JACKSON POLLOCK (1912-1956)
En 1947, Jackson Pollock adoptó un nuevo método de trabajo que le dio fama internacional. Su método consistía en arrojar y gotear pintura de esmalte diluida sobre un lienzo no tensado colocado en el suelo de su estudio. Este compromiso directo y físico con sus materiales daba la bienvenida a la gravedad, la velocidad y la improvisación en el proceso artístico, y permitía que la línea y el color se mantuvieran solos, funcionando de forma totalmente independiente de la forma. Sus obras, que llegaron a conocerse como "pinturas de goteo", presentan menos un cuadro que un registro de las propiedades fluidas de la propia pintura. Las explosivas extensiones de Número 1A, 1948 (1948) y Uno: Número 31, 1950 (1950) pueden considerarse como el registro de un momento marcado tanto por la emoción de la exploración espacial como por la amenaza de la destrucción atómica mundial. Durante la Guerra Fría, los cuadros de Pollock y los de sus compañeros del Expresionismo Abstracto, como Mark Rothko, Franz Kline y Willem de Kooning, fueron promovidos, en exposiciones itinerantes en el extranjero por el Consejo Internacional del MoMA, como emblemas de las libertades fomentadas bajo la democracia liberal.
Pollock llegó a Nueva York en 1930, como joven estudiante de arte procedente de Los Ángeles. Mientras tomaba clases en la Art Students League, siguió una estrecha tutoría con el pintor Thomas Hart Benton y se sumergió en el surrealismo y el subconsciente; en la pintura mural de los socialistas mexicanos David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco; y en la obra de Pablo Picasso, incluyendo su Muchacha ante el espejo y Les Demoiselles d'Avignon. Durante varios años, trabajó para el Proyecto Federal de Artes de la Administración para el Progreso de las Obras (WPA). El reconocimiento de Pollock comenzó a principios de la década de 1940, con el apoyo del crítico Clement Greenberg y de las coleccionistas Betty Parsons y Peggy Guggenheim. Bajo la dirección de Alfred H. Barr, Jr., el MoMA se convirtió en el primer museo en adquirir un cuadro de Pollock, La loba (1943), en la primera exposición individual del artista ese año en la galería Art of This Century de Guggenheim.1 En 1956, a la edad de 44 años, el artista murió al volante de su coche. Su esposa, la pintora Lee Krasner, haría mucho para promover su legado después de su muerte, incluyendo la donación de importantes obras a la incomparable colección Pollock del MoMA.
La profunda influencia del enfoque de Pollock, a la vez rotundamente literal y radicalmente abierto al mundo, puede encontrarse en las palabras de sus colegas artistas. El grupo experimental Gutai, que se formó en Japón a mediados de la década de 1950, citó su obra como un estímulo crucial para "impartir la vida a la materia" y perseguir la "creatividad pura".2 En 1958, el empresario de Happenings, Allan Kaprow, escribió en Art News en honor del difunto artista: "[Pollock] nos dejó en el punto en el que debemos preocuparnos e incluso deslumbrarnos por el espacio y los objetos de nuestra vida cotidiana... éstas, estoy seguro, serán las alquimias de la década de 1960".3 Nueve años después, el escultor minimalista Donald Judd escribiría en Arts Magazine: "Está claro que Pollock creó la gran escala, la totalidad y la simplicidad que se han convertido en algo común a casi todas las buenas obras".4
Introducción de Annie Ochmanek, asistente de comisariado, Departamento de Pintura y Escultura, 2016
Varnedoe, Kirk, y Pepe Karmel, editores. Jackson Pollock: New Approaches. Nueva York: The Museum of Modern Art, 1999: 10.
Yoshihara, Jirō. "Gutai bijutsu sengen" ("Manifiesto del arte gutai"), *Geijutsu Shinchō* 7, nº 12 (diciembre de 1956): 202-04. Traducido íntegramente, por Reiko Tomii, en Tiampo, Ming y Alexandra Munroe, Gutai: Splendid Playground. Nueva York: The Solomon R. Guggenheim Foundation, 2013.
Kaprow, Allan. "The Legacy of Jackson Pollock", Art News vol. 57 nº 6 (octubre de 1958): 24-26; 55-57.
Judd, Donald. "Jackson Pollock", Arts Magazine vol. 41 (abril de 1967): 32-35; reimpreso en Donald Judd: Complete Writings 1959-1975. (Halifax: The Press of the Nova Scotia College of Art and Design, 1975): 194-195.
(MOMA)