棕榈沙漠

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我们在棕榈沙漠的画廊位于加利福尼亚州棕榈泉地区，毗邻埃尔帕塞奥的热门购物和用餐区。我们的客户欣赏我们选择的战后、现代和当代艺术。冬季的灿烂天气吸引着来自世界各地的游客参观我们美丽的沙漠，并参观我们的画廊。外面的多山沙漠景观为等待里面的视觉盛宴提供了完美的风景背景。

45188波托拉大道
棕榈沙漠， CA 92260
(760) 346-8926

时间：
周一至周五9-5

展览

春天的花，破土而出

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2023年5月8日-11月30日

第一个圆。艺术中的圆圈

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2月14日-2023年8月31日

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2023年1月26日至7月31日

你的心血。艺术与文学的交汇点

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2022年9月12日 - 2023年9月30日

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2022年8月17日 - 2023年8月31日

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2022年8月10日 - 2023年8月31日

剪纸。独特的纸上作品

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2022年4月27日 - 2023年10月31日

安迪-沃霍尔的宝丽来照片。邪恶的奇迹

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2021年12月13日-2023年9月30日

安迪-沃霍尔：边缘的魅力

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2021年10月27日 - 2023年9月30日

加州，我们来了：加州印象派画家

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2021年7月12日-2023年9月30日

美丽的时代：镀金时代的美国艺术

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2021年6月24日 - 2023年8月31日

这在80年代是可以接受的

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2021年4月27日 - 2023年8月31日

模式与装饰。女权主义与友谊

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2020年9月14日 - 2023年9月30日

杰康公园：生命与根

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2020年3月12日 - 2023年9月30日

欧文·诺曼：暗物质

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2019年11月27日 - 2023年9月30日

遇见生活。N.C. Wyeth和大都会人寿的壁画

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2022年7月18日 - 2023年4月25日

N.C. Wyeth:绘画的十年

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2022年9月29日 - 2023年3月31日

保罗·詹金斯：着色现象

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2019年12月27日 - 2023年3月31日

赫伯-阿尔伯特：低声的对话

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2023年3月7日至3月13日

乔治亚-奥基夫和马斯登-哈特利。现代心态

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2022年2月1日 - 2023年2月28日

感官的雕塑。户外雕塑

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2021年8月4日-2023年2月28日

诺曼·扎米特：色彩的前进

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2020年3月19日 - 2023年2月28日

美洲的具象艺术大师

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2023年1月4日至2月12日

每个人都需要一个幻想。美国的波普艺术

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2021年6月7日-2023年1月31日

詹姆斯-罗森奎斯特：有潜力的流行音乐

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2021年6月7日-2023年1月31日

抽象表现主义。超越激进主义

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2022年1月12日 - 2023年1月31日

一个闪亮的假期。每个人的艺术

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2022年12月15日 - 2023年1月7日

艺术的礼物

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2022年11月24日 - 2023年1月7日

我自己的皮肤。弗里达-卡洛和迭戈-里维拉

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2022年6月16日至12月31日

黑色抽象。Felandus Thames, Rodney McMillian, Sam Gilliam, 和Theaster Gates

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2020年5月-2022年12月

约瑟夫-阿尔贝斯。绘画的核心

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2022年5月12日-11月30日

抽象表现主义。顽强的女性

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2021年11月1日 - 2022年8月31日

微妙的富丽堂皇

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2021年9月8日 - 2022年8月31日

亚历山大-考尔德。描绘宇宙

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2022年3月2日至8月12日

一个看不见的国家。美国亚裔艺术家与抽象主义

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2020年4月23日-2022年6月30日

其余的如此美丽。当代艺术与中国

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2020年5月12日-2022年6月30日

奔驰的物质。神奇的品质

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2021年3月22日 - 2022年6月30日

摩尔！摩尔！摩尔！亨利-摩尔与雕塑

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2021年3月3日 - 2022年4月30日

静物，静物，静物

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2020年4月10日 - 2022年4月30日

伊莱恩和威廉-德库宁。光中的绘画

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2021年8月3日 - 2022年1月31日

安迪-沃霍尔的宝丽来照片。Ars Longa

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2020年12月10日-2021年12月31日

安迪-沃霍尔的宝丽来照片。我，我自己和我

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2020年12月10日-2021年12月31日

安迪-沃霍尔的宝丽来照片。闪闪发光

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2020年12月10日-2021年12月31日

安迪-沃霍尔的宝丽来照片。把它带到T台上

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2020年12月10日-2021年12月31日

Maurice Golubov

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2020年10月1日 - 2021年12月31日

美国之眼：帕迪收藏精选集

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2021年2月28日-12月31日

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酷派

2020年3月30日 - 2021年12月31日

犹太现代主义第二部分：从夏加尔到诺曼的塑像。

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2020年4月30日 - 2021年12月31日

本月浏览量最大的艺术作品

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10月14日-11月14日，2021年

Gloria Luria系列

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2020年3月16日 - 2021年10月31日

文森特-梵高和大林荫道上的伟大印象派画家们

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2021年3月2日-8月10日

现代版画

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2020年12月26日-2021年6月19日

流行人物：梅尔-拉莫斯和汤姆-韦瑟曼Mel Ramos和Tom Wesselmann

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2020年3月26日-2021年4月30日

激进路线

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2020年4月11日-2021年1月31日。

Herb Alpert:近期作品

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2020年9月28日至12月13日

印象派与现代艺术的宝石

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2020年2月19日至10月31日

酷酷的不列颠尼亚：英国青年艺术家

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2020年4月2日至9月30日

每周机会

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2020年6月26日至8月31日

嗜血者布朗和保罗·旺纳：通过不同镜头看

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2019年11月1日-2020年7月31日。

哈塞尔·史密斯：测量绘画

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2020年2月12日至4月20日

梅萨现代

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2020年2月13日至2月29日

加州人

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2019年11月1日至2020年2月14日

华丽的极简主义

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2019年12月3日 - 2020年1月31日

保罗·詹金斯和罗伯特·纳特金

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2019年11月1日至12月27日

莫里斯·路易斯 - 早期绘画

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2019年10月11日至11月30日

关于主要分歧：从约翰·菲利普·法尔特到芭芭拉·克鲁格的美国风景

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九月 5 - 十一月 2， 2019

安塞尔姆·基费尔

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2019年8月15日至9月30日

保罗·詹金斯：现象

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2019年7月1日至8月31日

彼得·谢尔顿：你撞到的东西

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2019年7月16日至8月31日

保罗·旺纳和威廉·西奥菲斯·布朗的遗产

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2019年7月21日至8月31日

好奇心的线索：从著名的中西部集合的选择

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2019年7月22日至8月31日

材料和抽象：Theaster盖茨，山姆吉利亚姆和罗德尼麦克米利安

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2019年7月25日至8月31日

亚历山大·卡尔德：宇宙抽象

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2019年6月21日至8月30日

朱利安·施纳贝尔

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六月 4 - 七月 31， 2019

哈塞尔·史密斯

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2019年5月6日至6月30日

吕克·伯纳德：非常规边界

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5 月 3 日至 5 月 31， 2019

山姆·弗朗西斯：从黄昏到黎明

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2018年11月15日- 2019年4月29日

建筑景观

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2018年12月1日 - 2019年1月31日

格雷戈里·苏米达：美国

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2018年4月5日至5月31日

N.C. 惠氏：绘画和插图

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2018年2月1日至5月31日

赫伯·阿尔珀特：视觉旋律

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2018年2月17日至5月31日

崇高的抽象

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2017年11月25日 - 2018年5月31日

温斯顿·丘吉尔爵士的画作

档案

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2018年3月21日至5月30日

爱德华·柯蒂斯

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爱德华·柯蒂斯

2018年2月3日至3月17日

沃伊切赫·方戈尔

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2017年11月25日 - 2018年3月17日

法拉利与未来主义者：意大利人对速度的观察

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法拉利与未来主义者：意大利人对速度的观察

2016 年 11 月 21 日 - 2017 年 1 月 30 日

亚历山大·卡尔德

档案

亚历山大·卡尔德

2015 年 11 月 21 日 - 2016 年 5 月 28 日

加州印象派大师

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加州印象派大师

2014 年 11 月 22 日 - 2015 年 5 月 23 日

劳伦斯·席勒：玛丽莲·梦露和60年代的伟大时刻

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劳伦斯·席勒：玛丽莲·梦露和60年代的伟大时刻

2012年11月23日 - 2013年1月31日

绘画抽象：AbEx的球体

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绘画抽象：AbEx的球体

2011年11月25日 - 2012年5月31日

瓦西故事：伊子子的作品

档案

瓦西故事：伊子子的作品

2011年12月11日 - 2012年1月28日

印象派与现代艺术大师

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印象派与现代艺术大师

2010年11月20日 - 2011年9月25日

毕加索

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毕加索

2009年11月20日 - 2010年5月25日

图稿

1886年5月15日，乔治-修拉（Georges Seurat）的最高成就《拉格朗日岛的星期天下午》在第八届印象派画展上亮相，一场新艺术运动的视觉宣言就此诞生。修拉可以称得上是最初的 "科学印象派"，其创作方式后来被称为点彩主义或分割主义。然而，是他的朋友和知己，24岁的保罗-西尼亚克，以及他们不断的对话，导致了他们在理解光和颜色的物理学和出现的风格上的合作。西尼亚克是一个没有受过训练的印象派画家，但却是一个才华横溢的画家，他的气质完全适合于实现艰苦的笔触和色彩所需的严格和纪律性。西尼亚克很快就吸收了这种技术。他还见证了修拉两年来在巨大的《大山》上建立无数个未混合的色点的艰辛历程。西尼亚克是个外向的人，修拉是个内向的人，他们一起颠覆了印象派的进程，并改变了现代艺术的进程。

PAUL SIGNAC

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GEORGIA O'KEEFFE

迪戈-里韦拉--恩里克塔-G-达维拉的肖像--布面油画--79 1/8 x 48 3/8 英寸。

迪戈·里韦拉

威廉-德-库宁--《划船的女人》--纸上油画，铺在石膏板上--47 1/2 x 36 1/4英寸。

威廉·德库宁

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

韦恩·蒂博

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - 油画 - 31 1/4 x 39 1/2 in.

阿尔弗雷德·西斯利

EMIL NOLDE - Sonnenblumen, Abend II - 布面油画 - 26 1/2 x 35 3/8 in.

EMIL NOLDE

19世纪70年代初，温斯洛-霍默经常在位于纽约州哈德逊河和卡茨基尔山之间的一个小农庄附近绘制乡村生活场景，该小农庄因其出色的麦田而世代闻名。今天，赫尔利因激发了荷马最伟大的作品之一--1872年夏天绘制的《鞭子的Snap》而更为著名。在其他许多受该地区启发的画作中，《站在麦田里的女孩》感情丰富，但没有过度感伤。它与1866年在法国画的一幅题为《在麦田里》的研究报告以及次年他回到美国后画的另一幅报告直接相关。但荷马无疑会对这幅作品感到最自豪。这是一幅肖像画，一幅服装研究画，一幅具有欧洲田园画伟大传统的风俗画，也是一幅戏剧性的逆光、大气的巡回画，浸透在迅速消逝的阴暗时刻的光线中，并带有羊脂玉般的花香和麦穗的点缀。1874年，荷马送了四幅画给国家设计学院的展览。其中一幅名为 "女孩"。难道不是这一幅吗？

温斯洛荷马

FRIDA KAHLO - 锤子和镰刀（和未出生的婴儿） - 干石膏和混合媒体 - 16 1/4 x 13 x 6 in.

弗里达·卡洛

N.C. WYETH - 夏天。"Hush" - 布面油画 - 33 3/4 x 30 1/4 in.

北卡罗来纳州

SEAN SCULLY - 灰色的红色 - 铝制油画 - 85 x 75 英寸。

塞恩·斯卡利

马克-夏加尔的世界不能被我们附加在它身上的标签所包含或限制。它是一个由图像和意义组成的世界，形成了自己绚丽的神秘话语。Les Mariés sous le baldaquin（《天幕下的新郎和新娘》）是在艺术家进入90岁时开始的，这个人经历了悲剧和争斗，但他从未忘记生命中的狂欢时刻。在这里，一个俄罗斯乡村婚礼的梦幻般的乐趣，以及其安排好的与会者，以如此快乐的机智和欢快的纯真带给我们，让人无法抗拒其魅力。使用油彩和不透明的水性水粉相结合的金色调乳剂，夏加尔一贯的积极主义的温暖、幸福和乐观被包裹在发光的光芒中，暗示着金箔宗教圣像或文艺复兴早期绘画的影响，试图传递神圣的光或精神启蒙的印象。使用油画和水粉画的组合可能是一种挑战。但在这里，在《Les Mariés sous le baldaquin》中，夏加尔用它来赋予这个场景一种超凡脱俗的品质，几乎就像它刚刚从他的脑海中显现出来。它的纹理细腻，给人的印象是光是从作品本身发出来的，并给漂浮在空中的人物带来一种幽灵般的品质。

马克·查加尔

TOM WESSELMANN - 卧室里的黑发女郎与鸢尾花 - 油画在镂空铝板上 - 105 3/4 x 164 5/8 英寸。

托姆·韦塞尔曼

Théo van Rysselberghe的《Sylvie Lacombe肖像》画于1906年，是他那个时代最精致、最稳定的肖像画家之一的经典杰作。色彩和谐，笔触有力，适合其材料任务，她的身体和面容真实而露骨。坐着的人是他的好朋友，画家乔治-拉孔布的女儿，他与高更有着密切的联系，并且是Les Nabis的成员，与艺术家博纳尔、丹尼斯和维雅等人一起。我们现在知道了Sylvie Lacombe，因为Van Rysselberghe非常擅长渲染微妙的面部表情，通过仔细观察和关注细节，提供了对她内心世界的见解。他选择了一种直接的凝视，她的眼睛对着你的眼睛，无论我们与画作的物理关系如何，主体和观众之间都有一种不可避免的盟约。在画这幅肖像时，范-赖斯伯格已经基本放弃了点彩画法。但他继续运用色彩理论准则，用红色的色调--粉色和淡紫色--来衬托绿色，创造出一个和谐的互补色调，他在其中加入了一个强烈的点睛之笔--一个强烈饱和的红色蝴蝶结，不对称地放在她的头边。

泰奥-范-雷塞尔贝格

不难理解罗伯特-印第安纳的四个字母的辉煌的两行排列是如何在1960年代帮助赋予一个运动的。它的起源来自于对宗教的深刻感受以及朋友和导师埃尔斯沃斯-凯利，他的硬朗风格和感性的、不加修饰的色彩给人留下了深刻的印象。但正如印第安纳所感叹的那样，这是一个偶然的时刻，当 "爱咬了我！"设计来到他面前，敏锐而集中。当然，印第安纳把这个设计放在了许多地方，然后这个标志就开始到处出现了。这个信息，最好是用雕塑来传达，矗立在世界各地的城市，并被翻译成多种语言，其中最重要的是它的意大利语版本，"Amor"，其偶然的 "O "也向右倾斜。但是，这个版本没有被 "L "的脚踢到，而是给上面的 "A "带来了一种漂亮的舞台摇摆效果。它给人一种新的，但同样深刻的，关于爱和它的情绪化的印象。无论是哪种情况，"爱 "的倾斜 "O "都给原本稳定的设计带来了不稳定性，这是印第安纳对 "与这个词相关的往往是空洞的感伤，隐喻着不求回报的渴望和失望，而不是神圣的感情"（Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018）的深刻的投射。当然，重复有一个讨厌的习惯，就是削弱我们对简单和开创性设计的天才的欣赏。印第安纳在晚年感叹道："这是一个了不起的想法，但也是一个可怕的错误。它变得太流行了。而有些人并不喜欢流行"。但是我们，这个充满分歧和陷入动荡的世界的居民，感谢你。"爱》和它的许多版本强烈地提醒我们爱的能力，而这是我们对更美好的未来最好的永恒的希望。

罗伯特·印第安纳

作为1887年以来蓬勃发展的比利时新印象派运动中无可争议的大师，泰奥-范-雷塞尔贝格在二十世纪的第一个十年里为他的妻子玛丽亚（née Monnom）画了这幅肖像画。他从惠斯勒的调子主义、印象主义和修拉的点彩主义的影响中继续前进，完善了对色彩及其和谐共鸣的高度理解，并对形式元素进行了细致的渲染。作为一个模范的绘图员，基于色彩互动的光学印象仍然是范-赖塞尔伯格的主要关注点。在这里，色彩的短笔画取代了点彩画家的小圆点，而色彩方案也不是艺术家当之无愧的同质化、和谐的方案。相反，这幅肖像画以一种完全不同的方式推进了色彩理论。它的视觉兴趣在于他妻子的银色头发、她的铂金色衣服和惨白的壁炉壁炉的动态对比--所有这些都是在以互补的红色和绿色为主的视觉活力的环境中进行的。这是一个视觉刺激的演示，画家了解这种不寻常的色彩方案的动态影响，他将坐着的人安排在一个强烈的对角线上，并以一个完全控制其绘画资产的画家的工艺和敏捷性来执行这一公式。

泰奥-范-雷塞尔贝格

SERGIO DE CAMARGO - 浮雕作品194 - 彩绘木板 - 22 3/4 x 14 1/4 x 2 3/4 in.

SERGIO DE CAMARGO

Irving Norman's masterpiece, "The Human Condition," from 1980, draws upon the artist's lifetime of acquired experiences and knowledge. Surviving as a volunteer fighter during the Spanish Civil War, the artist returned to the United States after the loyalist defeat. Upon his return, fervent studio practice in Half Moon Bay, California, would become his life's devotion. <br><br>The present work, a nearly 16-foot-wide triptych, is reminiscent of Hieronymus Bosch's triptych, "The Garden of Earthly Delights," c. 1510. The dystopian vision portrayed in 'The Human Condition" is a warning - a lesson from the European dictatorships Norman experienced firsthand during the 1930s. Disturbing tableaus show the darkness of humanity and the evil that can rise to prominence when humanity is at its worst. There is hope, however, in the experience of the viewer: Norman thought of his audience as the greatest hope for humankind.

欧文·诺曼

JAMES ROSENQUIST - 对戈登·马塔·克拉克的虚荣不公平 - 画布上的油画 - 62 3/4 x 43 x 2 3/4 in.

詹姆斯·罗森奎斯特

Over his six-decade career, David Hockney reinvigorated the role of the representational artist by continually responding to his surroundings and embracing new forms of picture making. He was an early adaptor of technological advances such as Polaroid film, color photocopiers, and fax machines. He has also been the painter capable of reading the brushstrokes of Vermeer, Caravaggio, Velázquez, and Ingres and assert confidently that they too, relied upon instruments such as the camera obscura to trace out their pictures. <br><br>Beginning in 2009, Hockney exploited the drawing and painting applications of an iPad. Using its range of digital brushstrokes, color effects, and working with textures, dots, lines, and scribbles. his idiosyncratic perception of the natural world had never been more fully realized. Nor has he been more popular or credible in providing the blissful if guilty pleasure we feel in the presence of these works. When the Metropolitan Museum hosted his 2017 retrospective, visually stunning iPad paintings were chosen as the grand finale for one of their most memorable exhibitions in recent history. <br><br>Yosemite II, October 16th, 2011, is a monumental work and among the largest of the “Yosemite Suite” of some two dozen iPad ‘paintings’ that extends our appreciation of the breadth of Hockney’s fascination with the American West. He is the artist who made sun-splashed swimming pools de rigueur symbols of California culture. That he dared join the ranks of artists such as Albert Bierstadt and Ansel Adams, known for their dramatic lighting, atmospheric effects, and Yosemite’s awe-inspiring scale is a measure of Hockney’s self-professed certainly that this art is now, and forever woven into the fabric of art history. Nothing makes this claim more valid than his rejection of a single vanishing point perspective that has dominated Western art since the Renaissance. Hockney has often cited Meindert Hobbema’s painting The Avenue at Middelbarnis of 1689 as an apt demonstration of the dynamic impact of contrasting vanishing points: the first, a road that recedes to a vanishing point, and another in the sky, where the eye is led upward because of the verticality of the trees. Yosemite II, October 16th, 2011 presents as a similarly immersive experience for the viewer, no longer the passive observer, but instead, the active participant impelled to consciously and simultaneously connect with multiple perspectives – the second of which presents as the white granite face of El Capitan.

戴维·霍克尼

ANSEL ADAMS - 雷雨，加州优胜美地谷 - 明胶银版画 - 40 1/2 x 30 3/4英寸。

安赛尔-亚当斯

Nues》中的人物是围绕着一个中心的odalisque人物自由发展的，这种方式表明早在1906年就占据了毕加索的主题，即在后宫环境中的女性放纵。在描述他的晚期绘画时，毕加索指出，"人们永远不知道会出现什么，但一旦开始绘画，一个故事或一个想法就会诞生......我在绘画时花了一个又一个小时，观察我的生物，思考他们的疯狂行为......这很有趣，相信我。"努埃斯》让人想起了这种评价，这是一种只有毕加索才能做到的自由自在的嬉戏。在众多的姿势中，在游泳池中游泳的简略人物特别迷人。

毕加索

DAMIEN HIRST - 被遗忘的想法 - 蝴蝶和家用光泽帆布 - 68 x 68 x 1 3/8 英寸（点对点）。

达米安·赫斯特

FRANK STELLA - 无题 - 木板上的三维混合媒体，装裱在木板上 - 43 x 128 x 12英寸。

弗兰克·斯特拉

FERNANDO BOTERO - 芭蕾舞者 - 青铜 - 41 x 24 x 24 in.

费尔南多·博特罗

PIERRE BONNARD - Soleil Couchant - 布面油画 - 14 1/2 x 22 1/2 in.

皮埃尔-邦纳（PIERRE BONNARD）

鲁道夫-鲍尔作为非客观抽象主义的先驱者，其声誉最常与瓦西里-康定斯基相提并论。在最伟大的抽象艺术家中，这一神圣的地位是当之无愧的。但无论好坏，鲍尔在艺术史上的地位都与他在前情人希拉-雷贝的指导下与索罗曼-R-古根海姆签订的那份命运多舛的合同密不可分。 Presto 10》创作于1917年，当时鲍尔是柏林画廊Galerie Der Sturm的固定成员，很可能在1917年、1918年和1920年的艺术家个展中展出。这幅画也是鲍尔和希拉-雷贝选择参加1939年6月1日开幕的纽约世界博览会 "明天的艺术 "展览的画作之一。它被列入所罗门-R-古根海姆非客观绘画收藏的第五份目录中。

鲁道夫·鲍尔

JEAN ARP - 雕塑神话 - 青铜 - 25 x 9 1/2 x 12 in.

简·阿普

拉里·里弗斯

SALOMON VAN RUYSDAEL - 沙丘风景与休息的人物和骑马的夫妇，奈梅亨大教堂的景色在外面 - 布面油画 - 26 1/2 x 41 1/2英寸。

萨洛蒙-范-赖斯达尔

卡尔·安德烈的地板雕塑通常由铅、锌或铜的发光瓷砖制成。它们在可访问性方面不同于大多数其他极简主义艺术品：它们注定会继续行走。历史上，安德烈将自己置于君士坦丁·布兰库西和亨利·摩尔的世系。安德烈继续他们的传统，减少雕塑的词汇，以其最重要和最简单的形式。这些作品也谈到唐纳德·贾德的"特定物体"的想法，它强调了观看者的现象学体验和对结构和空间的探索。

卡尔·安德烈

LEROY NEIMAN - 威尼斯的狂欢节 - 板上油画 - 48 x 96 英寸。

LEROY NEIMAN

ALFRED SISLEY - Vaches au paturage sur les bords de la Seine - 纸上粉笔画 - 11 1/4 x 15 1/2 in.

阿尔弗雷德·西斯利

Mel Ramos is best known for his paintings of superheroes and female nudes juxtaposed with pop culture imagery. Many of the subjects in his paintings emerge from iconic brands or cultural touchstones like Chiquita bananas, M&M bags, or Snickers. In these works, visual delight is combined with suggested edible and commercial indulgence.<br><br>Leta and the Hill Myna diverges from some of Ramos’ other nudes. Here Ramos depicts his wife, whom he spoke of as his greatest muse. Like his works depicting superheroes, Leta and the Hill Myna is imbued with mythos and lore. Myna birds are native to South Asia where some are taught to speak, often to recite religious. Furthermore, playing on his wife’s name and the avian theme, Ramos is referencing the famous tale of Leda and the Swan in which Zeus embodies a bird to rape Leda. The story has been reinterpreted throughout history, including by great artists such as Paul Cezanne, Cy Twombly and Fernando Botero. With this depiction, Ramos places himself in that same art historical lineage.

梅尔·拉莫斯

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - 纸上粉笔画，铺在画板上 - 10 3/8 x 14 3/4 英寸。

卡米尔·皮萨罗

HERB ALPERT - 箭头 - 青铜 - 201 x 48 x 48 in.

HERB ALPERT

赫伯-艾伯特的许多青铜雕塑的工艺曲折和曲线以及流动性和运动感被描述为类似于 "铸造的冷冻烟雾"。他们被称为 "精神图腾"，这个称呼对《自由》特别贴切，这是一个高耸的17英尺的青铜雕塑，是艾伯特对美国本土价值观和与自然和谐相处的信念的致敬。充满了鸟类的参考，当艾伯特坐在巴西伊帕内玛的海滩上，被一群毫不费力地漂浮在气流中的鸟儿所吸引时，他想到了《自由》的想法。自由》的铸件已被献给马里布市，并被放置在太平洋海岸高速公路东兰布拉-维斯塔路的交叉口旁。

HERB ALPERT

作为1954年至1972年期间盛极一时的传奇性的五台艺术协会的成员，本永贞正在后原子超现实主义存在主义在日本艺术发展的最前沿出现。然而，他选择了一条不同的道路。他对战争造成的破坏视而不见，创作出新鲜、欢快、好玩的作品。1966年的《无题》是他的经典风格，与莫里斯-路易斯的所谓"面纱"绘画同时发展。它可能会让人联想到胆小的鸟儿明亮的梳子、眼睛和斑驳的羽毛，但任何这样的联想都可能是武断和无意的。相反，它是本永对日本传统的Tarashikomi（一种在颜料完全干透之前将画布以不同角度倾斜，让树脂和珐琅的混合物相互流动的技术）的前卫展示，非常成功。

萨达马萨·莫托纳加

约瑟夫-斯特拉 - 卧姿裸体 - 布面油画 - 50 x 52 1/2 英寸。

JOSEPH STELLA

FERNANDO BOTERO - Autoretrato a la manera de Velázquez - 纸板上的红色和蜡笔 - 60 1/2 x 47 1/2 in.

费尔南多·博特罗

MARC QUINN - Lovebomb - 铝合金上的照片层压 - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4英寸。

马克·奎因

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

亚历山大·卡尔德

在赫伯-艾伯特的许多青铜铸造的、经过丝光处理的精神图腾中，很少有 "勇士 "这种独特的男性感觉。顶端有一个下降的锯齿状的皇冠，它可以很容易地指代猛禽的头顶和平原印第安酋长的头饰，"勇士 "这个标题是一个恰当的描述，涉及到力量、勇气和牢不可破的精神等属性。与亨利-摩尔的作品一样，这些联想部分取决于负空间，以创造这个强大的雕塑的动态和强烈印象。

HERB ALPERT

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - 有风车和小教堂的河流景观 - 油画板上 - 22 1/2 x 31 3/4英寸。

JAN JOSEFSZON VAN GOYEN

JOAN MIRO - L'Oiseau - 青铜和煤渣 - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

琼·米罗

HELIO OITICICA - Metaesquema 69 - 纸上水粉画 - 17 5/8 x 21 1/8 in.

亥姆雷特（HELIO OITICICA）

WILLIAM B. EGGLESTON - 《无题》（蓝色汽车，来自尘世的钟声，第11卷）--档案颜料打印 - 31 1/2 x 48 英寸。

威廉-B-埃格尔斯顿（WILLIAM B. EGGLESTON

WILLIAM B. EGGLESTON - 《无题》（来自民主森林） - 档案颜料印刷品 - 31 1/2 x 48 in.

威廉-B-埃格尔斯顿（WILLIAM B. EGGLESTON

WILLIAM B. EGGLESTON - Untitled (From Election Eve) - 存档颜料打印 - 32 1/2 x 48 1/4 in.

威廉-B-埃格尔斯顿（WILLIAM B. EGGLESTON

安迪-沃霍尔是20世纪下半叶美国艺术的代名词，以其标志性的肖像画和消费品而闻名，他将大众文化和美术混为一谈，重新定义了艺术可以是什么以及我们如何对待艺术。虽然沃霍尔的许多作品可能不代表著名的个人，但他对无生命物体的描绘将他的对象提升到了一个名人的高度。沃霍尔在其职业生涯早期作为时尚插画师时首次描绘了鞋子，并在20世纪80年代回到了这个主题，将他对消费主义和魅力的迷恋结合起来。沃霍尔一直希望融合高端和低端文化，他选择了突出像鞋子这样无处不在的东西。这个主题可以表示贫穷或财富，功能或时尚。沃霍尔将这堆鞋美化了，在它们身上覆盖了一层闪闪发光的钻石粉，进一步模糊了功利性需求和风格化声明作品之间的含义。

安迪·沃霍尔

© 2023年考尔德基金会，纽约/艺术家权利协会（ARS），纽约

亚历山大·卡尔德

© 2023年考尔德基金会，纽约/艺术家权利协会（ARS），纽约

亚历山大·卡尔德

© 2023年考尔德基金会，纽约/艺术家权利协会（ARS），纽约

亚历山大·卡尔德

LE PHO - 花 - 布面油画 - 28 3/4 x 21 1/4 in.

LE PHO

RODOLFO MORALES - 无题 - 布面油画 - 37 1/4 x 39 1/4 in.

RODOLFO MORALES

© 2023年考尔德基金会，纽约/艺术家权利协会（ARS），纽约

亚历山大·卡尔德

© 2023年考尔德基金会，纽约/艺术家权利协会（ARS），纽约

亚历山大·卡尔德

IRVING NORMAN - 告别 - 画布上的油画 - 90 x 100 in.

欧文·诺曼

埃德·鲁沙是美国最杰出的艺术家之一，部分归功于他对美国符号以及语言与艺术之间关系的探索。《末日》是艺术家在20世纪90年代和2000年代使用的电影主题，出现在绘画、版画和绘画中，尤其是1991年现代艺术博物馆的大型绘画。在谈到时间的流逝和过时时，Ruscha 使用了过时的字体和在电影中使用文本的古老电影传统。短暂的概念被词本身、结束和媒介本身的本质所增强;在20世纪60年代开发时，全息图的激光技术被认为是未来派，随着图像的变化，图像也会产生一种无常的感觉。虽然变化中的文字和图像有先天运动，但这些全息图也代表一个句号——一个在时间上冻结的短暂时刻。

埃德·鲁沙

ANSEL ADAMS - 冬日日出，内华达山脉，来自孤松镇 - 明胶银版画 - 18 3/4 x 22 3/4英寸。

安赛尔-亚当斯

IRVING NORMAN - 图腾 - 画布上的油画 - 72 x 110 in.

欧文·诺曼

Celebrated for his vivid use of color, grand presentations of the female figure, and skillful work in multiple media, Tom Wesselmann was one of the most influential artists to emerge from the Pop art movement during the 1960s. Originally planning a career as a cartoonist, Wesselmann quickly established himself as one of the driving forces of contemporary art in New York. Since 1983, Tom Wesselmann used enamel on cut-out steel to depict his loose and energetic, yet meticulous, sketches in the third dimension. Ranging in scale, the sculptural works are an innovative part of the artist’s oeuvre.<br><br>Wesselmann's work is included in museum collections worldwide, including the Whitney Museum of American Art, the Smithsonian American Art Museum, the Art Institute of Chicago, the Albright-Knox Art Gallery, the Museum of Modern Art in New York, the Walker Art Center, and the National Galerie, Berlin, among many others.<br><br>"Partial Monica with Hat and Beads" is from the collection of Gloria Luria, a pioneer of the art scene in Miami as an art dealer and collector. She introduced into the region artists that are today considered icons of art history: Pat Steir, David Hockney, Andy Warhol, Arakawa, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Larry Rivers, Claes Oldenburg, and many more. Luria has dedicated her life to fostering a thriving culture in the region from being a founding member and president of the Art Dealers Association of South Florida to helping bring the art fair, Art Miami, to the Miami Beach Convention Center. Her philanthropic generosity also extends to the performing arts, helping support Tanglewood and the Boston Symphony Orchestra, and the Adrienne Arsht Center for the Performing Arts and the New World Symphony.

托姆·韦塞尔曼

黛博拉·巴特菲尔德是一位美国雕塑家，以她由木材、金属和其他发现物品制成的马匹雕塑而闻名。1981年的作品，无题（马），由木棍和纸在电线骨架。这部作品的令人印象深刻的规模创造了一个显着的效果，提出了巴特菲尔德的著名题材的一个引人注目的例子。巴特菲尔德最初用她在蒙大拿州博兹曼的房产上找到的木材和其他材料来制作马，并将这些马视为一个比喻性的自画像，挖掘了这些形式的情感共鸣。

德博拉·巴特菲尔德

Marc Newson is widely recognized as one of the most influential designers of our time. His subjects range from seemingly ordinary objects such as bicycles to groundbreaking designs in furniture and airplanes. The Philadelphia Museum of Art's 2013-2014 exhibition "Marc Newson: At Home" exposed a new American audience to Newson's futuristic aesthetic in a traditional museum setting. <br><br>"Micarta Table" (2007) uses contemporary materials, including plastic composites, to create the illusion of a traditional wood veneer surface. This blending of old and new is a hallmark of Newson's work. Examples of Newson's work can be found in museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York, The San Francisco Museum of Modern Art, and the Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum, New York City.

MARC NEWSON

HERB ALPERT - Inspired - 青铜 - 100 x 20 x 12 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 音乐会大师 - 青铜 - 93 x 14 in.

HERB ALPERT

作为在1954年至1972年期间蓬勃发展的传奇性的古泰艺术协会的成员，本永贞正是在后原子超现实主义存在主义在日本艺术发展的最前沿出现的。然而他选择了一条不同的道路。他对战争造成的破坏置之不理，创作了新鲜、欢快、俏皮的作品。1969年的《无题》是他的经典风格，与莫里斯-路易斯所谓的 "面纱 "绘画同时发展。这幅作品出色地展示了元永对日本传统的Tarashikomi的前卫表现--这种技术包括将画布以不同的角度倾斜，使树脂和珐琅的混合物在油漆完全干燥之前就相互流动。

萨达马萨·莫托纳加

A veteran of the battle of Verdun, Fernand Leger witnessed the horror and staggering loss of over 1 Million of his fellow countrymen during World War I. This horrific experience of fighting in the trenches of Europe left an indelible mark on the artist. The modern and mechanized aspects of this new form of warfare, with tanks, modern artillery, and gruesome tactics, inspired Leger to create some of his greatest masterpieces. <br><br>The Present drawing, executed in 1930, is a relic from the decade following the First World War. Untitled (1930) was purchased from the Katherine Kuh galley in Chicago- and has been impeccably preserved by the family of the original purchaser. It is exceedingly rare to find drawings like Untitled outside of Museum collections.

费尔南德·勒格

"Ray Gun became a catch title for all sorts of things. Looking down on the street, I would find this angle in the shape of a ray gun everywhere. And I would collect the ray guns. They became quite an obsession."<br>-Claes Oldenburg<br><br>"Two Ray Guns" (1964) was initially sold through the venerable Sidney Janis Gallery. The work draws upon Oldenburg's keen observational sense and fascination with science fiction and popular American culture. The fascination with Ray Guns became a conceptual art practice for Oldenburg; he would not construct them in the traditional sense but instead, find objects that could be reduced into the form. Ray Gun Examples exist in plastic, bronze, plaster, and many different media. <br><br>Our example from the Ray Gun series has been in the same important American collection for many years. Several examples from this series are in prominent museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York.

克莱斯·奥尔登堡

安塞尔-亚当斯--新墨西哥州北部的白杨树--明胶银版画--15 1/4 x 19 1/4英寸。

安赛尔-亚当斯

查克-克洛斯-自画像--4张玻璃全息图套装--14 x 11英寸，每张。

恰克关闭

ELAINE DE KOONING - 斗牛士 - 纸上水粉画 - 7 3/4 x 9 1/2 in.

伊莱恩·德·库宁

PABLO PICASSO - Fumeur a la Cigarette Blanche - 纸上水印 - 21 1/4 x 15 1/4 in.

毕加索

FRANCIS CELENTANO - 椭圆形动感画 - 石质上的丙烯酸 - 48 x 48 x 6 1/2 in.

弗朗西斯·塞伦塔诺

CARLOS LUNA - La Mia (1225 OC) - 布面油画 - 47 x 58 in.

卡洛斯·卢纳

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

欧文·诺曼

DAMIEN HIRST - 圣索菲亚大教堂（大教堂系列） - 丝网印刷，釉料和钻石粉 - 47 1/4 x 47 1/4 in.

达米安·赫斯特

ROBERTO MATTA - L'Epreuve - 油画 - 29 1/2 x 25 1/2 in.

罗伯托·马塔

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - 青铜，带绿色铜锈 - 103 1/2 x 22 x 17 英寸。

塞特·考夫曼

WILLIAM WENDT - 加州风景 - 布面油画 - 23 1/2 x 31 3/4 in.

威廉·温特

"内部"是莫里斯·阿斯凯纳齐更现代的作曲之一，让人想起邦纳德或维拉德的作品。亲密的场景显示了一个裸体的女性模型，戏剧性地看到在配置文件，在阳光普照的工作室为画家摆姿势。房间的门是开着的，给人的印象是观众正在偷看艺术家和模特之间的私人互动。一面巧妙地放在敞开的门后面的镜子，揭示了画家的倒影，我们注定要以阿斯肯纳齐本人的身份在工作中。Askenazy 非常注意描绘房间的细节，从图案的奥托曼到墙上的画框，每一幅都是印象派色彩的马赛克。

莫里斯·阿肯纳齐

安迪-沃霍尔--《影子》（选自《神话》）--纸上印有钻石粉的彩色丝网版画--37 1/2 x 37 1/2英寸。

安迪·沃霍尔

ANDY WARHOL - 爱 - 丝网版画 - 25 1/2 x 19 1/4 英寸。

安迪·沃霍尔

弗朗西斯科·托利多 - 无标题 - 纸上混合介质 - 8 x 10 1/4 in.

弗朗西斯科·托莱多

LEON AUGUSTIN L'HERMITTE - Etude de vieille femme - 纸板上的粉笔和蜡笔 - 25 1/2 x 20 1/4 in.

LEON AUGUSTIN L'HERMITTE

LEROY NEIMAN - 马术骑手 - 纸上混合媒体 - 22 x 28 英寸。

LEROY NEIMAN

IMOGEN CUNNINGHAM - The Unmade Bed - 银胶版画 - 10 1/4 x 13 1/2 in.

伊莫金-坎宁安

ANDY WARHOL - 爱 - 丝网版画 - 25 1/4 x 19 1/2 英寸。

安迪·沃霍尔

ANDY WARHOL - 爱 - 丝网版画 - 25 1/2 x 19 3/8 英寸。

安迪·沃霍尔

WILLEM DE KOONING - 无题 - 纸上石墨 - 8 x 10 1/2 in.

威廉·德库宁

HERB ALPERT - 反平衡 - 青铜 - 28 x 28 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 人性 - 青铜 - 44 x 10 x 7 in.

HERB ALPERT

AI WEIWEI - "Fairytale "椅子 - 木制 - 49 x 45 x 17 1/2英寸.

艾伟伟

ABEL GEORGE WARSHAWSKY - 布列塔尼的树 - 布面油画 - 25 1/2 x 32 in.

阿贝尔-乔治-瓦肖斯基

DIEGO RIVERA - Guardante Silente De La Verdad, En El Tramo de la 'Revelacion Del Camino' - graphite on paper laid down to cardboard - 22 x 22 in.

迪戈·里韦拉

ROSS BLECKNER - 无题 - 油画纸上 - 37 1/2 x 24 3/4 in.

罗斯·布莱克纳

HERB ALPERT - 金色的梦 - 丙烯酸在画布上 - 48 x 72英寸。

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 咒语 - 丙烯酸画布 - 72 x 48 英寸。

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 无声的雪 - 布面丙烯 - 72 x 48 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 轻声细语 - 丙烯酸画布 - 48 x 72 英寸。

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Falling for You - 丙烯酸画布 - 48 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Now Hear This - 丙烯酸画布 - 48 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Jive Talk - 布面丙烯 - 48 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 逆风 - 布面丙烯 - 48 x 72 英寸。

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 寂静的春天 - 丙烯酸画布 - 48 x 72 英寸。

HERB ALPERT

EDWARD WESTON - Charis, Santa Monica - 明胶银版画 - 9 1/2 x 7 1/2 in.

EDWARD WESTON

ANDY WARHOL - Carolina Herrera - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3/8 in.

安迪·沃霍尔

安迪-沃霍尔 - 安迪-沃霍尔 - 银胶版画 - 10 x 8 in.

安迪·沃霍尔

IRVING NORMAN - 女焊工，船 - 纸上的石墨 - 14 1/4 x 28 3/8 in.

欧文·诺曼

LOUISE BOURGEOIS - 无题 - 玻璃全息图（23组中的单个全息图） - 10 3/4 x 13 3/4 in.

路易丝·布尔吉瓦

ANDY WARHOL - George - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 in.

安迪·沃霍尔

HERB ALPERT - 巴西的月亮 - 布面丙烯 - 36 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - Brasilian Mist - 布面丙烯 - 36 x 72 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 隔离 - 丙烯酸在画布上 - 36 x 60英寸。

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 断裂的记忆 - 丙烯酸在画布上 - 60 x 36 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 只是一个梦的距离 - 丙烯酸在画布上 - 60 x 36 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 观察者 - 布面丙烯 - 60 x 36 in.

HERB ALPERT

MICAELA AMATO - 喀麦隆女孩 - 铸造玻璃 - 16 x 12 x 10 1/2 in.

米凯拉·阿马托

JEAN MANNHEIM - 暴风雨前 - 油画板上 - 12 x 15 1/2 in.

琼-曼海姆(JEAN MANNHEIM)

WILLEM DE KOONING - 为丽莎 - 石版画 - 17 1/2 x 23 1/4 英寸。

威廉·德库宁

HERB ALPERT - 在芭蕾舞团 - 丙烯酸在画布上 - 48 x 48 in.

HERB ALPERT

HERB ALPERT - 连接 - 布面丙烯 - 36 x 48 in.

HERB ALPERT

CARLOS LUNA - Sin titulo - 纸上混合媒体 - 22 1/2 x 30 1/4 in.

卡洛斯·卢纳

DAVID MORRIS - 角丰 2 - 铸石底座上的镀镍聚合物 - 18 1/2 x 9 1/4 x 11 in.

大卫·莫里斯

CARLOS LUNA - 无题 - 纸上混合媒体 - 30 x 22 1/2 in.

卡洛斯·卢纳

JOSEF ALBERS - 配方：关节 - 丝网印刷 - 左侧：10 x 12 3/8 in. ea.

约塞夫·阿尔伯斯

乔治·奥尔特曼 - 十件作品 X 十位画家 - 丝网印刷 - 24 x 20 in.

乔治·奥尔特曼

IRVING NORMAN - 马戏团，平衡法2（研究） - 纸上的铅笔 - 11 x 9 in。

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 马戏团，平衡法2a（研究） - 纸上的铅笔 - 11 x 9 in。

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（"贝多芬第九交响曲的不朽的可能研究"） - 纸上的铅笔 - 14 x 11 英寸。

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（密码中的尸体） - 纸上的铅笔 - 7 1/2 x 3 7/8 in.

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（战争研究） - 纸上的石墨 - 6 x 3 1/2 in.

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（身体） - 纸上的铅笔 - 6 3/4 x 2 in.

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（吸烟人） - 纸上的笔 - 8 7/8 x 6 in.

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（人与火鸟） - 纸上的石墨和蜡笔 - 12 x 8 7/8 in.

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（可能研究"庆祝"） - 纸上的石墨 - 4 7/8 x 3 英寸。

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（可能研究"从工作"） - 铅笔在纸上 - 11 x 14 英寸。

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（火头） - 纸上的石墨和蜡笔 - 12 x 8 7/8 in.

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（可能研究"从工作"） - 铅笔在纸上 - 11 x 14 英寸。

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（抽象头） - 纸上的笔 - 8 7/8 x 6 in.

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（"贝多芬第九交响曲的不朽"2 的可能研究） - 纸上的石墨 - 14 x 11 英寸。

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无标题（四头） - 纸上的石墨 - 5 x 3 1/2 in.

欧文·诺曼

IRVING NORMAN - 无题（可能研究"从工作"） - 纸上的石墨 - 5 x 3 1/2 英寸。

欧文·诺曼

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Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GEORGIA O'KEEFFE

迪戈-里韦拉--恩里克塔-G-达维拉的肖像--布面油画--79 1/8 x 48 3/8 英寸。

迪戈·里韦拉

威廉-德-库宁--《划船的女人》--纸上油画，铺在石膏板上--47 1/2 x 36 1/4英寸。

威廉·德库宁

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

托姆·韦塞尔曼

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

韦恩·蒂博

ALFRED SISLEY - L'Église de Moret, le Soir - 油画 - 31 1/4 x 39 1/2 in.

阿尔弗雷德·西斯利

EMIL NOLDE - Sonnenblumen, Abend II - 布面油画 - 26 1/2 x 35 3/8 in.

EMIL NOLDE

ALEXANDER CALDER - 十字架 - 布面油画 - 28 3/4 x 36 1/4 in.

亚历山大·卡尔德

19世纪70年代初，温斯洛-霍默经常在位于纽约州哈德逊河和卡茨基尔山之间的一个小农庄附近绘制乡村生活场景，该小农庄因其出色的麦田而世代闻名。今天，赫尔利因激发了荷马最伟大的作品之一--1872年夏天绘制的《鞭子的Snap》而更为著名。在其他许多受该地区启发的画作中，《站在麦田里的女孩》感情丰富，但没有过度感伤。它与1866年在法国画的一幅题为《在麦田里》的研究报告以及次年他回到美国后画的另一幅报告直接相关。但荷马无疑会对这幅作品感到最自豪。这是一幅肖像画，一幅服装研究画，一幅具有欧洲田园画伟大传统的风俗画，也是一幅戏剧性的逆光、大气的巡回画，浸透在迅速消逝的阴暗时刻的光线中，并带有羊脂玉般的花香和麦穗的点缀。1874年，荷马送了四幅画给国家设计学院的展览。其中一幅名为 "女孩"。难道不是这一幅吗？

温斯洛荷马

FRIDA KAHLO - 锤子和镰刀（和未出生的婴儿） - 干石膏和混合媒体 - 16 1/4 x 13 x 6 in.

弗里达·卡洛

N.C. WYETH - 夏天。"Hush" - 布面油画 - 33 3/4 x 30 1/4 in.

北卡罗来纳州

SEAN SCULLY - 灰色的红色 - 铝制油画 - 85 x 75 英寸。

塞恩·斯卡利

马克-夏加尔的世界不能被我们附加在它身上的标签所包含或限制。它是一个由图像和意义组成的世界，形成了自己绚丽的神秘话语。Les Mariés sous le baldaquin（《天幕下的新郎和新娘》）是在艺术家进入90岁时开始的，这个人经历了悲剧和争斗，但他从未忘记生命中的狂欢时刻。在这里，一个俄罗斯乡村婚礼的梦幻般的乐趣，以及其安排好的与会者，以如此快乐的机智和欢快的纯真带给我们，让人无法抗拒其魅力。使用油彩和不透明的水性水粉相结合的金色调乳剂，夏加尔一贯的积极主义的温暖、幸福和乐观被包裹在发光的光芒中，暗示着金箔宗教圣像或文艺复兴早期绘画的影响，试图传递神圣的光或精神启蒙的印象。使用油画和水粉画的组合可能是一种挑战。但在这里，在《Les Mariés sous le baldaquin》中，夏加尔用它来赋予这个场景一种超凡脱俗的品质，几乎就像它刚刚从他的脑海中显现出来。它的纹理细腻，给人的印象是光是从作品本身发出来的，并给漂浮在空中的人物带来一种幽灵般的品质。

马克·查加尔

ANISH KAPOOR - Halo - 不锈钢 - 120 x 120 x 27 in.

阿尼什·卡普尔

TOM WESSELMANN - 卧室里的黑发女郎与鸢尾花 - 油画在镂空铝板上 - 105 3/4 x 164 5/8 英寸。

托姆·韦塞尔曼

MARSDEN HARTLEY - 巴赫前奏曲和赋格曲第1号（音乐主题）--布面油画，铺在木板上--28 1/2 x 21英寸。

马斯登-哈特利

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

毕加索

Théo van Rysselberghe的《Sylvie Lacombe肖像》画于1906年，是他那个时代最精致、最稳定的肖像画家之一的经典杰作。色彩和谐，笔触有力，适合其材料任务，她的身体和面容真实而露骨。坐着的人是他的好朋友，画家乔治-拉孔布的女儿，他与高更有着密切的联系，并且是Les Nabis的成员，与艺术家博纳尔、丹尼斯和维雅等人一起。我们现在知道了Sylvie Lacombe，因为Van Rysselberghe非常擅长渲染微妙的面部表情，通过仔细观察和关注细节，提供了对她内心世界的见解。他选择了一种直接的凝视，她的眼睛对着你的眼睛，无论我们与画作的物理关系如何，主体和观众之间都有一种不可避免的盟约。在画这幅肖像时，范-赖斯伯格已经基本放弃了点彩画法。但他继续运用色彩理论准则，用红色的色调--粉色和淡紫色--来衬托绿色，创造出一个和谐的互补色调，他在其中加入了一个强烈的点睛之笔--一个强烈饱和的红色蝴蝶结，不对称地放在她的头边。

泰奥-范-雷塞尔贝格

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

北卡罗来纳州

不难理解罗伯特-印第安纳的四个字母的辉煌的两行排列是如何在1960年代帮助赋予一个运动的。它的起源来自于对宗教的深刻感受以及朋友和导师埃尔斯沃斯-凯利，他的硬朗风格和感性的、不加修饰的色彩给人留下了深刻的印象。但正如印第安纳所感叹的那样，这是一个偶然的时刻，当 "爱咬了我！"设计来到他面前，敏锐而集中。当然，印第安纳把这个设计放在了许多地方，然后这个标志就开始到处出现了。这个信息，最好是用雕塑来传达，矗立在世界各地的城市，并被翻译成多种语言，其中最重要的是它的意大利语版本，"Amor"，其偶然的 "O "也向右倾斜。但是，这个版本没有被 "L "的脚踢到，而是给上面的 "A "带来了一种漂亮的舞台摇摆效果。它给人一种新的，但同样深刻的，关于爱和它的情绪化的印象。无论是哪种情况，"爱 "的倾斜 "O "都给原本稳定的设计带来了不稳定性，这是印第安纳对 "与这个词相关的往往是空洞的感伤，隐喻着不求回报的渴望和失望，而不是神圣的感情"（Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018）的深刻的投射。当然，重复有一个讨厌的习惯，就是削弱我们对简单和开创性设计的天才的欣赏。印第安纳在晚年感叹道："这是一个了不起的想法，但也是一个可怕的错误。它变得太流行了。而有些人并不喜欢流行"。但是我们，这个充满分歧和陷入动荡的世界的居民，感谢你。"爱》和它的许多版本强烈地提醒我们爱的能力，而这是我们对更美好的未来最好的永恒的希望。

罗伯特·印第安纳

ADOLPH GOTTLIEB - Azimuth - 油画 - 95 3/4 x 144 1/4 in.

阿道夫·戈特利布

FRANK STELLA - 火枪 - 铝制混合媒体 - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 in.

弗兰克·斯特拉

SALOMON VAN RUYSDAEL - 沙丘风景与休息的人物和骑马的夫妇，奈梅亨大教堂的景色在外面 - 布面油画 - 26 1/2 x 41 1/2英寸。

萨洛蒙-范-赖斯达尔

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - 有风车和小教堂的河流景观 - 油画板上 - 22 1/2 x 31 3/4英寸。

JAN JOSEFSZON VAN GOYEN

JOAN MIRO - L'Oiseau - 青铜和煤渣 - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

琼·米罗

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