亚历山大-考尔德：塑造原始宇宙
"为什么艺术必须是静态的？亚历山大-考尔德
希瑟-詹姆斯罕见地展示了亚历山大-考尔德创造历史和充满欢乐的艺术。展览从三个不同方面探讨了考尔德的作品--他开创性的雕塑、充满活力的油画和动感十足的纸上水粉画。很少有展览能同时涵盖这三种艺术形式。我们的展览将探讨连接这些不同媒介的统一纽带--通过原形和原色寻求动感--创造出他独特的宇宙，与每个人对话。
艺术品
"就像一个人可以创作色彩或形式一样，一个人也可以创作动作"。亚历山大-考尔德
雕塑
展览以考尔德的雕塑作品拉开帷幕。考尔德最初开始尝试雕塑，将线描的想法转化为金属丝雕塑，从而创造出三维 "图画"。1931 年，他开发出了马塞尔-杜尚称之为 "暴走族 "的开创性动能雕塑。这些动感雕塑没有使用任何机械部件，而是依靠气流产生运动。这些流动雕塑远非静态物体，而是不断改变形状，挑战我们对空间和时间的感知，以及形与色之间的关系。
悬臂》是一件亲切的雕塑作品，具有考尔德的许多标志性特征--原色、黑白和简单的有机形状。正如标题所暗示的那样，这个站立的移动装置考验了平衡的极限，包括物理平衡和视觉平衡，这也是考尔德移动装置的特点。雕塑的横向性、鲜艳的色彩和有机的形状表达了许多人在欣赏考尔德作品时的喜悦和奇思妙想。
食人者前奏曲》是一件雕塑作品的研究报告，该雕塑现已被纽约现代艺术博物馆永久收藏。这件名为 "带彩旗的食人者"（Man-Eater with Pennants）的立式移动雕塑是受纽约现代艺术博物馆首任馆长阿尔弗雷德-巴尔（Alfred Barr）委托创作的。在这两件作品中，不同的金属部件围绕着中心柱移动。模型和研究在考尔德的创作实践中发挥着至关重要的作用，因为这让他有机会在放大作品之前了解尺度和平衡。通常情况下，这些小尺寸的模型在放大之前已经存在了几十年，或者仅仅存在于它们的尺寸中，从未被制作成更大的作品。在《前奏曲》中，我们可以看到考尔德与纽约现代艺术博物馆的最终作品相比，更加注重纵向思考。
这两件站立式移动雕塑之间相隔三十年，这表明尽管考尔德作品中的许多元素保持一致，但艺术家仍在不断尝试如何创造出视觉上动态平衡的艺术作品，无论是金属形状、颜色，还是垂直与水平的对比。
希瑟-詹姆斯还自豪地展示了一件罕见的考尔德早期木制雕像。该雕塑创作于 1928 年，描绘的是一位撑伞的妇女。尽管考尔德以抽象艺术著称，但他从未完全放弃具象艺术，在他的整个艺术生涯中，他总是想方设法将两者融为一体，或在两者之间徘徊。
绘画
到二十世纪四五十年代，考尔德作为雕塑家已经变得非常受欢迎，他基本上将绘画抛在脑后，专注于创造我们所熟知的动感雕塑语汇。尽管如此，他从未完全放弃绘画。展览展出了一幅罕见的 20 世纪 40 年代的油画作品。
在这幅早期的画作中，我们可以看到考尔德通过某些形状进行创作，这些形状将在他的雕塑生涯和平面作品中反复出现。圆形、椭圆形和其他几何图形占据了整个空间。他的作品同样充满活力和流动感。对比绘画和雕塑，我们可以看到某些主题--红色和黑色的弧线，充满活力的黄色。然而，我们也可以看到一些不同之处，比如蛇形的黑色或卷曲的十字架，这些在考尔德最著名的雕塑作品中并不常见。取而代之的是，我们看到这位艺术家在不断探索什么样的形状可以传达运动和动感。
古阿奇夫妇
油画并不是考尔德绘画的唯一媒介。考尔德通常喜欢用水粉画作为他绘画作品的媒介。我们可以把水粉画看作是一种不透明的水彩画，因为它含有一种白色颜料。水彩和水粉都能让艺术家快速流畅地作画，但这两种媒介也都极不耐久，因为它们干得很快，而且很难再加工。考尔德珍视水粉画正是因为这些原因，它像水彩一样干得很快，但却能呈现出他所追求的大胆色彩。
在生命的最后阶段，考尔德认真地回到了更亲切、更省力的水粉画创作中。凭借一生的雕塑家经验，考尔德开始将自己的三维词汇转录到二维纸张上。水粉画成为考尔德探索色彩和线条的载体，经常能找到抽象和具象的交叉点，创造出在三维空间中无法实现的艺术。
虽然任何展览都不可能完全理解考尔德一生的作品，但这次展览更全面地展示了考尔德从不同角度探索色彩、运动和空间探索等相同主题时所使用的独特语汇。如果您想了解不同背景下的考尔德，请参观我们的其他展览，包括 第一圈：艺术中的圆和 剪纸：独特的纸上作品.
"我关于艺术的全部理论就是形式、质量和运动之间存在的差异"。亚历山大-考尔德
