No Other Land: Un siglo de paisajes americanos
OBRA DE ARTE
"Ningún hombre tiene derecho a dictar lo que otros hombres deben percibir, crear o producir, pero todos deben ser animados a revelarse a sí mismos, sus percepciones y emociones, y a crear confianza en el espíritu creativo". - Ansel Adams
ACERCA DE
¿Qué imagina cuando oye la palabra paisaje? Heather James Fine Art presenta No Other Land: Un siglo de paisajes americanosque explora el paisaje americano como género desde diferentes perspectivas, incluyendo movimientos, teorías, tiempo y lugar. En la jerarquía de la pintura -la sistematización del arte iniciada durante el Renacimiento- el paisaje ocupaba una posición inferior, superando sólo a los animales y las naturalezas muertas (aprenda más sobre naturalezas muertas en nuestra exposición, Flores para la primavera, Eng).
Para muchos, los paisajes son simples pinturas al aire libre, representaciones que deberían reflejar la naturaleza de forma realista. Sin embargo, los paisajes, sobre todo de Estados Unidos, se convirtieron en una lente a través de la cual podemos entender su compleja identidad geográfica, cultural, social y política.
Esta exposición examina casi 150 años de paisajes estadounidenses, revelando ciertos temas e ideas que hablan tanto de un entorno natural como de los artistas y de una nación en constante cambio. Al pintar paisajes de Estados Unidos, los artistas dieron forma a la identidad cultural y visual de una nación floreciente, sobre todo cuando se enfrentaba a las secuelas de una guerra civil. Cada obra nos plantea preguntas profundas y existenciales: ¿Qué es América? ¿Para quién es América? ¿Qué significa ver la naturaleza?
Uno de los artistas más importantes que han plasmado el paisaje estadounidense es Ansel Adams. Utilizando a Adams como artista central y comparando diferentes artistas y movimientos con Adams podemos comprender mejor tanto su impacto como las diversas formas en que los artistas han propuesto preguntas en un esfuerzo por comprender la naturaleza.
"El paisaje americano no tiene primer plano y la mente americana no tiene fondo". - Edith Wharton
RECONSTRUIR UNA IDENTIDAD
Winslow Homer está considerado, incluso en vida, uno de los mejores pintores de Estados Unidos. El crítico de arte de la Gilded Age Frederic Morton escribió: "Hay algo rudo, austero, incluso titánico en casi todo lo que ha hecho Homer". Cuando Estados Unidos salió de la Guerra Civil, el público y el mundo del arte se fijaron en Homer y en otros artistas para definir y elaborar lo que era América. Homer se convirtió en una piedra de toque al pintar mujeres en su tiempo libre y niños jugando, y después los impetuosos paisajes marinos de Nueva Inglaterra. A su alrededor, los críticos alababan que creara un arte alejado de las influencias europeas. Aunque no es estrictamente cierto, Homer captó diferentes aspectos de una nación que se estaba reconstruyendo a sí misma, y los cambios en su estilo artístico reflejan la forma en que la nación se veía a sí misma.
Aunque era conocido por sus paisajes masculinos y austeros de Nueva Inglaterra de finales del siglo XIX, en la década de 1870 Homer pintó casi exclusivamente mujeres y niños. Representaba la vida contemporánea al tiempo que se alejaba de las narraciones, un cambio con respecto a la pintura académica, que hacía hincapié en los cuadros de historia. Este énfasis en lo cotidiano exploraba América tal y como era en aquella época.
Las obras de la exposición muestran no sólo la vida cotidiana de la nación, sino también el dominio de Homer de los distintos medios y su uso del color y la composición. Vemos la riqueza y generosidad de la tierra y como escenario para el ocio.
"El truco, entonces, no es decidir que el lugar que hemos elegido es digno de nosotros, sino preocuparnos por todos los lugares que nunca pensaste que fueran hermosos o importantes o profundos. Porque resulta que todos los lugares son el hogar de alguien". - Robert Sullivan
UN TIEMPO COMPARTIDO
Desde el final de la Guerra de Secesión hasta aproximadamente el estallido de la Primera Guerra Mundial, la Edad Dorada definió la identidad estadounidense moderna. En un contexto económico convulso, los barones del robo y los capitanes de la industria impulsaron niveles de riqueza y pobreza sin precedentes.
Durante la Edad Dorada, el arte floreció, impulsado por los nuevos ricos y reflejando los cambios sísmicos en las esferas sociopolíticas. Los artistas de la época intentaron captar los cambios que se producían en Estados Unidos, consolidando la idea que el país tenía de sí mismo a medida que crecía y asumía un papel cada vez más global.
El mural de la exposición destaca a Frieseke como uno de los líderes de los impresionistas estadounidenses. Famoso por sus pinturas de tonos claros, Frieseke utiliza una combinación de pinceladas para crear distinciones de dibujo y luz en esta obra, a la vez que representa visualmente la creciente clase media del país. Si profundizamos un poco más, empezamos a comprender la riqueza de los industriales que encargaban estas obras. Este cuadro fue encargado por el magnate de los grandes almacenes y fundador de la Asociación de Golfistas Profesionales Rodman Wanamaker como parte de un mural para el hotel Grand Deluxe Shelburn de Atlantic City.
Al final del periodo, N.C. Wyeth se convirtió en uno de los artistas más célebres y queridos. Wyeth pintó alrededor de 3.000 cuadros e ilustró 112 libros; sus populares series ilustradas para la editorial Charles Scribner's Sons llegaron a conocerse como Scribner's Classics y siguen imprimiéndose hasta hoy llenando nuestra imaginación. A través de sus pinturas e ilustraciones, Wyeth contribuyó a dar forma al concepto que Estados Unidos tiene de sí mismo.
"Summer "Hush" " (1909) es un cuadro de una figura nativa americana de gran fuerza silenciosa, que pertenece a un cuarteto de obras que representan las cuatro estaciones. El cuadro de Wyeth es una continuación de la compleja relación entre Estados Unidos y las tribus nativas americanas, así como de la representación de los nativos americanos en el arte. El cuadro de Wyeth forma parte de la tendencia que pasó de las representaciones negativas a la romantización de los nativos americanos a finales del sigloXIX y principios del XX. Al hablar de los cuadros de las cuatro estaciones, Wyeth señala que está "muy interesado en el 'indio primitivo'".
Para saber más sobre esta época y su relación con la historia del arte, visite nuestra exposición Una época maravillosa: el arte americano en la Edad Dorada.
"Mi pintura es lo que tengo que devolver al mundo por lo que el mundo me da a mí". - Georgia O'Keeffe
O'KEEFFE Y ADAMS
Aunque no son tan conocidos, Georgia O'K eeffe y Ansel Adams mantuvieron una fructífera amistad. Aunque trabajaban en distintos medios, O' Keeffe y Adams transformaron el arte y los paisajes modernos. Observando paisajes o regiones similares, individualizaron su visión del paisaje americano, dando forma a nuestra comprensión de América y del Modernismo. A pesar de esta apreciación común del paisaje, sus personalidades y su forma de hacer arte no podían ser más distintas.
El Suroeste de Estados Unidos ocupa un lugar preponderante en la imaginación del país, un lugar de majestuosa belleza y salvaje libertad. Esto se debe en parte al arte de Georgia O'K eeffe y Ansel Adams, pero ¿qué les llevó a esta región? O 'K eeffe vino al oeste huyendo de Nueva York y de Alfred Stieglitz; Adams, para salir de California, ampliar sus miras y conocer a artistas de la costa este como O'Keeffe. En cierto modo, eran las dos costas de Estados Unidos unidas.
Al reunir a O'Keeffe y Adams en el contexto del paisaje estadounidense, podemos comprender sus diferentes enfoques de la composición y de la forma de abordar el tema.
Visite nuestra exposición, Georgia O'Keeffe y Ansel Adams: Arte moderno, amistad modernapara conocer más a fondo su relación y el efecto que tuvo en su obra y en la historia del arte.
"A menudo la gente me pregunta qué estoy fotografiando, lo cual es una pregunta difícil de responder. Y lo mejor que se me ha ocurrido es decir: La vida actual". - William Eggleston
ADAMS O EGGLESTON
A pesar de ser titanes de la fotografía en Estados Unidos, Ansel Adams y William Eggleston no se han expuesto juntos a menudo, muy probablemente porque muchos se centran en sus diferencias más que en sus similitudes. Al reunir a ambos, la exposición pretende destacar la forma en que cada uno de ellos abordó la fotografía y el paisaje estadounidense. Mientras Adams se fijaba en lo majestuoso y natural, Eggleston se centraba en lo cotidiano y urbano. Mientras que Adams elevó la fotografía en blanco y negro a nuevas cotas, Eggleston transformó nuestra visión de la fotografía en color, que pasó de ser una fotografía familiar amateur a convertirse en un medio respetado. Adams pensaba que había demasiado conflicto entre la forma en que la película captaba el color y la forma en que la gente lo percibía o reaccionaba ante él.
Adams incluso bromeó con poca generosidad: "Encuentro poca sustancia. Para mí, [las fotografías de Eggleston] parecen observaciones, flotando en un mar de su conciencia. Para mí, la mayoría se quedan en blanco". El crítico de arte Adrian Searle señala la diferencia clave: "Miras las fotografías de Adams. Miras las de Eggleston". Adams presenta las fotografías no como una superficie plana, sino como una ventana a través de la cual observar un paisaje. Eggleston presenta escenas que hay que descifrar y desentrañar.
Sin embargo, al reunir a los dos artistas, vemos una imagen más amplia de Estados Unidos, sus contradicciones, sus sueños, sus ideales y sus defectos. Vemos a dos artistas que extraen de la fotografía todo lo que puede dar de sí, llevando la técnica lo más lejos posible.
Al final del periodo, N.C. Wyeth se convirtió en uno de los artistas más célebres y queridos. Wyeth pintó alrededor de 3.000 cuadros e ilustró 112 libros; sus populares series ilustradas para la editorial Charles Scribner's Sons llegaron a conocerse como Scribner's Classics y siguen imprimiéndose hasta hoy llenando nuestra imaginación. A través de sus pinturas e ilustraciones, Wyeth contribuyó a dar forma al concepto que Estados Unidos tiene de sí mismo.
"Summer "Hush" " (1909) es un cuadro de una figura nativa americana de gran fuerza silenciosa, que pertenece a un cuarteto de obras que representan las cuatro estaciones. El cuadro de Wyeth es una continuación de la compleja relación entre Estados Unidos y las tribus nativas americanas, así como de la representación de los nativos americanos en el arte. El cuadro de Wyeth forma parte de la tendencia que pasó de las representaciones negativas a la romantización de los nativos americanos a finales del sigloXIX y principios del XX. Al hablar de los cuadros de las cuatro estaciones, Wyeth señala que está "muy interesado en el 'indio primitivo'".
Para saber más sobre esta época y su relación con la historia del arte, visite nuestra exposición Una época maravillosa: el arte americano en la Edad Dorada.
"El futuro siempre se ve bien en la tierra dorada, porque nadie recuerda el pasado". - Joan Didion
SOÑAR EN CALIFORNIA
Mientras que el Impresionismo que surgió originalmente en París se centraba en la vida moderna y urbana, el Impresionismo que arraigó en California giraba en torno a su tremendo paisaje. Sólo California podía alimentar un estilo de impresionismo que se centrara de forma tan espectacular en su entorno único. El vocabulario visual del Viejo Mundo tendría que adaptarse a un nuevo entorno. Con su dramática costa, sus majestuosas montañas, sus densos bosques, sus profundos cañones y todo lo demás, California podía proporcionar a los artistas una fuente inagotable de inspiración. Pero no era sólo el paisaje lo que confería al movimiento su calidad única. Los artistas trabajaban en grupos artísticos muy unidos, como el California Art Club, entre cuyos miembros originales se encontraban William Wendt y Edgar Payne, y la Laguna Beach Art Association, actual Museo de Arte de Laguna. Eche un vistazo en profundidad a nuestra exposición California Here We Come: Los Impresionistas de California.
Los impresionistas californianos no fueron los únicos innovadores. El norte de California albergaría a una generación de artistas que desafiaron la abstracción y el expresionismo abstracto predominantes y omnipresentes en la América de posguerra. Los artistas figurativos del Área de la Bahía encontraron profundidades psicológicas y estéticas a través de la figuración, devolviendo el foco de atención a las figuras y la representación, desafiando a la abstracción como vanguardia del arte de vanguardia. Estos artistas reincorporaron el sujeto y la representación no sólo en rebeldía contra la abstracción, sino en busca de una realización artística más profunda.
Pero quizá dos de los artistas más destacados que retrataron California fueron Ansel Adams y Wayne Thiebaud. Pocos artistas están tan relacionados con Yosemite como Adams. A Thiebaud, San Francisco y el delta del Sacramento le sirvieron de fértil inspiración para crear cuadros de intensos colores y formas que trataban tanto de paisajes como del propio proceso de pintar.
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