Peintures de Dorothy Hood

Les peintures de Dorothy Hood, caractéristiques et chargées d'émotion, constituent un jalon dans l'art de l'après-guerre, un pont important entre le surréalisme latino-américain et européen et l'abstraction new-yorkaise. Elle n'a probablement jamais mis les pieds dans le bar clandestin Cedar Tavern de Greenwich Village, où une mythologie bien ancrée s'est développée à partir des débats à deux poings, dominés par les hommes, et de la nuit où Jackson Pollock, ivre de stupeur, a arraché la porte de la salle de bains de ses gonds et l'a projetée à travers la pièce sur Franz Kline. Au lieu de cela, elle a suivi son propre chemin, avec la liberté de penser, de peindre et de dessiner comme elle l'entendait. De 1941 à 1962, Hood évolue dans un autre épicentre : La riche confluence culturelle, politique et artistique du Mexique, où l'activité créatrice est intense. Elle compte parmi ses amis les surréalistes Remedios Varo et Leonora Carrington, Rufino Tamayo et José Clemente Orozco, avec qui elle se lie d'une profonde amitié.

Les peintures de cette exposition datent d’une époque où Hood est retourné au Texas et a adopté de grandes idées : l’immensité de l’univers, les complexités de la psyché avec un désir de subsistance spirituelle. Elle a conçu un récit qui se révèle continuellement à travers la maîtrise tactile de la peinture, brossée ou coulée, dont l’ampleur est pratiquement inégalée dans les annales de l’art d’après-guerre du XXe siècle. Son travail en peinture explore sa compréhension spatiale unique et sa boussole interne, véhiculant d’immenses étendues énergétiques ponctuées de ruptures vertigineuses de formes opaques et bien définies aux côtés de bandes de couleurs luxuriantes et évocatrices. Ce sont les œuvres déterminantes de l’œuvre de Hood qui lui assureront une place dans le panthéon des grands artistes américains de l’après-guerre.