アンディ・ウォーホル：グラマー・アット・ザ・エッジ
に関しては
ヘザー・ジェームズは、アメリカが華やかさと消費の新たな頂点に達した1960年代から1980年代にかけてのアンディ・ウォーホルの作品を展示します。ポップ・アーティストとして知られるウォーホルは、肖像画や消費財の作品でも知られています。この展覧会では、ウォーホルの不遜な態度に満ちた世界に飛び込み、アメリカ社会に対する彼のビジョンがどのような意味を持つのか、そのレイヤーをはぎ取っていきます。どの作品も美しい魅力を放ちながら、名声、資本主義、死、文化、社会、政治に対する深い問いかけを含んでいます。
本展の中心は、アメリカン・ポップアートを代表するアーティストであるウォーホルの地位を最も強固なものにしたスクリーンプリントです。アーティストになる前、ウォーホルはグラフィックデザイナーとして大成功を収めました。このような背景から、ウォーホルは大量生産による大量消費についてコメントする作品を制作することができました。実際、彼の作品制作の手段は大量生産を反映したもので、作品を大量に生産していた。ファクトリー」と呼ばれたこの場所には、セレブリティ、知識人、アートパトロンなど、見る人、見られる人、さまざまな人たちが集まっていた。
このスクリーンプリントは、1960年代の象徴的なキャンベルスープ缶から、1970年代のセレブリティ、1980年代の最も多作なシリーズまで、ウォーホルのキャリアの30年間をカバーしています。制作当時、これらのスクリーンプリントは、人々がアートワークを所有するための手頃な方法でした。1500年代のデューラー版画、1700年代のホガース版画、あるいは現代の作品であっても、版画は庶民のために作品を制作し、作品をより手軽に普及させる手段だったのです。ウォーホルはこれをさらに発展させ、使い捨てであると同時に永続的な作品を制作し、当時の消費財や消費文化の消耗品としての性質を反映させている。
しかし、そこには常に皮肉が込められている。スクリーンプリントは一見工場で作られたように見えますが、非常に多くの労力を必要とします。ウォーホルはイメージ、切り抜き、色彩を選び、アシスタントはプリントのためのスクリーンを作り、プリントを実行しなければならなかったのです。このように、簡単に制作・複製できる反面、常にコストがかかっているのです。ウォーホルの皮肉の最も典型的な例は、スープ缶であろう。食料品店の主食が美術品になり、体を養うものが心を養うものに変わるのです。
しかし、この皮肉は暗転することもある。都会の生活や文化の輝きを連想させる人物にとって、動物や自然はウォーホルにとって重要なものだった。ウォーホルは子供の頃、理科の授業で動物を描き、公園や温室でインスピレーションを得ましたし、花はウォーホルの作品に何度も登場します。このシリーズは、1980年代にロナルド＆フレイダ・フェルドマン夫妻の依頼で、エコロジー問題をテーマに作家と対話を重ね、絶滅の危機に瀕した動物たちを描いたものである。このシリーズには、芸術、商業、自然という3つの緊張関係が存在する。これらの動物たちは、人間のせいで絶滅しそうになったが、稀に希望を見せ、多くの動物たちが復活している。
ウォーホルのアメリカや消費に関する観察で最も軽いのは、「ダイヤモンドダストのついた靴」です。靴は、豪華さ、魅力、官能性、そして軽薄さの両方を象徴することができます。シンデレラのガラスの靴や『セックス・アンド・ザ・シティ』のキャリーのマノロ・ブラニク、あるいはリアム・カイル・サリバンによるバイラルビデオ「Shoes」を思い浮かべてみてください。靴は消費の中心を占めているため、様々な意味の重みを背負うことになるのです。これらの作品に加えられたダイヤモンドダストの層は、これらすべての性質を強調しながらも、ウォーホルの目は曖昧な暗さを投げかけている。私たちはこの作品をどう解釈すべきなのだろうか。この靴については、バーチャル展示「アンディ・ウォーホル ポラロイド」で、ウォーホルが作品の素材として使用した写真と靴をご覧ください。
靴がウォーホルの繊細な研究の軽いほうだとすれば、電気椅子はウォーホルの最も尖ったところを表している。ウォーホルは、そのキャリアを通じてしばしばそうしたように、まず1964年に絵画として、そして1971年には一連の版画として、電気椅子を題材にしたのである。自動車事故や汚染された缶詰などの「死と災難」シリーズの一部である「電気椅子」は、芸術の王道とも言える作品です。一方、この作品は、美的感覚を刺激する色彩の菓子であり、見る者を誘惑する。一方、この組作品は死刑の方法を描いている。ウォーホルは、1953年にシンシン刑務所で行われた死刑執行室の報道写真から、ジュリアスとエセルのローゼンバーグ夫妻がスパイ容疑で処刑されたのと同じ年、同じ場所、同じ椅子で撮影した写真を引用しているのです。ウォーホルは、アメリカ人特有の魅力と、おそらく不安な強迫観念を示唆しているようだ。鮮やかだが不自然な色彩と題材は、見る者を不安にさせ、外部の観察者であると同時に共犯的な参加者にしてしまう。
ウォーホルが先駆的なアーティストとなったのは、題材だけでなく、そのプロセスも重要です。エレクトリック・チェア」シリーズに見られるように、ウォーホルはしばしば報道写真からインスピレーションを得て、メディアの情報伝達能力を覆し、覗き見主義や扇情主義の根底を明らかにしました。私たちは、スープの缶のようなものをどのように消費しているかだけでなく、ニュースの画像のような無害なものであっても、視覚メディアをどのように消費し、理解しているかを自問することになるのです。
"The Shadow (from Myths)"は、率直な自画像であると同時に比喩的なものでもある。1930年代のラジオ犯罪と闘っていた自分を想像しながら、ウォーホルはアメリカの過去の神話化に立ち向かっています。栄光と影が不確かなダンスの中で交錯する。
ウォーホルを見るとき、多くの人は肖像画の重要性を見逃しているか、過小評価している。彼はかつて自分のことを「ただの旅する社交界の画家」と言ったことがある。一方では、ウォーホルは、パトロンのために手早く肖像画を描くためにアメリカ中を旅していた芸術家の長い伝統に言及したのである。一方、ウォーホルは、ジョシュア・レイノルズ、トーマス・ローレンス、ジョン・シンガー・サージェントといった偉大な社交界の肖像画家に、生意気にも自分を重ね合わせているのです。本展では、ムハマンド・アリやミック・ジャガーの肖像を展示し、その一端に触れている。ジャガーはウォーホルの友人であり、そのキャリアを通じて何度もコラボレーションをしています。ウォーホルはこの2つのスイートで、2人のセレブリティと象徴性をとらえています。以前の作品とは異なり、カラフルな幾何学的形状を取り入れ、より深みのある表現に仕上げている。これらの作品は、ウォーホルが撮影したポラロイドをもとに制作された。ポラロイドは、ウォーホルの芸術的プロセスとその人生において重要な役割を果たしたのです。詳しくは、「アンディ・ウォーホル ポラロイド」展でご覧ください。Wicked Wonders "をご覧ください。
本展の最後の2作品は、政治とプロパガンダ、イメージ作りとイデオロギーを考察する興味深いデュオを形成しています。ニクソンと毛沢東のスクリーンプリントを一緒に展示することで、ウォーホルのプロセスと彼の全作品を支えるアイデアが抽出されています。ニクソンと毛沢東は、二つの国際的な超大国を象徴しているだけでなく、それぞれがどのようにイメージを作り上げ、あるいは作り上げることができなかったかも示しています。ニクソン大統領が中国を訪問し、両国間の関係を緩和させた記念すべき出来事を思い浮かべることができる。ニクソン大統領が中国を訪問し、日中関係を緩和させるという重要な出来事があったが、これは最高のステイトクラフトであり、実際の会談は、この訪問によって作られ流布されたイメージよりも重要であった。
さらに言えば、毛沢東のイメージは世界中に流布され、人物像というより文字通りのアイコンと化している。一方、ニクソンの肖像は、ウォーホルが彼の顔を緑と青を基調とした不穏な表情に変えている。この作品に込められた意味は数多くありますが、ひとつは、1960年に初めてテレビ放映されたニクソンとジョン・F・ケネディの大統領選討論会への言及という微妙な意味があります。ニクソンは上品さに欠ける人物として悪名高い。このとき、政治の世界では、見た目とイメージ作りが、突然、新しいレベルで重要視されるようになった。
華やかで印象的なこれらの作品は、その意味が曖昧である。この曖昧さこそが作品の魅力を高め、ウォーホルがアメリカ社会に対してより鋭い洞察力を持っていたことを思い起こさせる。彼の友人であるジャガーは、ウォーホルの死に際し、「彼ができることは、社会を、描きたい部分を、かなり正確にとらえることだったようだ」と賛辞を送っている。それが芸術家のすることの一つで、それがどんなものであったかを後世に伝えることだ」。
"人生の一日は、テレビの一日のようなものだ。テレビは一日始まったら放送が終わることはないし、私もそうだ。一日の終わりには、一日中が映画になる。テレビのために作られた映画だ。- アンディ・ウォーホル