ALEXANDER CALDER: DANDO FORMA A UN UNIVERSO PRIMARIO
"¿Por qué el arte debe ser estático?" -Alexander Calder
Heather James ofrece una mirada inédita al arte creador de historia y alegre de Alexander Calder. La exposición explora tres aspectos diferentes de la obra de Calder: sus revolucionarias esculturas, sus vibrantes óleos y sus dinámicos gouaches sobre papel. Pocas exposiciones han abarcado estas tres modalidades. Nuestra muestra examinará los vínculos unificadores que conectan estos medios dispares -la búsqueda del dinamismo a través de formas y colores primarios- creando su propio universo único que habla a todo el mundo.
OBRA DE ARTE
Alexander Calder: Dando forma a un universo primario
"Igual que se pueden componer colores o formas, también se pueden componer movimientos". -Alexander Calder
LAS ESCULTURAS
La exposición se abre con las esculturas de Calder. Calder comenzó a experimentar con la escultura trasladando la idea de los dibujos lineales a esculturas de alambre, creando así "dibujos" tridimensionales. En 1931 desarrolló sus revolucionarias esculturas cinéticas, que Marcel Duchamp denominó "móviles". En lugar de utilizar componentes mecanizados, estas esculturas cinéticas se basaban en las corrientes de aire para crear movimiento. Lejos de ser un objeto estático, estos móviles cambian continuamente de forma, desafiando nuestra percepción del espacio y el tiempo y la relación entre forma y color.
Cantilever es una escultura íntima que presenta muchas de sus señas de identidad: colores primarios junto con blanco y negro y formas orgánicas sencillas. Como sugiere el título, este móvil de pie pone a prueba los límites del equilibrio, tanto físico como visual, que caracteriza a los móviles de Calder. La horizontalidad de la escultura, los colores vivos y las formas orgánicas hablan de la alegría y el capricho que muchos experimentan al contemplar las obras de Calder.
Prelude to the Man-Eater es un estudio para una escultura que ahora forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Ese móvil de pie, Man-Eater with Pennants, fue encargado por Alfred Barr, el primer director del MoMA. En ambas piezas, los distintos componentes metálicos se mueven alrededor de un poste central. Las maquetas y los estudios desempeñaban un papel vital en la práctica de Calder, ya que le daban la oportunidad de comprender la escala y el equilibrio antes de ampliar la pieza. A menudo, estas maquetas existían en su tamaño más pequeño durante décadas antes de ser ampliadas o simplemente existían en su tamaño y nunca se convertían en obras más grandes. En Preludio, podemos ver a Calder pensando más verticalmente en comparación con la pieza final del MoMA.
Las tres décadas que separan estos dos móviles de pie demuestran que, aunque muchos elementos se mantuvieron constantes en la obra de Calder, el artista experimentó constantemente con la forma de crear un arte visualmente dinámico y equilibrado, ya fuera en las formas metálicas, el color o la verticalidad frente a la horizontalidad.
Heather James también se enorgullece de presentar una rara escultura figurativa de madera de Calder. Data de 1928 y representa a una mujer con un paraguas. A pesar de ser conocido por su arte abstracto, Calder nunca abandonó del todo la figuración, encontrando la manera de mezclar ambas o de alternarlas a lo largo de toda su carrera.
LAS PINTURAS
En las décadas de 1940 y 1950, Calder se había hecho tan popular como escultor que dejó de lado la pintura y se centró en crear el vocabulario escultórico cinético por el que le conocemos. Sin embargo, nunca abandonó del todo la pintura. La exposición presenta un raro óleo de la década de 1940.
En esta pintura temprana, podemos ver a Calder trabajando ciertas formas que se repetirían a lo largo de su carrera tanto en forma escultórica como sobre una superficie plana. Círculos, óvalos y otras geometrías dominan el espacio. Existe la misma sensación de energía y fluidez. Si comparamos la pintura con las esculturas, podemos ver ciertos motivos: arcos de rojo y negro, los amarillos vibrantes. Sin embargo, también se aprecian diferencias, como el negro serpenteante o la cruz curvilínea, que no son tan frecuentes en las esculturas más famosas de Calder. En lugar de ello, vemos al artista forzando qué formas podrían transmitir movimiento y cinetismo.
LOS GOUCHES
El óleo no era el único medio que Calder utilizaba para pintar. Calder solía preferir el gouache para pintar sus obras. Podemos considerar el gouache como una acuarela opaca porque contiene un pigmento blanco. Tanto la acuarela como el gouache permiten al artista pintar con rapidez y fluidez, pero ambos son medios extremadamente implacables, ya que se secan con rapidez y son difíciles de retocar. Calder valoraba el gouache precisamente por estas razones: se secaba rápidamente como una acuarela, pero proporcionaba los colores intensos que él buscaba.
Hacia el final de su vida, Calder regresó al proceso más íntimo y menos implicado físicamente de la pintura al gouache en serio. Con toda una vida de experiencia como escultor, Calder comenzó a transcribir su vocabulario tridimensional al papel bidimensional. Los gouaches se convirtieron en un vehículo para que Calder explorara el color y la línea, encontrando a menudo la intersección entre la abstracción y la figuración, creando un arte que no sería posible en el espacio tridimensional.
Aunque ninguna exposición puede abarcar toda una vida de trabajo, esta muestra ofrece una imagen más completa del vocabulario único que Calder empleó para explorar los mismos temas de color, movimiento y búsquedas espaciales desde diferentes perspectivas. Para ver a Calder en diferentes contextos, visite nuestras otras exposiciones, entre las que se incluyen Primer círculo: Los círculos en el arte y Corte de papel: Obras únicas sobre papel.
"Toda mi teoría sobre el arte es la disparidad que existe entre forma, masa y movimiento". -Alexander Calder
