No Other Land : Un siècle de paysages américains
ŒUVRE D'ART
"Aucun homme n'a le droit de dicter aux autres ce qu'ils doivent percevoir, créer ou produire, mais tous doivent être encouragés à se révéler, à dévoiler leurs perceptions et leurs émotions, et à renforcer la confiance dans l'esprit créatif." - Ansel Adams
ENVIRON
Quelle image vous vient à l'esprit lorsque vous entendez le mot "paysage" ? Heather James Fine Art présente No Other Land : Un siècle de paysages américainsL'exposition "No Other Land : A Century of American Landscapes" (Pas d'autre terre : un siècle de paysages américains) explore le paysage américain en tant que genre sous différents angles, notamment les mouvements, les théories, l'époque et le lieu. Dans la hiérarchie de la peinture - la systématisation de l'art commencée à la Renaissance - le paysage occupait une position inférieure, devançant les animaux et les natures mortes (pour en savoir plus sur les natures mortes, voir notre exposition, Des fleurs pour le printemps, Groundbreaking).
Pour beaucoup, les paysages sont de simples peintures de l'extérieur, des représentations qui devraient refléter la nature de manière réaliste. Néanmoins, les paysages, en particulier ceux de l'Amérique, sont devenus une lentille à travers laquelle nous pouvons comprendre son identité géographique, culturelle, sociale et politique complexe.
Cette exposition se penche sur près de 150 ans de paysages américains, révélant certains thèmes et idées qui s'adressent aussi bien à un environnement naturel qu'aux artistes et à une nation en constante évolution. En peignant des paysages des États-Unis, les artistes ont façonné l'identité culturelle et visuelle d'une nation naissante, en particulier lorsqu'elle était aux prises avec les conséquences d'une guerre civile. Chaque œuvre nous invite à aborder des questions profondes et existentielles : Qu'est-ce que l'Amérique ? Pour qui est l'Amérique ? Que signifie voir la nature ?
Ansel Adams est l'un des artistes les plus importants à avoir capturé le paysage américain. En utilisant Adams comme artiste central et en comparant différents artistes et mouvements à Adams, nous sommes en mesure de mieux comprendre à la fois son impact et les différentes façons dont les artistes ont proposé des questions dans un effort pour comprendre la nature.
"Le paysage américain n'a pas de premier plan et l'esprit américain n'a pas d'arrière-plan. - Edith Wharton
RECONSTRUIRE UNE IDENTITÉ
Winslow Homer est considéré, même de son vivant, comme l'un des plus grands peintres américains. Frederic Morton, critique d'art de l'âge d'or, a écrit : "Il y a quelque chose de rude, d'austère, voire de titanesque dans presque tout ce qu'Homer a fait". Alors que les États-Unis sortaient de la guerre de Sécession, le public et le monde de l'art se tournaient vers Homer et d'autres artistes pour définir et travailler sur ce qu'était l'Amérique. Homer est devenu une pierre de touche en peignant des femmes dans leurs loisirs et des enfants en train de jouer, puis des paysages marins effrontés de la Nouvelle-Angleterre. Autour de lui, les critiques se félicitaient qu'il ait créé un art éloigné des influences européennes. Même si ce n'est pas tout à fait vrai, Homer a su saisir les différents aspects d'une nation en pleine reconstruction et les changements dans son style artistique témoignent de la façon dont la nation s'est perçue.
Réputé pour ses paysages masculins et austères de la Nouvelle-Angleterre à la fin des années 1800, Homer peint presque exclusivement des femmes et des enfants dans les années 1870. Il dépeint la vie contemporaine tout en s'éloignant des récits, un changement par rapport aux peintures académiques qui mettaient l'accent sur les peintures d'histoire. L'accent mis sur le quotidien permet d'explorer l'Amérique telle qu'elle était à cette époque.
Les œuvres de l'exposition montrent non seulement la vie quotidienne de la nation, mais aussi la maîtrise d'Homère de différents supports et son utilisation de la couleur et de la composition. Nous voyons la richesse et la générosité de la terre, ainsi qu'un cadre propice aux loisirs.
"L'astuce ne consiste donc pas à décider que l'endroit que nous avons choisi est digne de nous, mais à se préoccuper de tous les endroits que vous n'avez jamais considérés comme beaux, importants ou profonds. Parce qu'il s'avère que chaque endroit est la terre d'origine de quelqu'un." - Robert Sullivan
UN TEMPS GUIDÉ
S'étendant de la fin de la guerre de Sécession à celle de la Première Guerre mondiale, l'âge doré a défini l'identité américaine moderne. Dans un contexte de bouleversements économiques, les barons voleurs et les capitaines d'industrie ont propulsé des niveaux de richesse et de pauvreté sans précédent.
Au cours de l'âge doré, l'art a prospéré, soutenu par les nouveaux riches et reflétant les changements sismiques dans les sphères sociopolitiques. Les artistes de cette époque ont cherché à saisir les changements survenus en Amérique, consolidant l'idée que le pays se faisait de lui-même à mesure qu'il se développait et jouait un rôle de plus en plus important à l'échelle mondiale.
La peinture murale de l'exposition présente Frieseke comme l'un des chefs de file des impressionnistes américains. Célébré pour ses peintures aux tons clairs, Frieseke utilise une combinaison de coups de pinceau pour créer des distinctions de motifs et de lumière dans cette œuvre, tout en dépeignant visuellement la classe moyenne grandissante du pays. En creusant un peu, nous commençons à comprendre la richesse des industriels qui commandaient ces œuvres. Cette peinture a été commandée par le magnat des grands magasins et fondateur de l'Association des golfeurs professionnels Rodman Wanamaker dans le cadre d'une peinture murale pour l'hôtel Grand Deluxe Shelburn à Atlantic City.
Apparu à la fin de cette période, N.C. Wyeth est devenu l'un des artistes les plus célèbres et les plus appréciés. Wyeth a réalisé environ 3 000 peintures et illustré 112 livres ; sa populaire série d'illustrations pour la maison d'édition Charles Scribner's Sons est connue sous le nom de Scribner's Classics et reste imprimée jusqu'à aujourd'hui, remplissant notre imagination. Grâce à ses peintures et à ses illustrations, Wyeth a contribué à façonner l'image que les États-Unis ont d'eux-mêmes.
"Summer "Hush" (1909) est une peinture d'une puissance tranquille représentant une figure amérindienne, qui fait partie d'un quatuor d'œuvres représentant les quatre saisons. Le tableau de Wyeth s'inscrit dans la continuité des relations complexes entre les États-Unis et les tribus amérindiennes, ainsi que de la représentation des Amérindiens dans l'art. Le tableau de Wyeth s'inscrit dans la tendance qui, à la fin duXIXe siècle et au début du XXe siècle, est passée d'une représentation négative à une représentation romantique des Amérindiens. En parlant des peintures des quatre saisons, Wyeth note qu'il est "tellement intéressé par l'"Indien primitif"".
Pour en savoir plus sur cette période et sa relation avec l'histoire de l'art, visitez notre exposition, Une belle époque : l'art américain à l'âge doré.
"Ma peinture est ce que j'ai à rendre au monde pour ce que le monde me donne. - Georgia O'Keeffe
O'KEEFFE ET ADAMS
Bien que moins connus, Georgia O'Keeffe et Ansel Adams ont entretenu une amitié fructueuse. Tout en travaillant sur des supports différents, O'Keeffe et Adams ont transformé l'art et les paysages modernes. En observant des panoramas ou des régions similaires, ils ont individualisé leur vision du paysage américain, façonnant ainsi notre compréhension de l'Amérique et du modernisme. Malgré cette appréciation commune du paysage, leurs personnalités et leur approche de l'art ne pourraient être plus différentes.
Le Sud-Ouest américain occupe une place importante dans l'imaginaire du pays, un lieu d'une beauté majestueuse et d'une liberté sauvage. Cela est dû en partie à l'art de Georgia O'Keeffe et d'Ansel Adams, mais qu'est-ce qui les a amenés dans cette région ? O'Keeffe est venue dans l'Ouest pour fuir New York et Alfred Stieglitz ; Adams, pour sortir de la Californie, élargir son champ d'action et rencontrer des artistes de la côte Est comme O'Keeffe. D'une certaine manière, ce sont les deux côtes de l'Amérique qui se sont rencontrées.
En rapprochant O'Keeffe et Adams dans le contexte du paysage américain, nous pouvons comprendre leurs approches différentes de la composition et de la manière dont ils abordent le sujet.
Visitez notre exposition, Georgia O'Keeffe et Ansel Adams : Art moderne, amitié modernepour un examen plus approfondi de leur relation et de ses effets sur leur travail et sur l'histoire de l'art.
"Les gens me demandent souvent ce que je photographie, ce qui est une question à laquelle il est difficile de répondre. La meilleure réponse que j'ai trouvée, c'est de dire : "La vie aujourd'hui" : La vie aujourd'hui." - William Eggleston
ADAMS OU EGGLESTON
Bien qu'ils soient des titans de la photographie en Amérique, Ansel Adams et William Eggleston n'ont pas souvent été exposés ensemble, probablement parce que beaucoup se concentrent sur leurs différences plutôt que sur leurs similitudes. En les réunissant, l'exposition cherche à mettre en lumière la manière dont chacun d'eux a abordé la photographie et le paysage américain. Alors qu'Adams s'intéressait au majestueux et au naturel, Eggleston s'est concentré sur le quotidien et l'urbain. Alors qu'Adams a porté la photographie en noir et blanc à de nouveaux sommets, Eggleston a bouleversé notre vision de la photographie en couleur, la faisant passer du statut de photo de famille amateur à celui de médium respecté. Adams pensait qu'il y avait trop de conflits entre la façon dont le film capturait la couleur et la façon dont les gens percevaient la couleur ou réagissaient à la couleur.
Adams a même ironisé de manière peu généreuse : "Je trouve qu'il y a peu de substance. Pour moi, [les photographies d'Eggleston] semblent être des observations, flottant sur la mer de sa conscience. Pour moi, la plupart sont vides". Le critique d'art Adrian Searle souligne la différence essentielle : "Vous regardez les photographies d'Adams. Vous regardez celles d'Eggleston". Adams présente les photographies non pas comme une surface plane, mais comme une fenêtre à travers laquelle on peut observer un paysage. Eggleston présente des scènes à décrypter et à décortiquer.
Néanmoins, en réunissant ces deux artistes, nous voyons une image plus large de l'Amérique, de ses contradictions, de ses rêves, de ses idéaux et de ses défauts. Nous voyons deux artistes qui exploitent la photographie pour tout ce qu'elle peut faire, en poussant la technique aussi loin que possible.
Apparu à la fin de cette période, N.C. Wyeth est devenu l'un des artistes les plus célèbres et les plus appréciés. Wyeth a réalisé environ 3 000 peintures et illustré 112 livres ; sa populaire série d'illustrations pour la maison d'édition Charles Scribner's Sons est connue sous le nom de Scribner's Classics et reste imprimée jusqu'à aujourd'hui, remplissant notre imagination. Grâce à ses peintures et à ses illustrations, Wyeth a contribué à façonner l'image que les États-Unis ont d'eux-mêmes.
"Summer "Hush" (1909) est une peinture d'une puissance tranquille représentant une figure amérindienne, qui fait partie d'un quatuor d'œuvres représentant les quatre saisons. Le tableau de Wyeth s'inscrit dans la continuité des relations complexes entre les États-Unis et les tribus amérindiennes, ainsi que de la représentation des Amérindiens dans l'art. Le tableau de Wyeth s'inscrit dans la tendance qui, à la fin duXIXe siècle et au début du XXe siècle, est passée d'une représentation négative à une représentation romantique des Amérindiens. En parlant des peintures des quatre saisons, Wyeth note qu'il est "tellement intéressé par l'"Indien primitif"".
Pour en savoir plus sur cette période et sa relation avec l'histoire de l'art, visitez notre exposition, Une belle époque : l'art américain à l'âge doré.
"L'avenir est toujours beau dans le pays d'or, parce que personne ne se souvient du passé. - Joan Didion
LE RÊVE CALIFORNIEN
Alors que l'impressionnisme né à Paris se concentrait sur la vie moderne et urbaine, l'impressionnisme qui a pris racine en Californie s'articulait autour de ses formidables paysages. Seule la Californie pouvait nourrir un style impressionniste qui se concentrait de manière aussi spectaculaire sur son environnement unique. Le vocabulaire visuel de l'ancien monde devait s'adapter à un nouveau cadre. Avec son littoral spectaculaire, ses montagnes majestueuses, ses forêts denses, ses canyons profonds et tout ce qui se trouve entre les deux, la Californie pouvait offrir aux artistes une source d'inspiration inépuisable. Mais ce n'est pas seulement le paysage qui confère au mouvement sa qualité unique. Les artistes travaillaient au sein de groupes artistiques très unis, notamment le California Art Club, dont les premiers membres étaient William Wendt et Edgar Payne, et la Laguna Beach Art Association, qui est aujourd'hui le Laguna Art Museum. Découvrez-le en détail dans notre exposition La Californie nous attend : les impressionnistes californiens.
Les impressionnistes californiens n'étaient pas les seuls à innover. La Californie du Nord a accueilli une génération d'artistes qui ont remis en question l'abstraction et l'expressionnisme abstrait prédominants et omniprésents dans l'Amérique de l'après-guerre. Les artistes figuratifs de la Bay Area ont trouvé des profondeurs psychologiques et esthétiques dans la figuration, ramenant l'attention sur les figures et la représentation, remettant en question l'abstraction en tant que chef de file de l'art d'avant-garde. Ces artistes ont réincorporé le sujet et la représentation non seulement en rébellion contre l'abstraction, mais aussi à la recherche d'un épanouissement artistique plus profond.
Mais Ansel Adams et Wayne Thiebaud sont peut-être les deux artistes les plus importants à avoir capturé la Californie. Peu d'artistes sont aussi étroitement liés au Yosemite qu'Adams. Pour Thiebaud, San Francisco et le delta du Sacramento ont été une source d'inspiration fertile pour créer des peintures aux couleurs et aux formes intenses, qui portaient autant sur les paysages que sur le processus de peinture lui-même.
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