Kein anderes Land: Ein Jahrhundert amerikanischer Landschaften
KUNSTWERK
"Niemand hat das Recht zu diktieren, was andere Menschen wahrnehmen, erschaffen oder produzieren sollen, aber alle sollten ermutigt werden, sich selbst, ihre Wahrnehmungen und Gefühle zu offenbaren und Vertrauen in den kreativen Geist aufzubauen." - Ansel Adams
ÜBER
Was stellen Sie sich vor, wenn Sie das Wort Landschaft hören? Heather James Fine Art präsentiert Kein anderes Land: Ein Jahrhundert amerikanischer Landschafteneine Ausstellung, die die amerikanische Landschaft als Genre aus verschiedenen Blickwinkeln wie Bewegungen, Theorien, Zeit und Ort beleuchtet. In der Hierarchie der Malerei - der in der Renaissance begonnenen Systematisierung der Kunst - nahm die Landschaft eine untergeordnete Position ein und übertraf nur Tiere und Stillleben (mehr über Stillleben erfahren Sie in unserer Ausstellung, Blumen für den Frühling, Spatenstich ing).
Für viele sind Landschaften einfache Gemälde der freien Natur, einfache Darstellungen, die die Natur realistisch wiedergeben sollen. Nichtsdestotrotz wurden Landschaften, insbesondere von Amerika, zu einem Objektiv, durch das wir seine komplexe geografische, kulturelle, soziale und politische Identität verstehen können.
Die Ausstellung beleuchtet fast 150 Jahre amerikanischer Landschaftsmalerei und zeigt bestimmte Themen und Ideen auf, die sich sowohl auf die natürliche Umgebung als auch auf die Künstler und eine sich ständig verändernde Nation beziehen. Indem sie Landschaften der Vereinigten Staaten malten, prägten die Künstler die kulturelle und visuelle Identität einer aufstrebenden Nation, die sich insbesondere mit den Folgen des Bürgerkriegs auseinandersetzte. Jedes Werk fordert uns auf, uns mit tiefen, existenziellen Fragen auseinanderzusetzen: Was ist Amerika? Für wen ist Amerika? Was bedeutet es, die Natur zu sehen?
Einer der wichtigsten Künstler, der die amerikanische Landschaft festgehalten hat, ist Ansel Adams. Indem wir Adams als zentralen Künstler heranziehen und verschiedene Künstler und Bewegungen mit Adams vergleichen, können wir sowohl seinen Einfluss als auch die verschiedenen Wege, auf denen Künstler Fragen zum Verständnis der Natur gestellt haben, besser verstehen.
"Die amerikanische Landschaft hat keinen Vordergrund und der amerikanische Geist keinen Hintergrund". - Edith Wharton
DIE REKONSTRUKTION EINER IDENTITÄT
Winslow Homer galt schon zu Lebzeiten als einer der größten Maler Amerikas. Der Kunstkritiker des Gilded Age, Frederic Morton, schrieb: "Fast alles, was Homer gemacht hat, hat etwas Schroffes, Strenges, ja Titanisches." Als die Vereinigten Staaten aus dem Bürgerkrieg hervorgingen, blickten die Öffentlichkeit und die Kunstwelt auf Homer und andere Künstler, um zu definieren und zu verarbeiten, was Amerika war. Homer wurde zu einem Prüfstein, als er Frauen in ihrer Freizeit und Kinder beim Spielen malte und dann die kühnen Seelandschaften Neuenglands. Die Kritiker um ihn herum lobten, dass er eine Kunst schuf, die nicht von europäischen Einflüssen geprägt war. Das stimmt zwar nicht ganz, aber Homer hat verschiedene Aspekte einer sich neu formierenden Nation eingefangen, und die Veränderungen in seinem Kunststil zeigen, wie die Nation sich selbst betrachtete.
Während Homer in den späten 1800er Jahren für seine maskulinen, strengen Neuengland-Landschaften bekannt war, malte er in den 1870er Jahren fast ausschließlich Frauen und Kinder. Er stellte das zeitgenössische Leben dar und entfernte sich gleichzeitig von Erzählungen, eine Abkehr von der akademischen Malerei, die den Schwerpunkt auf Historienbilder legte. Mit dieser Betonung des Alltäglichen erkundete er das Amerika der damaligen Zeit.
Die Werke in der Ausstellung zeigen nicht nur das tägliche Leben des Volkes, sondern auch Homers Beherrschung der verschiedenen Medien und seine Verwendung von Farbe und Komposition. Wir sehen den Reichtum und die Üppigkeit des Landes und den Rahmen für einen gemütlichen Zeitvertreib.
"Der Trick besteht also nicht darin, den Ort, den wir uns ausgesucht haben, für würdig zu halten, sondern sich um all die Orte zu kümmern, die man nie für schön oder wichtig oder tiefgründig gehalten hat. Denn jeder Ort, so stellt sich heraus, ist die Heimat von jemandem." - Robert Sullivan
EINE GEMEINSAME ZEIT
Das Gilded Age, das sich vom Ende des Bürgerkriegs bis etwa zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs erstreckte, prägte die moderne amerikanische Identität. Vor dem Hintergrund wirtschaftlicher Umwälzungen sorgten Raubritter und Industriekapitäne für ein nie dagewesenes Ausmaß an Reichtum, aber auch an Armut.
Während des Gilded Age erlebte die Kunst eine Blütezeit, die von den Neureichen unterstützt wurde und die seismischen Verschiebungen in der soziopolitischen Sphäre widerspiegelte. Die Künstler dieser Zeit versuchten, die Veränderungen in Amerika einzufangen und das Selbstverständnis des Landes zu festigen, das wuchs und eine zunehmend globale Rolle einnahm.
Das Wandgemälde in der Ausstellung hebt Frieseke als einen der führenden Vertreter der amerikanischen Impressionisten hervor. Frieseke, der für seine lichtdurchfluteten Gemälde berühmt ist, verwendet eine Kombination von Pinselstrichen, um Muster und Licht in diesem Werk hervorzuheben und die wachsende Mittelschicht der Nation visuell darzustellen. Wenn man tiefer in die Materie einsteigt, versteht man den Reichtum der Industriellen, die diese Werke in Auftrag gaben. Dieses Gemälde wurde vom Kaufhausmagnaten und Gründer der Professional Golfers Association Rodman Wanamaker als Teil eines Wandgemäldes für das Grand Deluxe Shelburn Hotel in Atlantic City in Auftrag gegeben.
N.C. Wyeth, der am Ende dieser Periode auftauchte, wurde zu einem der bekanntesten und beliebtesten Künstler. Wyeth schuf rund 3.000 Gemälde und illustrierte 112 Bücher; seine populäre Illustrationsreihe für den Verlag Charles Scribner's Sons wurde als Scribner's Classics bekannt und wird bis heute gedruckt, um unsere Fantasie zu beflügeln. Durch seine Gemälde und Illustrationen hat Wyeth das Selbstverständnis der USA mitgeprägt.
"Summer "Hush" (1909) ist ein ruhiges, kraftvolles Gemälde einer indianischen Figur, das zu einem Quartett von Werken gehört, die die vier Jahreszeiten darstellen. Wyeths Gemälde ist eine Fortsetzung der komplexen Beziehung zwischen den Vereinigten Staaten und den indianischen Stämmen sowie der Darstellung der amerikanischen Ureinwohner in der Kunst. Wyeths Gemälde ist Teil des Trends, der Ende des19. und zu Beginn des 20. Jahrhunderts von negativen Darstellungen zu einer Romantisierung der amerikanischen Ureinwohner führte. Bei der Besprechung der Vier-Jahreszeiten-Gemälde stellt Wyeth fest, dass er sich "so sehr für den 'primitiven Indianer' interessiert."
Wenn Sie mehr über diese Zeit und ihren Bezug zur Kunstgeschichte erfahren möchten, besuchen Sie unsere Ausstellung, Eine schöne Zeit: Amerikanische Kunst im Gilded Age.
"Meine Malerei ist das, was ich der Welt zurückgeben muss für das, was die Welt mir gibt." - Georgia O'Keeffe
O'KEEFFE UND ADAMS
Obwohl nicht so bekannt, verband Georgia O'Keeffe und Ansel Adams eine fruchtbare Freundschaft. Obwohl sie in unterschiedlichen Medien arbeiteten, haben O'Keeffe und Adams die moderne Kunst und die Landschaften verändert. Indem sie ähnliche Ausblicke oder Regionen betrachteten, individualisierten sie ihren Blick auf die amerikanische Landschaft und prägten so unser Verständnis von Amerika und der Moderne. Trotz dieser gemeinsamen Wertschätzung der Landschaft könnten ihre Persönlichkeiten und ihre Herangehensweise an das Kunstschaffen nicht unterschiedlicher sein.
Der amerikanische Südwesten ist in der Vorstellung des Landes ein Ort von majestätischer Schönheit und wilder Freiheit. Dies ist zum Teil auf die Kunst von Georgia O'Keeffe und Ansel Adams zurückzuführen, aber was hat sie in diese Region geführt? O'Keeffe kam nach Westen, um New York und Alfred Stieglitz zu entfliehen; Adams wollte Kalifornien verlassen, seinen Blickwinkel erweitern und Künstler der Ostküste wie O'Keeffe treffen. Auf eine merkwürdige Weise trafen hier die beiden Küsten Amerikas aufeinander.
Indem wir O'Keeffe und Adams im Kontext der amerikanischen Landschaft zusammenbringen, können wir ihre unterschiedlichen Herangehensweisen an die Komposition und die Herangehensweise an das Thema verstehen.
Besuchen Sie unsere Ausstellung, Georgia O'Keeffe und Ansel Adams: Moderne Kunst, moderne Freundschaftum einen tieferen Einblick in ihre Beziehung und deren Auswirkungen auf ihr Werk und die Kunstgeschichte zu erhalten.
"Oft fragen mich die Leute, was ich fotografiere, und das ist eine schwer zu beantwortende Frage. Und das Beste, was mir eingefallen ist, ist, dass ich einfach sage: Das Leben heute." - William Eggleston
ADAMS ODER EGGLESTON
Obwohl sie Titanen der amerikanischen Fotografie sind, wurden Ansel Adams und William Eggleston nicht oft gemeinsam ausgestellt, was wahrscheinlich daran liegt, dass sich viele eher auf ihre Unterschiede als auf ihre Gemeinsamkeiten konzentrieren. Die Ausstellung bringt die beiden zusammen, um zu zeigen, wie beide an die Fotografie und die amerikanische Landschaft herangegangen sind. Während Adams den Blick auf das Majestätische und Natürliche richtete, konzentrierte sich Eggleston auf das Alltägliche und Städtische. Während Adams die Schwarz-Weiß-Fotografie zu neuen Höhen führte, veränderte Eggleston unsere Sicht auf die Farbfotografie von der Amateur-Familienfotografie zu einem angesehenen Medium. Adams war der Meinung, dass es zu viele Konflikte zwischen der Art und Weise, wie der Film Farbe einfing, und der Art und Weise, wie Menschen Farbe wahrnahmen oder auf Farbe reagierten, gab.
Adams scherzte sogar unfreundlich: "Ich finde wenig Substanz. Für mich scheinen [Egglestons Fotografien] Beobachtungen zu sein, die auf einem Meer seines Bewusstseins schwimmen. Für mich sind die meisten ein leeres Blatt. Der Kunstkritiker Adrian Searle weist auf den entscheidenden Unterschied hin: "Man schaut in Adams' Fotografien hinein. You look at Eggleston's." Adams präsentiert Fotografien nicht als flache Oberfläche, sondern als ein Fenster, durch das man eine Landschaft betrachtet. Eggleston zeigt Szenen, über die man rätseln und die man auspacken kann.
Dennoch, wenn wir die beiden Künstler zusammenbringen, sehen wir ein größeres Bild von Amerika, seinen Widersprüchen, seinen Träumen, seinen Idealen und seinen Fehlern. Wir sehen zwei Künstler, die das Potenzial der Fotografie voll ausschöpfen und die Technik so weit wie möglich ausreizen.
N.C. Wyeth, der am Ende dieser Periode auftauchte, wurde zu einem der bekanntesten und beliebtesten Künstler. Wyeth schuf rund 3.000 Gemälde und illustrierte 112 Bücher; seine populäre Illustrationsreihe für den Verlag Charles Scribner's Sons wurde als Scribner's Classics bekannt und wird bis heute gedruckt, um unsere Fantasie zu beflügeln. Durch seine Gemälde und Illustrationen hat Wyeth das Selbstverständnis der USA mitgeprägt.
"Summer "Hush" (1909) ist ein ruhiges, kraftvolles Gemälde einer indianischen Figur, das zu einem Quartett von Werken gehört, die die vier Jahreszeiten darstellen. Wyeths Gemälde ist eine Fortsetzung der komplexen Beziehung zwischen den Vereinigten Staaten und den indianischen Stämmen sowie der Darstellung der amerikanischen Ureinwohner in der Kunst. Wyeths Gemälde ist Teil des Trends, der Ende des19. und zu Beginn des 20. Jahrhunderts von negativen Darstellungen zu einer Romantisierung der amerikanischen Ureinwohner führte. Bei der Besprechung der Vier-Jahreszeiten-Gemälde stellt Wyeth fest, dass er sich "so sehr für den 'primitiven Indianer' interessiert."
Wenn Sie mehr über diese Zeit und ihren Bezug zur Kunstgeschichte erfahren möchten, besuchen Sie unsere Ausstellung, Eine schöne Zeit: Amerikanische Kunst im Gilded Age.
"Im goldenen Land sieht die Zukunft immer gut aus, denn niemand erinnert sich an die Vergangenheit." - Joan Didion
KALIFORNISCHE TRÄUME
Während sich der ursprünglich in Paris entstandene Impressionismus auf das moderne, städtische Leben konzentrierte, drehte sich der Impressionismus, der in Kalifornien Wurzeln schlug, um die großartige Landschaft. Nur Kalifornien konnte einen Stil des Impressionismus hervorbringen, der sich so spektakulär auf seine einzigartige Umgebung konzentrierte. Das visuelle Vokabular der Alten Welt musste sich an eine neue Umgebung anpassen. Mit seiner dramatischen Küste, seinen majestätischen Bergen, dichten Wäldern, tiefen Canyons und allem, was dazwischen liegt, bot Kalifornien den Künstlern eine unerschöpfliche Quelle der Inspiration. Aber es war nicht nur die Landschaft, die der Bewegung ihre einzigartige Qualität verlieh. Die Künstler arbeiteten in engen Kunstgruppen wie dem California Art Club, zu dessen Gründungsmitgliedern William Wendt und Edgar Payne zählten, und der Laguna Beach Art Association, dem heutigen Laguna Art Museum. Einen detaillierten Einblick erhalten Sie in unserer Ausstellung California Here We Come: Die kalifornischen Impressionisten.
Die kalifornischen Impressionisten waren nicht die einzigen Erneuerer. In Nordkalifornien lebte eine Generation von Künstlern, die die vorherrschende und allgegenwärtige Abstraktion und den abstrakten Expressionismus der amerikanischen Nachkriegszeit in Frage stellten. Die figurativen Künstler der Bay Area entdeckten die psychologische und ästhetische Tiefe der Figuration, rückten die Figur und die Darstellung wieder in den Mittelpunkt und stellten die Abstraktion als Vorreiter der Avantgardekunst in Frage. Diese Künstler nahmen das Thema und die Darstellung nicht nur als Rebellion gegen die Abstraktion, sondern auch auf der Suche nach einer tieferen künstlerischen Erfüllung wieder auf.
Zwei der bekanntesten Künstler, die Kalifornien in Bildern festgehalten haben, sind Ansel Adams und Wayne Thiebaud. Nur wenige Künstler sind so eng mit dem Yosemite verbunden wie Adams. Thiebaud ließ sich von San Francisco und dem Sacramento-Delta zu Gemälden mit intensiven Farben und Formen inspirieren, in denen es ebenso sehr um Landschaften wie um den Malprozess selbst ging.
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