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Eine Auswahl von Skulpturen

23. Oktober 2024 - 28. Februar 2025

Virtuell

KUNSTWERK ÜBER ANFRAGEN ZUSÄTZLICHE RESSOURCEN KÜNSTLER

KUNSTWERK

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

ALEXANDER KALANDER

Vorspiel zum Menschenfresser

59 x 42 x 18 Zoll.

Bleche, Draht, Farbe

Unterzeichnet: 6

Kreis der Tiere/Tierkreiszeichen: Gold

vergoldete Bronze in 12 Teilen

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Camille Claudel's life story reflects an era when societal constraints often dimmed the brilliance of women; their genius was viewed as a threat to the male-dominated world. Most introductions to Claudel are steeped in misleading biographical details related to her as Rodin's assistant, mistress, or lover, associations that diminish her achievements as a first-rate sculptor whose work borrows little from Rodin in style or subject matter. Despite these challenges, Claudel's legacy has endured, celebrated through exhibitions, biographies, and films since her rediscovery in 1982. </font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black><em>“La Vague (The Wave),”</em> a remarkable sculpture of three women frolicking joyfully, embodies Claudel's passion for art and connection to nature. The women, their hair unruly like the sea, are depicted in a moment of freedom and abandon, yet the looming wave hints at the inevitable sorrow to come—a metaphor for Claudel's life, shadowed by fate. This piece, initially shown in plaster and later cast in bronze with an onyx marble wave, draws direct inspiration from Hokusai's <em>“The Great Wave,”</em> reflecting the Parisian fascination with Japanese art at the time. While <em>“La Vague”</em> showcases Claudel's technical mastery and the influence of Japanese aesthetics, it also poignantly symbolizes her acceptance of the overpowering forces of nature and the tragic course her life would ultimately take. This bronze, cast in 1997, is one of only two not held in a museum, further emphasizing the rarity of and reverence for Claudel's work.</font></div>

CAMILLE CLAUDEL

La Vague (Die Welle)

24 1/4 x 19 x 24 Zoll.

Unterzeichnet: 9

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

ELAINE DE KOONING

Ohne Titel (Totempfahl)

97 x 12 3/8 x 12 3/8 x 12 3/8 Zoll.

Öl auf Leinwand über Kartonzylinder gespannt

Unterzeichnet: 0

Under the Tang China experienced a period of great cultural flowering, remarkable for its achievements across all areas of the arts and sciences. The tolerance of the Tang Imperial Court to outside influence and the free movement along the East- West trade route known as the Silk Road saw major urban centres become thriving cosmopolitan cities, with the Chinese capital, Chang’an (modern Xian) expanding to reach a population of over one million.<br><br>In keeping with centuries of tradition, funerary rites remained very important. A separate government department existed with responsibility for overseeing the manufacture of funerary wares. Officially there were limits on the number of grave goods and restrictions on the size of the objects which could accompany the deceased, according to rank – the highest ranked officials were meant to have a maximum of 90 figurines, no more than 30cm tall while members of the Imperial family were allowed several hundred up to about one meter tall. However, these rules were frequently broken. The deceased’s relatives believed they could improve their ancestor’s status in the afterlife by providing mingqi in excess of necessity, thereby ensuring their own good fortune. Tang Dynasty figurative ceramics share particular characteristics. The forms are animated and life-like, the subject matter covers all aspects of social and ritual life and the scale of the figures was reasonably small with the exception of some magnificent larger works commissioned for the tombs of the elite. Figures of courtiers and entertainers, polo players and the exotic travelers who now regularly arrived in the Chinese cities with their great pack camels became common place, illustrating the cosmopolitan nature of the times. The variety of forms tells us that craftsmen had scope for individual innovation and were not controlled by rules regarding particular styles. Now the funerary wares spoke not only of power and military strength, but also of the sophistication and intellectual achievements of the deceased.

Sancai-glasiertes Pferd mit Cut-Fur-Decke

Tang-Dynastie (618-

29 1/2 x 33 x 12 Zoll.

glasierte Tonwaren

Unterzeichnet: 3

HERB ALPERT - Pfeilspitze - Bronze - 201 x 48 x 48 x 48 in.

201 x 48 x 48 x 48 Zoll.

Unterzeichnet: 0

Auflage: 3 + 2 AP

Francisco Zúñiga begann schon als Junge mit der Bildhauerei, als er seinem Vater, einem lokalen Bildhauer von Holzsantos, assistierte. Nachdem er 1936 aus seinem Heimatland Costa Rica nach Mexiko gekommen war, wandte er sich endgültig der Bildhauerei zu und entwickelte ein breit gefächertes, auf der Figur basierendes Werk, das die direkte Schnitzerei in Holz, das Modellieren in Ton, die direkte Bearbeitung von hartem Stein und den Bronzeguss umfasst. "Desnundo Reclinado de Dolores" ist insofern ein Novum, als es weder sein Interesse an präkolumbianischer Kunst noch seine Beharrlichkeit widerspiegelt, indianisch aussehende Frauen mit übertriebenen Hüften und Bäuchen darzustellen. Stattdessen handelt es sich um eine klassisch modellierte Meisterleistung einer hüftdrehenden, auf die Unterarme gestützten knienden Frau, die Rodin mit Stolz als seine eigene bezeichnen würde.

FRANCISCO ZUNIGA

Desnudo reclinado de Dolores

21 x 43 1/4 x 21 1/2 Zoll.

Bronze mit grüner Patina

Unterzeichnet: 8

Auflage: III/VI

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Standing at an impressive 103 inches, this elegantly spare “Sonambient” sculpture by Harry Bertoia allows us to marvel at one of the finest artisans of his generation. This piece, the tallest in the series currently available here at Heather James Fine Art, features a precise arrangement of 36 slender tines in a 6 x 6 grid. This arrangement's uniformity and symmetry are visually captivating and crucial for the sculpture's acoustic properties. The rods, austere and uncapped by finials, have an aged patina with copper undertones, suggesting Bertoia's use of copper or a similar alloy known for its resonant qualities and distinctive coloration. Given the outstanding length of these rods, the attachment method is particularly noteworthy. Bertoia meticulously inserted each rod into individual holes in the base plate using precision drilling and securing techniques such as welding that ensured the rods were firmly anchored and stable, maintaining the structural integrity essential for consistent acoustic performance.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Beyond his uncompromising nature, Bertoia's work draws significant inspiration from natural elements. This sculpture's tall, slender rods evoke images of reeds or tall grasses swaying gently in the wind. This dynamic interaction between the sculpture and its environment mirrors the movement of plants, creating an immersive, naturalistic experience. Yet when activated or moved by air currents, the rods of this monumental work initiate metallic undertones that confirm its materiality without betraying its profound connection to the natural world.</font></div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Integrating technical precision and natural inspiration depends on exacting construction that ensures durability and acoustic consistency, while its kinetic and auditory nature imbues the piece with a sense of vitality. This fusion invites viewers to engage with the sculpture on multiple sensory levels, appreciating its robust craftsmanship and evocative, naturalistic qualities. Bertoia's ability to blend these elements results in a work that is both a technical marvel and a tribute to the beauty of the natural world.</font></div>

Ohne Titel (Sounding Sculpture)

103 x 16 x 16 Zoll

JOHN CHAMBERLAIN - ASARABACA - Aluminiumfolie in Industriequalität mit Acryllack und Polyesterharz - 20 x 23 x 22 Zoll.

JOHN CHAMBERLAIN

20 x 23 x 22 Zoll.

Aluminiumfolie in Industriequalität mit Acryllack und Polyesterharz

Unterzeichnet: 3

After disappointing sales at Weyhe Gallery in 1928, Calder turned from sculpted wire portraits and figures to the more conventional medium of wood. On the advice of sculptor Chaim Gross, he purchased small blocks of wood from Monteath, a Brooklyn supplier of tropical woods. He spent much of that summer on a Peekskill, New York farm carving. In each case, the woodblock suggested how he might preserve its overall shape and character as he subsumed those attributes in a single form. There was a directness about working in wood that appealed to him. Carved from a single block of wood, Woman with Square Umbrella is not very different from the subjects of his wire sculptures except that he supplanted the ethereal nature of using wire with a more corporeal medium.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDER KALANDER

Frau mit Quadratschirm

19 x 6 x 6 x 6 Zoll.

Unterzeichnet: 8

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Donald Judd's role in defining the Minimalist movement is pivotal. He rejected traditional modes of representation, favoring the creation of objects that challenge viewers to find beauty in simplicity and the precision of industrial materials. Judd transformed the landscape of modern art with forms that are clean, unembellished, and elegant in their simplicity.<em> "Untitled"</em> exemplifies this minimalist approach, where form, material, and longevity are the primary focus.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>In the context of Judd's oeuvre, the anodized aluminum surface of <em>"Untitled"</em> allows for a smooth, consistent finish that enhances the minimalist aesthetic by highlighting pure form and material, free from the distractions of imperfections or the need for additional surface treatments like paint. More significantly, an anodized surface is corrosion-resistant, underscoring that Judd is not merely creating art for the present moment but crafting pieces intended to endure indefinitely, preserving their pristine, minimalist aesthetic for posterity. Created in an edition of 12 and measuring 41.5 inches in length, with a depth and height of 6.25 inches, <em>"Untitled" </em>exemplifies this meticulous approach, showcasing the industrial aesthetic that Judd so effectively brought into the realm of fine art. Its clean, unembellished form emphasizes the importance of material and the geometric purity that Judd sought to achieve.</font></div>

5 7/8 x 41 3/8 x 5 7/8 Zoll.

stranggepresstes, eloxiertes Aluminium

Unterzeichnet: 13

JOAN MIRO - L'Oiseau - Bronze und Ziegelstein - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

23 7/8 x 20 x 16 1/8 Zoll.

Bronze und Schlackenstein

Unterzeichnet: 4

Deborah Butterfield nimmt einen bedeutenden Platz im Pantheon der amerikanischen Bildhauer ein und ist bekannt für ihren Pioniergeist und ihre Beherrschung verschiedener Medien. "Beacon" ist aus geformtem Stahl gefertigt und ein Beweis für ihren Mut und ihre Hingabe, künstlerische Grenzen zu überschreiten. Butterfield hat sich den Herausforderungen dieses anspruchsvollen Mediums gestellt, und es ist eine Verschmelzung von Innovation und Tradition. Mit ihrer modernen Ästhetik, die sich durch geschwungene, elegante Linien auszeichnet, ist diese Pferdeskulptur eine Quelle der Verzauberung und lädt den Betrachter in ein Reich ein, in dem zeitgenössische Kunst mit zeitloser Schönheit zusammentrifft. Beacon ehrt die klassische Anmut der Pferdeform und bekräftigt Butterfields Position als Visionär in der Landschaft der modernen Bildhauerei.

DEBORAH BUTTERFIELD

45 1/2 x 54 x 13 1/2 Zoll.

geformter und geschweißter Stahl

Als Tochter des minimalistischen Bildhauers Tony Smith ist Kikis Kunst nicht auf ein einziges Medium oder eine einzige Technik beschränkt, und ihre Arbeiten laden oft zu vielfältigen Interpretationen ein. Club verkörpert die Form und die Dimensionen eines menschlichen Beins, des wesentlichen Elements für Bewegung und Stabilität. Smiths Titel lädt den Betrachter dazu ein, sich ein Bein als Waffe vorzustellen und über die Zerbrechlichkeit des menschlichen Zustands, die Machtdynamik der körperlichen Autonomie und das komplexe Wechselspiel zwischen Stärke und Verletzlichkeit nachzudenken. Eine solche Verwandlung eines Körperteils in ein Objekt vermittelt sowohl Schutz als auch Aggression und reflektiert darüber, wie geschlechtsspezifische Körper in unserem sozialen und persönlichen Umfeld navigieren. Club ist ein Beispiel für Smiths Fähigkeit, symbolträchtige Werke zu schaffen, die offen für Interpretationen sind und zum Nachdenken über die menschliche Erfahrung anregen.

33 x 8 x 6 Zoll.

Unterzeichnet: 7

Manuel Neri war eine zentrale Figur in der figurativen Bewegung der Bay Area in den 1960er Jahren. Anstelle abstrakter Formen betonte die Gruppe die Emotionen durch die Kraft der menschlichen Form. Das vorliegende Werk, "Ohne Titel" (1982), erforscht die weibliche Form in Lebensgröße. Neri zog es vor, während seiner 60-jährigen Karriere mit nur einem Modell zu arbeiten, Maria Julia Klimenko. Das Fehlen eines Gesichts in vielen seiner Skulpturen verleiht ihm ein Element des Geheimnisses und der Mehrdeutigkeit. Der Schwerpunkt der Komposition in "Ohne Titel" liegt auf der Struktur und Form der Figur. Manuel Neri ist in zahlreichen Museumssammlungen weltweit vertreten, darunter die Addison Gallery/Phillips Academy, die Anderson Collection der Stanford University, das Art Institute of Chicago, das Cantor Arts Center der Stanford University, das Cincinnati Art Museum, das Crocker Art Museum, Sacramento, CA, das Denver Art Museum, das El Paso Museum of Art, Texas, die Fine Arts Museums of San Francisco, die Harvard University Art Museums, das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; Honolulu Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, New York und die National Gallery of Art, Washington, DC.

67 x 24 x 26 Zoll.

lackierte Bronze

Unterzeichnet: 9

Wenn sich ein Pferd hinlegt, dann deshalb, weil es sich sicher fühlt. Für Deborah Butterfield ist das eine Art zu sagen, dass es in Ordnung ist, sich verletzlich zu machen. "Echo", konstruiert auf eine Art und Weise, die ihre Fähigkeiten bei der Futtersuche und beim Schweißen von Metallteilen respektiert, hält sich nicht an die traditionelle Darstellung eines Pferdes, sondern enthüllt stattdessen etwas von dessen Wesen. Das aus zusammengesetzten Stahlblechen konstruierte Werk, von denen einige geriffelt, andere gefaltet oder gewellt sind, trägt die Spuren der Zeit, ist zu einer rostbraunen Patina gealtert, und die Unvollkommenheiten werden eher zelebriert als kaschiert. Butterfields bewusste Wahl der Materialien und deren Behandlung verleiht dem Werk Tiefe und Charakter und verwandelt Untitled, Echo in mehr als nur eine Pferdedarstellung - es spiegelt die raue Schönheit und die Widerstandsfähigkeit des Tieres wider, das es darstellt.

DEBORAH BUTTERFIELD

26 x 107 x 76 Zoll.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Harry Bertoia’s “Sonambient” sculptures are a mesmerizing blend of art, sound, and science, and this 36-tine piece is a quintessential example of his innovative genius. Meticulously crafted with 36 rods aligned in a precise six-by-six configuration on a square base, this 77-inch-tall work embodies the harmonious intersection of visual beauty and auditory wonder.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Made from beryllium copper, a material favored by Bertoia for its superior acoustic properties and aesthetic appeal, the rods have developed a rich walnut-like patina over time. This patina adds to the sculpture’s visual allure, enhancing its historical and artistic value, and reflects a natural aging process that the artist himself, a naturalist, would have admired. When activated by touch or the movement of air, the rods produce a perceptible, fixed note accompanied by a range of ethereal tones, transforming the sculpture from a static object into a dynamic, multisensory experience. The long, swaying motion of the tall rods, reminiscent of the undulating desert grasses that inspired the artist initially, adds a captivating visual dimension. The cattail-like finials further evoke natural forms, underscoring Bertoia’s inspiration derived from the natural world.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Bertoia’s 36-tine “Sonambient” sculpture is more than a visual masterpiece; it profoundly explores sound, material, and participatory interaction. It exemplifies Bertoia’s belief in art as an immersive and evolving experience, where each encounter offers discoveries and sensations. Through this work, Bertoia has created a timeless piece that continues to captivate and inspire, highlighting his artistic vision's enduring power and deep connection to nature’s spiritual qualities.</font></div>

Ohne Titel (Sounding Sculpture)

77 x 11 x 11 Zoll

Manuel Neris frühe Pappmaché-Arbeiten waren bahnbrechend für die bildhauerische Technik, und seine Herangehensweise an die Bemalung seiner Skulpturen spiegelt seine tiefe Auseinandersetzung mit dem Ausdruckspotenzial von Farbe und Form wider. Die Wahl und Platzierung der Farben in Hombre Colorado II erzeugt eine besonders intensive Reaktion, die sein nuanciertes Verständnis der psychologischen und emotionalen Dimension von Farbe widerspiegelt. Das 1958 konzipierte und produzierte Werk Hombre Colorado II spiegelt eine Zeit wider, in der Neri und seine Frau Joan Brown in einem reichen künstlerischen Austausch standen und maßgeblich zur Entwicklung ihres jeweiligen Stils und der figurativen Bewegung der Bay Area beitrugen, in der sie eine wichtige Rolle spielten.

Mann Colorado II

65 1/2 x 27 x 10 Zoll.

Deborah Butterfield ist eine amerikanische Bildhauerin, die vor allem für ihre Skulpturen von Pferden aus Holz, Metall und anderen gefundenen Objekten bekannt ist. Das 1981er Stück Ohne Titel (Pferd) besteht aus Sticks und Papier auf Drahtarmatur. Die beeindruckende Größe dieses Stückes erzeugt eine bemerkenswerte Wirkung in Person und stellt ein eindrucksvolles Beispiel für Butterfields gefeiertes Thema dar. Butterfield schuf die Pferde ursprünglich aus Holz und anderen Materialien, die auf ihrem Grundstück in Bozeman, Montana, zu finden waren, und sah die Pferde als metaphorisches Selbstporträt, das die emotionale Resonanz dieser Formen aufgreift.

DEBORAH BUTTERFIELD

Ohne Titel (Pferd)

100 x 157 x 36 Zoll.

Sticks und Papier auf Drahtarmatur

HERB ALPERT - Vibrato - Bronze - 93 x 14 Zoll.

In den späten 1990er Jahren begann Manuel Neri, zahlreiche Gipsskulpturen in Bronze umzuwandeln, wobei er häufig zu früheren Werken zurückkehrte, um neu erdachte Wiedergaben der einzelnen Stücke zu schaffen. Diese Serien, die sich in Form und Oberflächendetails kaum voneinander unterscheiden, erforschen die Auswirkungen unterschiedlicher Farbschemata und Markierungen, die durch Einschneiden, Pinseln, Schaben oder Schichtung von Materialien entstehen. Durch das Experimentieren mit verschiedenen Markierungstechniken konnte Neri das Zusammenspiel von Form, Farbe, Textur und Licht erkunden. Im Zusammenhang mit der Stehenden Figur Nr. 3 beschränkte Neri seine Palette auf ein analoges Farbschema und verdünnte die Farbe, um subtile Abstufungen zu erzeugen, die das glatte, raffinierte Äußere der Skulptur hervorheben.

Ohne Titel Stehende Figur Nr. 3

66 3/4 x 19 x 13 1/2 Zoll.

Unterzeichnet: 9

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

Sancai-Glasierter Erdgeist

Tang-Dynastie (618-

47 1/4 x 14 x 14 Zoll.

glasierte Tonwaren

Unterzeichnet: 3

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing used the three glaze-colors were ochre or brown, green and clear. Glazed wares were much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>This Sancai-Glazed Horse would have been an incredible status symbol for its owner and many have been lost to time. This sculpture is comparable to examples held in museum collections worldwide, including the Metropolitan Museum of Art, New York.

Sancai-glasiertes Pferd

Tang-Dynastie (618-

25 x 26 x 9 Zoll.

glasierte Tonwaren

Unterzeichnet: 3

CHINESISCH - Daoistische Holzfigur - lackiertes und bemaltes Holz - 47 x 20 x 19 Zoll.

Daoistische Holzfigur

14. bis 17. Jahrhundert

47 x 20 x 19 Zoll.

lackiertes und bemaltes Holz

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Harry Bertoia was an authentic visionary in art, and they are rare. Of those whose métier is sculpture, Alexander Calder and Harry Bertoia are the twentieth-century American standouts. They are engineers of beauty; their creative currency is feats of invention and pure artistry that honor our experience of them (if we are willing to quiet our mind) as if a sacred event. It was Duchamp who suggested Calder call his kinetic works “mobiles”, but it was up to Bertoia himself to coin a word to describe something for which there was little precedent. Visually precise, kinetic, and offering resonant, vibratory sound, a “Sonambient” sculpture is at once a metaphor for our sentient experience in the world yet capable of inducing an aura of transcendent experience. Given that insight, it is easy to understand Bertoia’s view that “I don’t hold onto terms like music and sculpture anymore. Those old distinctions have lost all their meaning.”</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>The present “Sonambient” sculpture is a forty-eight-inch-tall curtain of thin-gauged tines. Once activated, it becomes a 15 3/4 inch long, 8 inches deep wall of sound. Five rows of narrow tines are staggered in number, alternating between 30 and 29 tines that, when activated, present as an undulating wall of sound. When touched or moved by air currents, the rods produce a sound that, while metallic, does not betray its source of inspiration: the serene connection Bertoia felt in observing the gentle undulating movement of desert grasses. As always, this is a Bertoia sculpture that invites participation in the experience of changing shapes and sounds, a participatory work that asks us to be present in the moment, to connect across time with the object and its creator.</font></div>

Ohne Titel (Sounding Sculpture)

48 x 15 3/4 x 8 Zoll.

MARC QUINN - Lovebomb - Fotolaminat auf Aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 Zoll.

108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 Zoll.

Fotolaminat auf Aluminium

Unterzeichnet: 9

<div><font size=3 color=black>Harry Bertoia's “Sonambient” sculptures are renowned for their meditative qualities, inviting viewers into a serene and contemplative state. Among the five “Sonambients” in our exhibition, even this most petite sculpture stands out with its remarkable sonic capabilities. This work, with its 64 tines, each capped with long, slender finials, produces a high-timbered sonority that is surprisingly robust. The delicate yet powerful sound offers an auditory experience that encourages reflection and heightened awareness.</font></div><br><br><div><font size=3> </font></div><br><br><div><font size=3 color=black>A pivotal aspect of the “Sonambient” sculptures' evolution was the involvement of Bertoia's brother, Oreste, whose expertise as a musician enabled him to help Harry reconceptualize these sculptures, not just as visual or kinetic art but as instruments capable of producing an immersive soundscape. This collaboration highlighted the interdisciplinary nature of Bertoia's work, merging the worlds of sculpture and music. Experimenting with rods and tines of different metals, varying in length and thickness, he discovered a wide range of tones and textural droning sounds. Exhilarated by their ethereal, otherworldly resonance and his brother's encouragement, Bertoia filled his historic barn in Bally, Pennsylvania, with more than sixty “Sonambient” sculptures. It became a kind of orchestral studio and laboratory where he recorded albums and held concerts, and the once lowly barn became a hallowed place—a chapel of sorts—where visitors experienced it as a pilgrimage and a place of profound inspiration and meditation.</font></div>

Ohne Titel (Sounding Sculpture)

40 1/2 x 8 x 8 Zoll.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Trace a line from Alexander Calder to the kinetic achievements of George Rickey, and it is clear both are engineers of beauty. Their creations are feats of invention and artistry that honor our experience of them. The present Rickey sculpture "Eight Lines II – Sketch for Twenty-Four Lines" exemplifies the artist's intentions to bridge the gap between engineering precision and artistic expression, offering a mesmerizing display of motion and balance. Measuring 57 inches by 54 inches by 54 inches, the arms of this sculpture move within spherical parameters deliberately yet unpredictably, responding to the slightest movement of air. This intricate dance of elements, driven by natural forces, transforms the sculpture into a dynamic interplay of mechanical precision and organic fluidity.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>A generation removed from Calder, Rickey came of age during World War II and widespread devastation. Ironically, yet without apology, Rickey honed his skills in precision and complex mechanical systems due to his military experience as a design technician focusing on the maintenance and instruction of aircraft gun turrets. These skills, of course, would later serve him well in fashioning his kinetic sculptures. With that in mind, the precise engineering and organic movement inherent in a Rickey kinetic sculpture symbolizes a bridge between destruction and renewal and serves as a testament to the resilience and innovative spirit of the post-war ethos.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>With its radiating arms extending in multiple directions, "Eight Lines II – Sketch for Twenty-Four Lines" captures the essence of Rickey's meticulous design and engineering prowess. A design full of complexities, each arm, crafted from sleek stainless steel, moves gracefully, reflecting light and creating an ever-changing visual experience. This attention to detail highlights Rickey's skill in making connections that allow fluid movement while maintaining structural integrity.</font></div>

Acht Zeilen II---Skizze für vierundzwanzig Zeilen

57 3/4 x 54 x 54 Zoll.

rostfreier Stahl

Unterzeichnet: 9

Die Liao-Dynastie, auch bekannt als das Khitan-Reich, war ein Reich in Nordchina, das über die Regionen der Mandschurei, der Mongolei und Teile Nordchinas herrschte. Es wurde von der Yelü-Familie des Khitan-Volkes in den letzten Jahren der Tang-Dynastie gegründet, auch wenn sein erster Herrscher, Yelü Abaoji, den Namen der Ära erst 916 bekannt gab. Das Liao-Reich wurde im Jahr 1125 von den Jurchen der Jin-Dynastie zerstört. Die Überreste des Volkes unter der Führung von Yelu Dashi gründeten jedoch die Xi (westliche) Liao-Dynastie (1125-1220), die auch als Kara-Khitan-Khanat bekannt ist und bis zur Ankunft der mongolischen Kavallerie von Dschingis Khan überlebte.

Prozession Ornament

Liao-Dynastie, 907-

22 1/2 x 10 x 8 1/4 Zoll.

vergoldete Bronze

Unterzeichnet: 3

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

Sancai-Glasierter Erdgeist

glasierte Tonwaren

Unterzeichnet: 3

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - Bronze mit grüner Patina - 103 1/2 x 22 x 17 in.

Lignum-Turmspitze

103 1/2 x 22 x 17 Zoll.

Bronze mit grüner Patina

Unterzeichnet: 3

KHMER - Männlicher Torso - Sandstein - 24 x 9 x 5 Zoll.

Männlicher Torso

11. Jahrhundert

24 x 9 x 5 Zoll.

Unterzeichnet: 3

Cylindrical offering posts, ai tos, are erected as offerings to distant ancestors. This post has two faces and represents the first ancestral pair. The people of Belu, also called Tetum, recognize three types of offering pole; ai tos, for distant progenitors, sometimes described as gods; foho, for intermediary beings; and lor, for the recently deported.<br><br>Many offerings are brought to the ai tos. When a carving is first finished, rice and a pig are sacrificed. Later, to inaugurate the post there are massive offerings from the village. At regular intervals the post is dressed in fine clothing, even an artificial beard, and food is brought to the ancestor, bei.

Angebot Post- Aitos

43 1/2 x 11 x 12 Zoll.

Unterzeichnet: 3

This well preserved bell is one of the largest known bronzes from the Southeast Asian Bronze Age, generally named after the Dongson site in North Vietnam. The swirling band design is finely and crisply cast. Dongson bronze drums were also reported in South China, Thailand, Laos, West Malaysia, and Indonesia and as Far East as Western Iranian Java. <br><br>The Dong Son culture is a Bronze age culture including all of southeast Asia and into the Indo-Malaya Archipelago from about 1000 to 1 BC. Centered on the Red River Valley of Vietnam, the Dong Son were sophisticated agriculturalists, raising rice and buffalo. Dong Son probably arose from local Neolithic cultures, such as Phung Nguyen and Dong Dau phases. Dong Son is identified with the Van Lang ruling dynasty, the first ruling dynasty of Vietnam. By the second century BC, impacts from the Han Dynasty in China were being felt and according to historic records, the Dong Son were absorbed into the Han Dynasty territory.

SÜDOSTASIATISCH

Dongson-Kultur (1

22 1/2 x 12 x 10 Zoll.

Unterzeichnet: 3

HERB ALPERT - Krieger - Bronze - 35 x 12 x 12 x 12 in.

35 x 12 x 12 Zoll.

Unterzeichnet: 9

Ausgabe: 6 + 2 AP

AI WEIWEI - "Fairytale" Stühle - Holz - 49 x 45 x 17 1/2 in.

"Märchenhafte" Stühle

49 x 45 x 17 1/2 Zoll.

Unterzeichnet: 3

FELIPE CASTANEDA - Pensando - Marmor - 11 1/2 x 7 x 7 in.

FELIPE CASTANEDA

11 1/2 x 7 x 7 x 7 in.

Dies ist eine königliche Prozessionsszene aus einem mittelalterlichen, indischen Tempel. Der Reiter in der Mitte trägt einen verzierten Helm oder eine Krone, was auf seinen königlichen Status hindeutet. Er wird auf beiden Seiten von zwei Begleitern begleitet, die sich ihm aus Ehrerbietung zuwenden. Auf dem Fries hinter den Reitern beobachtet eine Schar von Anhängern die Prozession. Der Schnitzer hat ein Gefühl der Tiefe vermittelt, indem er die Anhänger auf einem Sims hinter den Hauptfiguren platzierte und diese Nebenfiguren in kleinerem Maßstab darstellte. Auch wenn diese Technik nicht die Raffinesse klassischer griechisch-römischer Friese aufweist, erreicht der Künstler dennoch ein Gefühl von Tiefe und Perspektive, während er gleichzeitig Raum für die voluminöse Darstellung der Pferde und der Hauptfiguren schafft. Darüber hinaus zeigt der Schnitzer besonderes Geschick bei der Detailarbeit an den Sätteln und Geschirren der Pferde sowie an den Stiefeln und gepanzerten Beinkleidern der Reiter.

Prozession mit Pferden

12. Jahrhundert

Breite: 23 Zoll.

Unterzeichnet: 3

CHINESISCH - Sancai-Glasierter Beamter - glasierte Keramik - Höhe: 34 in.

Sancai-glasierter Beamter

Tang-Dynastie (618-

Höhe: 34 Zoll.

glasierte Tonwaren

Unterzeichnet: 3

Provenance: <br>Heather James, CA<br>Private collection, NV (acquired from above May, 2000)

Lingbi - Ein-Loch-Felsen der Gelehrten

Späte Qing-Dynastie

41 1/4 x 14 x 13 Zoll.

Stein auf Holzsockel

Unterzeichnet: 3

CHINESISCH - Kamel - bemalte Steingutkeramik - 11 x 22 x 10 Zoll.

Tang-Dynastie (618-

11 x 22 x 10 Zoll.

bemalte Steingut-Keramik

Unterzeichnet: 3

NATIVE AMERICAN - Socorro Black-on-White Storage Jar - bemalter Ton - 16 x 14 x 14 Zoll.

AMERIKANISCHER UREINWOHNER

Socorro Schwarz-auf-Weiß-Aufbewahrungsgefäß

c. 1100-1250 N. CHR.

16 x 14 x 14 Zoll.

The water buffalo symbolizes virility and suggests wealth and status for the Toraja. Water buffalo motifs appear commonly on houses and granaries suggesting the link between extensive landholding and the ability to build and lavishly decorate traditional Toraja village structures. <br><br>South Sulawesi is home to the Toraja people, who live in a picturesque, mountainous region called Tana Toraja, or Toraja Land. At the center of Toraja culture is a fascinating and complex belief system surrounding death and the afterlife. Death is an elaborate affair, and the prolonged funerals are a major interest to visitors, who can attend the ceremonies but should show the same respect that they would for their own. The funerals typically involve feasting, buffalo sacrifice, dancing and martial arts, culminating with a procession that carries the coffin to its final resting place in one of the many caves on the surrounding cliffs, which are guarded by rock statues. <br><br>The Torajas are equally famous for their houses, which are called Tongkonan, or Family Houses. The houses are built on stilts, and each end rises like the horns of a buffalo, with the points always facing north and south.

GRAINARISCHE TÜR

Unterzeichnet: 8

INDONESISCH - Hudog-Maske - Holz - 25 x 22 x 9 Zoll.

Anfang des 20. Jahrhunderts

25 x 22 x 9 Zoll.

Unterzeichnet: 3

Schamanen tragen die Hudog-Maske, um Patienten zu heilen, indem sie ihre wandernden Seelen wiederherstellen, oder um böse Geister abzuwehren. Die Masken werden auch bei landwirtschaftlichen Zeremonien getragen, deren Riten die Fruchtbarkeit des Landes und der Frauen sicherstellen.

Höhe: 20 Zoll.

Holz und Pigment mit seltenem Wolkenleopardenfell obenauf

Unterzeichnet: 3

DAVID MORRIS - Horn Plenty 2 - vernickeltes Polymer auf Kunststeinbasis - 18 1/2 x 9 1/4 x 11 in.

DAVIDE MORRISSE

18 1/2 x 9 1/4 x 11 Zoll.

vernickeltes Polymer auf Kunststeinbasis

Unterzeichnet: 0

DAVID MACH - Streichholzkopf (großer schwarzer langer Kopf mit Kopfbedeckung) - Streichholz - 12 1/2 x 6 1/2 x 6 in.

Streichholzkopf (großer schwarzer Langkopf mit Kopfbedeckung)

12 1/2 x 6 1/2 x 6 Zoll.

Unterzeichnet: 0

CHINESISCH - "Stock" Figur - bemalte Keramik - Höhe: 23 1/2 in.

"Strichmännchen"

Han-Dynastie (206 v. Chr.)

Höhe: 23 1/2 Zoll.

bemalte Tonwaren

Unterzeichnet: 3

CHINESISCH - "Stock" Figur - bemalte Keramik - Höhe: 24 1/2 in.

"Strichmännchen"

Han-Dynastie (206 v. Chr.)

Höhe: 24 1/2 Zoll.

bemalte Tonwaren

Unterzeichnet: 3

Kulango-Statuen sind selten und werden oft als von der Lobi-Kunst abgeleitet und stark von ihr beeinflusst dargestellt. Die Figuren, die mit den Toten in Verbindung gebracht werden, sind Wesen, die irgendwo zwischen Geistern und Menschen stehen und die Tote, Geister oder Buschgeister darstellen können. Die Figuren stehen Gründungsriten vor, die wichtig sind, um Schutz für neue Häuser zu erhalten. Sie wurden auch von Wahrsagern und den Führern des Familienkults verwendet.

Weibliche Figur

17 x 2 1/2 x 3 Zoll.

Unterzeichnet: 3

AFRIKANISCH - Gesichtsmaske mit Haar - Holz, Haar, Pigmente

Gesichtsmaske mit Haar

Holz, Haare, Pigmente

Unterzeichnet: 3

ÜBER

Willkommen zu einer außergewöhnlichen Reise durch Zeit und Kultur, wie sie in dieser kuratierten Online-Skulpturenausstellung präsentiert wird. Diese Sammlung umspannt Jahrhunderte und Kontinente und zelebriert die grenzenlose Kreativität von Künstlern und Kunsthandwerkern. Von Alexander Calders modernistischen Erkundungen kinetischer Formen über Al Weiweis zeitgenössische Provokationen bis hin zur organischen Eleganz von Bertoias Klangskulpturen - jedes Stück lädt zum Innehalten und Nachdenken ein. Entdecken Sie antike Schätze wie ein glasiertes Pferd aus der Tang-Dynastie, zeitlose daoistische Figuren und afrikanische Zeremonialmasken. Renommierte Meister wie Camille Claudel, Robert Indiana und John Chamberlain erwecken ihre einzigartigen Visionen durch unterschiedliche Materialien und Stile zum Leben. Diese Sammlung verbindet die Antike mit der Moderne und zeigt, dass die Kunst die Kraft hat, zu formen, zu inspirieren und zu fesseln. Ob Sie nun ein erfahrener Kunstliebhaber oder ein neugieriger Entdecker sind, wir laden Sie ein, die Geschichten zu entdecken, die in jedem Werk stecken.

"Der britische Premierminister Winston Churchill spricht mit Präsident Franklin D. Roosevelt nach ihrer Ankunft zur Jalta-Konferenz", National Archives, Collection HST-PHC: Photograph Collection, NAID 350297201

"Der britische Premierminister Winston Churchill spricht mit Präsident Franklin D. Roosevelt nach ihrer Ankunft zur Jalta-Konferenz", National Archives, Collection HST-PHC: Photograph Collection, NAID 350297201

"Sir Winston Leonard Spencer Churchill, 1874-1965", Library of Congress, Drucke

"Sir Winston Leonard Spencer Churchill, 1874-1965", Library of Congress, Prints & Photographs Division, LC-USZ62-49656

"Winston Churchill", Nationalarchiv, NAID 213259596

"Winston Churchill", Nationalarchiv, NAID 213259596

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KÜNSTLER

AFRIKANISCH - Gesichtsmaske mit Haar - Holz, Haar, Pigmente

AI WEIWEI - "Fairytale" Stühle - Holz - 49 x 45 x 17 1/2 in.

HERB ALPERT - Pfeilspitze - Bronze - 201 x 48 x 48 x 48 in.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Harry Bertoia’s “Sonambient” sculptures are a mesmerizing blend of art, sound, and science, and this 36-tine piece is a quintessential example of his innovative genius. Meticulously crafted with 36 rods aligned in a precise six-by-six configuration on a square base, this 77-inch-tall work embodies the harmonious intersection of visual beauty and auditory wonder.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Made from beryllium copper, a material favored by Bertoia for its superior acoustic properties and aesthetic appeal, the rods have developed a rich walnut-like patina over time. This patina adds to the sculpture’s visual allure, enhancing its historical and artistic value, and reflects a natural aging process that the artist himself, a naturalist, would have admired. When activated by touch or the movement of air, the rods produce a perceptible, fixed note accompanied by a range of ethereal tones, transforming the sculpture from a static object into a dynamic, multisensory experience. The long, swaying motion of the tall rods, reminiscent of the undulating desert grasses that inspired the artist initially, adds a captivating visual dimension. The cattail-like finials further evoke natural forms, underscoring Bertoia’s inspiration derived from the natural world.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Bertoia’s 36-tine “Sonambient” sculpture is more than a visual masterpiece; it profoundly explores sound, material, and participatory interaction. It exemplifies Bertoia’s belief in art as an immersive and evolving experience, where each encounter offers discoveries and sensations. Through this work, Bertoia has created a timeless piece that continues to captivate and inspire, highlighting his artistic vision's enduring power and deep connection to nature’s spiritual qualities.</font></div>

Deborah Butterfield nimmt einen bedeutenden Platz im Pantheon der amerikanischen Bildhauer ein und ist bekannt für ihren Pioniergeist und ihre Beherrschung verschiedener Medien. "Beacon" ist aus geformtem Stahl gefertigt und ein Beweis für ihren Mut und ihre Hingabe, künstlerische Grenzen zu überschreiten. Butterfield hat sich den Herausforderungen dieses anspruchsvollen Mediums gestellt, und es ist eine Verschmelzung von Innovation und Tradition. Mit ihrer modernen Ästhetik, die sich durch geschwungene, elegante Linien auszeichnet, ist diese Pferdeskulptur eine Quelle der Verzauberung und lädt den Betrachter in ein Reich ein, in dem zeitgenössische Kunst mit zeitloser Schönheit zusammentrifft. Beacon ehrt die klassische Anmut der Pferdeform und bekräftigt Butterfields Position als Visionär in der Landschaft der modernen Bildhauerei.

deborah butterfield

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

alexander calder

FELIPE CASTANEDA - Mujer en Reposo - bronze - 14 x 9 x 15 3/4 in.

FELIPE CASTANEDA

JOHN CHAMBERLAIN - ASARABACA - Aluminiumfolie in Industriequalität mit Acryllack und Polyesterharz - 20 x 23 x 22 Zoll.

john chamberlain

CHINESISCH - "Stock" Figur - bemalte Keramik - Höhe: 24 1/2 in.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Camille Claudel's life story reflects an era when societal constraints often dimmed the brilliance of women; their genius was viewed as a threat to the male-dominated world. Most introductions to Claudel are steeped in misleading biographical details related to her as Rodin's assistant, mistress, or lover, associations that diminish her achievements as a first-rate sculptor whose work borrows little from Rodin in style or subject matter. Despite these challenges, Claudel's legacy has endured, celebrated through exhibitions, biographies, and films since her rediscovery in 1982. </font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black><em>“La Vague (The Wave),”</em> a remarkable sculpture of three women frolicking joyfully, embodies Claudel's passion for art and connection to nature. The women, their hair unruly like the sea, are depicted in a moment of freedom and abandon, yet the looming wave hints at the inevitable sorrow to come—a metaphor for Claudel's life, shadowed by fate. This piece, initially shown in plaster and later cast in bronze with an onyx marble wave, draws direct inspiration from Hokusai's <em>“The Great Wave,”</em> reflecting the Parisian fascination with Japanese art at the time. While <em>“La Vague”</em> showcases Claudel's technical mastery and the influence of Japanese aesthetics, it also poignantly symbolizes her acceptance of the overpowering forces of nature and the tragic course her life would ultimately take. This bronze, cast in 1997, is one of only two not held in a museum, further emphasizing the rarity of and reverence for Claudel's work.</font></div>

camille claudel

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

elaine de kooning

Dies ist eine königliche Prozessionsszene aus einem mittelalterlichen, indischen Tempel. Der Reiter in der Mitte trägt einen verzierten Helm oder eine Krone, was auf seinen königlichen Status hindeutet. Er wird auf beiden Seiten von zwei Begleitern begleitet, die sich ihm aus Ehrerbietung zuwenden. Auf dem Fries hinter den Reitern beobachtet eine Schar von Anhängern die Prozession. Der Schnitzer hat ein Gefühl der Tiefe vermittelt, indem er die Anhänger auf einem Sims hinter den Hauptfiguren platzierte und diese Nebenfiguren in kleinerem Maßstab darstellte. Auch wenn diese Technik nicht die Raffinesse klassischer griechisch-römischer Friese aufweist, erreicht der Künstler dennoch ein Gefühl von Tiefe und Perspektive, während er gleichzeitig Raum für die voluminöse Darstellung der Pferde und der Hauptfiguren schafft. Darüber hinaus zeigt der Schnitzer besonderes Geschick bei der Detailarbeit an den Sätteln und Geschirren der Pferde sowie an den Stiefeln und gepanzerten Beinkleidern der Reiter.

The water buffalo symbolizes virility and suggests wealth and status for the Toraja. Water buffalo motifs appear commonly on houses and granaries suggesting the link between extensive landholding and the ability to build and lavishly decorate traditional Toraja village structures. <br><br>South Sulawesi is home to the Toraja people, who live in a picturesque, mountainous region called Tana Toraja, or Toraja Land. At the center of Toraja culture is a fascinating and complex belief system surrounding death and the afterlife. Death is an elaborate affair, and the prolonged funerals are a major interest to visitors, who can attend the ceremonies but should show the same respect that they would for their own. The funerals typically involve feasting, buffalo sacrifice, dancing and martial arts, culminating with a procession that carries the coffin to its final resting place in one of the many caves on the surrounding cliffs, which are guarded by rock statues. <br><br>The Torajas are equally famous for their houses, which are called Tongkonan, or Family Houses. The houses are built on stilts, and each end rises like the horns of a buffalo, with the points always facing north and south.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Donald Judd's role in defining the Minimalist movement is pivotal. He rejected traditional modes of representation, favoring the creation of objects that challenge viewers to find beauty in simplicity and the precision of industrial materials. Judd transformed the landscape of modern art with forms that are clean, unembellished, and elegant in their simplicity.<em> "Untitled"</em> exemplifies this minimalist approach, where form, material, and longevity are the primary focus.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>In the context of Judd's oeuvre, the anodized aluminum surface of <em>"Untitled"</em> allows for a smooth, consistent finish that enhances the minimalist aesthetic by highlighting pure form and material, free from the distractions of imperfections or the need for additional surface treatments like paint. More significantly, an anodized surface is corrosion-resistant, underscoring that Judd is not merely creating art for the present moment but crafting pieces intended to endure indefinitely, preserving their pristine, minimalist aesthetic for posterity. Created in an edition of 12 and measuring 41.5 inches in length, with a depth and height of 6.25 inches, <em>"Untitled" </em>exemplifies this meticulous approach, showcasing the industrial aesthetic that Judd so effectively brought into the realm of fine art. Its clean, unembellished form emphasizes the importance of material and the geometric purity that Judd sought to achieve.</font></div>

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - Bronze mit grüner Patina - 103 1/2 x 22 x 17 in.

KHMER - Kopf von Avalokiteshvara - grauer Sandstein - 13 x 7 x 7 in.

DAVID MACH - Streichholzkopf (großer schwarzer langer Kopf mit Kopfbedeckung) - Streichholz - 12 1/2 x 6 1/2 x 6 in.

DAVID MACHE

JOAN MIRO - L'Oiseau - Bronze und Ziegelstein - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

DAVID MORRIS - Horn Plenty 2 - vernickeltes Polymer auf Kunststeinbasis - 18 1/2 x 9 1/4 x 11 in.

DAVIDE MORRISSE

NATIVE AMERICAN - Socorro Black-on-White Storage Jar - bemalter Ton - 16 x 14 x 14 Zoll.

einheimische amerikanisch

Manuel Neris frühe Pappmaché-Arbeiten waren bahnbrechend für die bildhauerische Technik, und seine Herangehensweise an die Bemalung seiner Skulpturen spiegelt seine tiefe Auseinandersetzung mit dem Ausdruckspotenzial von Farbe und Form wider. Die Wahl und Platzierung der Farben in Hombre Colorado II erzeugt eine besonders intensive Reaktion, die sein nuanciertes Verständnis der psychologischen und emotionalen Dimension von Farbe widerspiegelt. Das 1958 konzipierte und produzierte Werk Hombre Colorado II spiegelt eine Zeit wider, in der Neri und seine Frau Joan Brown in einem reichen künstlerischen Austausch standen und maßgeblich zur Entwicklung ihres jeweiligen Stils und der figurativen Bewegung der Bay Area beitrugen, in der sie eine wichtige Rolle spielten.

MARC QUINN - Lovebomb - Fotolaminat auf Aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 Zoll.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Trace a line from Alexander Calder to the kinetic achievements of George Rickey, and it is clear both are engineers of beauty. Their creations are feats of invention and artistry that honor our experience of them. The present Rickey sculpture "Eight Lines II – Sketch for Twenty-Four Lines" exemplifies the artist's intentions to bridge the gap between engineering precision and artistic expression, offering a mesmerizing display of motion and balance. Measuring 57 inches by 54 inches by 54 inches, the arms of this sculpture move within spherical parameters deliberately yet unpredictably, responding to the slightest movement of air. This intricate dance of elements, driven by natural forces, transforms the sculpture into a dynamic interplay of mechanical precision and organic fluidity.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>A generation removed from Calder, Rickey came of age during World War II and widespread devastation. Ironically, yet without apology, Rickey honed his skills in precision and complex mechanical systems due to his military experience as a design technician focusing on the maintenance and instruction of aircraft gun turrets. These skills, of course, would later serve him well in fashioning his kinetic sculptures. With that in mind, the precise engineering and organic movement inherent in a Rickey kinetic sculpture symbolizes a bridge between destruction and renewal and serves as a testament to the resilience and innovative spirit of the post-war ethos.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>With its radiating arms extending in multiple directions, "Eight Lines II – Sketch for Twenty-Four Lines" captures the essence of Rickey's meticulous design and engineering prowess. A design full of complexities, each arm, crafted from sleek stainless steel, moves gracefully, reflecting light and creating an ever-changing visual experience. This attention to detail highlights Rickey's skill in making connections that allow fluid movement while maintaining structural integrity.</font></div>

Als Tochter des minimalistischen Bildhauers Tony Smith ist Kikis Kunst nicht auf ein einziges Medium oder eine einzige Technik beschränkt, und ihre Arbeiten laden oft zu vielfältigen Interpretationen ein. Club verkörpert die Form und die Dimensionen eines menschlichen Beins, des wesentlichen Elements für Bewegung und Stabilität. Smiths Titel lädt den Betrachter dazu ein, sich ein Bein als Waffe vorzustellen und über die Zerbrechlichkeit des menschlichen Zustands, die Machtdynamik der körperlichen Autonomie und das komplexe Wechselspiel zwischen Stärke und Verletzlichkeit nachzudenken. Eine solche Verwandlung eines Körperteils in ein Objekt vermittelt sowohl Schutz als auch Aggression und reflektiert darüber, wie geschlechtsspezifische Körper in unserem sozialen und persönlichen Umfeld navigieren. Club ist ein Beispiel für Smiths Fähigkeit, symbolträchtige Werke zu schaffen, die offen für Interpretationen sind und zum Nachdenken über die menschliche Erfahrung anregen.

This well preserved bell is one of the largest known bronzes from the Southeast Asian Bronze Age, generally named after the Dongson site in North Vietnam. The swirling band design is finely and crisply cast. Dongson bronze drums were also reported in South China, Thailand, Laos, West Malaysia, and Indonesia and as Far East as Western Iranian Java. <br><br>The Dong Son culture is a Bronze age culture including all of southeast Asia and into the Indo-Malaya Archipelago from about 1000 to 1 BC. Centered on the Red River Valley of Vietnam, the Dong Son were sophisticated agriculturalists, raising rice and buffalo. Dong Son probably arose from local Neolithic cultures, such as Phung Nguyen and Dong Dau phases. Dong Son is identified with the Van Lang ruling dynasty, the first ruling dynasty of Vietnam. By the second century BC, impacts from the Han Dynasty in China were being felt and according to historic records, the Dong Son were absorbed into the Han Dynasty territory.

Südost asiatisch

Francisco Zúñiga begann schon als Junge mit der Bildhauerei, als er seinem Vater, einem lokalen Bildhauer von Holzsantos, assistierte. Nachdem er 1936 aus seinem Heimatland Costa Rica nach Mexiko gekommen war, wandte er sich endgültig der Bildhauerei zu und entwickelte ein breit gefächertes, auf der Figur basierendes Werk, das die direkte Schnitzerei in Holz, das Modellieren in Ton, die direkte Bearbeitung von hartem Stein und den Bronzeguss umfasst. "Desnundo Reclinado de Dolores" ist insofern ein Novum, als es weder sein Interesse an präkolumbianischer Kunst noch seine Beharrlichkeit widerspiegelt, indianisch aussehende Frauen mit übertriebenen Hüften und Bäuchen darzustellen. Stattdessen handelt es sich um eine klassisch modellierte Meisterleistung einer hüftdrehenden, auf die Unterarme gestützten knienden Frau, die Rodin mit Stolz als seine eigene bezeichnen würde.

francisco zuniga

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