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アートワーク

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<div>Alson Clark’s <em>Autumn, St. Lawrence River</em> (1916) is a celebration of seasonal color and painterly assurance, created during a highly productive summer spent along the St. Lawrence River. Painted at a moment of peak confidence, the work follows closely on the artist’s major success at the Panama–Pacific International Exposition, where Clark filled an entire exhibition room with his paintings—an achievement that firmly established his reputation and momentum at this stage of his career. </div><br><br><div> </div><br><br><div>The composition unfolds across a gently rolling landscape animated by the brilliance of early autumn. Trees blaze with saturated yellows, oranges, and soft reds, their foliage rendered in broken, impressionistic strokes against a clear, luminous blue sky. Clark’s confident handling of paint allows color to carry form, creating a sense of depth through overlapping passages. Small grazing cattle dot the hillside, providing scale and a quiet note of pastoral life that anchors the composition without interrupting its chromatic rhythm. </div><br><br><div> </div><br><br><div>Clark was celebrated for his ability to fuse American landscape painting with lessons drawn from European Impressionism, and this work exemplifies that synthesis. The surface remains lively and tactile, with visible brushwork that conveys movement and atmosphere while maintaining compositional harmony. <em>Autumn, St. Lawrence River </em>reflects not only the artist’s mastery of color and light, but also the assured vision of a painter fully at ease with his subject, transforming a specific place and moment into a timeless expression of seasonal abundance. </div>

ALSONクラーク

秋、セントローレンス川

35 x 46 インチ

ボード上の油

リチャード・ディーベンコーンは、「すべての絵画は、ある気分、物や人との関係、完全な視覚的印象から始まる」と語っています。ディベンコーンは、戦後のニューヨークを席巻した抽象芸術に対抗するベイエリアの具象芸術運動で決定的な役割を果たしたことで知られており、具象と抽象の間でしばしば揺れ動いた。1952年には、イリノイ大学アーバナ校に1年間だけ教員として赴任しました。1952年、イリノイ大学アーバナ校に1年間教員として赴任し、建築学科の学生にデッサンの基礎を教えるとともに、自宅の寝室の1つをスタジオとして使用しました。アーバナシリーズ」と呼ばれる1952年から53年のこの時期は、ディーベンコーンのスタイルを発展させる上で、生産的で重要な時期でした。具象から抽象への革新的な探求は、この重要な初期の時期に始まり、1960年代後半から80年代にかけて広く知られるようになった「オーシャンパーク」シリーズで完全に実現されることになります。

リチャード・ディベンコーン

無題(アーバナシリーズ)

13 7/8 x 11 in.

紙にインク

IRVING NORMAN - Man and Time - キャンバスに油彩 - 58 x 30 in.

アーヴィング・ノーマン

人間と時間

58×30インチ。

キャンバスに油彩

ネイサンオリベイラ - 無題 - キャンバスに油 - 84 X 63で。

ネイサン・オリベイラ

キャンバスに油彩

WILLIAM WENDT - Laguna Hills - キャンバスに油彩 - 25 x 30 in.

ウィリアム・ウェント

ラグナヒルズ

キャンバスに油彩

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’. Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’. Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird. Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

メアリー・コルス

アクリル、ダイヤモンドダスト、キャンバス

元永定正は、1954年から1972年まで活動した伝説的な「具体美術協会」のメンバーとして、ポストアトミックな超現実主義の実存主義が日本の芸術発展の最先端を走っていた時代に登場しました。しかし、彼は別の道を選んだ。彼は、戦争による破壊に背を向け、新鮮で陽気で遊び心のある作品を制作しました。"1969年の「無題」は、モリス・ルイスのいわゆる「ヴェール」と呼ばれる絵画と同時に発展した、彼の古典的なスタイルである。この作品は、日本の伝統的な「たらしこみ」（絵具が完全に乾く前に、キャンバスをさまざまな角度に傾けて、樹脂とエナメルの混合物を互いに流し込む技法）を元永が前衛的にアレンジしたもので、見事に成功しています。

14 1/2 x 20 in.

アクリル、ボード、綿布

レオン・オーギュスタン・エルミット - 搾乳する女 - 油彩・キャンバス - 28 x 33 1/4 インチ

レオン・オーギュスタン・ルルミット

乳搾りの娘

28 x 33 1/4 インチ

キャンバスに油彩

<div><font face=Lato size=3 color=black>Painted in 1954, this "Untitled" canvas exemplifies Ray Parker’s early engagement with Abstract Expressionism, a moment when he was forging a language of bold color and gestural immediacy. Parker worked directly on unstretched canvas, building the composition through broad, saturated brushstrokes that retain a sense of spontaneity and improvisation. The edges of form remain fluid, emphasizing the immediacy of his process. </font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Although Parker would later become best known for his “Simple Paintings,” these early works are both rare and foundational, bridging the raw energy of Abstract Expressionism with the clarity of form that defined his mature style. With fewer than 310 works recorded at auction and very few from the 1950s, canvases of this scale and date seldom appear on the market. A related early abstraction, "Untitled" (1956), is in the collection of the Whitney Museum of American Art. "Untitled" (1954) represents a significant example of Parker’s innovative contribution to postwar American painting. </font></div>

レイ・パーカー

52 1/4 × 56 × 1 インチ

キャンバスに油彩

<div><font face=Lato size=3>"Study for Three Sisters," a 1954 mixed media drawing by Balthus, offers an intimate glimpse into the artist’s preliminary creative process. Executed in pencil with subtle blue watercolor accents, this sketch captures two figures—a reclining woman and a seated child—arranged with a spontaneous yet deliberate energy on a couch. The loose, expressive lines and minimal detailing reveal the immediacy and personality of the subjects, contrasting with the more formal and structured compositions of his final paintings. As a study for the major work "Three Sisters" within a series of significant canvases by the same name, it provides a window into Balthus’ evolution, showcasing how he refined his subjects over time and approached their portrayal with careful consideration. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3>Balthus, like many avant-garde artists of the early 20th century such as Paul Gauguin, Edvard Munch, and Pablo Picasso, saw children as vessels of raw, unformed spirit, untouched by societal constraints, and viewed adolescent themes as a potent source of psychological depth and uninhibited expression. This perspective infuses the drawing with a tender yet enigmatic quality. The provenance includes Nicholas Fox Weber, the acclaimed Balthus biographer, adding historical weight to the piece. A related "sister drawing" is held in the Art Institute of Chicago’s permanent collection, further affirming its significance. This work not only highlights Balthus’ mastery of mixed media but also serves as a compelling study of youth and intimacy, inviting viewers to explore the artist’s thoughtful development of his iconic themes. </font></div>

三人姉妹のための習作

15×12インチ。

混合メディア

ジェイミー・ナレス - 『So Things Go』の解釈 - 油彩・キャンバス - 66 x 84 x 1 1/4 インチ

ジェイミー・ナレス

「So Things Go」の解釈

66 × 84 × 1 1/4 インチ

キャンバスに油彩

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

マックス・ペレグリーニ

プシチェ・エ・アモア

51 1/4 x 127 で

キャンバスに油彩

M. エヴェリン・マコーミック - ワシントン・ホテル - 油彩・キャンバス - 30 x 40 インチ

M. エヴェリン・マコーミック

ワシントンホテル

キャンバスに油彩

<div>Maurice de Vlaminck’s<em> Fleurs dans un vase</em> (1910-11) is a prime-period still life that channels the artist’s Fauvist sensibilites into an image of exuberant, painterly force. A dynamic spray of blooms in vibrant reds, yellows, and whites flourishes from a dark vase, in a stark contrast of forms and color, creating an almost sculptural effect. With vigorous, directional brushstrokes, Vlaminck animates petals and foliage into a rhythmic surge, turning a traditional tabletop motif into a study of movement, texture, and intensity.</div><br><br><div> </div><br><br><div>As one of the core founders of Fauvism, Vlaminck was celebrated for his radical, non-naturalistic use of color, and this work retains that avant-garde approach. Cool blues and greys against saturated oranges, and the faceted planes of the backgroud heighten contrast and create a dynamic composition.  The paint surface remains boldly worked, emphasizing the physicality of oil on canvas and the immediacy of the artist’s hand.</div><br><br><div> </div><br><br><div>The painting is accompanied by a certificate of authenticity by the Wildenstein Institute for the catalogue of Maurice de Vlaminck’s works. Renewed international attention to Vlaminck’s achievements, including a recent retrospective at Museum Barberini in Potsdam - the first in nearly a century -has reaffirmed his vital role in the development of modern painting.<em> Fleurs dans un vase </em>captures that legacy: unapologetically modern and powered by color as expression. </div>

モーリス・デ・ブラミンク

21 1/4 x 15 インチ

キャンバスに油彩

<div>John Marin’s "Sea Movement, Maine" (1937) exemplifies his dynamic approach to watercolor, a medium he transformed into one of the most expressive vehicles of early American modernism. Painted during his mature period, the work captures the restless energy of the Maine coast—a subject Marin returned to repeatedly as a source of inspiration. Quick, gestural strokes convey the surging sea and jagged rocks, while washes of deep blue, gray, and black evoke both immediacy and atmosphere. Marin’s hallmark ability to fuse abstraction with observation is evident here: the composition is at once faithful to the rhythms of the natural world and liberated in its expressive freedom. </div><br><br><div> </div><br><br><div>The significance of this work is underscored by its inclusion in Sheldon Reich’s 1970 catalogue raisonné (no. 37.19) and its exhibition history in two museum shows, affirming its place within Marin’s celebrated body of Maine seascapes. "Sea Movement, Maine" stands as a vivid testament to the artist’s lifelong pursuit of translating nature’s vitality into painterly form. </div>

ジョン・マリン

海の動き、メイン州

15 1/2 × 20 1/2 インチ

紙に水彩画

<div><font face=Lato size=3>Andy Warhol’s <em>Campbell’s Soup I: Vegetable Soup</em> (1968) is part of his first screenprint portfolio dedicated to the iconic soup cans, produced in an edition of 250 with additional artist’s proofs. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3>The speed with which the art world embraced Warhol was remarkable: in July 1962, his thirty-two <em>Campbell’s Soup Cans</em> paintings debuted at the Ferus Gallery in Los Angeles, quickly cementing his reputation. Those early canvases, among his last hand-painted works, appeared almost mechanically produced, but Warhol soon abandoned the brush in favor of silkscreen, a commercial process that allowed for both endless repetition and striking variations of his chosen subjects. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3><em>Vegetable Soup</em> was one of the original thirty-two varieties and remains a pop culture phenomenon, continually reappearing on everything from plates and mugs to t-shirts, neckties, and even surfboards. Warhol’s transformation of an everyday supermarket staple into an enduring icon underscores his genius for elevating the ordinary into the realm of high art. With its crisp outlines and industrial precision, <em>Vegetable Soup</em> embodies the artist’s most radical contribution: the merging of consumer culture with fine art. </font></div>

アンディ・ウォーホル

ビーフストックベジタブル

スクリーンプリント

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

ヴァレリー・ジュードン

キャンバスに油彩

遼王朝は、キタン帝国としても知られている中国北部の帝国で、満州、モンゴル、中国北部の一部を支配していました。それは最初の支配者、Yelü Abaojiが916年まで時代の名前を宣言しなかったにもかかわらず、唐王朝の最後の年にKhitanの人々のYelüの家族によって創設された。遼帝国は1125年に晋王朝のJurchenによって破壊されました。しかし、エリュ・ダシに率いられた人々の残党が西(西)遼王朝1125-1220年を設立し、カラ・キタン・ハナートとしても知られ、チンギス・ハーンのモンゴル騎馬隊の到着まで存続した。

行列のオーナメント

遼朝、西暦907-1125年

22 1/2 x 10 x 8 1/4 in.

MARC QUINN - Lovebomb - フォトラミネート、アルミニウム - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

マルク・クイン

108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

フォトラミネート・オン・アルミ

Signed and titled verso<br>JR-33-76

ジャック・ロス

80×69インチ。

キャンバスにアクリル

Op Art evolved as an alternative trend in painting to the abstract expressionist movement of the 1950s. The genesis of the movement was in the 1960s, when artists such as Victor Vasarely, Bridget Riley, and Richard Anuszkiewicz embraced a more structured and geometric approach to their painting, often using visual tricks to create a sense of movement. While the artistic and spiritual predecessors to OP Art, such as Josef Albers (!888-1976), utilized a softer and more subdued approach, the Op Artists were using bold, large-scale works with variable dimensions to create their visual statement. <br><br>A student of Albers, Richard Anuszkiewicz, used enamel and acrylic paint on wood in such a way to create his uncompromising and exact compositions. A great sense of action can be felt in the present work, "Translumina". The sister piece to "Translumina," "Translumina II" (1986), is in the permanent collection of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

リチャード・アヌスキエヴィッチ

トランスルミナ

木の上のアクリル

<div><font face=Lato size=3 color="#191919"><em>Figures Along a Venetian Canal, Summer </em>is a vibrant and characteristically bold example of Jane Peterson’s Venetian canal scenes, a subject that represents one of the most collected and widely recognized motifs within her body of work and is one she returned to repeatedly during her European travels. Peterson is known for combining academic draftsmanship with bold color and loose, expressive brushwork. Her work reflects the visual influence of Impressionism, Fauvism, and Art Nouveau. Previously held in the collection of the artist and her estate, this painting is a beautiful example of these influences and of her signature style.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color="#191919">The medium and smaller format of this canvas was chosen for portability during Peterson’s travels and captures a serene moment with figures moving along the canals, approaching a bridge. Peterson uses saturated colors and broad, lively brushstrokes to animate the scene, as well as use of light to bring the scene to life and create a distinct mood. The painting relates closely to other Venetian scenes in major museum collections, including <em>St. Mark's in Venice</em>, circa 1920 in the permanent collection of The Norton Museum of Art.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color="#191919">Peterson was known for choosing subjects beyond the conventional expectations for women artists of her time, favoring street scenes, travel, public life, and even wartime experience. <em>Figures Along a Venetian Canal, Summer </em>embodies this outward looking spirit, revealing her ability to transform everyday scenes into moments of vivid immediacy and enduring charm.</font></div>

ジェーン・ピーターソン

ヴェネツィアの運河沿いの風景、夏

25 1/2 x 18 1/8インチ。

キャンバスに貼った紙に油彩

<div>Andy Warhol’s <em>Mao</em> (1972) is one of the artist’s most iconic and provocative screenprints, reflecting his fascination with the intersection of political power and celebrity culture. This impression, numbered 244/250, comes from the regular edition of 250, in addition to 50 artist’s proofs. Warhol based the image on the widely circulated official portrait of Chairman Mao Zedong, a figure whose likeness was omnipresent in China during the Cultural Revolution. By reimagining the image through his vivid Pop palette, Warhol transformed a symbol of political authority into a mass-produced cultural icon. </div><br><br><div> </div><br><br><div>In this version, Mao’s face is rendered in a striking deep blue, offset by a green shirt and set against a turquoise background. The bold chromatic choices infuse the portrait with both drama and irony, destabilizing the original propagandistic authority of the image. Warhol further heightens this tension by juxtaposing flat, mechanical silkscreen layers with painterly flourishes, blurring the line between mass production and individual expression. </div><br><br><div> </div><br><br><div>The <em>Mao </em>series marked a new chapter in Warhol’s career in the 1970s, shifting from Hollywood stars to figures of global influence. Today, these works are regarded as essential statements on the nature of power, fame, and the pervasive reach of the image in contemporary culture. </div>

アンディ・ウォーホル

カラースクリーン印刷

Signed, titled and dated ‘81 verso<br>JR-198-81

ジャック・ロス

ニュー・シンセシス第15号

キャンバスにアクリル

カール・アンドレは、ミニマリスト彫刻のパイオニアを助け、有名で有名なアーティストアナ・メンディータの夫であったアメリカのアーティストです。これは1960年代初頭の古典的なテキスト作品であり、ソーステキストから個々の単語を選択し、この場合はアルファベット順である単純で自明の基準に従ってページ上でそれらを注文することによって構成されている彼の詩の典型的なです。リスト。飛行士チャールズ・リンドバーグは、彼が彼の詩の源として戻ったカール・アンドレを深く魅了しました。彼の有名な彫刻のような構造化された繰り返しを持つこの作品は、1960年代と1970年代に出現したミニマリズムとポストミニマリズムを反映しています。

カール・アンドレ

チャールズ・A・リンドバーグのための500の用語

ボード上の紙のインク

ハーブアルパート - 津波 - キャンバスにアクリル - 72 x 120インチ。

ハーブ・アルパート

キャンバスにアクリル

チャック・クローズの4つのガラス・ホログラムの組作品は、彼のセルフ・ポートレイトの永続的な探求と、革新的な芸術媒体への関心の魅力的な交差を表している。自画像はクローズの作品の礎であり、人間のアイデンティティの複雑さや芸術的創造のプロセスを深く掘り下げることを可能にしてきた。ホログラムは鑑賞者の位置によって変化し、クローズのピクセル化された作品と呼応しながらも、物理的な存在感を加え、ダイナミックな体験を生み出す。ホログラフィーは、伝統的な肖像画と現代技術の進歩を巧みに組み合わせ、視覚表現の境界線に絶えず挑戦し、再定義することで、自身の芸術言語を進化させるという作家のコミットメントを示している。

チャッククローズ

セルフポートレート

14×11インチ、1枚

ガラスホログラム4枚組

ARNE HIERSOUX - メムサヒブ - キャンバスにアクリルと紙 - 70 1/2 x 120 1/2インチ。

アルネ・ヒールスー

メム・サヒブ

70 1/2 x 120 1/2 in

キャンバスにアクリルと紙

ハリー・ベルトイアのウィローの彫刻は、優美さと繊細さを表現しています。吊るされたウィローの稀少なバージョンは、その性質のコントラストを喜ぶ自意識的な存在感を持っているように思われる。しかし，それは，それを見ることの実存的な喜び以外の何物でもない．もし後者の巨匠がより有機的な、あるいは身体的な喚起を念頭に置いていたとしたら、ウィローはカルダーの大胆に表現されたバージョンだと考えてみてください。吊るされたウィローは、その領域を支配しながらも、周囲との空間的な関係を尊重しています。光、形、空間、これらは彫刻家のコンセプチュアルな道具である。しかし、柔軟性や緊張感のない反射材を使って、空間に吊るされたステンレス鋼の鎖の滝のような花束を作り、花のように優雅に美しい作品を作ろうとは、他に誰が思いつくだろうか。

ハリー・ベルトイア

無題(吊り柳)

123 x 39 x 39 in.

スチールワイヤーとスチールワイヤー

JOANNA POUSETTE-DART - 無題（赤い砂漠の習作） - 木製パネルにアクリル - 33 1/2 x 42 x 3/4 in.

ジョアンナ・プーゼット・ダート

無題（赤い砂漠の習作）

33 1/2 x 42 x 3/4 in.

アクリル、木製パネル

<div>Untitled, a large-scale diptych by Ed Moses, created with acrylic on canvas, showcases his experimental flair and abstract mastery. Measuring 84 x 126 inches, the work comprises two panels that together form a vibrant, chaotic composition. Both panels feature deep green backgrounds adorned with dynamic swirls, circular motifs, and jagged patches of mottled white and black, creating a textured, almost graffiti-like effect. The interplay of overlapping shapes and spontaneous brushwork invites viewers into a layered visual journey. </div><br><br><div> </div><br><br><div>Moses, a pioneering artist among the first generation showcased at L.A.’s legendary Ferus Gallery in 1957, brings a rich legacy to this early 2000s piece. His innovative use of acrylic allows for a tactile surface that blends controlled chaos with expressive freedom, and the large scale of the diptych envelops the viewer with this carefully-balanced visual energy. This work exemplifies his boundary-pushing aesthetic, and stands as a powerful testament to Moses’ contribution to contemporary art. </div>

エド・モーゼス

南波パネルI&II

キャンバスにアクリル

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - ブロンズ、グリーンパティナ - 103 1/2 x 22 x 17 in.

セス・カウフマン

リグナムスパイア

103 1/2 x 22 x 17 in.

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

三彩釉地霊

高さ：44インチ

FIONA RAE - Untitled (yellow, red + brown) - oil on canvas - 72 x 78 in.

無題 (黄、赤、茶)

キャンバスに油彩

CHINESE - Daoist Wooden Figure - 漆塗り、木地塗装 - 47 x 20 x 19 in.

道教の木像

47 x 20 x 19 in.

KHMER - 男性トルソ - 砂岩 - 24 x 9 x 5 in.

24×9×5インチ。

サンドストーン

LEONID LAMM - ステートパワー - キャンバスに油 - 68 3/8 x 66 x 1 in.

レオニード・ラム

ステートパワー

68 3/8 x 66 x 1 in

キャンバスに油彩

EDGAR ALWIN PAYNE - Sotto Marinoのヴェネツィアのボート - キャンバスに油彩 - 23 3/8 x 26 1/4 in.

エドガー・アルウィン・ペイン

ソット・マリーノのベネチアン・ボート

1922年～1924年

23 3/8 x 26 1/4インチ。

キャンバスに油彩

カール・ベンジャミンとその同世代のローサー・フェイテルソン、フレデリック・ハマースリー、ジョン・マクラフリンは、アメリカ抽象美術史の中で独特の位置を占めている。精密で幾何学的なフォルムと、平面性を強調した端正なエッジで知られる彼らは、1950年代後半に登場したカリフォルニアのハードエッジ画家である。例えば、エルズワース・ケリーとは異なり、彼らの作品には、東海岸で感じられたより都会的で工業的な影響よりもむしろ、カリフォルニアの自然や建築環境を示唆する明るさ、明瞭さ、色彩が反映されている。さらに、東海岸の競争的なアートシーンに比べ、カリフォルニアのグループは比較的小規模で緊密なアーティスト・コミュニティであり、共同作業と探求の共有意識が、明確なアイデンティティを持つまとまりのあるムーブメントに貢献した。

カール・ベンジャミン

キャンバスに油彩

N.C. ワイエス - 『ハバード橋を修理する大工たち』 - グラファイト、木炭、水彩 - 27 1/2 × 20 1/8 インチ

ハバード橋を修理する大工たち

27 1/2 × 20 1/8 インチ

グラファイト、木炭、水彩

<div>Jules Chéret’s <em>Portrait</em> is a lively pastel chalk on canvas that reveals the painterly sensibility behind the artist best known as the master of Belle Époque poster art. In this composition, two female figures emerge from a whirlwind of color and light, their forms dissolving into strokes of turquoise, rose, and gold. The surface vibrates with movement, recalling the theatrical energy and fleeting glamour that defined fin-de-siècle Paris. Softly modeled yet animated by sweeping gestures, the figures seem caught mid-performance—at once intimate and exuberant. </div><br><br><div> </div><br><br><div>Though widely celebrated for his advertising posters, Chéret was deeply influenced by the Rococo masters, particularly Jean-Honoré Fragonard and Antoine Watteau. Their spirit of elegance, sensuality, and decorative flourish permeates this work, where lightness of touch and chromatic brilliance take precedence over strict realism. These same qualities made his vivid lithographic posters for the Eldorado, the Olympia, the Folies Bergère, the Théâtre de l’Opéra, the Alcazar d’Été, and the Moulin Rouge iconic emblems of Parisian modern life. </div><br><br><div> </div><br><br><div>Chéret’s success in poster design helped launch a new generation of artists, including Charles Gesmar and Henri de Toulouse-Lautrec, solidifying the poster as a legitimate artistic medium. While he achieved recognition as a painter, it was his advertising imagery—initially undertaken to earn a living but later pursued with conviction—that secured his legacy. Honored with a posthumous exhibition at the Salon d’Automne in 1933, Chéret’s works are now held in major institutions including The Museum of Modern Art, the Musée d’Orsay, the Hermitage Museum, and the Art Institute of Chicago, affirming his enduring place in the history of modern art. </div>

ジュール・シェレ

1800年代後半

30 1/2 × 18 1/2 インチ

キャンバスにパステルチョーク

ARNE HIERSOUX - 無題 - キャンバスにアクリルと紙 - 71 x 94インチ。

アルネ・ヒールスー

キャンバスにアクリルと紙

JAE KON PARK - 無題 - キャンバスに油彩 - 51 1/4 x 64インチ。

ジェイコンパーク

キャンバスに油彩

Born in Onomichi in Hiroshima Prefecture, Teraoka studied at what is now Otis College of Art and Design in Los Angeles. His works are inspired by Japanese Ukiyo-e woodcut prints. However, Teraoaka infuses the style and techniques of the traditional art with American Pop Art. The mass-produced nature of Japanese woodcut prints alligns with the obsession with mass production and consumption of Pop Art. Additionally, Ukiyo, meaning “the floating world” in Edo period Japan reflected the transitory nature of Kabuki theater and pleasure houses. This transitory sense of consumerism and pleasure was also evoked in the works by Pop Artists. Teraoka’s works are a collision of two cultures and histories of art finding affinities through similar themes.<br><br>Teraoka’s pieces blend humor and social commentary. He has often touched upon subjects as diverse and urgent as the AIDs crises, consumerism, the attacks on September 11th, and more. Teraoka notes of his own work, “Integrating reality with fantasy, humor with commentary, and history with the present became my challenge.”<br><br>Works by Teraoka can be found in the Tate Modern, the Metropolitan Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, the Smithsonian, the Los Angeles County Museum of Art, the Walker Art Center, and more.

波シリーズ／サンセットビーチの刺青の女

14 7/8 x 10 in.

紙に水彩画

TIM HAWKINSON - Tusk - 鉄板の上に132個のゼリー型 - 16 x 14 1/2 x 8 in.

ティム・ホーキンソン

16 x 14 1/2 x 8 in.

鉄板のゼリー型132個

ロバートナトキン - アポロXL - キャンバスにアクリル - 88 x 116 1/4 in。

ロバート・ナトキン

88 x 116 1/4 in

キャンバスにアクリル

ARNE HIERSOUX - ヨンダーシスコ - キャンバス上のアクリルと紙 - 59 x 93 3/4インチ。

アルネ・ヒールスー

ヨンダー・シスコ

キャンバスにアクリルと紙

LÉON AUGUSTIN LHERMITTE - Laveuses, le soir - Pastel on paper laid on canvas - 17 1/2 x 13 3/4 in.

レオン・オーギュスタン・レルミット

淑女たちよ、今宵

17 1/2 x 13 3/4インチ。

パステル、紙、キャンバス

JAE KON PARK - 無題 - キャンバスに油彩 - 44 1/4 x 57 3/8インチ。

ジェイコンパーク

44 1/4 x 57 3/8 in

キャンバスに油彩

ポール・ジェンキンス - 『ブラック・アナデムとの現象』 - アクリルと油彩、キャンバス - 51 x 51 インチ

ポール・ジェンキンス

ブラックアナデムを用いた現象

キャンバスにアクリルと油

<div><font face="Times New Roman" size=3 color="#0E101A">Frank Tenney Johnson began his career as an illustrator for <em>Field and Stream</em> Magazine in 1904. Johnson lived in New York City from 1904 until 1920; however, he traveled to the great American West to gather source material for his studio work. </font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face="Times New Roman" size=3 color="#0E101A">Johnson's 1912 trip to the Montana Blackfoot Reservation with Charles Russell was a pivotal moment for the artist; after this trip, he settled in Colorado for many years. After a brief return to California, the artist spent many years in his new studio in Cody, Wyoming.  </font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face="Times New Roman" size=3 color="#0E101A">Works from this period gained Johnson the titles the "Master of American Moonlight Painting" and "Master Painter of the Old West." The painting "Scouting" shows an idyllic native scene; Johnson's firsthand studies and experiences with Native people were a recurrent theme in his work.  </font></div>

フランク・テニー・ジョンソン

スカウティング

13 1/2 x 17インチ。

キャンバスに油彩

フランク・ステラ（アフター） - メトロポリタン美術館 - 形板に油彩 - 82 x 82 x 3 3/4 インチ

フランク・ステラ（後編）

メトロポリタン美術館

82 x 82 x 3 3/4 インチ

油彩、板地

マクシミリアン・リュス - 『庭園のクチュール』、ジゾール 1897年 - 板に油彩 - 12 3/4 x 16 1/4 インチ

マクシミリアン・ルース

庭園の裁縫、ジゾール 1897年

12 3/4 × 16 1/4 インチ

パネル上のオイル

ウィリアム・テオフィラス・ブラウン - ビーチでスイマーと馬 - キャンバスにアクリル - 36 x 48インチ。

ウィリアム・テオフィラス・ブラウン

ビーチでスイマーと馬

キャンバスにアクリル

The Arts and Crafts Movement in Great Britain and the corresponding ripples that made their way across the Atlantic Ocean were felt in the work of Jesse Arms Botke (1883-1971). Botke was born in Chicago, Illinois but found her home in California, where she had a successful career working first in Carmel and later in Southern California. <br><br>Rich textures, extensive use of gold leaf, and highly stylized birds would become synonymous with Botke's mature work as she established herself as one of the West Coast’s leading decorative mural painters of the 20th century.<br><br>"The White Peacock" (1922) shows an idyllic landscape with Botke's signature bird subject matter; the white peacock and cockatoos were among her favorite aviary subjects. Her work today can be found in countless museum collections, including the Art Institute, Chicago.

ジェシー・アームズ・ボトケ

白いクジャク

25×21インチ

キャンバスに油彩

ハッセルスミス - 9000と9夜 - キャンバス上のアクリルとグラファイト - 68 x 68 1/8インチ。

ハッセル・スミス

9000 と 9 ナイツ

キャンバス上のアクリルとグラファイト

ハッセル・スミス - 眼球に目玉 - キャンバスに油彩 - 46 x 46インチ。

ハッセル・スミス

眼球から眼球へ

キャンバスに油彩

1950年代後半から1960年代半ばまで、レイ・パーカーがカラーフィールド・ペインティングに貢献した初期の作品は、その活気に満ちた新鮮な質で際立っている。パーカーは、ジェッソで下地処理した大きなキャンバスに、2つ以上の強固で荒削りな色ブロックを、勢いのある筆のような技法で並べた。飽和していながらも微妙に鮮やかな色彩で描かれたこれらのブロックは、独特のエネルギーを示している。パーカーのコンポジションはロスコを思い起こさせるかもしれないが、色彩の出し方（しっかりとした力強さ）はそれとは一線を画している。ニューヨーク派の壮大なスケールとダイナミズムを保ちながら、パーカーの作品は、抽象表現主義にありがちな感情的な激しさを排し、典型的なペーソスを排した運動のヴィジョンを取り入れることで、一線を画している。

レイ・パーカー

30 1/8 x 23 1/4 インチ

キャンバスに油彩

OLAF WIEGHORST - Apaches - キャンバスに油彩 - 20 x 24 in.

オラフ・ヴィーホルスト

アパッチ族

キャンバスに油彩

1944年生まれのトーマス・ノスコウスキーは、クーパー・ユニオンで学んだ抽象表現主義者やバウハウス出身者から受けた二項対立的な影響を反映して、小さくて豊かな色彩の絵画を制作しました。小さなブラシを使い、絵の具を削ったり、こすったりして作品に反映させています。タイルの床、細胞の集合体、建築物や宇宙空間など、さまざまなものを連想させるバイオモルフィックな幾何学的形態を、さまざまな配色で表現し、独特の幅広い語彙を身につけました。これらの作品は、彼自身の記憶や経験から抽出されたものであることが多いのです。ノズコフスキーは、この作品（Untitled, 1994）について、ルネッサンス期のカッソーネ様式の箪笥のパネルに描かれた神話的な場面に魅了されたことを反映しているとコメントしています。彼はこのシリーズの15インチ×30インチのパネル3、4枚の中で最も良い作品だと評しています。ノスコウスキーは長年、ペース・ギャラリーで扱われていた。2019年に亡くなりました。

トマス・ノズコウスキー

麻布に油絵、パネル

JAE KON PARK - 無題 - キャンバスに油彩 - 45 3/4 x 35 1/2インチ。

ジェイコンパーク

45 3/4 x 35 1/2 in.

キャンバスに油彩

JAE KON PARK - 無題 - キャンバスに油彩 - 36 x 45 1/2インチ。

ジェイコンパーク

36 x 45 1/2 in.

キャンバスに油彩

JAE KON PARK - 無題 - キャンバスに油彩 - 34 x 43 1/4インチ.

ジェイコンパーク

34 x 43 1/4 in.

キャンバスに油彩

NATHAN OLIVEIRA - Stelae No.5-油彩・キャンバス- 66 x 54 1/8 in.

ネイサン・オリベイラ

ステラエ No.5

66 x 54 1/8 in.

キャンバスに油彩

トム・ウェッセルマン - ブロンド・ヴィヴィアン - 手漉き紙にミクソグラフィア®プリント - 40 1/2 x 40 1/2 インチ

トム・ヴェッセルマン

ブロンドのヴィヴィアン

40 1/2 x 40 1/2

Mixografia® プリント（手漉き和紙）

ラッセル・ヤング

エルヴィス・ハートブレイク・ホテル

63 x 94 インチ

アクリル、油性インク、ダイヤモンドダストを用いたスクリーンプリント、リネン地

Cylindrical offering posts, ai tos, are erected as offerings to distant ancestors. This post has two faces and represents the first ancestral pair. The people of Belu, also called Tetum, recognize three types of offering pole; ai tos, for distant progenitors, sometimes described as gods; foho, for intermediary beings; and lor, for the recently deported.<br><br>Many offerings are brought to the ai tos. When a carving is first finished, rice and a pig are sacrificed. Later, to inaugurate the post there are massive offerings from the village. At regular intervals the post is dressed in fine clothing, even an artificial beard, and food is brought to the ancestor, bei.

インドネシア語

提供ポスト- アイトス

43 1/2 x 11 x 12インチ。

MARILYN MINTER - After Hours - chromogenic print - 85 1/2 x 55 3/4 in.

マリリン・マインター（MARILYN MINTER

アフターアワー

85 1/2 x 55 3/4 in.

発色プリント

Hand blown glass with multiple incalmo of colored glass and filligrana. Switching the axel of the glass bubble and adjoining two glass bubbles with raticallo technique. Engraved partially on the surface with different patterns.<br><br>Lino Tagliapietra, a native to Murano, is one of the world's preeminent glass artists.

リノ・タリアピエトラ

13 x 11 x 3 イン。

フランシスコ・トレド - 無題 - 紙上の混合メディア - 8 x 10 1/4インチ。

フランシスコ・トレド

紙に混文メディア

This well preserved bell is one of the largest known bronzes from the Southeast Asian Bronze Age, generally named after the Dongson site in North Vietnam. The swirling band design is finely and crisply cast. Dongson bronze drums were also reported in South China, Thailand, Laos, West Malaysia, and Indonesia and as Far East as Western Iranian Java. <br><br>The Dong Son culture is a Bronze age culture including all of southeast Asia and into the Indo-Malaya Archipelago from about 1000 to 1 BC. Centered on the Red River Valley of Vietnam, the Dong Son were sophisticated agriculturalists, raising rice and buffalo. Dong Son probably arose from local Neolithic cultures, such as Phung Nguyen and Dong Dau phases. Dong Son is identified with the Van Lang ruling dynasty, the first ruling dynasty of Vietnam. By the second century BC, impacts from the Han Dynasty in China were being felt and according to historic records, the Dong Son were absorbed into the Han Dynasty territory.

東南アジア

ドンソン文化（紀元前1000年～紀元後200年）

22 1/2 x 12 x 10 in.

HENRY MOORE - Emperors' Heads - ブロンズ、ブラウンパティナ - 6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 in.

ヘンリー・ムーア

エンペラーズ・ヘッド

6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 in.

茶色のパティナとブロンズ

CHUCK CLOSE - Kate - archival pigment print - 32 x 24 in.

チャッククローズ

32×24インチ。

アーカイブ顔料プリント

MEL RAMOS - Lola Cola; A.C. Annie; Della Monty; Tobacco Red - 4点のオフセット・カラーリトグラフ。

メル・ラモス

ローラ・コーラ；A.C.アニー；デラ・モンティ；タバコ・レッド

各30 3/4 x 25 1/4インチ。

オフセット・カラーリトグラフ4点

ANDY WARHOL - The Shadow (神話より) - 紙にダイヤモンドダスト入りカラースクリーンプリント - 37 1/2 x 37 1/2 in.

アンディ・ウォーホル

37 1/2 x 37 1/2 in.

ダイヤモンドダスト

ジャン＝フランソワ・ラファエリ - 風景 - パステル画（板紙） - 17 5/8 x 23 1/2 インチ

ジャン＝フランソワ・ラファエリ

17 5/8 × 23 1/2 インチ

パステル画（画用紙）

ケネス・ノーランド - 風82-23 - 手作りの紙にモノタイプを塗装 - 86 1/2 x 31 3/8インチ。

ケネス・ノーランド

ウィンズ 82-23

86 1/2 x 31 3/8

手作りの紙に塗られたモノタイプ

トム・ウェッセルマン - 金髪と金魚の静物 - 手漉き紙にミクソグラフィア®プリント - 33 1/4 x 38 3/4 インチ

トム・ヴェッセルマン

金髪の女性と金魚の静物画

33 1/4 × 38 3/4 インチ

Mixografia® プリント（手漉き和紙）

アンディ・ウォーホル - 『電気椅子』 - 織り紙にカラー・シルクスクリーン - 35 1/4 × 47 3/4 インチ

アンディ・ウォーホル

35 1/4 × 47 3/4 インチ

織紙にカラー・スクリーンプリント

<div><font face=Lato size=3 color="#191919">Robert Indiana’s <em>Heliotherapy</em> reimagines his iconic <em>LOVE</em> motif through a vision of renewal and optimism. Created in 1995, the title refers to sunlight as a source of healing, reflecting Indiana’s desire late in life to revisit his 1960s antiwar symbol with a message of hope and compassion. He enriched the original reds, greens, and blues with radiant bands of yellow, transforming his emblem of love into one of light, warmth, and restoration.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color="#191919">The composition echoes Indiana’s celebrated 1965 <em>LOVE</em> Christmas card for the Museum of Modern Art, the image that made him a household name. With its vivid palette and spiritual depth, <em>Heliotherapy</em> stands as a late reflection on love as both universal and curative. Comparable works are held in the collections of the Museum of Modern Art and the Smithsonian American Art Museum, underscoring the enduring legacy of Indiana’s most iconic image.</font></div>

ロバート・インディアナ

日光療法の愛

37 x 37 1/2 インチ

色のスクリーンプリント

ジャン・ベロー - パリジェンヌ - 油彩・キャンバス - 13 3/4 x 9 5/8 インチ

ジャン・ベロー

ラ・パリジエンヌ

13 3/4 x 9 5/8 インチ

キャンバスに油彩

ジョルジュ・ルマン - 庭に立つルマン夫人とその子供たち、1900年 - 紙に油彩とパステル、板に貼り付け - 9 x 12インチ

ジョルジュ・レマン

マダム・レマンとその子供たち、庭にて、1900年

紙に油彩、パステル、板に貼り付け

フェリペ・カスタネダ - ムジャー・コン・ギタラ - 大理石 - 16 1/2 x 10 1/2 x 10インチ

フェリペ・カスタネダ

ムジャー・コン・ギタラ

16 1/2 x 10 1/2 x 10 in

エドガー・アルウィン・ペイン - シエラネバダ山脈 - 油彩・キャンバス - 9 3/4 x 13 1/2 インチ

エドガー・アルウィン・ペイン

シエラネバダ山脈

9 3/4 x 13 1/2 インチ

キャンバスに油彩

アーヴィング・ノーマン - ストリップショー - 紙の上の鉛筆と色鉛筆 - 30 x 20で。

アーヴィング・ノーマン

ストリップ

紙に鉛筆と色鉛筆

アルフレッド・スティーブンス - 鑑識家 - 油彩・板 - 8 7/8 x 6 7/8 インチ

アルフレッド・スティーブンス

8 7/8 × 6 7/8 インチ

パネル上のオイル

トム・ウェッセルマン - 黄色のチューリップのある夕焼けの裸体 - 手漉き紙にミクソグラフィア®プリント - 37 3/4 x 41 3/4 インチ

トム・ヴェッセルマン

夕焼けの裸体と黄色いチューリップ

37 3/4 × 41 3/4 インチ

Mixografia® プリント（手漉き和紙）

AI WEIWEI - "Fairytale" Chairs - wood - 49 x 45 x 17 1/2 in.

「フェアリーテイル」チェア

49 x 45 x 17 1/2 in.

ラッセル・ヤング - マリリン・スーパースター - アクリル、エナメル、シルクスクリーン、ダイヤモンドダスト（キャンバス地） - リネン地 - 70 x 54 1/2 インチ

ラッセル・ヤング

マリリン・スーパースター

70 x 54 1/2 インチ

アクリル、エナメル、シルクスクリーン、ダイヤモンドダスト、キャンバスにダスト、リネンに

JASPER JOHNS - Voice 2 - Fred Stiegenthaler手漉き紙に7色リトグラフ - 17 x 23 in.

ジャスパー・ジョンズ

17×23インチ。

フレッド・スティーゲンタラー手漉き紙に7色リトグラフ

フェルナンド・カノヴァス - ソドム&ゴモラ - キャンバスにアクリル - 63 5/8 x 51 1/4インチ。

フェルナンド・カノヴァス

ソドム&ゴモラ

63 5/8 x 51 1/4

キャンバスにアクリル

<div><font face=Lato size=3 color=black>Wayne Thiebaud’s <em>Breakfast</em>, from an edition of 50, demonstrates the artist’s signature blend of Pop-inflected realism and painterly intimacy. Executed in colored drypoint, the work captures the simple subject of a morning meal with a remarkable freshness: hatching lines soften and blur the composition, creating a pastel-like effect that distinguishes it from the crispness of commercial print design. Though slightly faded, the impression retains the playful chromatic sensibility and softly modeled shadowing that became hallmarks of Thiebaud’s style.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Since the early 1960s, Thiebaud has been celebrated for his depictions of food—cakes, pies, gumball machines, and diner counters—rendered not as literal meals but as cultural icons, at once nostalgic and idealized. In <em>Breakfast</em>, the modest meal is transformed into a subject of contemplation and delight, celebrating the pleasures of everyday American life while evoking memory and desire. The combination of precision and informality speaks to Thiebaud’s ability to merge the immediacy of drawing with the enduring resonance of painting.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Institutional recognition of the work’s importance is reflected in its inclusion within the National Gallery of Art, Washington, affirming its role within Thiebaud’s larger project of elevating common objects into images of enduring cultural significance.</font></div>

ウェイン・ティーボー

18 x 23 5/8インチ。

カラーエッチングとドライポイント

SAM FRANCIS - 無題（黒と白の構図） - 紙にアクリル - 23 3/4 x 17 3/4 in.

サム・フランシス

無題（白黒構図

23 3/4 x 17 3/4 in.

紙にアクリル

カミーユ・ピサロ - 畑の二人の労働者 - 紙に鉛筆 - 6 1/4 x 11 1/4 インチ

カミール・ピサロ

作業現場の二人の労働者

6 1/4 x 11 1/4 インチ

JEAN MANNHEIM - ターコイズ・クリーク - ボードに油彩 - 20 x 24 インチ

JEAN MANNHEIM（ジャン・マンハイム

ターコイズ・クリーク

ボード上の油

ハンナ・ウィルク - バーモント州 - 練り消しゴムと絵葉書を、塗装パネルに貼り付けた作品。アクリルケース入り - 15 1/2 × 17 1/2 インチ

ハンナ・ウィルケ

バーモント州

15 1/2 × 17 1/2 インチ

練り消しゴムと絵葉書を、塗装したパネルに貼り付け、アクリルケースに収めた作品

ラッセル・ヤング - 天国の扉を叩いて - アクリル絵具、油性絵具、エナメル手刷りシルクスクリーン、リネン地 - 74 x 55 インチ

ラッセル・ヤング

天国の扉を叩く

74 x 55 インチ

アクリル絵具、油性絵具、エナメル手漉きリネン地へのスクリーンプリント

ラッセル・ヤング - ミック・ジャガー（悪魔への同情） - アクリル、油性インク、ダイヤモンドダスト入りスクリーンプリント、リネン地 - 62 x 48 インチ

ラッセル・ヤング

ミック・ジャガー（悪魔への同情）

アクリル、油性インク、ダイヤモンドダストを用いたスクリーンプリント、リネン地

SAUL KAMINER - La Peluquera - キャンバスに油彩 - 63 1/4 x 51 1/4 in.

ソウル・カミナー

ラ・ペルケラ

63 1/4 x 51 1/4 in

キャンバスに油彩

FELIPE CASTANEDA - Mujer Hincada - Mujer Hincada - Black onyx - 15 3/4 x 8 1/2 x 9 in

フェリペ・カスタネダ

ムジャー・ヒンカダ

15 3/4 x 8 1/2 x 9 in

ブラックオニキス

JACK ROTH - 無題 - キャンバスにアクリル - 18 x 30 1/8 in.

ジャック・ロス

18 x 30 1/8インチ。

キャンバスにアクリル

ELLSWORTH KELLY - Untitled, (from portfolio Eight by Eight to celebrate the Temporary Contemporary) - リトグラフ、アーチ紙 - 28 3/4 x 40 3/4 in.

エルズワース・ケリー

無題」（テンポラリーコンテンポラリーを祝うポートフォリオ「Eight by Eight」より）

28 3/4 x 40 3/4インチ。

リトグラフ、アーチ紙

FELIPE CASTANEDA - Mujer Peinandose - ブロンズ - 16 1/4 x 11 3/4 x 11 in.

フェリペ・カスタネダ

ムジャー・ペイナンドース

16 1/4 x 11 3/4 x 11 in

FELIPE CASTANEDA - Pensando - 大理石 - 11 1/2 x 7 x 7 in.

フェリペ・カスタネダ

ペンサンド

11 1/2 x 7 x 7 in.

PAUL GRIMM - Rooted Silence - 油彩・ボード - 20 x 24 インチ

ボード上の油

ALEX KATZ - Vivien - シルクスクリーン、ミュージアムボード - 39 x 41 in.

アレックス・カッツ

ヴィヴィアン

39×41インチ。

ミュージアムボードにシルクスクリーン

ラッセル・ヤング - ビートルマニア - アクリル、油性インク、ダイヤモンドダストによるリネン地スクリーンプリント - 36 x 60 インチ

ラッセル・ヤング

ビートルマニア

アクリル、油性インク、ダイヤモンドダストによるリネンへのスクリーンプリント

ホルヘ・パルド - 無題 - 手漉き紙にミクソグラフィア®技法による二連版画、22金金箔 - 51 1/4 x 55 3/4 x 4 1/2 インチ

ホルヘ・パルド

51 1/4 × 55 3/4 × 4 1/2 インチ

Mixografía® ディプティックプリント（手漉き紙に22金箔仕上げ）

ラッセル・ヤング - 『マリリン・デザイア・ライブ』 - アクリル絵具、エナメル、ダイヤモンドダストを用いたリネン地へのスクリーンプリント - 62 x 48 インチ

ラッセル・ヤング

マリリン・デザイア・ライブ

アクリル絵具、エナメル、ダイヤモンドダストによるシルクスクリーン印刷リネン地

ケネス・ノーランド - 斜めストライプVI-21 - 手作り紙 - 48 x 33 1/2 in。

ケネス・ノーランド

対角ストライプ VI-21

48 x 33 1/2で。

手作りの紙

ルイ・ヴァルタ - 木々の小道 - 油彩・キャンバス - 7 5/8 x 9 1/2 インチ

ルイ・ヴァルタ

7 5/8 x 9 1/2 in.

キャンバスに油彩

ジャン・ベロー - サン・フィリップ・デュ・ルーの近くの日曜日- 紙に墨 - 10 3/4 x 15 5/8 インチ

ジャン・ベロー

サン・フィリップ・デュ・ルーレの近くの日曜日サン・フィリップ・デュ・ルーレの近く

10 3/4 x 15 5/8 インチ

紙にインク

ジェームズ・マクドゥガル・ハート - 風景 1884年 - 油彩・キャンバス - 17 x 24 1/8 インチ

ジェームズ・マクドゥガル・ハート

17 x 24 1/8 インチ

キャンバスに油彩

ELLSWORTH KELLY - Red Curve - カラーリトグラフ - 10 x 7 1/2 in.

エルズワース・ケリー

レッドカーブ

カラーリトグラフ

ラッセル・ヤング - エリザベス・テイラーの肖像 - リネン地へのシルクスクリーン - 62 x 48 インチ

ラッセル・ヤング

エリザベス・テイラーの肖像画

リネン地へのシルクスクリーン印刷

ラッセル・ヤング - カート・コバーン - アクリル絵具、エナメル、ダイヤモンドダストによるリネン地へのスクリーンプリント - 62 x 48 インチ

ラッセル・ヤング

カート・コバーン

アクリル絵具、エナメル、ダイヤモンドダストによるリネン地へのスクリーンプリント

ラッセル・ヤング - ブランド・バイク - リネンにスクリーンプリント - 62 x 48 インチ

ラッセル・ヤング

ブランドーバイク

リネン地へのシルクスクリーン印刷

この文字は長寿を表す文字で、中国語では「寿」、日本語では「寿」と読む。特に草書体で描かれたときの優雅さは、織物、陶磁器、漆器など、さまざまな媒体の装飾モチーフとして人気を博している。ここでは、金糸を巻いて作られた文字が、菊の花に囲まれている。菊の花は、健康に良いことから長寿の象徴でもある。このような袱紗は、おそらく誕生祝いのカバーとして作られたのだろう。

長寿の漢字

27×25インチ。

ANDRE KERTESZ - Satiric Dancer - ゼラチン・シルバー・プリント - 9 1/2 x 7 5/8 インチ

サティライクダンサー

1926年、1979年頃印刷

9 1/2 x 7 5/8インチ

ゼラチンシルバープリント

Here, a Noh actor in full costume and mask is crossing the wing of a Noh stage. The stage is flanked by pine trees, and pines are also a motif on his kimono. Typically a pine tree is painted on the back wall of Noh stages to represent the tree through which this theatrical form was, by legend, passed down from heaven to mankind. In Japanese culture, the evergreen pine has come to be an important symbol of longevity and steadfastness.<br><br>The practice of laying fukusa over presents placed on wooden or lacquer trays became wide spread during the Edo period, (17th to 19th century). What begun as a functional practice to protect gifts from the elements, took on a decorative life of its own. Well-to-do families owned large numbers of fukusa and often commissioned famous artists of the<br>time to design exclusively for them. The drawings were then created by such techniques as tie-dying, stenciling, slit embroidery, tapestry, painting with embroidery and combinations of all methods. Each time a fukusa was required, it was chosen not only for the occasion but also for the season, the gift itself, and the status of the donor and the recipient. Fukusa were also part of the brides’ trousseau and could be given on the occasion of a wedding. Fukusa were made of square or oblong pieces of silk, lined and often embellished with tassels, and sometimes bearing the monogram or family crest on the reverse. Etiquette decreed that the fukusa were not usually to be considered part of the gift itself and were to be returned covering a token gift or an acknowledgement of the gift. However, some recipients such as bureaucrats, who accepted gifts from people currying favors, elected to keep the fukusa along with the gifts they covered, thus adding to their own store of gift covers.

27 1/2 x 25 インチ

金糸と絹糸を用いた刺繍

この風呂敷には、貝合わせと呼ばれる伝統的な貝殻遊びを収める八角形の容器「貝桶」が用いられています。この遊びは12世紀頃に始まり、当初は宮廷の女官たちが、内側に文学や詩の主題が描かれた180組の貝殻を互いに競い合って組み合わせるものでした。後に江戸時代には婚礼と結びつき、遊びのモチーフ自体が良縁を象徴するようになりました。この風呂敷は、おそらく婚礼の贈り物を包んでいたものと思われます。

箱とシェルゲーム

26 1/2 × 25 1/2 インチ

レイ・パーカー - 無題 - 水彩 - 18 7/8 x 29 7/8 in.

レイ・パーカー

18 7/8 x 29 7/8 インチ

ELLSWORTH KELLY - Red Curve (Black State) - カラーリトグラフ - 10 x 7 1/2 in.

エルズワース・ケリー

レッドカーブ（ブラックステート）

カラーリトグラフ

ノーマン・ロックウェル - 美術評論家 - 紙のコロタイプ - 30 1/2 x 27 1/2

ノーマン・ロックウェル

美術評論家

紙の上のコロタイプ

WILLIAM WEGMAN - Armed Chair - カラーフォトリトグラフ - 49 3/4 x 37 1/2 in.

ウィリアム・ウェグマン

49 3/4 x 37 1/2 in.

カラーフォトリトグラフ

JOSEF ALBERS - 製剤: アーティキュレーション - スクリーンプリント - 11 5/8 x 12 3/4 in.

ヨーゼフ・アルバース

製剤:アーティキュレーション

11 5/8 x 12 3/4 3/4

スクリーンプリント

JOSEF ALBERS - 製剤: アーティキュレーション - スクリーンプリント - 9 1/8 x 13 7/8 in.

ヨーゼフ・アルバース

製剤:アーティキュレーション

9 1/8 x 13 7/8 in. ea.

スクリーンプリント

JOSEF ALBERS - 製剤: アーティキュレーション - スクリーンプリント - 12 x 11 3/4 in.

ヨーゼフ・アルバース

製剤:アーティキュレーション

12 x 11 3/4 in. ea.

スクリーンプリント

JOSEF ALBERS - 製剤: アーティキュレーション - スクリーンプリント - 左: 10 x 17 1/2 in. 右: 6 x 10 1/2 in.

ヨーゼフ・アルバース

製剤:アーティキュレーション

左: 10 x 17 1/2.右: 6 x 10 1/2 in.

スクリーンプリント

ラッセル・ヤング - イージー・ライダー - キャンバスにシルクスクリーン - 27 x 37 インチ

ラッセル・ヤング

イージー・ライダー

27 x 37 インチ

キャンバスにシルクスクリーン

LAWRENCE SCHILLER - End of the Day, Marilyn Monroe, "Something's Got to Give" - シルバー・ゼラチン・プリント - 20 x 24 in.

ローレンス・シラー

エンド・オブ・ザ・デイ、マリリン・モンロー、"Something's Got to Give"

銀ゼラチンプリント

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教育

ヘザー・ジェームス・アート・アドバイザリーでは、教育が最も重要です。経験豊富なコレクターであれ、これから始めようとするコレクターであれ、私たちはお客様と共に成長することを目指し、お客様がアートに興味を持ち、学び、育てていけるような情報や見識を提供することを信条としています。

キュレーション

ヘザー・ジェームス・アート・アドバイザリーは、美術館、ギャラリー、個人邸宅で世界的に展覧会を開催してきたシニア・キュレーターの指導のもと、数十年にわたるキュレーターとしての経験を生かします。美的要素と美術史的要素を融合させ、お客様のコレクションとご自宅が、お客様の芸術的関心を反映できるようお手伝いいたします。

物流

HJアートアドバイザリーは、お客様の美術品の取り扱い、輸送、監督において、完全なロジスティクスを提供します。私たちの監修は、アート作品のあらゆるケアに関わります。作品の輸送、設置、保管など、あらゆる工程を監督します。額装デザイン、照明、セキュリティ要件、保存、状態評価についてアドバイスし、促進します。

ドキュメント

作品を購入する際、HJアートアドバイザリーは作品の出所を調査し、売り手が有効な所有権を持っていること、対象物に先取特権、請求権、抵当権がないことの表明と保証を売り手から求めます。
HJアートアドバイザリーは、保証違反があった場合、作品の全額返金に対する補償を求めます（もしかしたら、この行を含むかも？）
個人売買とオークションのプロセス把握すべき重要な情報は以下の通り：アーティスト、作品タイトル、日付、メディウム、寸法、価格、画像、出品主体、証明書、インボイス（可能な場合）、コンディションレポート、抵当権、訴訟、所有権。

ミュージアム・ローン

ヘザー・ジェームズは、MoMA、ポンピドゥー・センターなど、世界中の一流美術館への貸し出しを光栄にもお手伝いさせていただいております。HJアートアドバイザリーでは、美術館の展覧会に作品を貸し出すことを決めたコレクターのために、必要な書類手続きやロジスティクスをすべて行っています。

販売と買収

HJアート・アドバイザリーは、個人売買、オークションハウス、アーティストからの依頼など、美術品購入の可能性のある作品の調達に重点を置いています。 HJアート・アドバイザリーは、クライアントのコレクションをより充実させるために、クライアントの関心に関連する重要な美術品について、民間および公的市場を継続的に監視しています。HJアート・アドバイザリーは、クライアントのために最良の取引を実現するために、コレクターに代わって売買価格の交渉を行います。

ファイナンス

HJアート・アドバイザリーは、資産担保融資、信託のための美術品購入、遺産相続計画などでお客様をサポートします。美術品市場に関する専門知識を駆使し、お客様のコレクションに関する決断をサポートいたします。遺産、法律チーム、ファイナンシャル・アドバイザーと協力し、クライアントとその目標を最大限にサポートします。
ヘザー・ジェームス・ファイン・アートは登録投資、法律、税務アドバイザーではありません。ヘザー・ジェームス・ファイン・アートが表明する投資および財務に関する意見はすべて、個人的な調査に基づく意見です。過去の実績は将来のリターンを保証するものではなく、また必ずしも将来の実績を示唆するものでもありません。

価値と保険

HJアート・アドバイザリー・グループは、保険評価、買収、売却のための美術品コレクションの評価と鑑定を行っています。これには、価値を決定するための私的および公的な美術品市場分析の綿密な調査が含まれます。

認証

HJアートアドバイザリーは、明確な所有権が得られるかどうかを判断するため、取得前に対象物の調査、研究、出所調査を行い、最高水準のデューディリジェンスを維持します。このような調査には以下のものが含まれますが、これらに限定されるものではありません：

対象物の所有履歴
対象物の所在国と所在時期。
展示品の歴史
対象物の出版履歴
所有権に対する異議申し立てがなされている場合
対象物に関連する盗難品のデータベース
対象物が提供される状況
以下を含む関連調査情報源：ArtLoss Register またはその他のデータベース。
売主が有効な所有権を有し、対象物に先取特権、請求権、抵当権がないことを保証する、売主からの保証および補償表明。
1933年から1945年の間にドイツ占領下のヨーロッパにあった可能性の高い品物の取得に関するガイドラインに従った、ナチス／第二次世界大戦時代の調査と文書化

目利き

HJアート・アドバイザリーは、新しいコレクションを開発中のお客様や、すでに確立されたコレクションをお持ちのお客様に代わって、アドバイスや詳細なサービスを提供しています。長年アートビジネスに携わってきた豊富な知識と経験により、熟練した経験豊かなスタッフが、様々なレベルでのガイダンスとディレクションを提供いたします。

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