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C'était acceptable dans les années 80

27 avril 2021 - 31 août 2023
Palm Desert, CA

environ

Les années 80 ont été une pierre de touche culturelle pendant des décennies, influençant la mode, le cinéma et la télévision, mais leur influence en tant que point de convergence de l'art a été le plus souvent ignorée. Mais si l'on prend un peu de recul, toute la force de cette décennie devient apparente et, replacée dans un contexte sociopolitique, on peut y voir un mélange d'action et de réaction aux mouvements précédents.

L'exposition jette un regard large sur une décennie de changements rapides et de réactionnisme. Elle cherche à mettre en contexte et en juxtaposition une foule de mouvements et de groupes d'artistes afin de mieux comprendre l'art et les artistes, les relations qu'ils ont nouées et les bases qu'ils ont posées pour les générations futures. Dans cette optique, l'exposition se concentre sur les artistes qui ont vu le jour ou travaillé dans les années 1980, tout en jetant un regard sur certaines des œuvres qu'ils allaient produire par la suite.

L'un des groupes les plus importants à émerger est celui des néo-expressionnistes, qui comprend Julian Schnabel, Francesco Clemente, Mimmo Paladino et Sandro Chia. En dépit de leur situation géographique disparate, les artistes se rejoignent sur l'utilisation excessive de techniques mixtes, de coups de pinceau gestuels et d'une figuration grossière, dans un mouvement de recul par rapport au minimalisme et au conceptualisme de la décennie précédente. Le concept élevé a fait place à des œuvres à fort impact, moins axées sur les idées et plus sur la surface. Ce "retour" à la peinture était sous-tendu par une bravade et un machisme effrontés, reflétant le conservatisme de la décennie. Comparez-les avec les artistes de l'exposition virtuelle "Motif et Décoration" de notre exposition virtuelle, "Motif et Décoration : Feminism and Friendship", et l'on peut y voir un retour conscient au mythos de l'art "héroïque" et du "génie" singulier.

Mais ni le conceptualisme ni la collaboration n'ont pris fin. Apparue dans les années 70 et 80, la génération Pictures a redéfini le type d'images pouvant être utilisées dans l'art et la manière dont elles pouvaient être utilisées. Une association peu structurée comprenant Cindy Sherman et Richard Prince, à l'instar des néo-expressionnistes, a émergé d'une Amérique plus désabusée, sous le choc du Watergate, de la fin de la guerre du Viêt Nam et de la stagflation des années 70. Plutôt que de se tourner vers une bravade excessive, la génération Pictures s'est tournée vers les nouvelles théories critiques telles que la déconstruction, dont les auteurs français, dont Michel Foucault, ont été les pionniers. En utilisant les médias de masse, Sherman, Prince et leurs collègues artistes ont cité, déterré, recadré, repensé et remis en scène les "images" et la photographie pour remettre en question l'authenticité par rapport à l'originalité et la manière dont elles façonnent notre perception de nous-mêmes et du monde. L'identité essentialiste a fait place à la conceptualisation des constructions sociales.

L'œuvre produite est à la fois séduisante et froidement détachée. "Untitled No. 110" rappelle la célèbre série précédente de Sherman, Untitled Film Stills. L'œuvre de Sherman traite du rôle et des identités construites des femmes. À l'inverse, Prince s'approprie des mots et des images, nous demandant de considérer ce que ces images signifient pour la culture collective tout en remettant en question l'authenticité.

Les artistes plus récents ou émergents ne sont pas les seuls à avoir conquis la décennie. Bien que son nom soit synonyme du Pop Art de l'Amérique du milieu du siècle dernier, Andy Warhol a atteint un nouveau niveau de notoriété et de célébrité au cours de cette décennie. Plus que jamais, Warhol a tourné son regard vers les riches, les célèbres et les infâmes, mettant en lumière ce que signifie être américain et ce qu'est la culture américaine. Son collègue pop artiste, James Rosenquist, a même vu l'une de ses peintures, "Samba School", figurer dans un film marquant de l'époque, "Wall Street". Comme le film le souligne à propos de la culture américaine de l'époque, "... la cupidité, faute d'un meilleur mot, est bonne". Cette exubérance matérielle n'est pas sans lien avec l'émergence des néo-expressionnistes.

L'argent a touché d'autres parties de l'époque. Connue sous le nom de "décennie des designers", la tendance dominante était le postmodernisme. Les surfaces et l'apparence primaient sur la fonctionnalité, et le désir du consommateur était subverti tout en conservant un attrait commercial. Cette tendance à la théâtralité et à la brillance s'est éloignée de la subversion et de l'ironie lorsqu'elle a rejoint la vague de consumérisme et l'intérêt des entreprises. C'est à cette intersection que des artistes comme Jeff Koons sont devenus célèbres. Koons élève des objets quotidiens qui sapent nos attentes tout en soulignant leur propre nature kitsch. Les œuvres de l'exposition rappellent les œufs de Fabergé filtrés par un filtre brillant et de mauvais goût. S'agit-il d'une imitation bon marché ? S'agit-il d'une continuation de l'artisanat et de l'histoire de l'art ? Koons interroge-t-il le consumérisme, le célèbre-t-il, ou quelque chose entre les deux ?

De type cartoon et légèrement monstrueux, les portraits de George Condo sont une merveilleuse expression de l'art et de la pensée postmodernes. Comme le décrit le V&A, "l'objet postmoderne reflète le désir de combiner des déclarations subversives avec un attrait commercial". C'est dans cette déclaration que se trouve le cœur battant des peintures de Condo. Condo peint de mémoire, et en regardant son œuvre, le spectateur peut imaginer comment ces peintures sont des images réfractées et récupérées, puisées dans la mémoire de Condo sur l'histoire de l'art et les états psychologiques. Tout ce qui est vieux redevient neuf.

Néanmoins, contrairement au génie mythique de l'artiste singulier du mouvement néo-expressionniste (et de l'histoire de l'art en général), la collaboration était d'une importance capitale à cette époque. En observant les photographies de Tseng Kwong Chi et de Warhol, nous constatons que les artistes ont entretenu d'importants dialogues entre eux. Sur la photo de Grace Jones, nous assistons à une conversation à trois entre Grace Jones, Kwong Chi, le photographe, et Keith Haring, le peintre de Grace Jones.

L'exposition se termine par le plus nébuleux des mouvements de l'époque. Il est si amorphe qu'il a été diversement appelé Post-Conceptualisme, Néo Conceptuel, Conceptualisme Néo-Géométrique (Néo-Géo) et Abstraction Post-Abstraite. Parmi les artistes regroupés sous cette vaste appellation figurent Jenny Holzer, Donald Sultan, Christopher Wool, Peter Halley, Ross Bleckner et bien d'autres. Ce qui unit ces divers artistes est l'idée que le concept peut primer sur le produit final à l'extrême, et il y a un air de "simulation" chez eux. Par exemple, les œuvres de Halley semblent être une continuation des œuvres minimalistes dans la veine de Frank Stella. Pourtant, la peinture est une critique de la consommation et de l'industrialisme. Comme celles de Halley, les peintures de Bleckner reprennent l'esthétique du minimalisme ou de l'Op Art tout en faisant des déclarations émotionnelles et politiques, notamment sur la destruction de la crise du sida. Même lorsque les peintures sont plus représentatives, des peintres comme Sultan ont examiné la consommation de l'image et de l'objet d'art. L'abstraction n'est pas seulement l'abstraction. Elle prend de nouvelles significations dans de nouveaux environnements.

Si Koons et Condo peuvent être considérés comme les plus emblématiques du postmodernisme, beaucoup d'autres artistes du post-conceptualisme pourraient être considérés comme postmodernes, un sens de la subversion, de la contradiction et de l'ironie enveloppé de théâtralité et soutenu par la théorie. La sculpture de Holzer est séduisante par son utilisation des matériaux, sa forme et même les mots gravés sur le siège, mais si l'on y regarde de plus près, la truisme déroute et dérange. L'œuvre de Holzer subvertit nos impulsions consuméristes.

La décennie dynamique s'est avérée être une période fertile pour l'art. Les artistes évoluent dans des directions différentes, dans des associations libres, de manière apparemment contradictoire, et pourtant les dialogues entre eux se poursuivent. Ces artistes ne se sont pas contentés de rompre avec le passé, mais se sont interrogés sur sa signification pour le présent. Ce n'est pas une coïncidence si les études à la New York Studio School, fondée par l'artiste Mercedes Matter, ont eu une profonde influence sur Christopher Wool. Apprenez-en davantage sur l'école et sur Matter dans notre exposition virtuelle Merceds Matter : Une qualité miraculeuse. De Koons à Sherman en passant par Holzer, les artistes regardaient à la fois en arrière et en avant avec un sens du style et de l'ironie.

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