weizenbestände bekannt ist und zwischen dem Hudson River und den Catskills im Bundesstaat New York liegt. Heute ist Hurley weitaus bekannter als Inspiration für eines von Homers größten Werken, Snap the Whip, das im Sommer 1872 entstand. Unter den vielen anderen Gemälden, die von der Region inspiriert wurden, ist Girl Standing in the Wheatfield reich an Gefühlen, aber nicht übermäßig sentimental. Es steht in direktem Zusammenhang mit einer 1866 in Frankreich gemalten Studie mit dem Titel In the Wheatfields und einem weiteren Gemälde, das er im Jahr darauf nach seiner Rückkehr nach Amerika malte. Aber auf dieses Bild wäre Homer zweifellos am stolzesten gewesen. Es ist ein Porträt, eine Kostümstudie, ein Genrebild in der großen Tradition der europäischen Pastoralmalerei und eine dramatisch beleuchtete, stimmungsvolle Tour de Force, durchdrungen vom schnell schwindenden Licht der Abenddämmerung, aufgelockert durch zarte, blumige Noten und einen Hauch von Weizenähren. Im Jahr 1874 schickte Homer vier Gemälde zur Ausstellung der National Academy of Design. Eines trug den Titel "Mädchen". Könnte es sich nicht um dieses Gemälde handeln?

WINSLOW HOMER

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

GERHARD RICHTER

<div>In the mid-1920s, Rufino Tamayo embarked on the crucial development phase as a sophisticated, contemporary colorist. In New York, he encountered the groundbreaking works of Picasso, Braque, and Giorgio de Chirico, along with the enduring impact of Cubism. Exploring painterly and plastic values through subjects sourced from street scenes, popular culture, and the fabric of daily life, his unique approach to color and form began to take shape. It was a pivotal shift toward cosmopolitan aesthetics, setting him apart from the nationalist fervor championed by the politically charged narratives of the Mexican Muralist movement.  By focusing on the vitality of popular culture, he captured the essential Mexican identity that prioritized universal artistic values over explicit social and political commentary. The approach underscored his commitment to redefining Mexican art on the global stage and highlighted his innovative contributions to the modernist dialogue. </div><br><br><div> </div><br><br><div>Like Cézanne, Tamayo elevated the still life genre to some of its most beautifully simple expressions. Yet high sophistication underlies the ease with which Tamayo melds vibrant Mexican motifs with the avant-garde influences of the School of Paris. As "Naturaleza Muerta" of 1935 reveals, Tamayo refused to lapse into the mere decoration that often characterizes the contemporary School of Paris art with which his work draws comparisons. Instead, his arrangement of watermelons, bottles, a coffee pot, and sundry items staged within a sobering, earthbound tonality and indeterminant, shallow space recalls Tamayo's early interest in Surrealism. An overlayed square matrix underscores the contrast between the organic subjects of the painting and the abstract, intellectualized structure imposed upon them, deepening the interpretation of the artist's exploration of visual perception and representation. In this way, the grid serves to navigate between the visible world and the underlying structures that inform our understanding of it, inviting viewers to consider the interplay between reality and abstraction, sensation and analysis.</div>

RUFINO TAMAYO TAMAYO

ROBERT INDIANA

JULIAN SCHNABEL - Ohne Titel - Öl und Wachs auf Plane - 120 x 96 Zoll.

JULIANISCHES SCHNABEL

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Fernando Botero's legendary ascension as an international sensation began when Museum of Modern Art curator Dorothy Miller stumbled upon his Greenwich Village studio in 1961 and purchased "<em>Mona Lisa, Age Twelve</em>." His trademark portly figures and playful, lighthearted humor became known as "Boterismo." More importantly, the art leaving his easel revealed an unbridled respect for the Old Masters, the compelling chiaroscuro of a Zurbarán still life, the sfumato of da Vinci, and always the craftsmanship of van Eyck, Dürer, or Rubens. Botero continues that thread of technical mastery with "<em>L'Atelier de Sánchez Cotán</em>" even as he reshapes these classical themes through his unique lens. A mixed media collage and oil on canvas, the work pays homage to the Spanish Baroque still life painter Juan Sánchez Cotán by subverting and modernizing the traditional still life genre. Botero captures Cotán's hyperrealism with a surreal, almost whimsical aesthetic. An oversized apple suspended on a string dominates the composition, a nod to Cotán's meticulously arranged still life paintings, known for the striking suspended effect of fruit or vegetables. Botero's rendition, however, imbues the scene with a sense of playfulness and detachment from reality, as seen in the box-like contraption, resembling a stage or a viewing device containing miniature versions of objects within the painting. The stark, flat backdrop, devoid of Cotán's characteristic chiaroscuro, accentuates the sense of artifice.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Fernando Botero's death on September 15, 2023, was a significant loss for the art world. Although his roots are deeply Colombian, his appeal is global, coupling commercial success with critical acclaim—a balance few artists have achieved. Works such as “<em>L'Atelier de Sánchez Cotán</em>” are not just whimsical or aesthetic; they prompt the viewer to appreciate the enduring dialogue between tradition and innovation, showcasing an artist of great technical finesse and mastery.</font></div>

FERNANDO BOTERO

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Born in 1982, French native and Brooklyn-based artist Julie Curtiss is celebrated for her beguiling paintings that reimagine a surrealist's conceptual and aesthetic principles for the contemporary era. Her work draws heavily on the Surrealist fascination with Freudian psychology and the subconscious, themes championed by figures like André Breton and Louis Aragon. By blending these Surrealist influences with the dreamlike, graphic qualities reminiscent of the Chicago Imagists, Curtiss creates a visual language that is both referential and distinctly hers. Her imagery often focuses on deconstructing the female form and symbolically representing stereotypical feminine aesthetics, echoing the work of early 20th-century female Surrealists who used dreamlike settings and humor to explore and critique the female experience.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black><em>“D'apres l'Olympia”</em> epitomizes Curtiss's painterly approach to 21st-century sexuality, combining a distinctive yet referential visual lexicon that has earned her international acclaim. By destabilizing the art historical trope of the female nude and reinterpreting Manet's iconic painting of the same name, Curtiss melds elements of French modernism with the graphic sensibilities she developed after moving to Tokyo in 2006, where she honed her signature comic book-like aesthetic. The large red shoes—a striking departure from Manet's original—introduce a sense of humor, simultaneously evoking pop-cultural references while critiquing stereotypical femininity. These oversized, vivid shoes might symbolize the exaggerated expectations placed upon women or serve as a playful nod to the absurdity of societal norms. While her admiration for Manet is evident, it is Curtiss's ability to merge these historical references with contemporary concerns and aesthetics that makes<em> “D'apres l'Olympia”</em> a powerful commentary on the evolving nature of female.</font></div>

JULIE CURTISS

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Camille Claudel's life story reflects an era when societal constraints often dimmed the brilliance of women; their genius was viewed as a threat to the male-dominated world. Most introductions to Claudel are steeped in misleading biographical details related to her as Rodin's assistant, mistress, or lover, associations that diminish her achievements as a first-rate sculptor whose work borrows little from Rodin in style or subject matter. Despite these challenges, Claudel's legacy has endured, celebrated through exhibitions, biographies, and films since her rediscovery in 1982. </font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black><em>“La Vague (The Wave),”</em> a remarkable sculpture of three women frolicking joyfully, embodies Claudel's passion for art and connection to nature. The women, their hair unruly like the sea, are depicted in a moment of freedom and abandon, yet the looming wave hints at the inevitable sorrow to come—a metaphor for Claudel's life, shadowed by fate. This piece, initially shown in plaster and later cast in bronze with an onyx marble wave, draws direct inspiration from Hokusai's <em>“The Great Wave,”</em> reflecting the Parisian fascination with Japanese art at the time. While <em>“La Vague”</em> showcases Claudel's technical mastery and the influence of Japanese aesthetics, it also poignantly symbolizes her acceptance of the overpowering forces of nature and the tragic course her life would ultimately take. This bronze, cast in 1997, is one of only two not held in a museum, further emphasizing the rarity of and reverence for Claudel's work.</font></div>

CAMILLE CLAUDEL

In "Nude Descending a Staircase No. 2" verbindet Mel Ramos spielerisch das Erbe von Marcel Duchamps modernistischem Meisterwerk mit der lebendigen Ästhetik der Pop Art und schafft so eine clevere und visuell anregende Neuinterpretation. Indem er Duchamps abstrakte Bewegung mit seinem charakteristischen Pin-up-Stil verbindet, schafft Ramos einen dynamischen Dialog zwischen den verehrten Traditionen der bildenden Kunst und den kühnen, grafischen Qualitäten der kommerziellen Bilderwelt. Dieses Werk ist ein Beispiel für Ramos' Fähigkeit, sich in der Kunstgeschichte und der zeitgenössischen Kultur zurechtzufinden, indem er die Anziehungskraft der weiblichen Nacktheit nutzt, um die gesellschaftliche Besessenheit von Schönheit, Begehren und Kommerzialisierung zu erkunden und zu persiflieren. Auf diese Weise wird Ramos' Werk zu einer Quintessenz der Pop Art, die in ihrer spielerischen Assoziation mit Duchamp schwelgt und gleichzeitig die visuelle Kultur ihrer Zeit kritisiert und feiert.

MEL RAMOS

Théo van Rysselberghes Portrait de Sylvie Lacombe aus dem Jahr 1906 ist ein klassisches Meisterwerk eines der raffiniertesten und konsequentesten Porträtmaler seiner Zeit. Die Farben sind harmonisch, der Pinselstrich kraftvoll und auf seine Aufgabe zugeschnitten, Körper und Antlitz wahrhaftig und freizügig. Bei der Dargestellten handelt es sich um die Tochter seines guten Freundes, des Malers Georges Lacombe, der eng mit Gauguin befreundet war und mit den Künstlern Bonnard, Denis, Vuillard u. a. zu den Nabis gehörte. Wir wissen jetzt über Sylvie Lacombe Bescheid, weil Van Rysselberghe so geschickt darin ist, subtile Gesichtsausdrücke wiederzugeben und durch sorgfältige Beobachtung und Liebe zum Detail Einblicke in ihre innere Welt zu geben. Er wählte einen direkten Blick, ihre Augen auf die des Betrachters, eine unausweichliche Verbindung zwischen Subjekt und Betrachter, unabhängig von unserer physischen Beziehung zum Bild. Van Rysselberghe hatte die pointillistische Technik weitgehend aufgegeben, als er dieses Porträt malte. Er wandte jedoch weiterhin die Richtlinien der Farbtheorie an, indem er Rottöne - Rosatöne und Mauvetöne - gegen Grüntöne einsetzte, um eine harmonisch abgestimmte Palette von Komplementärfarben zu schaffen, denen er einen starken Akzent hinzufügte, um den Blick auf sich zu ziehen - eine intensiv gesättigte, rote Schleife, die asymmetrisch an der Seite ihres Kopfes angebracht ist.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

ELAINE DE KOONING

Katharine Grosse's Untitled von 2016 erweitert unsere Wertschätzung für eine Künstlerin, die dieselbe Energie, Kühnheit und Missachtung von Konventionen wie in ihren monumentalen architektonischen Installationen auf das traditionelle Medium der Farbe auf Leinwand überträgt. Die Farbe explodiert auf einer komplexen, reich geschichteten Oberfläche aus gegossenen Farbaufträgen, die verlaufen, nieseln oder spritzen, aus leuchtenden, transparenten Schleiern und sich überlagernden Farbbändern, die zu weichen Farbübergängen vernebelt werden. Das Ergebnis ist ein faszinierender Eindruck von räumlicher Tiefe und Dreidimensionalität. Es ist aber auch eine Meisterleistung, die Grosse's Brillanz in der Verbindung von Chaos und Kontrolle, Spontaneität und Absicht offenbart. Ihre Palette an Techniken schafft einen fesselnden Dialog zwischen dem Zufälligen und dem Geplanten, ein Markenzeichen ihres einzigartigen Stils.

KATHARINA GROSSE

Mel Ramos is best known for his paintings of superheroes and female nudes juxtaposed with pop culture imagery. Many of the subjects in his paintings emerge from iconic brands or cultural touchstones like Chiquita bananas, M&M bags, or Snickers. In these works, visual delight is combined with suggested edible and commercial indulgence.<br><br>Leta and the Hill Myna diverges from some of Ramos’ other nudes. Here Ramos depicts his wife, whom he spoke of as his greatest muse. Like his works depicting superheroes, Leta and the Hill Myna is imbued with mythos and lore. Myna birds are native to South Asia where some are taught to speak, often to recite religious. Furthermore, playing on his wife’s name and the avian theme, Ramos is referencing the famous tale of Leda and the Swan in which Zeus embodies a bird to rape Leda. The story has been reinterpreted throughout history, including by great artists such as Paul Cezanne, Cy Twombly and Fernando Botero. With this depiction, Ramos places himself in that same art historical lineage.

MEL RAMOS

HERB ALPERT - Pfeilspitze - Bronze - 201 x 48 x 48 x 48 in.

HERB ALPERT

After disappointing sales at Weyhe Gallery in 1928, Calder turned from sculpted wire portraits and figures to the more conventional medium of wood. On the advice of sculptor Chaim Gross, he purchased small blocks of wood from Monteath, a Brooklyn supplier of tropical woods. He spent much of that summer on a Peekskill, New York farm carving. In each case, the woodblock suggested how he might preserve its overall shape and character as he subsumed those attributes in a single form. There was a directness about working in wood that appealed to him. Carved from a single block of wood, Woman with Square Umbrella is not very different from the subjects of his wire sculptures except that he supplanted the ethereal nature of using wire with a more corporeal medium.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDER KALANDER

Von Herb Alberts vielen in Bronze gegossenen, seidig-schwarz patinierten Geistertotems haben nur wenige eine so ausgeprägt männliche Ausstrahlung wie Warrior. Der Titel "Warrior" ist eine treffende Beschreibung, die unter anderem die Attribute Stärke, Mut und unzerbrechlicher Geist anspricht, und wird von einer absteigenden, gezackten Krone gekrönt, die sich ebenso gut auf den Kamm eines Raubvogels wie auf den Kopfschmuck eines Häuptlings der Prärieindianer beziehen könnte. Ähnlich wie bei den Arbeiten von Henry Moore hängen diese Assoziationen zum Teil vom Negativraum ab, um den dynamischen und starken Eindruck zu erzeugen, den diese beeindruckende Skulptur vermittelt.

HERB ALPERT

Alexander Calders Rouge Mouille (Wet Red) zeigt einen Hintergrund aus roten Kreisen, von denen sich einige wie Explosionen auflösen und ein Gefühl von energetischer Ausdehnung vermitteln, während andere nach unten laufen, als ob sie die Spuren eines Feuerwerks ziehen. Dieser animierte Hintergrund ist mit zahlreichen undurchsichtigen runden Kugeln geschmückt, die überwiegend schwarz sind, aber von auffälligen blauen, roten und dezent gelben Kugeln durchsetzt sind. Die strategische Platzierung der bunten Kugeln im Kontrast zu den explosiven Rottönen fängt die Ehrfurcht und das Spektakel eines Feuerwerks ein und verwandelt das Gemälde in eine visuelle Metapher für dieses schillernde und feierliche Ereignis. Das Kunstwerk strahlt Spannung und Lebendigkeit aus und fasst die vergängliche Schönheit in einem statischen Medium zusammen.

ALEXANDER KALANDER

IRVING NORMAN - How Come - Öl auf Leinwand - 90 x 60 Zoll.

IRVING NORMAN

Frank Stellas Bali-Skulpturenserie zeichnet sich durch schwebende und fließende Formen aus, die sich in den Raum des Betrachters erstrecken und zur Interaktion zwischen dem Objekt und seiner Umgebung einladen. Der "Dadap", eine Baumart, die in der balinesischen Kultur mit Wachstum und ritueller Bedeutung assoziiert wird, spiegelt die organische und dynamische Natur von Stellas Skulpturen wider. Mit dem Wechsel von Bambus zu Edelstahl und Aluminium hat Stella das Wesen der balinesischen Ästhetik bewahrt, die organische, fließende Formen preist, die sich dynamisch mit ihrem Raum verbinden. Dadap stellt eine Kontinuität in Stellas thematischer Erkundung dar, bei der der Geist seiner Arbeit über die Materialität hinausgeht. Metall bietet eine andere Textur, ein anderes Reflexionsvermögen und eine andere Interaktion mit Licht und Raum, hält aber dennoch an den Prinzipien von Bewegung und Interaktivität fest. Es handelt sich um eine kreative Übertragung von Form und Konzept über verschiedene Medien hinweg, wobei der Geist der ursprünglichen Inspiration beibehalten wird, während die Eigenschaften des neuen Materials diese Ideen in einem neuen Kontext zum Ausdruck bringen können.

FRANK STELLA

PAUL JENKINS - Phenomena By Return - Acryl auf Leinwand - 104 3/4 x 49 5/8 in.

PAUL JENKINS

Manuel Neri war eine zentrale Figur in der figurativen Bewegung der Bay Area in den 1960er Jahren. Anstelle abstrakter Formen betonte die Gruppe die Emotionen durch die Kraft der menschlichen Form. Das vorliegende Werk, "Ohne Titel" (1982), erforscht die weibliche Form in Lebensgröße. Neri zog es vor, während seiner 60-jährigen Karriere mit nur einem Modell zu arbeiten, Maria Julia Klimenko. Das Fehlen eines Gesichts in vielen seiner Skulpturen verleiht ihm ein Element des Geheimnisses und der Mehrdeutigkeit. Der Schwerpunkt der Komposition in "Ohne Titel" liegt auf der Struktur und Form der Figur. Manuel Neri ist in zahlreichen Museumssammlungen weltweit vertreten, darunter die Addison Gallery/Phillips Academy, die Anderson Collection der Stanford University, das Art Institute of Chicago, das Cantor Arts Center der Stanford University, das Cincinnati Art Museum, das Crocker Art Museum, Sacramento, CA, das Denver Art Museum, das El Paso Museum of Art, Texas, die Fine Arts Museums of San Francisco, die Harvard University Art Museums, das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; Honolulu Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, New York und die National Gallery of Art, Washington, DC.

MANUEL NERI

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

IRVING NORMAN

Als Tochter des minimalistischen Bildhauers Tony Smith ist Kikis Kunst nicht auf ein einziges Medium oder eine einzige Technik beschränkt, und ihre Arbeiten laden oft zu vielfältigen Interpretationen ein. Club verkörpert die Form und die Dimensionen eines menschlichen Beins, des wesentlichen Elements für Bewegung und Stabilität. Smiths Titel lädt den Betrachter dazu ein, sich ein Bein als Waffe vorzustellen und über die Zerbrechlichkeit des menschlichen Zustands, die Machtdynamik der körperlichen Autonomie und das komplexe Wechselspiel zwischen Stärke und Verletzlichkeit nachzudenken. Eine solche Verwandlung eines Körperteils in ein Objekt vermittelt sowohl Schutz als auch Aggression und reflektiert darüber, wie geschlechtsspezifische Körper in unserem sozialen und persönlichen Umfeld navigieren. Club ist ein Beispiel für Smiths Fähigkeit, symbolträchtige Werke zu schaffen, die offen für Interpretationen sind und zum Nachdenken über die menschliche Erfahrung anregen.

KIKI SMITH

Wenn sich ein Pferd hinlegt, dann deshalb, weil es sich sicher fühlt. Für Deborah Butterfield ist das eine Art zu sagen, dass es in Ordnung ist, sich verletzlich zu machen. "Echo", konstruiert auf eine Art und Weise, die ihre Fähigkeiten bei der Futtersuche und beim Schweißen von Metallteilen respektiert, hält sich nicht an die traditionelle Darstellung eines Pferdes, sondern enthüllt stattdessen etwas von dessen Wesen. Das aus zusammengesetzten Stahlblechen konstruierte Werk, von denen einige geriffelt, andere gefaltet oder gewellt sind, trägt die Spuren der Zeit, ist zu einer rostbraunen Patina gealtert, und die Unvollkommenheiten werden eher zelebriert als kaschiert. Butterfields bewusste Wahl der Materialien und deren Behandlung verleiht dem Werk Tiefe und Charakter und verwandelt Untitled, Echo in mehr als nur eine Pferdedarstellung - es spiegelt die raue Schönheit und die Widerstandsfähigkeit des Tieres wider, das es darstellt.

DEBORAH BUTTERFIELD

Théo van Rysselberghe, ein unbestrittener Meister der ab 1887 aufblühenden belgischen neoimpressionistischen Bewegung, malte dieses Porträt seiner Frau Maria (geborene Monnom) im ersten Jahrzehnt des zwanzigsten Jahrhunderts. Jahrhunderts. Unter dem Einfluss des Tonalismus von Whistler, des Impressionismus und des Pointillismus von Seurat hatte er ein hochgradig verfeinertes Verständnis für die Farbe, ihre harmonischen Resonanzen und eine akribische Wiedergabe der formalen Elemente entwickelt. Als vorbildlicher Zeichner bleibt der optische Eindruck, der auf dem Zusammenspiel der Farben beruht, ein Hauptanliegen von Van Rysselberghe. Hier ersetzen kurze Farbstriche die kleinen Punkte eines Pointillisten, und das Farbschema ist nicht das homogenisierte, harmonische, für das der Künstler einen wohlverdienten Ruf genießt. Vielmehr wird in diesem Porträt die Farbtheorie auf eine ganz andere Weise weiterentwickelt. Sein visuelles Interesse liegt in den dynamischen Kontrasten der versilberten Frisur seiner Frau, ihres platinfarbenen Kleides und des strahlend weißen Kaminmantels - alles in der optischen Lebendigkeit der von komplementären Rot- und Grüntönen dominierten Umgebung. Es ist eine visuell anregende Demonstration eines Malers, der die dynamische Wirkung dieses ungewöhnlichen Farbschemas verstanden hat und der die Dargestellte mit einem starken Akzent auf einer Diagonale arrangiert und die Formel mit dem Geschick und der Gewandtheit eines Malers ausgeführt hat, der sein malerisches Vermögen voll beherrscht.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Manuel Neris frühe Pappmaché-Arbeiten waren bahnbrechend für die bildhauerische Technik, und seine Herangehensweise an die Bemalung seiner Skulpturen spiegelt seine tiefe Auseinandersetzung mit dem Ausdruckspotenzial von Farbe und Form wider. Die Wahl und Platzierung der Farben in Hombre Colorado II erzeugt eine besonders intensive Reaktion, die sein nuanciertes Verständnis der psychologischen und emotionalen Dimension von Farbe widerspiegelt. Das 1958 konzipierte und produzierte Werk Hombre Colorado II spiegelt eine Zeit wider, in der Neri und seine Frau Joan Brown in einem reichen künstlerischen Austausch standen und maßgeblich zur Entwicklung ihres jeweiligen Stils und der figurativen Bewegung der Bay Area beitrugen, in der sie eine wichtige Rolle spielten.

MANUEL NERI

"A Dream Within a Dream" ist eine bedeutende Serie von Gemälden und Siebdrucken von Ryan McGinnes, die ihren Namen von einem berühmten Gedicht von Edgar Allan Poe hat. McGinnes erforscht Themen der Wahrnehmung, der Realität und des Unterbewusstseins und verwendet eine Vielzahl von Symbolen und Motiven, darunter geometrische Formen, botanische Elemente und figurative Motive, die er in komplizierten Mustern arrangiert, die sich vor den Augen des Betrachters zu verändern und zu wandeln scheinen. Der Titel suggeriert ein Gefühl der Mehrdeutigkeit und Ungewissheit und spiegelt die schwer fassbare Natur der Realität und die fliehende Qualität der menschlichen Erfahrung wider. Indem er sich mit den Themen Wahrnehmung und Illusion auseinandersetzt, ermutigt McGinnes die Betrachter, ihre Annahmen über die Welt zu hinterfragen und die Möglichkeit in Betracht zu ziehen, dass die Realität möglicherweise fließender und subjektiver ist als sie erscheint.

RYAN MCGINNESS

Deborah Butterfield ist eine amerikanische Bildhauerin, die vor allem für ihre Skulpturen von Pferden aus Holz, Metall und anderen gefundenen Objekten bekannt ist. Das 1981er Stück Ohne Titel (Pferd) besteht aus Sticks und Papier auf Drahtarmatur. Die beeindruckende Größe dieses Stückes erzeugt eine bemerkenswerte Wirkung in Person und stellt ein eindrucksvolles Beispiel für Butterfields gefeiertes Thema dar. Butterfield schuf die Pferde ursprünglich aus Holz und anderen Materialien, die auf ihrem Grundstück in Bozeman, Montana, zu finden waren, und sah die Pferde als metaphorisches Selbstporträt, das die emotionale Resonanz dieser Formen aufgreift.

DEBORAH BUTTERFIELD

Geprägt von seiner Heimat Italien und seiner Wahlheimat Amerika, erforschte Joseph Stella eine außergewöhnliche Bandbreite an Stilen und Medien in Kunstwerken von erstaunlicher Vielfalt und Originalität. Im Jahr 1911 ritt Stella auf der Avantgarde-Welle der fauvistischen, kubistischen und futuristischen Strömungen, doch er war der einzige amerikanische Modernist, der täglich mit den italienischen Alten Meistern zusammenlebte. Die Pose und Handhabung von "Reclining Nude" bezieht sich auf eine Reihe von Werken, die Stella in den 1920er Jahren malte und in denen er verführerische Frauen aus mythologischen oder fantastischen Quellen darstellte, wie "Leda und der Schwan" und Ondine, eine schöne Wassernymphe aus einem beliebten romantischen deutschen Märchen des 19. Der Liegende Akt, der in den 1930er Jahren gemalt wurde, spiegelt diese ernüchternde Zeit angemessener wider, da er ohne florale oder symbolistische Bilder dargestellt ist.

JOSEPH STELLA

HERB ALPERT - Inspiriert - Bronze - 100 x 20 x 12 Zoll.

HERB ALPERT

IRVING NORMAN - Schnappschüsse - Öl auf Leinwand - 40 x 90 in.

IRVING NORMAN

In den späten 1990er Jahren begann Manuel Neri, zahlreiche Gipsskulpturen in Bronze umzuwandeln, wobei er häufig zu früheren Werken zurückkehrte, um neu erdachte Wiedergaben der einzelnen Stücke zu schaffen. Diese Serien, die sich in Form und Oberflächendetails kaum voneinander unterscheiden, erforschen die Auswirkungen unterschiedlicher Farbschemata und Markierungen, die durch Einschneiden, Pinseln, Schaben oder Schichtung von Materialien entstehen. Durch das Experimentieren mit verschiedenen Markierungstechniken konnte Neri das Zusammenspiel von Form, Farbe, Textur und Licht erkunden. Im Zusammenhang mit der Stehenden Figur Nr. 3 beschränkte Neri seine Palette auf ein analoges Farbschema und verdünnte die Farbe, um subtile Abstufungen zu erzeugen, die das glatte, raffinierte Äußere der Skulptur hervorheben.

MANUEL NERI

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

CHINESISCH

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta. The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes. Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work. Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta. <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power. Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist. His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

SUBODH GUPTA

MARC QUINN - Lovebomb - Fotolaminat auf Aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 Zoll.

MARC QUINN

IRVING NORMAN - Mensch und Zeit - Öl auf Leinwand - 58 x 30 Zoll.

IRVING NORMAN

CHARLES ARNOLDI - Sticky Wicket - Acryl, Modellierpaste und Stäbchen auf Sperrholz - 44 1/4 x 91 x 3 in.

CHARLES ARNOLDI

Wayne Thiebaud wird weithin als Maler bewundert. Doch seine Fähigkeiten als Zeichner sind ebenso überzeugend und werden besonders in der Lithografie deutlich, einem autografischen Medium, das dafür bekannt ist, jede Geste eines Künstlers zu dokumentieren. Wie "Paint Cans" zeigt, bietet die Lithografie auch die Freiheit, Texturen und Farben zu überlagern, um die Intentionen des Künstlers gekonnt darzustellen. In der Komposition zeigt "Paint Cans" Thiebauds ausgeprägten Sinn für Ordnung, der sich aus der Betonung von Brennpunkten und Richtungslinien ergibt, die die einzigartigen Möglichkeiten aufzeigen, mit denen er eine Gruppierung von Alltagsgegenständen hervorheben kann. Es ist ein weiteres Werk, das den Betrachter mit seiner hochdetaillierten Technik und seinem Können verblüfft.

WAYNE THIEBAUD

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

MAX PELLEGRINI

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

VALERIE JAUDON

Nur wenige Berühmtheiten haben die 70er Jahre so geprägt wie Farrah Fawcett. Sie war Gründungsmitglied der Fernsehserie "Charlie's Angels" und ihre ikonische Frisur, die als "Farrah" bekannt wurde, mit weichen, fließenden Schichten, die das Gesicht umrahmten, und einem federnden, voluminösen Aussehen, das durch das Umstülpen der Enden der Schichten nach außen erreicht wurde, wurde zum bestimmenden Look des Jahrzehnts. Warhols Porträt stellt Fawcett selbst dar und liefert einen umfassenden Kommentar zu den sozialen und kulturellen Trends dieser Zeit. Diese beiden wunderschönen Porträts zeugen von ihren natürlichen, sonnengebräunten Gesichtszügen und ihrem gesunden, athletischen Körperbau, der zu ihrer Zeit als Symbol für ideale Schönheit galt.

ANDY WARHOL

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - Bronze mit grüner Patina - 103 1/2 x 22 x 17 in.

SETH KAUFMAN

Andy Warhol trug von den späten 1950er Jahren bis zu seinem Tod 1987 eine Polaroid-Kamera als unermüdlicher Chronist des Lebens und seiner Begegnungen mit sich. Die riesige Sammlung von Polaroids, die er anhäufte, ist spontan, ungeschliffen, oft roh und dient als Chronik seiner Zeit, ähnlich wie Instagram unsere heutige Zeit widerspiegelt. Dieses Selbstporträt könnte auch von einer anderen Person aufgenommen worden sein, die den Betrachter auffordert, es als Selbstporträt zu akzeptieren, oder es wurde von Warhol mit einem externen Selbstauslöser aufgenommen. Es ist ein Porträt, das das Gerät feiert, um das sich Warhols Leben im Wesentlichen drehte, eine sorgfältig inszenierte Hommage an seine Beziehung zur Polaroidkamera.

ANDY WARHOL

JOANNA POUSETTE-DART - Ohne Titel (Red Desert Study) - Acryl auf Holzplatte - 33 1/2 x 42 x 3/4 Zoll.

JOANNA POUSETTE-DART

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

CHINESISCH

ANDY WARHOL - Selbstporträt mit Kamera (Diptychon) - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 in. ea.

ANDY WARHOL

ROBERT NATKIN - Apollo XL - Acryl auf Leinwand - 88 x 116 1/4 Zoll

ROBERT NATKIN

"Interior" ist eine von Maurice Askenazys moderneren Kompositionen, die an das Werk von Bonnard oder Vuillard erinnern. Die intime Szene zeigt ein nacktes weibliches Modell, das dramatisch im Profil zu sehen ist und für einen Maler in einem sonnenverwöhnten Studio posiert. Die Tür zum Raum ist offen und erweckt den Eindruck, dass der Betrachter einen Blick auf eine private Interaktion zwischen Künstler und Modell wirft. Ein geschickt platzierter Spiegel auf der Rückseite der offenen Tür offenbart das Spiegelbild des Malers, den wir als Askenazy selbst bei der Arbeit nehmen sollen. Askenazy legt großen Wert darauf, die Details des Raumes darzustellen, vom gemusterten Ottoman bis hin zu den gerahmten Gemälden an den Wänden, die jeweils ein Mosaik von impressionistischer Farbe sind.

MAURICE ASKENAZYY

ANDY WARHOL - Selbstporträt - Polaroid, Polacolor - 4 1/2 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL - Selbstporträt im Schlepptau - Polaroid - 4 1/4 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL - The Shadow (aus Myths) - Farbsiebdruck mit Diamantstaub auf Papier - 37 1/2 x 37 1/2 in.

ANDY WARHOL

The Queen of the Night drinks water from the clasped hands of faith, while two shepherds embrace each other, unaware of Jesus’ birth. Angels, portrayed almost translucently on the canvas, spray holy water and bring about the giving of gifts. A precious jewel is depicted in the right corner, while a humble basket of turkeys sits on the cape of the Madonna. Nearby rests a basket with a goldfinch, an ancient symbol, which is a harbinger of good luck for newborn babies. The baby Jesus, just as the clasped hands that the Queen drinks out of, represents faith – the angels have sprinkled with holy water and he will soon make himself known to the world.<br><br>“For me the faith in religion becomes faith in painting and will defeat the giants." – Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

MAX PELLEGRINI

Ein junger Mann und eine junge Frau umarmen sich, eine Frau hält ein Kind, ein schlafendes Baby hält einen schwarzen und roten Faden, eine andere junge Frau zieht sich aus, und ein Engel breitet seine Flügel in dieser collageartigen Komposition aus. Zusammen bilden diese Charaktere eine Geschichte, in der junge Liebe, Schicksal und Leben miteinander verflochten sind: Das schlafende Baby hält einen roten Faden und einen schwarzen Faden, der an die mythologischen drei Schicksale erinnert, die Leben und Tod auf ihrem Webstuhl spinnen. Diese Fäden sind physisch mit den jungen Liebhabern verbunden, die sich gegenseitig umarmen, ohne zu wissen, welchen Halt das Kind bei sich hat. Eine Frau, die ein Kind hält, wacht über die Liebe des jungen Jungen und Mädchens, so wie Maria und Jesus über die Menschheit wachen und sie verteidigen. Die Verschmelzung von Erzählungen und Symbolen ist ein gemeinsames Element in Pellegrinis Werk und wird hier meisterhaft zum Ausdruck gebracht.

MAX PELLEGRINI

From the late 1990’s to the early 2000’s, Pellegrini returned to his paintings in the Life of an Anarchist series, “reworked them, constructed them in ‘layers,’ corrected them, initiated series or returned to iconographies of his past works.” These paintings, which are dedicated to Pellegrini’s wife Roberta, depict a woman who is free and positive, and are part of a long line of works in which there is an absolute female protagonist. (Sara D’Alessandro, “Biography,” in Max Pellegrini, ed. Danilo Eccher, 2014). Pellegrini had his wife in mind for these paintings, since “she considers herself an integrated anarchist, a woman with no prejudice but not fanatical or destructive.”<br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

MAX PELLEGRINI

Spiegelbilder einer getarnten Figur umarmen einen Mann mit nackter Brust und Bart, der in seiner relativen Statur fast kindlich ist. Ihre Umarmung spiegelt die von Michelangelos Pieta und den vielen ähnlichen Darstellungen von Christus und der Madonna wider. Ein dunkler Blauton wirft einen Schatten über die Komposition, sicherlich ein zeitlicher Indikator, aber möglicherweise auch ein Hinweis auf Picassos Blauperiode, die einen großen Einfluss auf Pellegrinis Kunstwerk hat. Die Wandpaneele hinter den Figuren zeigen religiöse Szenen und erinnern an Glasmalereien in Kirchen und Kapellen. Das Licht scheint aus den Fenstern der Stadt unten, ebenfalls beleuchtet von einem Vollmond, der über die bergige Landschaft ragt.

MAX PELLEGRINI

In an abstracted image of St. Peter’s basilica in Rome, Pellegrini returns to religious narratives to express his “anti-ideological and anti-pauperist” impression of the church and its relationship with faith (Antonio Monda, “Interview with Max Pellegrini). In the lower half of the painting, the birth of Jesus is the central focus, while the life of the church is highlighted in the upper half. According to Pellegrini, he depicted the birth of Jesus in the style of a baroque 18th century Neapolitan nativity scene that can be interpreted “as a feast for the birth of faith.” This faith is conceived of as “the material support for the Popes’ power and of the Church’s glory,” represented in this painting by the Pope clutching the moon in his hand. <br> <br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

MAX PELLEGRINI

Provenance: <br>Heather James, CA<br>Private collection, NV (acquired from above May, 2000)

CHINESISCH

IN DEN NACHRICHTEN

DIENSTLEISTUNGEN

Heather James Fine Art bietet eine breite Palette von kundenorientierten Dienstleistungen, die auf Ihre spezifischen Bedürfnisse zugeschnitten sind. Unser Operations-Team besteht aus professionellen Kunsthändlern, einer kompletten Registrierungsabteilung und einem Logistikteam mit umfangreicher Erfahrung im Bereich Kunsttransport, Installation und Sammlungsmanagement. Mit einem weißen Handschuhservice und einer persönlichen Betreuung geht unser Team noch einen Schritt weiter, um unseren Kunden außergewöhnliche Kunstleistungen zu bieten.

NACHLASS- UND STEUERPLANUNG

KOLLEKTIONSMANAGEMENT

LOGISTIKMANAGEMENT

ZUSÄTZLICHE RESSOURCEN

KENNENLERNEN

FEATURED ART

Am 15. Mai 1886 wurde ein visuelles Manifest für eine neue Kunstbewegung geboren, als Georges Seurats krönendes Werk, Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte, auf der Achten Impressionisten-Ausstellung enthüllt wurde. Seurat kann für sich in Anspruch nehmen, der ursprüngliche "wissenschaftliche Impressionist" zu sein, der in einer Weise arbeitete, die später als Pointillismus oder Divisionismus bekannt wurde. Es war jedoch sein Freund und Vertrauter, der 24-jährige Paul Signac, und ihr ständiger Dialog, der zu einer Zusammenarbeit führte, um die Physik des Lichts und der Farbe zu verstehen und den daraus entstandenen Stil zu entwickeln. Signac war ein ungeschulter, aber äußerst talentierter impressionistischer Maler, dessen Temperament perfekt zu der Strenge und Disziplin passte, die für die mühsame Pinselführung und Farbgebung erforderlich waren. Signac eignete sich die Technik schnell an. Er war auch Zeuge von Seurats mühsamer zweijähriger Reise, auf der er unzählige Schichten unvermischter Farbpunkte auf dem kolossal großen La Grande Jatte aufbaute. Gemeinsam waren Signac, der forsche, extrovertierte Künstler, und Seurat, der verschlossene, introvertierte Künstler, im Begriff, den Impressionismus zu untergraben und den Lauf der modernen Kunst zu verändern.

PAUL SIGNAC

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GEORGIA O'KEEFFE

<br>In Diego Rivera’s portrait of Enriqueta Dávila, the artist asserts a Mexicanidad, a quality of Mexican-ness, in the work along with his strong feelings towards the sitter. Moreover, this painting is unique amongst his portraiture in its use of symbolism, giving us a strong if opaque picture of the relationship between artist and sitter.<br><br>Enriqueta, a descendent of the prominent Goldbaum family, was married to the theater entrepreneur, José María Dávila. The two were close friends with Rivera, and the artist initially requested to paint Enriqueta’s portrait. Enriqueta found the request unconventional and relented on the condition that Rivera paints her daughter, Enriqueta “Quetita”. Rivera captures the spirit of the mother through the use of duality in different sections of the painting, from the floorboards to her hands, and even the flowers. Why the split in the horizon of the floorboard? Why the prominent cross while Enriqueta’s family is Jewish? Even her pose is interesting, showcasing a woman in control of her own power, highlighted by her hand on her hip which Rivera referred to as a claw, further complicating our understanding of her stature.<br><br>This use of flowers, along with her “rebozo” or shawl, asserts a Mexican identity. Rivera was adept at including and centering flowers in his works which became a kind of signature device. The flowers show bromeliads and roselles; the former is epiphytic and the latter known as flor de jamaica and often used in hibiscus tea and aguas frescas. There is a tension then between these two flowers, emphasizing the complicated relationship between Enriqueta and Rivera. On the one hand, Rivera demonstrates both his and the sitter’s Mexican identity despite the foreign root of Enriqueta’s family but there may be more pointed meaning revealing Rivera’s feelings to the subject. The flowers, as they often do in still life paintings, may also refer to the fleeting nature of life and beauty. The portrait for her daughter shares some similarities from the use of shawl and flowers, but through simple changes in gestures and type and placement of flowers, Rivera illuminates a stronger personality in Enriqueta and a more dynamic relationship as filtered through his lens.<br><br>A closer examination of even her clothing reveals profound meaning. Instead of a dress more in line for a socialite, Rivera has Enriqueta in a regional dress from Jalisco, emphasizing both of their Mexican identities. On the other hand, her coral jewelry, repeated in the color of her shoes, hints at multiple meanings from foreignness and exoticism to protection and vitality. From Ancient Egypt to Classical Rome to today, coral has been used for jewelry and to have been believed to have properties both real and symbolic. Coral jewelry is seen in Renaissance paintings indicating the vitality and purity of woman or as a protective amulet for infants. It is also used as a reminder, when paired with the infant Jesus, of his future sacrifice. Diego’s use of coral recalls these Renaissance portraits, supported by the plain background of the painting and the ribbon indicating the maker and date similar to Old Master works.<br><br>When combined in the portrait of Enriqueta, we get a layered and tense building of symbolism. Rivera both emphasizes her Mexican identity but also her foreign roots. He symbolizes her beauty and vitality but look closely at half of her face and it is as if Rivera has painted his own features onto hers. The richness of symbolism hints at the complex relationship between artist and sitter.

DIEGO RIVERA

Led by a triumvirate of painters of the American Scene, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, and Grant Wood took on the task of exploring, defining, and celebrating the Midwest as a credible entity within the geographical, political, and mythological landscape of the United States. Their populist works were figurative and narrative-driven, and they gained widespread popularity among a Depression-weary American public. The landscapes Grant Wood painted, and the lithographs marketed by Associated American Artists were comforting reminders of traditional Midwestern values and the simplicity of country life. Yet, Wood's most iconic works, including American Gothic, were to be viewed through the lens of elusive narratives and witty ironies that reflect an artist who delighted in sharing his charming and humorous perspective on farm life. <br><br>In 1930, Wood achieved national fame and recognition with American Gothic, a fictionalized depiction of his sister, Nan, and his family dentist. Frequently regarded as the most famous American painting of the twentieth century, to fully grasp American Gothic's essential nature, one must recognize Wood's profound connection to his Iowan roots, a bond that borders on a singular fixation and the often-brutal confrontation between the moral and cultural rigidity of Midwest isolationism and the standards that prevailed elsewhere in America. This war of values and morality became dominant throughout Wood's oeuvre. Their fascination with American Gothic may have mystified the public, but the story, told in the attitude of a farmer and his wife, is as lean and brittle as the pitchfork he carries. Their attitude, as defiant as it is confrontational, is an unflinching dare to uppity gallery-goers to judge their immaculate well-scrubbed farm. American Gothic became an overnight sensation, an ambiguous national icon often interpreted as a self-effacing parody of midwestern life. Yet it also served as an unflinching mirror to urban elite attitudes and their often-derisive view of heartland values and way of life. In Grant Wood's hands, the people of the Midwest have stiffened and soured, their rectitude implacable.<br> <br>Portrait of Nan is Grant Wood's most intimate work. He may have been motivated to paint it to make amends for the significant scrutiny and harsh treatment his sister received as American Gothic's sternly posed female. Grant poured his heart into it as a sign of sibling love. Intent upon painting her as straightforward and simply as possible so as not to invite unintended interpretations, Wood's deep attachment to the portrait was significant enough for him to think of it as having irreplaceable value. When he moved from Cedar Rapids to Iowa City in 1935, he designed his entire living room around the work. It occupied the place of honor above the fireplace and was the only painting he refused to sell. <br> <br>The lithograph July Fifteenth, issued in 1938, proves his mystical vision of the Iowan heartland is anything but a pitchfork approach. Drawings assumed central importance in Wood's output, and this work is executed in meticulous detail, proving his drawings were at least as complex, if not more so, than his paintings. The surface of the present work takes on an elaborate, decorative rhythm, echoed throughout the land that is soft, verdant, and fertile. Structurally, it alludes in equal measure to the geometry of modern art and the decorative patterning of folk-art traditions. This is a magical place, a fulsome display of an idealized version of an eternal, lovely, and benign heartland. <br><br>The Young Artist, an en plein air sketch, may have been produced during, or slightly after, what Wood called his "palette-knife stage" that consumed him in 1925. Having not yet traveled to Munich where, in 1928, he worked on a stain-glass window commission and came under the influence of the Northern Renaissance painters that sparked his interest in the compositional severity and detailed technique associated with his mature works, here, he worked quickly, and decisively. The view is from a hilltop at Kenwood Park that overlooks the Cedar River Valley near Cedar Rapids, where he built a house for his sister, Nan.

GRANT WOOD

Laut dem vom Brandywine River Museum of Art zusammengestellten Werkverzeichnis wurde die Vorzeichnung für Puritan Cod Fishers von N. C. Wyeth vor seinem Tod im Oktober 1945 fertiggestellt. Der Eintrag enthält eine Abbildung der Skizze sowie die Inschriften des Künstlers und den Titel Puritan Cod Fishers, der im Katalog als "alternativ" bezeichnet wird. In jedem Fall handelt es sich bei der großformatigen Leinwand um ein einzigartiges Werk, das, wie Andrew Wyeth sich später erinnerte, ausschließlich von seiner Hand gemalt wurde, eine abgegrenzte Zusammenarbeit von Entwurf und Komposition des Vaters, die von einem bemerkenswerten Sohn in die Tat umgesetzt wurde. Für Andrew Wyeth muss es eine tief empfundene und emotionale Erfahrung gewesen sein. Angesichts der Detailtreue und Authentizität seines Vaters stellen die Linien des kleinen Segelschiffs eine Schaluppe dar, wie sie im 16. Jahrhundert verwendet wurde. Jahrhundert gebräuchlich war. Andererseits hat Andrew die Farbtöne der unruhigen See wahrscheinlich stärker vertieft, als es sein Vater getan hätte - eine Wahl, die die Gefährlichkeit der Aufgabe angemessen unterstreicht.

Andrew Wyeth & N. C. Wyeth

N.C. Wyeth’s extraordinary skills as an illustrator were borne of impeccable draftsmanship and as a painter, his warmly rich, harmonious sense of color, and ability to capture the quality of light itself. But it is his unmatched artistry in vivifying story and character with a powerful sense of mood that we admire most of all — the ability to transport himself to the world and time of his creation and to convey it with a beguiling sense of conviction. That ability is as apparent in the compositional complexities of Treasure Island’s “One More Step, Mr. Hands!” as it is here, in the summary account of a square-rigged, seventeenth-century merchant ship tossed upon the seas. The Coming of the Mayflower in 1620 is a simple statement of observable facts, yet Wyeth’s impeccable genius as an illustrator imbues it with the bracing salt air and taste that captures the adventuresome spirit of the men and women who are largely credited with the founding of America. That spirit is carried on the wind and tautly billowed sails, the jaunty heeling of the ship at the nose of a stiff gale, the thrusting, streamed-limned clouds, and the gulls jauntily arranged to celebrate an arrival as they are the feathered angels of providence guiding it to safe harbor.<br><br>The Coming of the Mayflower in 1620 was based on two studies, a composition drawing in graphite and a small presentation painting. The finished mural appears to have been installed in 1941.

N.C. WYETH

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

ALEXANDER KALANDER

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

ALFRED SISLEY

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

EMIL NOLDE

In 1955, Sir John Rothenstein, representing the Trustees of the Tate Museum, approached Winston Churchill about donating one of his paintings "as a gift to the nation." Churchill was flattered, but felt he did not deserve such an honor as an artist. Eventually, Churchill agreed and sent two candidate paintings to the Tate – On the Rance and Loup River. No record exists regarding his own thoughts on the works he submitted, but one can safely say that Churchill thought highly of On the Rance, especially since it was not one of the paintings Rothenstein identified as a strong option. Loup River, which clearly matched Rothenstein's taste, was selected. Not only was On the Rance not returned, but somehow it ended up, without any inventory record, in a basement storeroom at the Tate. In the storeroom it sat for almost a half century, when it was discovered by an intern. The Churchill family was notified and eventually the painting was auctioned in June 2005, where it set a new auction record for Churchill's work, despite the lot notes hardly touching on the Tate’s possible acquisition. In a letter to the buyers, Churchill’s daughter, Lady Soames, summarized what had occurred in somewhat more detail.<br><br>St. Malo is a walled city in Brittany, France on the coast of the English Channel. The city was nearly destroyed by bombings during WWII.

SIR WINSTON CHURCHILL

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

ALEXANDER KALANDER

In den frühen 1870er Jahren malte Winslow Homer häufig Szenen des Landlebens in der Nähe eines kleinen Bauerndorfes, das seit Generationen für seine bemerkenswerten Weizenbestände bekannt ist und zwischen dem Hudson River und den Catskills im Bundesstaat New York liegt. Heute ist Hurley weitaus bekannter als Inspiration für eines von Homers größten Werken, Snap the Whip, das im Sommer 1872 entstand. Unter den vielen anderen Gemälden, die von der Region inspiriert wurden, ist Girl Standing in the Wheatfield reich an Gefühlen, aber nicht übermäßig sentimental. Es steht in direktem Zusammenhang mit einer 1866 in Frankreich gemalten Studie mit dem Titel In the Wheatfields und einem weiteren Gemälde, das er im Jahr darauf nach seiner Rückkehr nach Amerika malte. Aber auf dieses Bild wäre Homer zweifellos am stolzesten gewesen. Es ist ein Porträt, eine Kostümstudie, ein Genrebild in der großen Tradition der europäischen Pastoralmalerei und eine dramatisch beleuchtete, stimmungsvolle Tour de Force, durchdrungen vom schnell schwindenden Licht der Abenddämmerung, aufgelockert durch zarte, blumige Noten und einen Hauch von Weizenähren. Im Jahr 1874 schickte Homer vier Gemälde zur Ausstellung der National Academy of Design. Eines trug den Titel "Mädchen". Könnte es sich nicht um dieses Gemälde handeln?

WINSLOW HOMER

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

GERHARD RICHTER

1945, als der Krieg zu Ende war und Churchill eine überraschende Niederlage bei den Parlamentswahlen erlitten hatte, folgte er einer Einladung von Feldmarschall Sir Harold Alexander in dessen italienische Villa am Ufer des Comer Sees. Churchill genoss die großzügige Gastfreundschaft seines Gastgebers und konzentrierte seine Aufmerksamkeit und Energie darauf, die Region auf Leinwand zu bannen. Es entstanden fünfzehn Gemälde, die zeigen, wie sehr die Malerei seine Aufmerksamkeit in Anspruch nahm und ein Elixier darstellte, das ihm half, sich zu erholen. Dieses ikonische Gemälde wurde in einem Artikel in LIFE vom Januar 1946 abgebildet und wurde als farbige Illustration in mehreren Ausgaben von Churchills Buch Paintings as a Pastime ausgewählt.

SIR WINSTON CHURCHILL

<div>Painted from an unusually high vantage, “Riviera Coast Scene” vividly conveys the formidable distance and breadth of the scene from the perch where he set his easel.  Interestingly, Paul Rafferty did not include this painting in his book Winston Churchill: Painting on the French Riviera, believing it could likely be a scene from the Italian Lake District, where Churchill also painted in the same time period.  Paintings by Churchill can function as a glimpse into his extensive travels and his colorful life. Churchill most likely painted “Riviera Coast Scene” during a holiday at Chateau de l’Horizon, home of Maxine Elliot, a friend of his mother. Elliot, originally from Rockland, Maine, was a successful actress and socialite.  Within this painting, we see the influence of the Impressionists who utilized unusual viewpoints, modeled after Japanese woodblock prints, but also evidence of their attempts to push the boundaries of the landscape genre.</div>

SIR WINSTON CHURCHILL

Located on the French Riviera between Nice and Monte Carlo, the Bay of Eze is renowned for its stunning location and spectacular views. As you can see on pages 80-81 of Rafferty's book, this painting skillfully captures the dizzying heights, set just west of Lou Sueil, the home of Jacques and Consuelo Balsan, close friends of Winston and Clementine.<br> <br>The painting manipulates perspective and depth, a nod to the dramatic shifts of artists including Monet and Cézanne, who challenged traditional vantage points of landscapes. The portrait (i.e. vertical) orientation of the canvas combined with the trees, and the rhyming coastline channels the viewer’s gaze. The perceived tilting of the water's plane imbues the painting with dynamic tension.

SIR WINSTON CHURCHILL

Die Welt von Marc Chagall lässt sich nicht eindämmen oder begrenzen durch die Etiketten, die wir ihr anheften. Es ist eine Welt der Bilder und Bedeutungen, die ihren eigenen, herrlich mystischen Diskurs bilden. Les Mariés sous le baldaquin (Die Braut und der Bräutigam unter dem Baldachin) entstand zu Beginn des 90. Lebensjahres des Künstlers, eines Mannes, der Tragödien und Kämpfe erlebt hatte, der aber nie die Momente der Freude im Leben vergaß. Hier werden uns die träumerischen Freuden einer russischen Dorfhochzeit mit ihren Arrangements aus altgedienten Teilnehmern mit so viel fröhlichem Witz und heiterer Unschuld vor Augen geführt, dass man sich ihrem Charme nicht entziehen kann. Durch die Verwendung einer goldfarbenen Emulsion, die eine Kombination aus Öl und opaker Gouache auf Wasserbasis darstellt, wird die Wärme, das Glück und der Optimismus von Chagalls üblichem Positivismus in einen leuchtenden Glanz gehüllt, der an den Einfluss von religiösen Ikonen mit Blattgold oder an die Malerei der Frührenaissance erinnert, die den Eindruck von göttlichem Licht oder spiritueller Erleuchtung vermitteln wollte. Die Kombination von Öl und Gouache kann eine Herausforderung sein. Aber hier, in Les Mariés sous le baldaquin, setzt Chagall sie ein, um der Szene eine jenseitige Qualität zu verleihen, fast so, als ob sie sich vor seinem geistigen Auge materialisiert hätte. Die zarte Textur erweckt den Eindruck, dass das Licht vom Werk selbst ausgeht, und verleiht den im Himmel schwebenden Figuren eine gespenstische Qualität.

MARC CHAGALL

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

TOM WESSELMANN

<div>Still lifes like<em> Oranges and Lemons (C 455) </em>give us an insight to the rich and colorful life of Churchill, just as his landscapes and seascapes do. Churchill painted <em>Oranges and Lemons</em> at La Pausa. Churchill would often frequent La Pausa as the guest of his literary agent, Emery Reves and his wife, Wendy.  Reves purchased the home from Coco Chanel.  While other members of the Churchill family did not share his enthusiasm, Churchill and his daughter Sarah loved the place, which Churchill affectionately called “LaPausaland”.  To avoid painting outside on a chilly January morning, Wendy Reves arranged the fruit for Churchill to paint. Surrounded by the Reves’s superb collection of Impressionist and Post-Impressionist works, including a number of paintings by Paul Cézanne, Oranges and Lemons illuminates Churchill’s relationships and the influence of Cézanne, who he admired. The painting, like Churchill, has lived a colorful life, exhibited at both the 1959 Royal Academy of Art exhibition of his paintings and the 1965 New York World’s Fair.</div>

SIR WINSTON CHURCHILL

ROBERT INDIANA

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

STEUERFLÜSSE

Uniquely among Winston Churchill’s known work, “Coastal Town on the Riviera” is in fact a double painting with the landscape on one side and an oil sketch on the other. The portrait sketch bears some resemblance to Viscountess Castlerosse who was a frequent guest in the same Rivera estates where Churchill visited. Churchill painted her in C 517 and C 518 and gives us a larger picture of the people who inhabited his world. <br><br>Of his approximately 550 works, the largest portion (about 150) were of the South of France, where Churchill could indulge in both the array of colors to apply to his canvas and in gambling, given the proximity of Monte Carlo.

SIR WINSTON CHURCHILL

Théo van Rysselberghes Portrait de Sylvie Lacombe aus dem Jahr 1906 ist ein klassisches Meisterwerk eines der raffiniertesten und konsequentesten Porträtmaler seiner Zeit. Die Farben sind harmonisch, der Pinselstrich kraftvoll und auf seine Aufgabe zugeschnitten, Körper und Antlitz wahrhaftig und freizügig. Bei der Dargestellten handelt es sich um die Tochter seines guten Freundes, des Malers Georges Lacombe, der eng mit Gauguin befreundet war und mit den Künstlern Bonnard, Denis, Vuillard u. a. zu den Nabis gehörte. Wir wissen jetzt über Sylvie Lacombe Bescheid, weil Van Rysselberghe so geschickt darin ist, subtile Gesichtsausdrücke wiederzugeben und durch sorgfältige Beobachtung und Liebe zum Detail Einblicke in ihre innere Welt zu geben. Er wählte einen direkten Blick, ihre Augen auf die des Betrachters, eine unausweichliche Verbindung zwischen Subjekt und Betrachter, unabhängig von unserer physischen Beziehung zum Bild. Van Rysselberghe hatte die pointillistische Technik weitgehend aufgegeben, als er dieses Porträt malte. Er wandte jedoch weiterhin die Richtlinien der Farbtheorie an, indem er Rottöne - Rosatöne und Mauvetöne - gegen Grüntöne einsetzte, um eine harmonisch abgestimmte Palette von Komplementärfarben zu schaffen, denen er einen starken Akzent hinzufügte, um den Blick auf sich zu ziehen - eine intensiv gesättigte, rote Schleife, die asymmetrisch an der Seite ihres Kopfes angebracht ist.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Flusslandschaft mit einer Windmühle und einer Kapelle - Öl auf Platte - 22 1/2 x 31 3/4 Zoll.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

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