Cette relation avec la nature et l'expérience du monde réel est particulièrement pertinente lorsqu'on aborde l'œuvre de Gottlieb. En particulier, après 1951, il fait preuve d'une curiosité constante pour les relations entre la figure et le sol qui suggère une ligne d'horizon. Azimuth de 1965 a été caractérisé comme se situant entre ses Pictographe et Éclats mais elle partage clairement une forte affinité avec ses œuvres de l'époque. Paysages imaginaires qui évoquent des zones référentielles délimitant le ciel et le sol. Cela dit, Azimuth n'est pas une peinture que l'on peut aisément classer dans une catégorie. En tant qu'homme dévoué à la voile, Gottlieb a clairement reconnu que les éléments pictographiques de la zone supérieure suggéraient des références de navigation et d'astronomie bien connues dans ce sport.(L'azimut, pour ceux qui l'ignorent, est le point où un cercle vertical passe par un corps céleste donné et coupe l'horizon).

Irving Sandler, auteur de l'ouvrage trail blazing Triomphe de la peinture américaine a eu du mal à définir Gottlieb. Était-il un peintre de l'action ou un peintre de la couleur? La plupart des gens ne considèrent pas Gottlieb comme un maître de la couleur, mais Azimut - bien qu'il s'agisse d'une étude sur la restriction de la couleur - montre clairement qu'il l'est. Dans la zone supérieure, une seule tache rectiligne et un cercle peints en noir sur la toile vierge et en dessous, des formes picturales accompagnatrices posées sur une tache vert phtalo. Cette peinture démontre que les propriétés de la couleur peuvent régir le mystère physique de la forme et qu'en l'absence de couleur, les formes peuvent flotter sans attache et sans contrainte sur un vaste vide.

Azimuth a été exposé au Whitney Museum of American Art en 1968, lors de la grande rétrospective de Gottlieb, une exposition simultanée entre le Guggenheim Museum et le Whitney, dans le cadre de leur unique collaboration.