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Une sélection de sculptures

23 octobre 2024 - 28 février 2025

Virtuel

ARTWORK À PROPOS DE ENQUÊTE RESSOURCES SUPPLÉMENTAIRES ARTISTES

ŒUVRE D'ART

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

OFFRE SPÉCIALE

ALEXANDRE CALDER

Prélude au mangeur d'hommes

59 x 42 x 18 pouces.

tôle, fil de fer, peinture

OFFRE SPÉCIALE

Cercle des animaux/têtes du zodiaque : Or

bronze doré en 12 parties

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Camille Claudel's life story reflects an era when societal constraints often dimmed the brilliance of women; their genius was viewed as a threat to the male-dominated world. Most introductions to Claudel are steeped in misleading biographical details related to her as Rodin's assistant, mistress, or lover, associations that diminish her achievements as a first-rate sculptor whose work borrows little from Rodin in style or subject matter. Despite these challenges, Claudel's legacy has endured, celebrated through exhibitions, biographies, and films since her rediscovery in 1982. </font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black><em>“La Vague (The Wave),”</em> a remarkable sculpture of three women frolicking joyfully, embodies Claudel's passion for art and connection to nature. The women, their hair unruly like the sea, are depicted in a moment of freedom and abandon, yet the looming wave hints at the inevitable sorrow to come—a metaphor for Claudel's life, shadowed by fate. This piece, initially shown in plaster and later cast in bronze with an onyx marble wave, draws direct inspiration from Hokusai's <em>“The Great Wave,”</em> reflecting the Parisian fascination with Japanese art at the time. While <em>“La Vague”</em> showcases Claudel's technical mastery and the influence of Japanese aesthetics, it also poignantly symbolizes her acceptance of the overpowering forces of nature and the tragic course her life would ultimately take. This bronze, cast in 1997, is one of only two not held in a museum, further emphasizing the rarity of and reverence for Claudel's work.</font></div>

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CAMILLE CLAUDEL

24 1/4 x 19 x 24 in.

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

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ELAINE DE KOONING

Sans titre (Totem Pole)

97 x 12 3/8 x 12 3/8 po.

huile sur toile tendue sur des cylindres en carton

Under the Tang China experienced a period of great cultural flowering, remarkable for its achievements across all areas of the arts and sciences. The tolerance of the Tang Imperial Court to outside influence and the free movement along the East- West trade route known as the Silk Road saw major urban centres become thriving cosmopolitan cities, with the Chinese capital, Chang’an (modern Xian) expanding to reach a population of over one million.<br><br>In keeping with centuries of tradition, funerary rites remained very important. A separate government department existed with responsibility for overseeing the manufacture of funerary wares. Officially there were limits on the number of grave goods and restrictions on the size of the objects which could accompany the deceased, according to rank – the highest ranked officials were meant to have a maximum of 90 figurines, no more than 30cm tall while members of the Imperial family were allowed several hundred up to about one meter tall. However, these rules were frequently broken. The deceased’s relatives believed they could improve their ancestor’s status in the afterlife by providing mingqi in excess of necessity, thereby ensuring their own good fortune. Tang Dynasty figurative ceramics share particular characteristics. The forms are animated and life-like, the subject matter covers all aspects of social and ritual life and the scale of the figures was reasonably small with the exception of some magnificent larger works commissioned for the tombs of the elite. Figures of courtiers and entertainers, polo players and the exotic travelers who now regularly arrived in the Chinese cities with their great pack camels became common place, illustrating the cosmopolitan nature of the times. The variety of forms tells us that craftsmen had scope for individual innovation and were not controlled by rules regarding particular styles. Now the funerary wares spoke not only of power and military strength, but also of the sophistication and intellectual achievements of the deceased.

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Cheval vitrifié avec couverture de fourrure coupée

Dynastie Tang (618-

29 1/2 x 33 x 12 in.

poterie émaillée

HERB ALPERT - Arrowhead - bronze - 201 x 48 x 48 po.

OFFRE SPÉCIALE

201 x 48 x 48 po.

Édition : 3 + 2 AP

Francisco Zúñiga a créé de la sculpture lorsqu’il était enfant lorsqu’il assistait son père, un sculpteur local de santos en bois. Il s’est résolument tourné vers la sculpture après son arrivée au Mexique de son Costa Rica natal en 1936 et a développé un vaste corpus d’œuvres basé sur la figure qui s’étend de la sculpture directe sur bois, du modelage dans l’argile, de la sculpture directement sur pierre dure et de la fonte du bronze. « Desnundo Reclinado de Dolores » est un changement en ce sens qu’il ne reflète ni son intérêt pour l’art précolombien ni sa persistance à représenter des femmes d’apparence indigène avec des hanches et un ventre exagérés. Au lieu de cela, il s’agit d’un tour de force classique d’une femme agenouillée à la hanche et soutenue par l’avant-bras que Rodin aurait été fier de revendiquer comme la sienne.

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ZUNIGA FRANCISCO

Desnudo reclinado de Dolores

21 x 43 1/4 x 21 1/2 in.

bronze à patine verte

Édition : III/VI

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Standing at an impressive 103 inches, this elegantly spare “Sonambient” sculpture by Harry Bertoia allows us to marvel at one of the finest artisans of his generation. This piece, the tallest in the series currently available here at Heather James Fine Art, features a precise arrangement of 36 slender tines in a 6 x 6 grid. This arrangement's uniformity and symmetry are visually captivating and crucial for the sculpture's acoustic properties. The rods, austere and uncapped by finials, have an aged patina with copper undertones, suggesting Bertoia's use of copper or a similar alloy known for its resonant qualities and distinctive coloration. Given the outstanding length of these rods, the attachment method is particularly noteworthy. Bertoia meticulously inserted each rod into individual holes in the base plate using precision drilling and securing techniques such as welding that ensured the rods were firmly anchored and stable, maintaining the structural integrity essential for consistent acoustic performance.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Beyond his uncompromising nature, Bertoia's work draws significant inspiration from natural elements. This sculpture's tall, slender rods evoke images of reeds or tall grasses swaying gently in the wind. This dynamic interaction between the sculpture and its environment mirrors the movement of plants, creating an immersive, naturalistic experience. Yet when activated or moved by air currents, the rods of this monumental work initiate metallic undertones that confirm its materiality without betraying its profound connection to the natural world.</font></div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Integrating technical precision and natural inspiration depends on exacting construction that ensures durability and acoustic consistency, while its kinetic and auditory nature imbues the piece with a sense of vitality. This fusion invites viewers to engage with the sculpture on multiple sensory levels, appreciating its robust craftsmanship and evocative, naturalistic qualities. Bertoia's ability to blend these elements results in a work that is both a technical marvel and a tribute to the beauty of the natural world.</font></div>

OFFRE SPÉCIALE

Sans titre (Sculpture sonore)

103 x 16 x 16 pouces

JOHN CHAMBERLAIN - ASARABACA - feuille d'aluminium de poids industriel avec laque acrylique et résine de polyester - 20 x 23 x 22 po.

OFFRE SPÉCIALE

JOHN CHAMBERLAIN (EN)

20 x 23 x 22 in.

Feuille d'aluminium de poids industriel avec laque acrylique et résine polyester

After disappointing sales at Weyhe Gallery in 1928, Calder turned from sculpted wire portraits and figures to the more conventional medium of wood. On the advice of sculptor Chaim Gross, he purchased small blocks of wood from Monteath, a Brooklyn supplier of tropical woods. He spent much of that summer on a Peekskill, New York farm carving. In each case, the woodblock suggested how he might preserve its overall shape and character as he subsumed those attributes in a single form. There was a directness about working in wood that appealed to him. Carved from a single block of wood, Woman with Square Umbrella is not very different from the subjects of his wire sculptures except that he supplanted the ethereal nature of using wire with a more corporeal medium.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

OFFRE SPÉCIALE

ALEXANDRE CALDER

Femme avec le parapluie carré

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Donald Judd's role in defining the Minimalist movement is pivotal. He rejected traditional modes of representation, favoring the creation of objects that challenge viewers to find beauty in simplicity and the precision of industrial materials. Judd transformed the landscape of modern art with forms that are clean, unembellished, and elegant in their simplicity.<em> "Untitled"</em> exemplifies this minimalist approach, where form, material, and longevity are the primary focus.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>In the context of Judd's oeuvre, the anodized aluminum surface of <em>"Untitled"</em> allows for a smooth, consistent finish that enhances the minimalist aesthetic by highlighting pure form and material, free from the distractions of imperfections or the need for additional surface treatments like paint. More significantly, an anodized surface is corrosion-resistant, underscoring that Judd is not merely creating art for the present moment but crafting pieces intended to endure indefinitely, preserving their pristine, minimalist aesthetic for posterity. Created in an edition of 12 and measuring 41.5 inches in length, with a depth and height of 6.25 inches, <em>"Untitled" </em>exemplifies this meticulous approach, showcasing the industrial aesthetic that Judd so effectively brought into the realm of fine art. Its clean, unembellished form emphasizes the importance of material and the geometric purity that Judd sought to achieve.</font></div>

OFFRE SPÉCIALE

5 7/8 x 41 3/8 x 5 7/8 in.

aluminium extrudé anodisé

Edition : 12/12

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronze et parpaing - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

OFFRE SPÉCIALE

23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

bronze et parpaing

Deborah Butterfield occupe une place importante dans le panthéon des sculpteurs américains, réputée pour son esprit pionnier et sa maîtrise de divers médiums. Fabriqué en acier formé, « Beacon » témoigne de son audace et de son dévouement à repousser les limites artistiques. Butterfield a relevé les défis de ce médium exigeant, et c’est une fusion d’innovation et de tradition. Avec son esthétique moderne caractérisée par des lignes amples et élégantes, cette sculpture de cheval est une source d’enchantement, invitant le spectateur dans un royaume où l’art contemporain converge avec une beauté intemporelle. Beacon honore la grâce classique de la forme équine et réaffirme la position de Butterfield en tant que visionnaire dans le paysage de la sculpture moderne.

OFFRE SPÉCIALE

DEBORAH BUTTERFIELD (EN)

45 1/2 x 54 x 13 1/2 po.

acier formé et soudé

Fille du sculpteur minimaliste Tony Smith, l'art de Kiki ne se limite pas à un seul médium ou à une seule technique, et son travail invite souvent à de multiples interprétations. Club incarne la forme et les dimensions d'une jambe humaine, élément essentiel du mouvement et de la stabilité. Le titre de Smith invite le spectateur à réimaginer une jambe comme une arme et à réfléchir à la fragilité de la condition humaine, à la dynamique de pouvoir de l'autonomie corporelle et à l'interaction complexe entre la force et la vulnérabilité. Cette transformation d'une partie du corps en objet véhicule à la fois la protection et l'agression et réfléchit à la manière dont les corps sexués naviguent dans notre environnement social et personnel. Club illustre la capacité de Smith à créer des œuvres riches en symboles, ouvertes à l'interprétation, et à susciter une réflexion sur l'expérience humaine.

OFFRE SPÉCIALE

Manuel Neri était une figure centrale du Bay Area Figurative Movement dans les années 1960. Au lieu de formes abstraites, le groupe mettait l'accent sur l'émotion à travers la puissance de la forme humaine. La présente œuvre, "Sans titre" (1982), explore la forme féminine à l'échelle réelle. Tout au long de ses 60 ans de carrière, Neri a préféré travailler avec un seul modèle, Maria Julia Klimenko. L'absence de visage dans de nombreuses sculptures ajoute un élément de mystère et d'ambiguïté. Dans "Sans titre", la composition est axée sur la structure et la forme de la figure. Manuel Neri est représenté dans de nombreuses collections de musées à travers le monde, notamment à la Addison Gallery/Phillips Academy, à la Anderson Collection de l'université de Stanford, à l'Art Institute of Chicago, au Cantor Arts Center de l'université de Stanford, au Cincinnati Art Museum, au Crocker Art Museum de Sacramento, en Californie, au Denver Art Museum, au El Paso Museum of Art, au Texas, aux Fine Arts Museums de San Francisco, aux Harvard University Art Museums, au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, D. C., au Honolulu Museum of Art, à l'Université de Californie du Sud, à l'Université de Californie du Sud et à l'Université de Californie du Sud.C. ; Honolulu Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, New York et la National Gallery of Art, Washington, DC.

OFFRE SPÉCIALE

67 x 24 x 26 in.

Lorsqu’un cheval se couche, c’est parce qu’il se sent en sécurité, ce qui, pour Deborah Butterfield, est une façon de dire qu’il est normal de se rendre vulnérable. « Echo », construit de manière à respecter ses compétences en matière de recherche de nourriture et sa capacité à souder le métal, n’adhère pas à une représentation traditionnelle d’un cheval, mais révèle plutôt quelque chose de sa nature essentielle. Construite à partir de tôles d’acier assemblées, certaines ondulées, d’autres pliées ou serties, c’est une pièce qui porte la marque du temps, vieillie jusqu’à une patine brun rouille, des imperfections célébrées plutôt que dissimulées. Le choix délibéré des matériaux et de leur traitement par Butterfield ajoute de la profondeur et du caractère, transformant Untitled, Echo en plus d’une simple représentation équine - il reflète la beauté sauvage et la résilience de l’animal qu’il représente.

OFFRE SPÉCIALE

DEBORAH BUTTERFIELD (EN)

26 x 107 x 76 in.

l'acier et l'étain

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Harry Bertoia’s “Sonambient” sculptures are a mesmerizing blend of art, sound, and science, and this 36-tine piece is a quintessential example of his innovative genius. Meticulously crafted with 36 rods aligned in a precise six-by-six configuration on a square base, this 77-inch-tall work embodies the harmonious intersection of visual beauty and auditory wonder.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Made from beryllium copper, a material favored by Bertoia for its superior acoustic properties and aesthetic appeal, the rods have developed a rich walnut-like patina over time. This patina adds to the sculpture’s visual allure, enhancing its historical and artistic value, and reflects a natural aging process that the artist himself, a naturalist, would have admired. When activated by touch or the movement of air, the rods produce a perceptible, fixed note accompanied by a range of ethereal tones, transforming the sculpture from a static object into a dynamic, multisensory experience. The long, swaying motion of the tall rods, reminiscent of the undulating desert grasses that inspired the artist initially, adds a captivating visual dimension. The cattail-like finials further evoke natural forms, underscoring Bertoia’s inspiration derived from the natural world.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Bertoia’s 36-tine “Sonambient” sculpture is more than a visual masterpiece; it profoundly explores sound, material, and participatory interaction. It exemplifies Bertoia’s belief in art as an immersive and evolving experience, where each encounter offers discoveries and sensations. Through this work, Bertoia has created a timeless piece that continues to captivate and inspire, highlighting his artistic vision's enduring power and deep connection to nature’s spiritual qualities.</font></div>

OFFRE SPÉCIALE

Sans titre (Sculpture sonore)

77 x 11 x 11 pouces.

Les premières œuvres en papier mâché de Manuel Neri ont ouvert la voie à la technique sculpturale, et son approche de la peinture de ses sculptures reflète son profond engagement dans le potentiel expressif de la couleur et de la forme. Le choix et la disposition des couleurs dans Hombre Colorado II créent une réponse particulièrement viscérale qui reflète sa compréhension nuancée de la dimension psychologique et émotionnelle de la couleur. Conçu et produit en 1958, Hombre Colorado II reflète une époque où Neri et sa femme Joan Brown étaient engagés dans un riche échange artistique et contribuaient de manière significative à l'évolution de leurs styles respectifs et du mouvement figuratif de la Bay Area, dans lequel ils jouaient un rôle essentiel.

OFFRE SPÉCIALE

Hombre Colorado II

65 1/2 x 27 x 10 in.

Deborah Butterfield est une sculptrice américaine, surtout connue pour ses sculptures de chevaux faites d'objets en bois, en métal et autres objets trouvés. La pièce de 1981, Untitled (Cheval), est composée de bâtons et de papier sur armature métallique. L'échelle impressionnante de cette pièce crée un effet remarquable en personne, présentant un exemple frappant du célèbre sujet de Butterfield. À l'origine, Butterfield a créé les chevaux à partir du bois et d'autres matériaux trouvés sur sa propriété à Bozeman, au Montana, et a vu les chevaux comme un autoportrait métaphorique, exploitant la résonance émotionnelle de ces formes.

OFFRE SPÉCIALE

DEBORAH BUTTERFIELD (EN)

Sans titre (Cheval)

100 x 157 x 36 po.

bâtons et papier sur l'armature de fil

HERB ALPERT - Vibrato - bronze - 93 x 14 in.

OFFRE SPÉCIALE

À la fin des années 1990, Manuel Neri a commencé à transformer de nombreuses sculptures en plâtre en bronze, revenant souvent à des œuvres antérieures pour produire de nouvelles interprétations imaginées de chaque pièce. Ces séries, presque indiscernables en termes de forme et de détails de surface, explorent l'impact de différentes combinaisons de couleurs et de marquages qui impliquent diverses actions, notamment l'incision, le brossage, le grattage ou la superposition de matériaux. En expérimentant différentes techniques de marquage, Neri a pu explorer l'interaction entre la forme, la couleur, la texture et la lumière. Dans le contexte de la Figure debout n° 3, Neri a limité sa palette à une palette de couleurs analogues, en diluant la peinture pour créer des gradations subtiles qui mettent en valeur l'extérieur lisse et raffiné de la sculpture.

OFFRE SPÉCIALE

Figure debout sans titre n° 3

66 3/4 x 19 x 13 1/2 po.

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

OFFRE SPÉCIALE

L'esprit de la terre vitrée de Sancai

Dynastie Tang (618-

47 1/4 x 14 x 14 in.

poterie émaillée

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing used the three glaze-colors were ochre or brown, green and clear. Glazed wares were much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>This Sancai-Glazed Horse would have been an incredible status symbol for its owner and many have been lost to time. This sculpture is comparable to examples held in museum collections worldwide, including the Metropolitan Museum of Art, New York.

OFFRE SPÉCIALE

Cheval glacé de Sancai

Dynastie Tang (618-

25 x 26 x 9 in.

poterie émaillée

CHINOIS - Figure taoïste en bois - bois laqué et peint - 47 x 20 x 19 in.

OFFRE SPÉCIALE

Figure taoïste en bois

14ème-17ème siècle

47 x 20 x 19 in.

bois laqué et peint

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Harry Bertoia was an authentic visionary in art, and they are rare. Of those whose métier is sculpture, Alexander Calder and Harry Bertoia are the twentieth-century American standouts. They are engineers of beauty; their creative currency is feats of invention and pure artistry that honor our experience of them (if we are willing to quiet our mind) as if a sacred event. It was Duchamp who suggested Calder call his kinetic works “mobiles”, but it was up to Bertoia himself to coin a word to describe something for which there was little precedent. Visually precise, kinetic, and offering resonant, vibratory sound, a “Sonambient” sculpture is at once a metaphor for our sentient experience in the world yet capable of inducing an aura of transcendent experience. Given that insight, it is easy to understand Bertoia’s view that “I don’t hold onto terms like music and sculpture anymore. Those old distinctions have lost all their meaning.”</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>The present “Sonambient” sculpture is a forty-eight-inch-tall curtain of thin-gauged tines. Once activated, it becomes a 15 3/4 inch long, 8 inches deep wall of sound. Five rows of narrow tines are staggered in number, alternating between 30 and 29 tines that, when activated, present as an undulating wall of sound. When touched or moved by air currents, the rods produce a sound that, while metallic, does not betray its source of inspiration: the serene connection Bertoia felt in observing the gentle undulating movement of desert grasses. As always, this is a Bertoia sculpture that invites participation in the experience of changing shapes and sounds, a participatory work that asks us to be present in the moment, to connect across time with the object and its creator.</font></div>

OFFRE SPÉCIALE

Sans titre (Sculpture sonore)

48 x 15 3/4 x 8 po.

MARC QUINN - Lovebomb - photo laminée sur aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

OFFRE SPÉCIALE

108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

photo laminée sur aluminium

<div><font size=3 color=black>Harry Bertoia's “Sonambient” sculptures are renowned for their meditative qualities, inviting viewers into a serene and contemplative state. Among the five “Sonambients” in our exhibition, even this most petite sculpture stands out with its remarkable sonic capabilities. This work, with its 64 tines, each capped with long, slender finials, produces a high-timbered sonority that is surprisingly robust. The delicate yet powerful sound offers an auditory experience that encourages reflection and heightened awareness.</font></div><br><br><div><font size=3> </font></div><br><br><div><font size=3 color=black>A pivotal aspect of the “Sonambient” sculptures' evolution was the involvement of Bertoia's brother, Oreste, whose expertise as a musician enabled him to help Harry reconceptualize these sculptures, not just as visual or kinetic art but as instruments capable of producing an immersive soundscape. This collaboration highlighted the interdisciplinary nature of Bertoia's work, merging the worlds of sculpture and music. Experimenting with rods and tines of different metals, varying in length and thickness, he discovered a wide range of tones and textural droning sounds. Exhilarated by their ethereal, otherworldly resonance and his brother's encouragement, Bertoia filled his historic barn in Bally, Pennsylvania, with more than sixty “Sonambient” sculptures. It became a kind of orchestral studio and laboratory where he recorded albums and held concerts, and the once lowly barn became a hallowed place—a chapel of sorts—where visitors experienced it as a pilgrimage and a place of profound inspiration and meditation.</font></div>

OFFRE SPÉCIALE

Sans titre (Sculpture sonore)

40 1/2 x 8 x 8 po.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Trace a line from Alexander Calder to the kinetic achievements of George Rickey, and it is clear both are engineers of beauty. Their creations are feats of invention and artistry that honor our experience of them. The present Rickey sculpture "Eight Lines II – Sketch for Twenty-Four Lines" exemplifies the artist's intentions to bridge the gap between engineering precision and artistic expression, offering a mesmerizing display of motion and balance. Measuring 57 inches by 54 inches by 54 inches, the arms of this sculpture move within spherical parameters deliberately yet unpredictably, responding to the slightest movement of air. This intricate dance of elements, driven by natural forces, transforms the sculpture into a dynamic interplay of mechanical precision and organic fluidity.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>A generation removed from Calder, Rickey came of age during World War II and widespread devastation. Ironically, yet without apology, Rickey honed his skills in precision and complex mechanical systems due to his military experience as a design technician focusing on the maintenance and instruction of aircraft gun turrets. These skills, of course, would later serve him well in fashioning his kinetic sculptures. With that in mind, the precise engineering and organic movement inherent in a Rickey kinetic sculpture symbolizes a bridge between destruction and renewal and serves as a testament to the resilience and innovative spirit of the post-war ethos.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>With its radiating arms extending in multiple directions, "Eight Lines II – Sketch for Twenty-Four Lines" captures the essence of Rickey's meticulous design and engineering prowess. A design full of complexities, each arm, crafted from sleek stainless steel, moves gracefully, reflecting light and creating an ever-changing visual experience. This attention to detail highlights Rickey's skill in making connections that allow fluid movement while maintaining structural integrity.</font></div>

OFFRE SPÉCIALE

Huit lignes II---Croquis pour vingt-quatre lignes

57 3/4 x 54 x 54 po

acier inoxydable

La dynastie Liao, également connue sous le nom d'empire Khitan, était un empire du nord de la Chine qui régnait sur les régions de la Mandchourie, de la Mongolie et sur certaines parties du nord de la Chine proprement dite. Il a été fondé par la famille Yelü du peuple khitan dans les dernières années de la dynastie Tang, même si son premier souverain, Yelü Abaoji, n'a déclaré un nom d'ère qu'en 916. L'empire Liao a été détruit par les Jurchen de la dynastie Jin en 1125. Cependant, des vestiges de son peuple dirigés par Yelu Dashi ont établi la dynastie Xi (occidentale) Liao 1125-1220, également connue sous le nom de Kara-Khitan Khanate, qui a survécu jusqu'à l'arrivée de la cavalerie mongole de Gengis Khan.

OFFRE SPÉCIALE

Ornement de procession

Dynastie Liao, 907-

22 1/2 x 10 x 8 1/4 po.

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

OFFRE SPÉCIALE

L'esprit de la terre vitrée de Sancai

Hauteur : 44 in.

poterie émaillée

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - bronze à patine verte - 103 1/2 x 22 x 17 in.

OFFRE SPÉCIALE

La flèche de Lignum

103 1/2 x 22 x 17 in.

bronze à patine verte

KHMER - Torse d'homme - grès - 24 x 9 x 5 in.

OFFRE SPÉCIALE

Cylindrical offering posts, ai tos, are erected as offerings to distant ancestors. This post has two faces and represents the first ancestral pair. The people of Belu, also called Tetum, recognize three types of offering pole; ai tos, for distant progenitors, sometimes described as gods; foho, for intermediary beings; and lor, for the recently deported.<br><br>Many offerings are brought to the ai tos. When a carving is first finished, rice and a pig are sacrificed. Later, to inaugurate the post there are massive offerings from the village. At regular intervals the post is dressed in fine clothing, even an artificial beard, and food is brought to the ancestor, bei.

OFFRE SPÉCIALE

Offre d'emploi - Aitos

43 1/2 x 11 x 12 in.

This well preserved bell is one of the largest known bronzes from the Southeast Asian Bronze Age, generally named after the Dongson site in North Vietnam. The swirling band design is finely and crisply cast. Dongson bronze drums were also reported in South China, Thailand, Laos, West Malaysia, and Indonesia and as Far East as Western Iranian Java. <br><br>The Dong Son culture is a Bronze age culture including all of southeast Asia and into the Indo-Malaya Archipelago from about 1000 to 1 BC. Centered on the Red River Valley of Vietnam, the Dong Son were sophisticated agriculturalists, raising rice and buffalo. Dong Son probably arose from local Neolithic cultures, such as Phung Nguyen and Dong Dau phases. Dong Son is identified with the Van Lang ruling dynasty, the first ruling dynasty of Vietnam. By the second century BC, impacts from the Han Dynasty in China were being felt and according to historic records, the Dong Son were absorbed into the Han Dynasty territory.

OFFRE SPÉCIALE

ASIE DU SUD-EST

Culture Dongson (1

22 1/2 x 12 x 10 in.

HERB ALPERT - Guerrier - bronze - 35 x 12 x 12 x 12 po.

OFFRE SPÉCIALE

35 x 12 x 12 in.

Édition : 6 + 2 AP

AI WEIWEI - Chaises "Fairytale" - bois - 49 x 45 x 17 1/2 in.

OFFRE SPÉCIALE

"Chaises "Fairytale

49 x 45 x 17 1/2 in.

FELIPE CASTANEDA - Pensando - marbre - 11 1/2 x 7 x 7 in.

OFFRE SPÉCIALE

FELIPE CASTANEDA

11 1/2 x 7 x 7 x 7 po.

Il s'agit d'une scène de procession royale dans un temple médiéval indien. Le cavalier central porte un casque embelli, ou une couronne, qui témoigne de son statut royal. Il est accompagné de chaque côté par deux compagnons, qui se tournent tous deux vers lui en signe de déférence. Sur la frise, derrière les cavaliers, une foule de partisans observe la procession. Le sculpteur a donné une impression de profondeur en plaçant les partisans sur une corniche derrière les figures principales et en réduisant l'échelle de ces figures secondaires. Bien que cette technique ne soit pas aussi sophistiquée que les frises gréco-romaines classiques, par exemple, l'artiste parvient tout de même à donner une impression de profondeur et de perspective tout en laissant de l'espace pour représenter les chevaux et les figures centrales de manière volumineuse. En outre, le sculpteur fait preuve d'un talent particulier dans le travail de détail sur les selles et les harnais des chevaux, ainsi que sur les bottes et les jambières blindées des cavaliers.

OFFRE SPÉCIALE

Procession avec chevaux

Largeur : 23 in.

CHINESE - Sancai-Glazed Official - poterie vernissée - Hauteur : 34 in.

OFFRE SPÉCIALE

Officiel glacé au sancai

Tang Dyansty (618-

Hauteur : 34 po.

poterie émaillée

Provenance: <br>Heather James, CA<br>Private collection, NV (acquired from above May, 2000)

OFFRE SPÉCIALE

Lingbi - Le rocher de l'érudit à un trou

Fin de la dynastie Qing

41 1/4 x 14 x 13 in.

pierre sur socle en bois

CHINE - Chameau - poterie en terre cuite peinte - 11 x 22 x 10 in.

OFFRE SPÉCIALE

Dynastie Tang (618-

11 x 22 x 10 in.

poterie en terre cuite peinte

NATIVE AMERICAN - Socorro Black-on-White Storage Jar - argile peinte - 16 x 14 x 14 in.

OFFRE SPÉCIALE

INDIEN D'AMÉRIQUE

Jarre de rangement Socorro noir sur blanc

c. 1100-1250 AP.

16 x 14 x 14 in.

The water buffalo symbolizes virility and suggests wealth and status for the Toraja. Water buffalo motifs appear commonly on houses and granaries suggesting the link between extensive landholding and the ability to build and lavishly decorate traditional Toraja village structures. <br><br>South Sulawesi is home to the Toraja people, who live in a picturesque, mountainous region called Tana Toraja, or Toraja Land. At the center of Toraja culture is a fascinating and complex belief system surrounding death and the afterlife. Death is an elaborate affair, and the prolonged funerals are a major interest to visitors, who can attend the ceremonies but should show the same respect that they would for their own. The funerals typically involve feasting, buffalo sacrifice, dancing and martial arts, culminating with a procession that carries the coffin to its final resting place in one of the many caves on the surrounding cliffs, which are guarded by rock statues. <br><br>The Torajas are equally famous for their houses, which are called Tongkonan, or Family Houses. The houses are built on stilts, and each end rises like the horns of a buffalo, with the points always facing north and south.

OFFRE SPÉCIALE

PORTE GRAINAIRE

INDONÉSIEN - Masque Hudog - bois - 25 x 22 x 9 in.

OFFRE SPÉCIALE

Début du 20e siècle

25 x 22 x 9 in.

Les chamans portent le masque Hudog pour guérir les patients en restaurant leurs âmes errantes ou pour repousser les mauvais esprits. Les masques seraient également portés lors des cérémonies agricoles dont les rites assurent la fécondité de la terre et des femmes.

OFFRE SPÉCIALE

Hauteur : 20 in.

bois et pigment avec une rare peau de léopard des nuages au sommet

DAVID MORRIS - Horn Plenty 2 - polymère nickelé sur une base de pierre moulée - 18 1/2 x 9 1/4 x 11 po.

OFFRE SPÉCIALE

DAVID MORRIS (EN)

La corne de l'abondance 2

18 1/2 x 9 1/4 x 11 in.

polymère nickelé sur une base en pierre moulée

DAVID MACH - Matchstick Head (grande tête noire longue avec tête) - allumette - 12 1/2 x 6 1/2 x 6 in.

OFFRE SPÉCIALE

DAVID MACH (EN)

Matchstick Head (grande tête noire longue avec un engrenage)

12 1/2 x 6 1/2 x 6 in.

CHINOIS - Figure "bâton" - poterie peinte - Hauteur : 23 1/2 in.

OFFRE SPÉCIALE

"Figure "en bâton

Dynastie Han (206 B

Hauteur : 23 1/2 po.

CHINOIS - Figure "bâton" - poterie peinte - Hauteur : 24 1/2 in.

OFFRE SPÉCIALE

"Figure "en bâton

Dynastie Han (206 B

Hauteur : 24 1/2 in.

La statuaire Kulango est rare et souvent présentée comme dérivée de l'art Lobi et fortement influencée par celui-ci. Les figures, associées aux morts, sont des êtres qui se situent entre les esprits et les personnes et peuvent représenter un mort, un fantôme ou un esprit de la brousse. Les figures président aux rites de fondation, essentiels pour obtenir la protection des nouvelles habitations. Elles étaient également utilisées par les devins et par les responsables du culte familial.

OFFRE SPÉCIALE

Figure féminine

17 x 2 1/2 x 3 in.

AFRICAIN - Masque facial avec cheveux - bois, cheveux, pigments

OFFRE SPÉCIALE

Masque pour le visage avec des cheveux

bois, cheveux, pigments

ENVIRON

Bienvenue dans un voyage extraordinaire à travers le temps et la culture, présenté dans cette exposition de sculptures en ligne. Couvrant les siècles et les continents, cette collection célèbre la créativité illimitée des artistes et des artisans. Des explorations modernistes des formes cinétiques d'Alexander Calder aux provocations contemporaines d'Al Weiwei, en passant par l'élégance organique des sculptures sonores de Bertoia, chaque pièce vous invite à faire une pause et à réfléchir. Découvrez des trésors anciens tels qu'un cheval émaillé Sancai de la dynastie Tang, des figures taoïstes intemporelles et des masques cérémoniels africains. Des maîtres renommés, comme Camille Claudel, Robert Indiana et John Chamberlain, donnent vie à leurs visions uniques grâce à des matériaux et des styles variés. Cette collection mêle l'ancien et le moderne, mettant en valeur le pouvoir durable de l'art de façonner, d'inspirer et de captiver. Que vous soyez un amateur d'art chevronné ou un explorateur curieux, nous vous invitons à découvrir les histoires sculptées dans chaque œuvre.

"Le Premier ministre britannique Winston Churchill s'entretient avec le président Franklin D. Roosevelt après leur arrivée à la Conférence de Yalta", Archives nationales, Collection HST-PHC : Collection de photographies, NAID 350297201

"Le Premier ministre britannique Winston Churchill s'entretient avec le président Franklin D. Roosevelt après leur arrivée à la Conférence de Yalta", Archives nationales, Collection HST-PHC : Collection de photographies, NAID 350297201

"Sir Winston Leonard Spencer Churchill, 1874-1965", Bibliothèque du Congrès, Estampes

"Sir Winston Leonard Spencer Churchill, 1874-1965", Library of Congress, Prints & Photographs Division, LC-USZ62-49656

"Winston Churchill", Archives nationales, NAID 213259596

"Winston Churchill", Archives nationales, NAID 213259596

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ARTISTES

AFRICAIN - Masque facial avec cheveux - bois, cheveux, pigments

AI WEIWEI - Chaises "Fairytale" - bois - 49 x 45 x 17 1/2 in.

HERB ALPERT - Arrowhead - bronze - 201 x 48 x 48 po.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Harry Bertoia’s “Sonambient” sculptures are a mesmerizing blend of art, sound, and science, and this 36-tine piece is a quintessential example of his innovative genius. Meticulously crafted with 36 rods aligned in a precise six-by-six configuration on a square base, this 77-inch-tall work embodies the harmonious intersection of visual beauty and auditory wonder.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Made from beryllium copper, a material favored by Bertoia for its superior acoustic properties and aesthetic appeal, the rods have developed a rich walnut-like patina over time. This patina adds to the sculpture’s visual allure, enhancing its historical and artistic value, and reflects a natural aging process that the artist himself, a naturalist, would have admired. When activated by touch or the movement of air, the rods produce a perceptible, fixed note accompanied by a range of ethereal tones, transforming the sculpture from a static object into a dynamic, multisensory experience. The long, swaying motion of the tall rods, reminiscent of the undulating desert grasses that inspired the artist initially, adds a captivating visual dimension. The cattail-like finials further evoke natural forms, underscoring Bertoia’s inspiration derived from the natural world.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Bertoia’s 36-tine “Sonambient” sculpture is more than a visual masterpiece; it profoundly explores sound, material, and participatory interaction. It exemplifies Bertoia’s belief in art as an immersive and evolving experience, where each encounter offers discoveries and sensations. Through this work, Bertoia has created a timeless piece that continues to captivate and inspire, highlighting his artistic vision's enduring power and deep connection to nature’s spiritual qualities.</font></div>

Deborah Butterfield occupe une place importante dans le panthéon des sculpteurs américains, réputée pour son esprit pionnier et sa maîtrise de divers médiums. Fabriqué en acier formé, « Beacon » témoigne de son audace et de son dévouement à repousser les limites artistiques. Butterfield a relevé les défis de ce médium exigeant, et c’est une fusion d’innovation et de tradition. Avec son esthétique moderne caractérisée par des lignes amples et élégantes, cette sculpture de cheval est une source d’enchantement, invitant le spectateur dans un royaume où l’art contemporain converge avec une beauté intemporelle. Beacon honore la grâce classique de la forme équine et réaffirme la position de Butterfield en tant que visionnaire dans le paysage de la sculpture moderne.

deborah butterfield

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

alexander calder

FELIPE CASTANEDA - Mujer en Reposo - bronze - 14 x 9 x 15 3/4 in.

FELIPE CASTANEDA

JOHN CHAMBERLAIN - ASARABACA - feuille d'aluminium de poids industriel avec laque acrylique et résine de polyester - 20 x 23 x 22 po.

Jean chamberlain

CHINOIS - Figure "bâton" - poterie peinte - Hauteur : 24 1/2 in.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Camille Claudel's life story reflects an era when societal constraints often dimmed the brilliance of women; their genius was viewed as a threat to the male-dominated world. Most introductions to Claudel are steeped in misleading biographical details related to her as Rodin's assistant, mistress, or lover, associations that diminish her achievements as a first-rate sculptor whose work borrows little from Rodin in style or subject matter. Despite these challenges, Claudel's legacy has endured, celebrated through exhibitions, biographies, and films since her rediscovery in 1982. </font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black><em>“La Vague (The Wave),”</em> a remarkable sculpture of three women frolicking joyfully, embodies Claudel's passion for art and connection to nature. The women, their hair unruly like the sea, are depicted in a moment of freedom and abandon, yet the looming wave hints at the inevitable sorrow to come—a metaphor for Claudel's life, shadowed by fate. This piece, initially shown in plaster and later cast in bronze with an onyx marble wave, draws direct inspiration from Hokusai's <em>“The Great Wave,”</em> reflecting the Parisian fascination with Japanese art at the time. While <em>“La Vague”</em> showcases Claudel's technical mastery and the influence of Japanese aesthetics, it also poignantly symbolizes her acceptance of the overpowering forces of nature and the tragic course her life would ultimately take. This bronze, cast in 1997, is one of only two not held in a museum, further emphasizing the rarity of and reverence for Claudel's work.</font></div>

camille claudel

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

elaine de kooning

Il s'agit d'une scène de procession royale dans un temple médiéval indien. Le cavalier central porte un casque embelli, ou une couronne, qui témoigne de son statut royal. Il est accompagné de chaque côté par deux compagnons, qui se tournent tous deux vers lui en signe de déférence. Sur la frise, derrière les cavaliers, une foule de partisans observe la procession. Le sculpteur a donné une impression de profondeur en plaçant les partisans sur une corniche derrière les figures principales et en réduisant l'échelle de ces figures secondaires. Bien que cette technique ne soit pas aussi sophistiquée que les frises gréco-romaines classiques, par exemple, l'artiste parvient tout de même à donner une impression de profondeur et de perspective tout en laissant de l'espace pour représenter les chevaux et les figures centrales de manière volumineuse. En outre, le sculpteur fait preuve d'un talent particulier dans le travail de détail sur les selles et les harnais des chevaux, ainsi que sur les bottes et les jambières blindées des cavaliers.

The water buffalo symbolizes virility and suggests wealth and status for the Toraja. Water buffalo motifs appear commonly on houses and granaries suggesting the link between extensive landholding and the ability to build and lavishly decorate traditional Toraja village structures. <br><br>South Sulawesi is home to the Toraja people, who live in a picturesque, mountainous region called Tana Toraja, or Toraja Land. At the center of Toraja culture is a fascinating and complex belief system surrounding death and the afterlife. Death is an elaborate affair, and the prolonged funerals are a major interest to visitors, who can attend the ceremonies but should show the same respect that they would for their own. The funerals typically involve feasting, buffalo sacrifice, dancing and martial arts, culminating with a procession that carries the coffin to its final resting place in one of the many caves on the surrounding cliffs, which are guarded by rock statues. <br><br>The Torajas are equally famous for their houses, which are called Tongkonan, or Family Houses. The houses are built on stilts, and each end rises like the horns of a buffalo, with the points always facing north and south.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Donald Judd's role in defining the Minimalist movement is pivotal. He rejected traditional modes of representation, favoring the creation of objects that challenge viewers to find beauty in simplicity and the precision of industrial materials. Judd transformed the landscape of modern art with forms that are clean, unembellished, and elegant in their simplicity.<em> "Untitled"</em> exemplifies this minimalist approach, where form, material, and longevity are the primary focus.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>In the context of Judd's oeuvre, the anodized aluminum surface of <em>"Untitled"</em> allows for a smooth, consistent finish that enhances the minimalist aesthetic by highlighting pure form and material, free from the distractions of imperfections or the need for additional surface treatments like paint. More significantly, an anodized surface is corrosion-resistant, underscoring that Judd is not merely creating art for the present moment but crafting pieces intended to endure indefinitely, preserving their pristine, minimalist aesthetic for posterity. Created in an edition of 12 and measuring 41.5 inches in length, with a depth and height of 6.25 inches, <em>"Untitled" </em>exemplifies this meticulous approach, showcasing the industrial aesthetic that Judd so effectively brought into the realm of fine art. Its clean, unembellished form emphasizes the importance of material and the geometric purity that Judd sought to achieve.</font></div>

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - bronze à patine verte - 103 1/2 x 22 x 17 in.

KHMER - Tête d'Avalokiteshvara - grès gris - 13 x 7 x 7 x 7 po.

DAVID MACH - Matchstick Head (grande tête noire longue avec tête) - allumette - 12 1/2 x 6 1/2 x 6 in.

DAVID MACH (EN)

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronze et parpaing - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

DAVID MORRIS - Horn Plenty 2 - polymère nickelé sur une base de pierre moulée - 18 1/2 x 9 1/4 x 11 po.

DAVID MORRIS (EN)

NATIVE AMERICAN - Socorro Black-on-White Storage Jar - argile peinte - 16 x 14 x 14 in.

autochtones américain

Les premières œuvres en papier mâché de Manuel Neri ont ouvert la voie à la technique sculpturale, et son approche de la peinture de ses sculptures reflète son profond engagement dans le potentiel expressif de la couleur et de la forme. Le choix et la disposition des couleurs dans Hombre Colorado II créent une réponse particulièrement viscérale qui reflète sa compréhension nuancée de la dimension psychologique et émotionnelle de la couleur. Conçu et produit en 1958, Hombre Colorado II reflète une époque où Neri et sa femme Joan Brown étaient engagés dans un riche échange artistique et contribuaient de manière significative à l'évolution de leurs styles respectifs et du mouvement figuratif de la Bay Area, dans lequel ils jouaient un rôle essentiel.

MARC QUINN - Lovebomb - photo laminée sur aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Trace a line from Alexander Calder to the kinetic achievements of George Rickey, and it is clear both are engineers of beauty. Their creations are feats of invention and artistry that honor our experience of them. The present Rickey sculpture "Eight Lines II – Sketch for Twenty-Four Lines" exemplifies the artist's intentions to bridge the gap between engineering precision and artistic expression, offering a mesmerizing display of motion and balance. Measuring 57 inches by 54 inches by 54 inches, the arms of this sculpture move within spherical parameters deliberately yet unpredictably, responding to the slightest movement of air. This intricate dance of elements, driven by natural forces, transforms the sculpture into a dynamic interplay of mechanical precision and organic fluidity.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>A generation removed from Calder, Rickey came of age during World War II and widespread devastation. Ironically, yet without apology, Rickey honed his skills in precision and complex mechanical systems due to his military experience as a design technician focusing on the maintenance and instruction of aircraft gun turrets. These skills, of course, would later serve him well in fashioning his kinetic sculptures. With that in mind, the precise engineering and organic movement inherent in a Rickey kinetic sculpture symbolizes a bridge between destruction and renewal and serves as a testament to the resilience and innovative spirit of the post-war ethos.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>With its radiating arms extending in multiple directions, "Eight Lines II – Sketch for Twenty-Four Lines" captures the essence of Rickey's meticulous design and engineering prowess. A design full of complexities, each arm, crafted from sleek stainless steel, moves gracefully, reflecting light and creating an ever-changing visual experience. This attention to detail highlights Rickey's skill in making connections that allow fluid movement while maintaining structural integrity.</font></div>

Fille du sculpteur minimaliste Tony Smith, l'art de Kiki ne se limite pas à un seul médium ou à une seule technique, et son travail invite souvent à de multiples interprétations. Club incarne la forme et les dimensions d'une jambe humaine, élément essentiel du mouvement et de la stabilité. Le titre de Smith invite le spectateur à réimaginer une jambe comme une arme et à réfléchir à la fragilité de la condition humaine, à la dynamique de pouvoir de l'autonomie corporelle et à l'interaction complexe entre la force et la vulnérabilité. Cette transformation d'une partie du corps en objet véhicule à la fois la protection et l'agression et réfléchit à la manière dont les corps sexués naviguent dans notre environnement social et personnel. Club illustre la capacité de Smith à créer des œuvres riches en symboles, ouvertes à l'interprétation, et à susciter une réflexion sur l'expérience humaine.

This well preserved bell is one of the largest known bronzes from the Southeast Asian Bronze Age, generally named after the Dongson site in North Vietnam. The swirling band design is finely and crisply cast. Dongson bronze drums were also reported in South China, Thailand, Laos, West Malaysia, and Indonesia and as Far East as Western Iranian Java. <br><br>The Dong Son culture is a Bronze age culture including all of southeast Asia and into the Indo-Malaya Archipelago from about 1000 to 1 BC. Centered on the Red River Valley of Vietnam, the Dong Son were sophisticated agriculturalists, raising rice and buffalo. Dong Son probably arose from local Neolithic cultures, such as Phung Nguyen and Dong Dau phases. Dong Son is identified with the Van Lang ruling dynasty, the first ruling dynasty of Vietnam. By the second century BC, impacts from the Han Dynasty in China were being felt and according to historic records, the Dong Son were absorbed into the Han Dynasty territory.

sud-est asiatique

Francisco Zúñiga a créé de la sculpture lorsqu’il était enfant lorsqu’il assistait son père, un sculpteur local de santos en bois. Il s’est résolument tourné vers la sculpture après son arrivée au Mexique de son Costa Rica natal en 1936 et a développé un vaste corpus d’œuvres basé sur la figure qui s’étend de la sculpture directe sur bois, du modelage dans l’argile, de la sculpture directement sur pierre dure et de la fonte du bronze. « Desnundo Reclinado de Dolores » est un changement en ce sens qu’il ne reflète ni son intérêt pour l’art précolombien ni sa persistance à représenter des femmes d’apparence indigène avec des hanches et un ventre exagérés. Au lieu de cela, il s’agit d’un tour de force classique d’une femme agenouillée à la hanche et soutenue par l’avant-bras que Rodin aurait été fier de revendiquer comme la sienne.

francisco zuniga

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Heather James Art Advisory met à profit des décennies d'expérience en matière de conservation, grâce aux conseils de notre équipe de conservateurs principaux qui ont organisé des expositions dans le monde entier, dans des musées, des galeries et des résidences privées. En associant des éléments esthétiques et historiques de l'art, nous aiderons votre collection et votre maison à refléter vos intérêts artistiques.

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HJ Art Advisory fournit une logistique complète lors de la manipulation, du transport et de la supervision des œuvres d'art de nos clients. Notre surveillance porte sur tous les aspects de l'entretien de l'œuvre d'art. Nous supervisons chaque étape du processus de transport, d'installation et de stockage des œuvres d'art. Nous conseillons et facilitons la conception de l'encadrement, l'éclairage, les exigences en matière de sécurité, la conservation et l'évaluation de l'état des œuvres.

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HJ Art Advisory applique les normes les plus strictes en matière de diligence raisonnable par le biais d'enquêtes, de recherches et de vérifications de la provenance des objets avant leur acquisition, afin de s'assurer qu'un titre de propriété clair peut être obtenu. Ces recherches comprennent, sans s'y limiter, la détermination des éléments suivants

Historique de la propriété de l'objet
Pays dans lesquels l'objet a été localisé et quand.
Historique de l'exposition de l'objet
Historique de la publication de l'objet
Toute revendication de propriété, si elle a été faite
Bases de données d'objets volés en rapport avec l'objet
Les circonstances dans lesquelles l'objet est offert
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Recherche et documentation sur l'époque nazie et la Seconde Guerre mondiale, conformément aux lignes directrices relatives à l'acquisition d'objets susceptibles d'avoir séjourné dans l'Europe occupée par les Allemands entre 1933 et 1945.

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Ventes et acquisitions

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