検索

分価格:

最大価格:

ホーム
に関しては
展望室
アーティスト
- アーティスト
- カテゴリ
アートワーク
展示会
出版物
学ぶ
販売
新着情報
連絡先
アドバイザリー

ホーム
に関しては
展望室
アーティスト
- アーティスト
- カテゴリ
アートワーク
展示会
出版物
学ぶ
販売
新着情報
連絡先
アドバイザリー

アートワーク

表示方法: アーティストカテゴリ価格

<div><font face=Lato size=3>Painted during John Singer Sargent's trip to the Austrian Tyrol in the summer of 1914, this work captures a moment of profound historical tension as Austria declared war on Serbia that July, placing Sargent at the threshold of the First World War. The painting offers a strikingly intimate and unexpected view of the Alpine landscape, framed from within a sheep pen with the mountain itself largely cropped from sight. This choice of vantage point shifts the viewers focus to the meeting point of the valley and the rising slope, where deep verdant greens anchor the composition and an overcast sky suggests a subtle sense of unease beyond the tranquil pastoral foreground.</font></div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div><font face=Lato size=3>The work is included in the Sargent catalogue raisonne by Richard Ormond and Elaine Kilmurray, confirming its secure place within the artists documented production. Sargent created several related works during his 1914 stay in the Tyrol across both oil and watercolor, including <em>Tyrolese Interior </em>at The Metropolitan Museum of Art, <em>Woodsheds Tyrol</em> at the Art Institute of Chicago, and <em>Trout Stream</em> <em>in the Tyrol</em> at the de Young Museum. Together these works demonstrate Sargent's sustained engagement with the region and its distinctive light, atmosphere, and rural architecture during this pivotal year.</font></div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div><font face=Lato size=3>This painting also carries distinguished provenance, having been previously held in the collection of Henry Clay Frick, the American industrialist and founder of the Frick Collection, before being given as a gift to his friend and lawyer Louis Cass Ledyard, who also served as counsel to J P Morgan. Its rarity within Sargents mature Tyrolean subjects is further underscored by the small number of comparable works that have reached the market, with only one closely related painting from this period, A Tyrolese Crucifix from 1915, having appeared at auction in recent decades.</font></div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div><font face=Lato size=3>Sargents work continues to receive major institutional recognition, including the forthcoming exhibition Sargent Dazzling Paris at the Musee d Orsay in 2025 to 2026, reaffirming the ongoing relevance of his mature European landscapes within the broader narrative of early twentieth century art.</font></div>

ジョン・シンガー・サージェント

チロルの山羊小屋

28 1/4 x 36 インチ

キャンバスに油彩

<div>"Planting (Spring Plowing)", a vibrant watercolor and graphite on paper by Thomas Hart Benton, circa 1939-40, embodies the artist’s signature Regionalist style. The work depicts a rural scene where two figures toil in a field, one guiding a plow pulled by a donkey, the other carrying a bucket, sowing seeds under a bright, cloud-streaked sky. The rolling, richly hued earth, painted in warm browns and oranges, contrasts with the lush green foliage and distant trees, while a small structure sits at the horizon, grounding the composition in everyday life. Benton’s dynamic lines and fluid brushwork capture the rhythm of labor and the vitality of spring, infusing the scene with a sense of movement and purpose. </div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div>The reverse image of this artwork was transformed into a lithograph in 1939, with notable examples housed in prestigious museum collections including the Smithsonian American Art Museum, Nelson Atkins Museum of Art, Minneapolis Institute of Art, and the Chazen Museum of Art. This print adaptation underscores the piece’s cultural significance, reflecting Benton’s influence on American art during the Depression era and the resonance of this particular subject celebrating the resilience and harmony of its people with nature. Created with a keen eye for detail and a deep connection to the land, "Planting (Spring Plowing)" showcases Benton’s ability to blend realism with his hallmark muscular style. It is accompanied by two letters written by Thomas Hart Benton to Lon Ramsey, its original owner, and bears an inscription by the artist on the verso.  </div>

トーマス・ハート・ベントン

植え付け（春耕）

18 x 21 3/4 in.

水彩、グラファイト、紙

<div><font face=Lato size=3 color=black><em>Afternoon</em> is a rare early painting by George Inness, created when the artist was only twenty one and actively shaping the foundations of his career. Although largely self-taught, Inness was immersed in a transformative period during the mid-eighteen forties, studying at the National Academy of Design in New York where he closely observed the work of Hudson River School painters such as Thomas Cole and Asher Durand. This moment marked his first public exhibitions at the Academy in 1844, followed by the opening of his own studio in 1848, placing <em>Afternoon</em> squarely within the formative years in which his artistic voice began to emerge.</font></div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div><font face=Lato size=3 color=black>The painting also reflects the subtle influence of French landscaper Regis Francois Gignoux, under whom the young Inness studied before making his first trip to Europe in 1851. This early training helped shape the atmospheric sensitivity and poetic naturalism that would later define his mature style.</font></div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div><font face=Lato size=3 color=black><em>Afternoon</em> carries distinguished provenance, having passed through the collections of several important nineteenth and early twentieth century New Yorkers, including politician Cornelius Gardiner, financier and philanthropist Emerson McMillian, and later the philanthropist Agnes Ladson Dana. This lineage, combined with the paintings exceptional early date, makes it an especially significant example from the beginning of Innesss enduring contribution to American landscape painting.</font></div>

ジョージ・イネス

34 1/2 × 49 1/4 インチ

キャンバスに油彩

<div><font face=Lato size=3 color=black><em>Dancing Girl</em> dates from 1881 to 1882, a dynamic and exploratory moment in William Merritt Chase’s career when he was actively engaging with European subjects and broadening the expressive range of American painting. The work is included in the Chase catalogue raisonne and reflects the artists fascination with Spanish themes, which many American painters of the period encountered firsthand while studying the masters in the Prado and absorbing the culture, costume, and movement of Spain. Although the painting was later mislabeled by an early owner as an Italian street scene, Chase was in Spain during the summer when this work was created, firmly situating it within his Spanish period.</font></div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div><font face=Lato size=3 color=black>The animated single figure captures a woman in motion, a subject that is notably rare within Chases oeuvre and distinct from the more contemplative female figures that dominate his most valuable works. His auction record painting, <em>I Think I Am Ready Now</em> from around 1883, shares the focus on a single female figure from the same period, underscoring the importance of this moment in his artistic development. The present work also relates closely to important institutional examples, including <em>Carmencita</em> from 1885 in the Metropolitan Museum of Art and <em>A Tambourine Player</em> in the Montclair Art Museum, both of which highlight Chases sustained interest in dancers and Spanish costume.</font></div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div><font face=Lato size=3 color=black>The painting was held on long term loan to the Museum of Fine Arts Boston from 1906 to 1922, affirming its early institutional recognition. Chase’s Spanish works should be viewed in dialogue with those of John Singer Sargent, whom he met in 1881 while Sargent was developing studies for <em>El Jaleo</em>, as both artists looked to Velázquez for inspiration. <em>Dancing Girl</em> stands as a spirited and uncommon example of Chase portraying a woman at play, capturing movement, rhythm, and cultural immediacy at the height of his European engagement.</font></div> <br> <br><div> </div>

ウィリアム・メリット・チェイス

26 x 15 1/2 インチ

キャンバスに油彩

<div>"Untitled”, a rare and intimate mixed media on paper piece by Anni Albers, was a personal gift to its owner, Katherine Weber, wife of Albers Foundation president Nicholas Fox Weber, presented during a visit in Connecticut. Never offered for sale, this artwork stands apart from Albers’ renowned textile creations, showcasing her versatility as an abstract artist. Created with a delicate interplay of pencil, ink, and watercolor, the composition features geometric shapes and subtle color gradients that dance across the surface, reflecting her inventive exploration of form and texture. This piece, likely from her later career, highlights her shift toward printmaking and drawing after 1963, moving beyond the pictorial weavings of the 1950s. </div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div>Born in Berlin and trained at the Bauhaus in the 1920s, where she later taught, Albers pioneered avant-garde textile designs blending functionality with bold abstractions. Her time at Black Mountain College and trips to Mexico exposed her to pre-Columbian art, influencing her use of forgotten techniques and abstract motifs, as seen in simplified and intuitive form in our work. Its intimate scale and personal provenance lend it a unique charm, contrasting with her larger public commissions. This piece offers a window into the experimental spirit that marks Albers’ legacy within 20th-century art and design. </div>

アニ・アルバース

紙にフェルトペン

フランク・ウェストン・ベンソン

白い服の少女（座像）

キャンバスに油彩

<div><font face=Lato size=3 color="#191919"><em>The Road to the Harbor, Gloucester, Massachusetts</em> is a vibrant and characteristically bold example of Jane Peterson’s celebrated views of the Massachusetts coast, a subject that remains among the most sought after in her work. Previously held in the collection of the artist and her estate, the painting reflects the period when Peterson was producing her finest New England scenes, distilling the atmosphere and color of Gloucester with a confident and expressive hand. Gloucester was one of her most beloved subjects, and comparable paintings of the area have exceeded expectations at auction, often more than doubling their high estimates, underscoring both the desirability of the theme and the competitive value of the present work.</font></div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div><font face=Lato size=3 color="#191919">This large canvas captures a quiet coastal afternoon, with a dirt road leading toward Gloucester Harbor as suggested by the title. Peterson uses saturated colors and broad, lively brushstrokes to animate the scene, from the touches of blue on the rooftops to the shifting interplay of blue and grey in the retreating sky that suggests a moment just after rainfall. The painting relates closely to other Gloucester works in major museum collections, including <em>Old Road, Gloucester</em> at the Virginia Museum of Fine Arts.</font></div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div><font face=Lato size=3 color="#191919">Peterson was known for choosing subjects beyond the conventional expectations for women artists of her time, favoring street scenes, travel, public life, and even wartime experience. <em>The Road to the Harbor, Gloucester, Massachusetts </em>embodies this outward looking spirit, revealing her ability to transform everyday coastal paths into scenes of vivid immediacy and enduring charm.</font></div>

ジェーン・ピーターソン

港への道、グロスター、マサチューセッツ州

24×30 1/4インチ

キャンバスに油彩

ウィリアム・メリット・チェイス - 画家アルバート・ベック・ウェンツェルの肖像 - 油彩・キャンバス - 20×16インチ

ウィリアム・メリット・チェイス

芸術家アルベルト・ベック・ウェンツェルの肖像

キャンバスに油彩

アルフレッド・トンプソン・ブリッチャー - エソプス・クリーク - 油彩・キャンバス - 20 x 40 インチ

アルフレッド・トンプソン・ブリッチャー

エソプス・クリーク

20×40インチ

キャンバスに油彩

WILLIAM WENDT - Laguna Hills - キャンバスに油彩 - 25 x 30 in.

ウィリアム・ウェント

ラグナヒルズ

キャンバスに油彩

<div>John Marin’s "Sea Movement, Maine" (1937) exemplifies his dynamic approach to watercolor, a medium he transformed into one of the most expressive vehicles of early American modernism. Painted during his mature period, the work captures the restless energy of the Maine coast—a subject Marin returned to repeatedly as a source of inspiration. Quick, gestural strokes convey the surging sea and jagged rocks, while washes of deep blue, gray, and black evoke both immediacy and atmosphere. Marin’s hallmark ability to fuse abstraction with observation is evident here: the composition is at once faithful to the rhythms of the natural world and liberated in its expressive freedom. </div> <br> <br><div> </div> <br> <br><div>The significance of this work is underscored by its inclusion in Sheldon Reich’s 1970 catalogue raisonné (no. 37.19) and its exhibition history in two museum shows, affirming its place within Marin’s celebrated body of Maine seascapes. "Sea Movement, Maine" stands as a vivid testament to the artist’s lifelong pursuit of translating nature’s vitality into painterly form. </div>

ジョン・マリン

海の動き、メイン州

15 1/2 × 20 1/2 インチ

紙に水彩画

ジェームズ・マクドゥガル・ハート - 風景 1884年 - 油彩・キャンバス - 17 x 24 1/8 インチ

ジェームズ・マクドゥガル・ハート

17 x 24 1/8 インチ

キャンバスに油彩

お問い合わせ

結合リスト短い形式

人間の場合は、このフィールドを空白のままにします。

接続

トップに戻る

© 2026年ヘザー・ジェームズ。無断複写・転載を禁じます。

プライバシーポリシー
利用規約

お問い合わせいただきありがとうございます!

アートの設定をカスタマイズしますか?

[コミュニケーションの基本設定] に移動します。

教育

ヘザー・ジェームス・アート・アドバイザリーでは、教育が最も重要です。経験豊富なコレクターであれ、これから始めようとするコレクターであれ、私たちはお客様と共に成長することを目指し、お客様がアートに興味を持ち、学び、育てていけるような情報や見識を提供することを信条としています。

キュレーション

ヘザー・ジェームス・アート・アドバイザリーは、美術館、ギャラリー、個人邸宅で世界的に展覧会を開催してきたシニア・キュレーターの指導のもと、数十年にわたるキュレーターとしての経験を生かします。美的要素と美術史的要素を融合させ、お客様のコレクションとご自宅が、お客様の芸術的関心を反映できるようお手伝いいたします。

物流

HJアートアドバイザリーは、お客様の美術品の取り扱い、輸送、監督において、完全なロジスティクスを提供します。私たちの監修は、アート作品のあらゆるケアに関わります。作品の輸送、設置、保管など、あらゆる工程を監督します。額装デザイン、照明、セキュリティ要件、保存、状態評価についてアドバイスし、促進します。

ドキュメント

作品を購入する際、HJアートアドバイザリーは作品の出所を調査し、売り手が有効な所有権を持っていること、対象物に先取特権、請求権、抵当権がないことの表明と保証を売り手から求めます。
HJアートアドバイザリーは、保証違反があった場合、作品の全額返金に対する補償を求めます（もしかしたら、この行を含むかも？）
個人売買とオークションのプロセス把握すべき重要な情報は以下の通り：アーティスト、作品タイトル、日付、メディウム、寸法、価格、画像、出品主体、証明書、インボイス（可能な場合）、コンディションレポート、抵当権、訴訟、所有権。

ミュージアム・ローン

ヘザー・ジェームズは、MoMA、ポンピドゥー・センターなど、世界中の一流美術館への貸し出しを光栄にもお手伝いさせていただいております。HJアートアドバイザリーでは、美術館の展覧会に作品を貸し出すことを決めたコレクターのために、必要な書類手続きやロジスティクスをすべて行っています。

販売と買収

HJアート・アドバイザリーは、個人売買、オークションハウス、アーティストからの依頼など、美術品購入の可能性のある作品の調達に重点を置いています。 HJアート・アドバイザリーは、クライアントのコレクションをより充実させるために、クライアントの関心に関連する重要な美術品について、民間および公的市場を継続的に監視しています。HJアート・アドバイザリーは、クライアントのために最良の取引を実現するために、コレクターに代わって売買価格の交渉を行います。

ファイナンス

HJアート・アドバイザリーは、資産担保融資、信託のための美術品購入、遺産相続計画などでお客様をサポートします。美術品市場に関する専門知識を駆使し、お客様のコレクションに関する決断をサポートいたします。遺産、法律チーム、ファイナンシャル・アドバイザーと協力し、クライアントとその目標を最大限にサポートします。
ヘザー・ジェームス・ファイン・アートは登録投資、法律、税務アドバイザーではありません。ヘザー・ジェームス・ファイン・アートが表明する投資および財務に関する意見はすべて、個人的な調査に基づく意見です。過去の実績は将来のリターンを保証するものではなく、また必ずしも将来の実績を示唆するものでもありません。

価値と保険

HJアート・アドバイザリー・グループは、保険評価、買収、売却のための美術品コレクションの評価と鑑定を行っています。これには、価値を決定するための私的および公的な美術品市場分析の綿密な調査が含まれます。

認証

HJアートアドバイザリーは、明確な所有権が得られるかどうかを判断するため、取得前に対象物の調査、研究、出所調査を行い、最高水準のデューディリジェンスを維持します。このような調査には以下のものが含まれますが、これらに限定されるものではありません：

対象物の所有履歴
対象物の所在国と所在時期。
展示品の歴史
対象物の出版履歴
所有権に対する異議申し立てがなされている場合
対象物に関連する盗難品のデータベース
対象物が提供される状況
以下を含む関連調査情報源：ArtLoss Register またはその他のデータベース。
売主が有効な所有権を有し、対象物に先取特権、請求権、抵当権がないことを保証する、売主からの保証および補償表明。
1933年から1945年の間にドイツ占領下のヨーロッパにあった可能性の高い品物の取得に関するガイドラインに従った、ナチス／第二次世界大戦時代の調査と文書化

目利き

HJアート・アドバイザリーは、新しいコレクションを開発中のお客様や、すでに確立されたコレクションをお持ちのお客様に代わって、アドバイスや詳細なサービスを提供しています。長年アートビジネスに携わってきた豊富な知識と経験により、熟練した経験豊かなスタッフが、様々なレベルでのガイダンスとディレクションを提供いたします。

この/これらの作品についてもっと知りたいですか？ご興味をお持ちの方は、メッセージをお送りください。

お問い合わせ - アートシングル

名前 *

インベントリ #

電子メール *

電話番号

メッセージ *

レキャプチャ

人間の場合は、このフィールドを空白のままにします。

日本語

English
中文 (简体)
Deutsch
Français
Español
עברית
العربية‏