Figurative Meister Amerikas
Was stellen Sie sich vor, wenn Sie an die Avantgarde-Kunst der letzten 100 Jahre denken? Denken Sie an konzeptionelle Kunst wie Anish Kapoor? Oder denken Sie an reine Abstraktion wie Hans Hofmann? Ein Großteil der umwälzenden Kunst des20. und21. Jahrhunderts wird mit ungegenständlicher Kunst assoziiert, aber die Trends in der Kunstgeschichte schwankten zwischen Abstraktion und Figuration, als Künstler die Möglichkeiten der Kunst ausloteten und tiefere kulturelle und soziale Fragen stellten. Einige der wichtigsten Künstler wie Andy Warhol und Willem de Kooning sind für ihren Beitrag zur Kunstgeschichte und Kultur durch ihre figurativen Werke bekannt.
In Zusammenarbeit zwischen dem Ann Norton Sculpture Garden und Heather James Fine Art untersucht Figurative Masters of the Americas die Bedeutung der Figuration in der Kunstgeschichte und konzentriert sich dabei auf Künstler aus ganz Amerika. Jede Galerie ist in vier Abschnitte unterteilt, die sich mit verschiedenen historischen und geografischen Aspekten der Figuration befassen: Lateinamerika, frühes20. Jahrhundert, Mitte des 20. Jahrhunderts und Pop Art.
LATEINAMERIKANISCH
In der ersten Galerie sind einige der größten Namen der lateinamerikanischen Kunst vertreten, darunter Diego Rivera, Rufino Tamayo und Wifredo Lam. Wie viele andere lateinamerikanische Künstler haben sie über die Repräsentation hinausgeschaut und Kunst geschaffen, die ihre kulturelle Identität und ihre Politik zum Ausdruck bringt. Wie Rivera bemerkt: "Das Geheimnis meiner besten Arbeiten ist, dass sie mexikanisch sind". Rivera, Tamayo und Lam verbanden den Anfang bis Mitte des 20. Jahrhunderts aufkommenden Modernismus mit der präkolumbianischen Kultur und dem Kunststil. Rivera und Tamayo wandten sich der mexikanischen Volkskunst zu, während Lam den afrokubanischen Mystizismus einbezog.
Weitere Künstler dieser Sektion sind Roberto Matta, Francisco Toledo, Felipe Castañeda, Carlos Luna und Mario Carreño. Es ist wichtig zu erwähnen, dass alle diese Künstler die Grenzen der gegenständlichen Kunst ausloteten, während gleichzeitig die neokonkreten Künstler wie Hélio Oiticica, die wie ihre figurativen Gegenstücke politische Ansichten durch ihre Kunst zum Ausdruck brachten, aber durch Abstraktion arbeiteten. Dieses Spannungsfeld zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion wird in jeder Galerie zu sehen sein.
ANFANG DES 20. JAHRHUNDERTS
Zu Beginn der 1900er Jahre, als die Vereinigten Staaten ihr Gilded Age hinter sich ließen, rang die Nation mit der Frage, was für ein Land sie war und sein würde. In der Kunst von N.C. Wyeth oder Thomas Hart Benton sehen wir, wie sich eine Art von Identität herausbildet, der sich die Vereinigten Staaten anschließen würden. Ist das Land ländlich oder städtisch? Wie gehen wir mit unserer Beziehung zu den amerikanischen Ureinwohnern um? Was bedeutet es, Amerikaner zu sein?
In einem Künstler wie Maurice Askenazy können wir die Rolle der Einwanderung in die USA sehen. Der in Russland geborene Künstler trug zur Förderung des amerikanischen und kalifornischen Impressionismus bei, zwei Schlüsselbewegungen, die eine Brücke zwischen der Kunst der Nation im späten19. und der Moderne im20.
Selbst Künstler, die für ihre reine Abstraktion bekannt wurden, begannen mit der Gegenständlichkeit. Morris Louis setzte sich mit der Figuration auseinander und ließ sich von den deutschen Expressionisten und dem mexikanischen Wandmaler David Alfaro Siqueiros inspirieren. Kunst existiert nie im luftleeren Raum und ist abhängig von Gesprächen zwischen Künstlern und zwischen Kulturen.
Mehr über N.C. Wyeth finden Sie in unseren Ausstellungen Dem Leben begegnen: N.C. Wyeth und die MetLife-Wandbilder, Eine schöne Zeit: Amerikanische Kunst im Goldenen Zeitalter und Das Blut deines Herzens: Überschneidungen von Kunst und Literatur.
MITTE DES 20. JAHRHUNDERTS
Die amerikanische Kunst der Mitte des Jahrhunderts wird oft durch den Abstrakten Expressionismus definiert, aber wenn man die AbEx-Bewegung als reine Abstraktion betrachtet, wird die Bedeutung der Figuration außer Acht gelassen. In der Ausstellung ist ein Gemälde aus Willem de Koonings berühmter Frauenserie zu sehen. Die Figuration hat in seinem Werk immer eine wichtige Rolle gespielt, und mit dieser Serie gelang es de Kooning, die Grundsätze und Techniken des Abstrakten Expressionismus mit den psychologischen und ästhetischen Qualitäten der Figuration zu verschmelzen.
Selbst Künstler, die fast ausschließlich mit der reinen Abstraktion in Verbindung gebracht werden, wie Alexander Calder, haben die Figuration nie wirklich aufgegeben. Bitte genießen Sie unsere andere Ausstellung, Alexander Calder: Ein Universum der Malereium mehr zu erfahren.
Als jedoch der Abstrakte Expressionismus zur vorherrschenden Strömung wurde, begannen die Künstler, dessen Prämisse in Frage zu stellen und wandten sich der Figuration zu, um die Möglichkeiten von Farbe und Malerei zu verstehen und zu erweitern. Ein wichtiger Schauplatz war die figurative Kunstbewegung der Bay Area, zu deren Mitgliedern Paul Wonner und Manuel Neri zählten. Schon durch ihre Lage in San Francisco und der umliegenden Bay Area stellten sie die Dominanz von New York und der Abstraktion in Frage, abgesehen davon, dass San Francisco seine eigene einzigartige Schule der Abstraktion hatte. Wenn Sie mehr über diese Bewegung erfahren möchten, besuchen Sie bitte unsere Ausstellung, Moment to Moment: Figuration und die nordkalifornische Avantgarde.
POP ART
Die Ausstellung schließt mit der Provokation und Verführung der Pop Art. Wie der Abstrakte Expressionismus und die figurative Kunstbewegung der Bay Area explodierte auch die Pop Art nach dem Zweiten Weltkrieg. Im Gegensatz zu den Ängsten der Abstraktion oder dem Rückzug auf die Figuration feierte die Pop Art den Konsumismus der Nachkriegsjahre, machte ihn sich zu eigen und kritisierte ihn. Trotz des Glanzes und der Anziehungskraft der Kunst bot die Bewegung einen tieferen Einblick in die amerikanische Psyche - alles ist Oberfläche und Substanz.
Hinter dem Glamour von Warhols Kunst verbirgt sich die amerikanische Gesellschaft mit ihrem Konsum und ihren Wünschen und dem Zusammenspiel von Bild und Illusion.
Bei George Segal geht es um das Trauma des Zweiten Weltkriegs und des Holocausts. Seine Figuren stehen als Denkmäler für gewöhnliche Menschen und rufen die Emotionen des täglichen Lebens hervor. Die Heilung von unaussprechlichen Traumata beginnt mit dem menschlichen Körper. Sein Werk sollte andere Bildhauer und Installationskünstler beeinflussen.
Die Kunst von Keith Haring, die im Jahrzehnt der Gier und des Überflusses entstand, spricht stattdessen von Zugänglichkeit und Zugang zur Kunst für alle. Seine Straßenkunst rebellierte gegen den Status quo.
Weitere Künstler in dieser Abteilung sind James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann und Mel Ramos.
Andy Warhol, "Keith Haring", 1984, Silbergelatineabzug, 10 x 8 Zoll.
Tauchen Sie mit unserer Ausstellung tiefer in die Pop Art ein, Jeder braucht eine Fantasie: Pop Art in Amerika und Andy Warhol Polaroids: Wicked Wonders.
