Gemälde von Dorothy Hood

Dorothy Hoods unverwechselbare, emotionsgeladene Gemälde sind ein Meilenstein der Nachkriegskunst, eine bedeutende Brücke zwischen dem lateinamerikanischen und europäischen Surrealismus und der New Yorker Abstraktion. Wahrscheinlich hat sie nie einen Fuß in die Taverne Cedar Tavern in Greenwich Village gesetzt, wo sich aus den trinkfesten, von Männern dominierten und mit zwei Fäusten geführten Debatten und der Nacht, in der Jackson Pollock im Vollrausch die Badezimmertür aus den Angeln riss und sie quer durch den Raum nach Franz Kline schleuderte, eine liebgewonnene Mythologie entwickelte. Stattdessen ging sie ihren eigenen Weg und hatte die Freiheit, zu denken, zu malen und zu zeichnen, wie es ihr gefiel. Von 1941 bis 1962 bewegte sich Hood in einem anderen Epizentrum: Mexikos reiches kulturelles, politisches und künstlerisches Zusammenspiel intensiver kreativer Aktivitäten. Zu ihren Freunden gehörten die Surrealisten Remedios Varo und Leonora Carrington, Rufino Tamayo und José Clemente Orozco, mit dem sie eine tiefe Freundschaft entwickelte.

Die Gemälde dieser Ausstellung stammen aus einer Zeit, in der Hood nach Texas zurückkehrte und sich mit großen Ideen beschäftigte: die Unermesslichkeit des Universums, die Komplexität der Psyche und die Sehnsucht nach spiritueller Nahrung. Sie schuf eine Erzählung, die sich immer wieder durch die taktile Beherrschung der Farbe, ob mit dem Pinsel aufgetragen oder gegossen, offenbart und deren Bandbreite in den Annalen der Nachkriegskunst des zwanzigsten Jahrhunderts praktisch unerreicht ist. Ihr malerisches Werk ist Ausdruck ihres einzigartigen räumlichen Verständnisses und ihres inneren Kompasses. Es vermittelt gewaltige energetische Weiten, die von schwindelerregenden Unterbrechungen scharf definierter, undurchsichtiger Formen neben Schwaden üppiger, evokativer Farben unterbrochen werden. Dies sind die entscheidenden Werke in Hoods Oeuvre, die ihr einen Platz im Pantheon der großen amerikanischen Nachkriegskünstler sichern werden.