PREMIER CERCLE : CIRCLES DANS L'ART
Premier cercle : Les cercles dans l'art offre une vue d'ensemble de la récurrence des cercles dans l'art au cours des cent dernières années. Bien que les œuvres présentées appartiennent à l'art moderne et contemporain, l'exposition examine comment la longue histoire de cette forme symbolique a influencé les praticiens des XXe et XXIe siècles. D'Anish Kapoor à Franz Kline, de Richard Pousette-Dart à Suh Se Ok, l'exposition traverse le monde pour présenter cette géométrie omniprésente.
L'exposition s'ouvre sur une citation de l'un des premiers philosophes des États-Unis, Ralph Waldo Emerson. Cette citation rend compte du pouvoir du cercle et de sa place - non seulement au sein de la nature, mais aussi de cette nature en nous. Il n'y a pas de distinction entre le monde naturel et les humains. Nous devons voir la dignité et les possibilités en nous-mêmes et chez les autres. Il ne s'agit pas d'un état statique mais d'un processus dynamique.
" L'œil est le premier cercle ; l'horizon qu'il forme est le second ; et dans toute la nature cette figure primaire se répète sans fin. C'est l'emblème le plus élevé dans le chiffre du monde." - Ralph Waldo Emerson
ŒUVRE D'ART
Premier cercle : Les cercles dans l'art
ENVIRON
UNE BRÈVE HISTOIRE
Les cercles et leurs divers symbolismes sont présents dans l'art depuis des millénaires. Bien qu'il soit impossible de couvrir toutes les significations possibles des cercles dans l'art, cette section présente une sélection de significations diverses et interconnectées. Cet aperçu fournit le contexte de l'exposition et la manière dont les artistes modernes et contemporains ont utilisé ce signe puissant.
Comme les cercles n'ont pas de point de départ ou d'arrivée, les formes représentent souvent une rotation éternelle. Par exemple, l'un des premiers cercles apparus dans l'art est l'ouroboros qui représente un serpent ou une couleuvre dévorant sa propre queue. Apparu dans l'Égypte ancienne avant d'être transféré dans la Grèce antique, l'ouroboros représente le cycle de la vie et du renouveau à un niveau cosmique.
Cette forme a également été représentée dans le bouddhisme comme le dharmachakra ou roue du darma, le symbole le plus important de la religion. La roue représentait souvent l'enseignement du Bouddha ou le Bouddha lui-même et indique que le fait de tourner la roue signifie un changement révolutionnaire. Dans le bouddhisme, les moulins à prières sont souvent utilisés.
La rotation de la roue est également présente dans les cultures occidentales par le biais de la roue de la fortune ou rota fortuna. Ce symbole du destin illustre les positions toujours changeantes du destin humain, où le malheur peut succéder à un grand succès. Que ce soit pour les individus ou pour les civilisations, la roue de la fortune a été une métaphore puissante représentée dans l'art.
Cependant, les cercles ne sont pas toujours illustrés à des niveaux aussi grandioses. Imaginez le symbolisme d'une bague - fidélité et pouvoir. Des bagues de fiançailles aux anneaux de couronnement, ce petit bijou a été utilisé dans l'art et la littérature pour véhiculer des significations aussi variées que l'amour éternel, l'amitié véritable ou la puissance d'une nation.
"Je trace ton cercle, je te donne toi-même. Je fais de toi la plus grande fenêtre sur Dieu." - Richard Pousette-Dart
RICHARD POUSETTE-DART
Richard Pousette-Dart était l'un des chefs de file de l'expressionnisme abstrait. Ce mouvement non représentatif accordait la primauté aux artistes et à leurs créations. Au sein de ce mouvement, Pousette-Dart était également membre des "Irascibles", un groupe d'artistes qui a protesté contre l'exposition "American Painting Today - 1950" au Metropolitan Museum of Art en raison de l'accent mis sur la figuration.
Ce qui distingue Pousette-Dart des autres artistes AbEx, c'est son expression d'un idéal spirituel. Comme d'autres artistes occidentaux attirés par leur nature immédiate et abstraite, Pousette-Dart a trouvé son inspiration dans les cultures du continent africain, notamment l'Égypte, ainsi que dans l'art amérindien. Cette recherche d'un fil conducteur artistique et culturel commun à travers les cultures s'observe chez d'autres artistes du First Circle.
Dans les années 1950 et 1960, l'artiste s'oriente vers un style plus pointilliste, tout en conservant sa fascination pour le cercle. Pousette-Dart appelait le cercle "la boussole de l'éternité" en raison de son association avec la vie éternelle. Pousette-Dart ne s'est pas contenté de peindre, il a expérimenté la forme avec d'autres moyens, notamment en la dessinant et en la découpant dans du laiton. Même l'utilisation de points peints est une forme de cercle à part entière. Le système hospitalier de la ville de New York a commandé à Pousette-Dart une œuvre qui est devenue par la suite Présence, cercles de guérison. Le tableau fait partie de la collection de 4 000 œuvres de NYC Health + Hospitals, qui vise à créer un environnement apaisant et propice au soutien des patients et de leurs familles. Les cercles unissent, les cercles guérissent.
Les œuvres de l'exposition illustrent l'exploration des cercles par Pousette-Dart. Les nombreux cercles et spirales semblent danser sur la toile, un rayonnement de soleils exprimé à travers les cercles miniatures que sont les points. Même la suggestion d'un symbole égyptien en haut à gauche ressemble à l'Œil d'Horus ; l'œil est, après tout, le premier cercle que l'on trouve dans la nature, comme le note Emerson, et cette œuvre, comme une grande partie de l'œuvre de Pousette-Dart, s'aligne sur le transcendantalisme d'Emerson. Avec cette peinture, l'artiste pénètre dans le cosmos pour contempler l'éternité.
L'EST EST L'EST ET L'OUEST EST L'OUEST
Cette section présente les artistes qui explorent l'intersection des cultures et la nature symbolique du cercle.
L'un des artistes qui s'est profondément inspiré de la recherche d'un langage universel des symboles est Jae Kon Park. Park était un moderniste de l'après-guerre qui a immigré de sa Corée du Sud natale en Amérique du Sud à la recherche de symboles omniprésents à travers les nations et le temps.
Park a théorisé que l'art a commencé avec des lignes et des points transformés en cercle sacré, qu'il a vu comme un mandala et comme un motif qui a traversé les cultures de l'empire aztèque et inca à la Chine et à l'hindouisme. Pour en savoir plus sur Jae Kon Park, visitez notre exposition, Jae Kon Park : Vie et Racine ou consultez notre catalogue.
Une autre pièce intéressante de l'exposition est la sculpture murale d'Anish Kapoor dont le titre, Halo, évoque non seulement un cercle mais aussi sa nature symbolique. Pour ce faire, Kapoor utilise un miroir plissé et superpose ainsi la longue et puissante histoire et signification de ce médium. Le miroir circulaire est un thème sur lequel l'artiste reviendra à plusieurs reprises au cours de sa carrière.
Des halos aux mandalas, en passant par un soleil sacré ou une vision de l'éternité, les artistes ont puisé dans les cercles interculturels. Ils ont contemplé la nature de la vie à travers la nature universelle des cercles.
"J'ai toujours voulu que mon travail soit clair. Le cercle est une forme issue de la Nature - l'une des formes les plus courantes pour les humains, une forme que nous ne pouvons pas éviter. Le cercle est donc facile à comprendre et ne nécessite aucune explication pour être apprécié." - Tadasky Kuwayama
L'ŒIL RÉACTIF
Plus qu'un simple tour de passe-passe, l'art optique ou Op Art est un mouvement qui s'est attaqué aux fondements de l'art visuel - comment percevons-nous ? Quelles sont les parties essentielles d'une œuvre d'art ? Quelle est la relation des couleurs et des formes entre elles ? Si le mouvement trouve ses racines dans les générations précédentes, comme les pointillistes, les cubistes et les néo-constructivistes, c'est l'exposition historique The Responsive Eye, organisée en 1965 au Musée d'art moderne de New York, qui a fait connaître l'opéra.
Cette exposition incroyablement populaire a exposé des artistes aussi variés que Frank Stella et Bridget Riley, ainsi que certains des plus importants artistes de l'Op Art, dont Francis Celentano, Wojciech Fangor et Tadasky Kuwayama. First Circle réunit ces trois artistes pour explorer leur utilisation des cercles.
Pour Celentano, la forme est un véhicule pour explorer la façon dont l'œil perçoit les formes et les lignes. Encore une fois, nous voyons la perspicacité d'Emerson lorsqu'il déclare que l'œil est le premier cercle pour sa propre forme ainsi que pour sa capacité à observer le cycle de la nature.
Pour Fangor, le cercle était une porte vers une exploration plus profonde du cosmos, de la relation spatiale de la couleur. Le bord de la forme se dissout dans la toile alors même que la forme fait allusion à l'infini - un équilibre entre la désintégration et la permanence. Fangor a observé que "les cercles et les vagues sont utiles car ils sont dépourvus d'angles et ont une structure continue". Aucune autre géométrie ne pourrait fonctionner.
De ces trois artistes, c'est peut-être Tadasky qui a le plus de points communs avec Emerson, comme en témoignent les citations ci-dessus. Le cercle est à la fois une création de l'univers de Tadasky et de la nature en général. Nous pouvons également voir une relation avec les mandalas dans le processus de peinture de Tadasky. Assis sur une planche au-dessus du tableau, l'artiste crée chaque anneau en un seul tour, repoussant les limites de son corps et de sa concentration par la méditation de la peinture, de la couleur et de la forme. Il est également important de noter comment Tadasky place le cercle à l'intérieur du carré, soulignant davantage son lien avec les mandalas et l'impossibilité mathématique de la quadrature du cercle.
DANS LE RÉSUMÉ
La dernière section est consacrée aux artistes qui abordent les cercles en termes abstraits. Prenons par exemple Hassel Smith. Bien connu pour ses peintures expressionnistes abstraites, la série la plus longue de Smith est celle des Measured Paintings. Smith a utilisé un système de son cru pour créer des abstractions géométriques méticuleuses mais organiques, dont beaucoup incluent des cercles. Comme les œuvres d'Op Art, ces peintures sont activées une fois que le spectateur les observe, essayant de comprendre la relation entre les couleurs et les formes, dont la principale est le cercle.
Bien que connu pour ses œuvres géométriques évoquant le frisson et la tension de la conduite sur une autoroute, Kumi Sugai a commencé à simplifier ses œuvres jusqu'au strict nécessaire. L'œuvre présentée dans l'exposition témoigne de cette période transitoire, Sugai réduisant la peinture à des lignes et des cercles.
Adolph Gottlieb est surtout connu pour ses peintures en rafale dans lesquelles des "éclats" circulaires dans un champ de couleur sont juxtaposés à des coups de pinceau expressionnistes. La peinture présentée dans l'exposition est à cheval sur cette ligne, tout en faisant un clin d'œil aux zones séparant le ciel et la terre. Même le titre de l'œuvre, Azimutfait référence aux cieux.
La section est complétée par une série de gouaches d'Alexander Calder. Calder transfère le vocabulaire de ses sculptures tridimensionnelles sur une surface bidimensionnelle, chorégraphiant une danse de formes primaires, dont la plus importante est le cercle.
Les cercles sont partout autour de nous et en nous. C'est la nature dans ce qu'elle a de plus équilibré et de plus harmonieux. Des globes aux horloges, de la musique céleste des sphères au soleil et aux planètes, les cercles forment et inspirent les artistes depuis des siècles. Même dans l'évolution rapide des20e et21e siècles, les artistes se sont tournés vers le cercle pour y trouver un nouveau sens et un nouveau symbolisme s'associant à des millénaires d'histoire.
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