In den 80er Jahren war es akzeptabel

Die 80er Jahre waren jahrzehntelang ein kultureller Prüfstein, der Mode, Film und Fernsehen beeinflusst hat, aber ihr Einfluss als Nexus der Kunst war meist ein blinder Fleck. Tritt man jedoch einen Schritt zurück, wird die ganze Kraft des Jahrzehnts sichtbar. In einen gesellschaftspolitischen Kontext gestellt, können wir eine Mischung aus Aktion und Reaktion auf frühere Bewegungen sehen.

Die Ausstellung wirft einen umfassenden Blick auf ein Jahrzehnt des schnellen Wandels und des Reaktionismus. Sie versucht, eine Vielzahl von Bewegungen und Künstlergruppen in einen Kontext und in eine Gegenüberstellung zu stellen, um die Kunst und die Künstler besser zu verstehen, die Beziehungen, die sie bildeten, und die Grundlagen zu verstehen, die sie für zukünftige Generationen legten. In diesem Sinne konzentriert sich die Schau auf Künstler, die in den 1980er Jahren aufkamen oder arbeiteten, und wirft gleichzeitig einen Blick auf einige der Arbeiten, die sie später produzieren sollten.

Eine der wichtigsten Gruppen waren die Neo-Expressionisten, zu denen Julian Schnabel, Francesco Clemente, Mimmo Paladino und Sandro Chia gehörten. Trotz der unterschiedlichen geografischen Lage einte die Künstler die Verwendung von exzessiven Mischtechniken, selbstbewussten gestischen Pinselstrichen und kruden Figurationen, die sich gegen den Minimalismus und Konzeptualismus des vorherigen Jahrzehnts richteten. Das hohe Konzept wich auffälligen Werken, die sich weniger auf Ideen als auf die Oberfläche konzentrierten. Hinter dieser "Rückkehr" zur Malerei verbarg sich ein dreistes Draufgängertum und Machismo, das den Konservatismus des Jahrzehnts widerspiegelte. Vergleichen Sie sie mit den Künstlern der Muster und Dekoration in unserer virtuellen Ausstellung, "Muster und Dekoration: Feminismus und Freundschaft", und man kann eine bewusste Rückkehr zum Mythos der "heroischen" Kunst und des singulären "Genies" erkennen.

Aber weder der Konzeptualismus noch die Zusammenarbeit endeten. Die in den 70er und 80er Jahren aufkommende Pictures Generation definierte neu, welche Bilder in der Kunst verwendet werden können und wie sie verwendet werden können. Ein loser Zusammenschluss, zu dem auch Cindy Sherman und Richard Prince gehörten, entstand wie die Neo-Expressionisten aus einem eher desillusionierten Amerika, das von Watergate, dem Ende des Vietnamkriegs und der Stagflation der 70er Jahre geschüttelt wurde. Anstatt sich exzessiver Angeberei zuzuwenden, wandte sich die Pictures Generation der neu entstandenen kritischen Theorie wie der Dekonstruktion zu, die von französischen Schriftstellern wie Michel Foucault vorangetrieben wurde. Sherman, Prince und ihre Künstlerkollegen nutzten die Massenmedien, um "Bilder" und Fotografie zu zitieren, auszugraben, zu überdenken und neu zu inszenieren, um die Frage nach Authentizität und Originalität zu stellen und danach, wie sie unsere Wahrnehmung von uns selbst und der Welt prägen. Die essenzialistische Identität wich der Konzeptualisierung sozialer Konstruktionen.

Das entstandene Werk ist zugleich verführerisch und kühl distanziert. "Untitled No. 110" erinnert an Shermans frühere gefeierte Serie "Untitled Film Stills". Shermans Arbeit beschäftigt sich mit der Rolle und den konstruierten Identitäten von Frauen. Auf der anderen Seite eignet sich Prince Worte und Bilder an und fordert uns auf, darüber nachzudenken, was diese Bilder für die kollektive Kultur bedeuten, während er die Authentizität in Frage stellt.

Es waren nicht nur neuere oder aufstrebende Künstler, die das Jahrzehnt eroberten. Obwohl sein Name ein Synonym für die Pop Art der amerikanischen Jahrhundertmitte ist, erreichte Andy Warhol in diesem Jahrzehnt ein neues Level an Ruhm und Berühmtheit. Mehr denn je richtete Warhol seinen Blick auf die Reichen, Berühmten und Berüchtigten und beleuchtete, was es bedeutet, Amerikaner zu sein und was die amerikanische Kultur ausmacht. Sein Kollege James Rosenquist, ein Pop-Art-Künstler, ließ sogar eines seiner Gemälde, "Samba School", in einem der wichtigsten Filme dieser Zeit erscheinen - "Wall Street". Wie der Film die amerikanische Kultur dieser Ära hervorhebt, "... ist Gier, in Ermangelung eines besseren Wortes, gut." Dieser materielle Überschwang ist nicht unverbunden mit dem Aufkommen der Neo-Expressionisten.

Geld berührte andere Teile der Zeit. Bekannt als das "Designer-Jahrzehnt" war der vorherrschende Trend die Postmoderne. Oberflächen und Aussehen hatten Vorrang vor der Funktionalität, und die Wünsche der Konsumenten wurden untergraben, während der kommerzielle Reiz erhalten blieb. Dieser Trend zu Theatralik und Glanz verschob sich weg von Subversion und Ironie, als er sich mit der Welle des Konsums und des Interesses der Unternehmen verband. An dieser Schnittstelle sind Künstler wie Jeff Koons zu Ruhm gekommen. Koons erhebt alltägliche Objekte, die unsere Erwartungen unterlaufen und gleichzeitig ihren eigenen kitschigen Charakter betonen. Die Arbeiten in der Ausstellung erinnern an Faberge-Eier, gefiltert durch einen glänzenden und klebrigen Filter. Ist es eine billige Imitation? Ist es eine Fortführung der Handwerks- und Kunstgeschichte? Hinterfragt Koons den Konsumismus, zelebriert er ihn oder liegt etwas dazwischen?

Cartoon-artig und leicht monströs, sind George Condos Porträts ein wunderbarer Ausdruck postmoderner Kunst und Denkweise. Wie vom V&A beschrieben, "spiegelte das postmoderne Objekt den Wunsch wider, subversive Aussagen mit kommerzieller Attraktivität zu verbinden". In dieser Aussage liegt das schlagende Herz von Condos Bildern. Condo malt aus dem Gedächtnis, und beim Betrachten seiner Arbeiten kann sich der Betrachter vorstellen, wie diese Bilder gebrochene und wiedergefundene Bilder sind, die aus Condos Erinnerung an die Kunstgeschichte und an psychologische Zustände hervorgekramt werden. Alles Alte wird wieder neu.

Dennoch, im Gegensatz zum mythischen Genie des singulären Künstlers in der neoexpressionistischen Bewegung (und der Kunstgeschichte im Allgemeinen), war die Zusammenarbeit in dieser Periode von entscheidender Bedeutung. Wenn wir uns die Fotografien von Tseng Kwong Chi und Warhol ansehen, sehen wir, wie Künstler wichtige Dialoge untereinander führten. Auf dem Foto von Grace Jones sehen wir ein Drei-Wege-Gespräch zwischen Grace Jones, Kwong Chi, dem Fotografen, und Keith Haring, der Jones malte.

Die Ausstellung schließt mit der nebulösesten aller Bewegungen aus dieser Zeit. Sie ist so amorph, dass sie unterschiedlich als Post-Konzeptualismus, Neo-Konzeptualismus, Neo-Geometrischer Konzeptualismus (Neo-Geo) und Post-Abstract Abstraction bezeichnet wurde. Zu den Künstlern unter diesem großen Dach gehören Jenny Holzer, Donald Sultan, Christopher Wool, Peter Halley, Ross Bleckner und viele mehr. Was diese unterschiedlichen Künstler einte, war die Idee, dass das Konzept im Extremfall Vorrang vor dem Endprodukt haben könnte. Zum Beispiel scheinen Halleys Arbeiten eine Fortsetzung der minimalistischen Werke in der Art von Frank Stella zu sein. Dennoch ist die Malerei eine Kritik an Konsum und Industrialismus. Ähnlich wie Halley übernehmen Bleckners Gemälde die Ästhetik des Minimalismus oder der Op Art, während sie gleichzeitig emotionale und politische Aussagen machen, insbesondere über die Zerstörung durch die AIDS-Krise. Auch wenn die Bilder eher gegenständlich sind, untersuchten Maler wie Sultan den Konsum des Bildes und des Kunstobjekts. Abstraktion ist nicht einfach nur Abstraktion. Sie nimmt in neuen Umgebungen neue Bedeutungen an.

Während Koons und Condo als die emblematischsten Vertreter der Postmoderne angesehen werden könnten, könnte man viele der anderen Künstler des Postkonzeptualismus als postmodern bezeichnen - ein Gefühl der Subversion, des Widerspruchs und der Ironie, das in Theatralik gehüllt ist und durch das Theoretische gestützt wird. Holzers Skulptur ist durch die Verwendung von Materialien, ihre Form und sogar die in den Sitz geritzten Worte verlockend, aber bei näherem Hinsehen verwirrt und verstört die Binsenweisheit. Holzers Arbeit unterläuft unsere konsumistischen Impulse.

Das dynamische Jahrzehnt erwies sich als eine fruchtbare Zeit für die Kunst. Künstler bewegten sich in losen Assoziationen auf scheinbar widersprüchliche Weise in verschiedene Richtungen, und doch trieben sie die Dialoge untereinander voran. Diese Künstler brachen nicht nur mit der Vergangenheit, sondern hinterfragten, was sie für die Gegenwart bedeutete. Es ist kein Zufall, dass das Studium an der New York Studio School, die von der Künstlerin Mercedes Matter gegründet wurde, einen tiefgreifenden Einfluss auf Christopher Wool hatte. Erfahren Sie mehr über die Schule und Matter in unserer virtuellen Ausstellung Merceds Matter: A Miraculous Quality. Von Koons über Sherman bis hin zu Holzer blickten die Künstler mit Sinn für Stil und Ironie zugleich zurück und nach vorn.