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アンドリュー・ワイス - スタールート - 紙の水彩画 - 21×x 29 in.

アンドリュー・ワイス

スタールート

21 1/4 x 29 in.

紙に水彩画

RICHARD SERRA - Cape Breton Horizontal Reversal No.

リチャード・セラ

ケープ・ブレトン水平反転16号

19 3/4 x 55 7/8インチ。

手漉き和紙2枚にリト・クレヨン

<div><font face=Lato size=3>Andy Warhol’s "Marilyn #30" (1967) is part of the artist’s landmark Marilyn portfolio, one of his most celebrated and sought-after series. From an edition of 250 (this work numbered 138/250, with 26 artist’s proofs), the portfolio is represented in major institutions including the Museum of Modern Art, New York. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3>Based on a publicity still from the 1953 film Niagara, Warhol’s Marilyns epitomize his fascination with celebrity, mass media, and the power of the reproduced image. Each print in the series was created with five screens—one carrying the photographic likeness and four for areas of color—deliberately layered with bold hues that are at times slightly off-register. This misalignment heightens the tension between glamour and artifice, echoing the fragile brilliance of Marilyn Monroe’s own persona. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3>As one of Warhol’s defining bodies of work, the "Marilyn" prints remain icons of Pop Art, merging Hollywood stardom with silkscreen’s mechanical repetition to create a timeless meditation on fame, desire, and image. </font></div>

アンディ・ウォーホル

マリリンNo.30

カラースクリーン印刷

アレクサンダー・カルダーの《ルージュ・ムイユ（濡れた赤）》は、赤い円形の背景が特徴で、あるものは爆発のように飛び散り、エネルギッシュな広がりを感じさせる。このアニメーションの背景は、黒を中心とした不透明な丸い球で飾られているが、印象的な青、赤、微妙な黄色の球が散りばめられている。爆発的な赤を背景に色とりどりの球体を戦略的に配置することで、花火大会の畏怖とスペクタクルを表現し、この絵画をこのまばゆいばかりの祝祭イベントの視覚的メタファーへと変貌させている。この作品は興奮と活気に満ち、静的な媒体に儚い美しさを封じ込めた。

アレクサンダー・カルダー

ルージュ・ムイユ

42 1/4 x 29 5/8 in.

紙の上のガッシュとインク

アレクサンダー・カルダーによる魅惑的なグワッシュ画 "Wigwam rouge et jaune "は、デザインと色彩の鮮やかな探求である。頂点付近で交差する対角線の格子によって支配された構図は、ダイナミックなバランスを醸し出している。カルダーは赤と黄色の菱形で気まぐれな要素を取り入れ、作品に遊び心を吹き込み、祝祭的な雰囲気を作り出している。右寄りの線の頂点にある赤い球は気まぐれな印象を呼び起こし、左寄りの線の上にある小さな灰色の球はコントラストと均衡を与えている。カルダーはシンプルさと重要なデザイン要素を見事に融合させ、「ウィグワム・ルージュ・エ・ジョーヌ」を視覚的に楽しませている。

アレクサンダー・カルダー

ウィグワムルージュ＆ジョーン

29 1/2 x 43 1/4インチ

紙の上のガッシュとインク

2023 カルダー財団、ニューヨーク / アーティスト・ライツ・ソサエティ（ARS）、ニューヨーク

アレクサンダー・カルダー

30 x 43 3/8インチ

紙の上のガッシュとインク

ALEXANDER CALDER - The Oval Spiral - 紙にガッシュ、インク - 43 1/4 x 29 1/2 in.

アレクサンダー・カルダー

オーバルスパイラル

43 1/4 x 29 1/2インチ

紙の上のガッシュとインク

HARRY BERTOIA - 柳の彫刻 - ステンレススチール - 61 1/2 x 39 x 39 in.

ハリー・ベルトイア

61 1/2 x 39 x 39 in.

ステンレス鋼

HARRY BERTOIA - Untitled (Sounding Sculpture) - ベリリウム銅とブロンズ、木製ベース - 36 1/2 x 8 x 8 in.

ハリー・ベルトイア

無題(サウンディング・スカルプチャー)

36 1/2 x 8 x 8インチ。

ベリリウム銅とブロンズ、ウッドベース

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Harry Bertoia was an authentic visionary in art, and they are rare. Of those whose métier is sculpture, Alexander Calder and Harry Bertoia are the twentieth-century American standouts. They are engineers of beauty; their creative currency is feats of invention and pure artistry that honor our experience of them (if we are willing to quiet our mind) as if a sacred event. It was Duchamp who suggested Calder call his kinetic works “mobiles”, but it was up to Bertoia himself to coin a word to describe something for which there was little precedent. Visually precise, kinetic, and offering resonant, vibratory sound, a “Sonambient” sculpture is at once a metaphor for our sentient experience in the world yet capable of inducing an aura of transcendent experience. Given that insight, it is easy to understand Bertoia’s view that “I don’t hold onto terms like music and sculpture anymore. Those old distinctions have lost all their meaning.”</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>The present “Sonambient” sculpture is a forty-eight-inch-tall curtain of thin-gauged tines. Once activated, it becomes a 15 3/4 inch long, 8 inches deep wall of sound. Five rows of narrow tines are staggered in number, alternating between 30 and 29 tines that, when activated, present as an undulating wall of sound. When touched or moved by air currents, the rods produce a sound that, while metallic, does not betray its source of inspiration: the serene connection Bertoia felt in observing the gentle undulating movement of desert grasses. As always, this is a Bertoia sculpture that invites participation in the experience of changing shapes and sounds, a participatory work that asks us to be present in the moment, to connect across time with the object and its creator.</font></div>

ハリー・ベルトイア

無題(サウンディング・スカルプチャー)

48 x 15 3/4 x 8インチ。

真鍮ベースのベリリウムと銅の棒

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’. Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’. Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird. Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

メアリー・コルス

アクリル、ダイヤモンドダスト、キャンバス

<div>Andy Warhol’s <em>Mao</em> (1972) is one of the artist’s most iconic and provocative screenprints, reflecting his fascination with the intersection of political power and celebrity culture. This impression, numbered 244/250, comes from the regular edition of 250, in addition to 50 artist’s proofs. Warhol based the image on the widely circulated official portrait of Chairman Mao Zedong, a figure whose likeness was omnipresent in China during the Cultural Revolution. By reimagining the image through his vivid Pop palette, Warhol transformed a symbol of political authority into a mass-produced cultural icon. </div><br><br><div> </div><br><br><div>In this version, Mao’s face is rendered in a striking deep blue, offset by a green shirt and set against a turquoise background. The bold chromatic choices infuse the portrait with both drama and irony, destabilizing the original propagandistic authority of the image. Warhol further heightens this tension by juxtaposing flat, mechanical silkscreen layers with painterly flourishes, blurring the line between mass production and individual expression. </div><br><br><div> </div><br><br><div>The <em>Mao </em>series marked a new chapter in Warhol’s career in the 1970s, shifting from Hollywood stars to figures of global influence. Today, these works are regarded as essential statements on the nature of power, fame, and the pervasive reach of the image in contemporary culture. </div>

アンディ・ウォーホル

カラースクリーン印刷

1950年代後半から1960年代半ばまで、レイ・パーカーがカラーフィールド・ペインティングに貢献した初期の作品は、その活気に満ちた新鮮な質で際立っている。パーカーは、ジェッソで下地処理した大きなキャンバスに、2つ以上の強固で荒削りな色ブロックを、勢いのある筆のような技法で並べた。飽和していながらも微妙に鮮やかな色彩で描かれたこれらのブロックは、独特のエネルギーを示している。パーカーのコンポジションはロスコを思い起こさせるかもしれないが、色彩の出し方（しっかりとした力強さ）はそれとは一線を画している。ニューヨーク派の壮大なスケールとダイナミズムを保ちながら、パーカーの作品は、抽象表現主義にありがちな感情的な激しさを排し、典型的なペーソスを排した運動のヴィジョンを取り入れることで、一線を画している。

レイ・パーカー

30 1/8 x 23 1/4 インチ

キャンバスに油彩

ラッセル・ヤング

エルヴィス・ハートブレイク・ホテル

63 x 94 インチ

アクリル、油性インク、ダイヤモンドダストを用いたスクリーンプリント、リネン地

This well preserved bell is one of the largest known bronzes from the Southeast Asian Bronze Age, generally named after the Dongson site in North Vietnam. The swirling band design is finely and crisply cast. Dongson bronze drums were also reported in South China, Thailand, Laos, West Malaysia, and Indonesia and as Far East as Western Iranian Java. <br><br>The Dong Son culture is a Bronze age culture including all of southeast Asia and into the Indo-Malaya Archipelago from about 1000 to 1 BC. Centered on the Red River Valley of Vietnam, the Dong Son were sophisticated agriculturalists, raising rice and buffalo. Dong Son probably arose from local Neolithic cultures, such as Phung Nguyen and Dong Dau phases. Dong Son is identified with the Van Lang ruling dynasty, the first ruling dynasty of Vietnam. By the second century BC, impacts from the Han Dynasty in China were being felt and according to historic records, the Dong Son were absorbed into the Han Dynasty territory.

東南アジア

ドンソン文化（紀元前1000年～紀元後200年）

22 1/2 x 12 x 10 in.

<div><font face=Lato size=3 color=black>Wayne Thiebaud’s <em>Breakfast</em>, from an edition of 50, demonstrates the artist’s signature blend of Pop-inflected realism and painterly intimacy. Executed in colored drypoint, the work captures the simple subject of a morning meal with a remarkable freshness: hatching lines soften and blur the composition, creating a pastel-like effect that distinguishes it from the crispness of commercial print design. Though slightly faded, the impression retains the playful chromatic sensibility and softly modeled shadowing that became hallmarks of Thiebaud’s style.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Since the early 1960s, Thiebaud has been celebrated for his depictions of food—cakes, pies, gumball machines, and diner counters—rendered not as literal meals but as cultural icons, at once nostalgic and idealized. In <em>Breakfast</em>, the modest meal is transformed into a subject of contemplation and delight, celebrating the pleasures of everyday American life while evoking memory and desire. The combination of precision and informality speaks to Thiebaud’s ability to merge the immediacy of drawing with the enduring resonance of painting.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Institutional recognition of the work’s importance is reflected in its inclusion within the National Gallery of Art, Washington, affirming its role within Thiebaud’s larger project of elevating common objects into images of enduring cultural significance.</font></div>

ウェイン・ティーボー

18 x 23 5/8インチ。

カラーエッチングとドライポイント

ラッセル・ヤング - ミック・ジャガー（悪魔への同情） - アクリル、油性インク、ダイヤモンドダスト入りスクリーンプリント、リネン地 - 62 x 48 インチ

ラッセル・ヤング

ミック・ジャガー（悪魔への同情）

アクリル、油性インク、ダイヤモンドダストを用いたスクリーンプリント、リネン地

ELLSWORTH KELLY - Untitled, (from portfolio Eight by Eight to celebrate the Temporary Contemporary) - リトグラフ、アーチ紙 - 28 3/4 x 40 3/4 in.

エルズワース・ケリー

無題」（テンポラリーコンテンポラリーを祝うポートフォリオ「Eight by Eight」より）

28 3/4 x 40 3/4インチ。

リトグラフ、アーチ紙

ALEX KATZ - Vivien - シルクスクリーン、ミュージアムボード - 39 x 41 in.

アレックス・カッツ

ヴィヴィアン

39×41インチ。

ミュージアムボードにシルクスクリーン

ラッセル・ヤング - ビートルマニア - アクリル、油性インク、ダイヤモンドダストによるリネン地スクリーンプリント - 36 x 60 インチ

ラッセル・ヤング

ビートルマニア

アクリル、油性インク、ダイヤモンドダストによるリネンへのスクリーンプリント

ELLSWORTH KELLY - Red Curve - カラーリトグラフ - 10 x 7 1/2 in.

エルズワース・ケリー

レッドカーブ

カラーリトグラフ

ラッセル・ヤング - エリザベス・テイラーの肖像 - リネン地へのシルクスクリーン - 62 x 48 インチ

ラッセル・ヤング

エリザベス・テイラーの肖像画

リネン地へのシルクスクリーン印刷

ラッセル・ヤング - カート・コバーン - アクリル絵具、エナメル、ダイヤモンドダストによるリネン地へのスクリーンプリント - 62 x 48 インチ

ラッセル・ヤング

カート・コバーン

アクリル絵具、エナメル、ダイヤモンドダストによるリネン地へのスクリーンプリント

ラッセル・ヤング - ブランド・バイク - リネンにスクリーンプリント - 62 x 48 インチ

ラッセル・ヤング

ブランドーバイク

リネン地へのシルクスクリーン印刷

ELLSWORTH KELLY - Red Curve (Black State) - カラーリトグラフ - 10 x 7 1/2 in.

エルズワース・ケリー

レッドカーブ（ブラックステート）

カラーリトグラフ

JOSEF ALBERS - 製剤: アーティキュレーション - スクリーンプリント - 12 x 11 3/4 in.

ヨーゼフ・アルバース

製剤:アーティキュレーション

12 x 11 3/4 in. ea.

スクリーンプリント

JOSEF ALBERS - 製剤: アーティキュレーション - スクリーンプリント - 左: 10 x 17 1/2 in. 右: 6 x 10 1/2 in.

ヨーゼフ・アルバース

製剤:アーティキュレーション

左: 10 x 17 1/2.右: 6 x 10 1/2 in.

スクリーンプリント

LAWRENCE SCHILLER - End of the Day, Marilyn Monroe, "Something's Got to Give" - シルバー・ゼラチン・プリント - 20 x 24 in.

ローレンス・シラー

エンド・オブ・ザ・デイ、マリリン・モンロー、"Something's Got to Give"

銀ゼラチンプリント

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