Marc Chagall: El color del amor
"Marc Chagall, Nueva York" (1941)
Esta exposición ofrece un primer vistazo al rico mundo de Chagall, principalmente a través de sus obras sobre papel. Son ilustrativas de las vastas influencias que Chagall pudo canalizar y cada una es una obra intensamente personal impregnada de su identidad, su vida y su amor.
ACERCA DE
¿Cuál es el color del amor? Tal vez ningún otro artista se haya acercado a representar una vida de alegría, de color y de amor como Marc Chagall. Esta exposición abarca cinco décadas de la carrera de Chagall, cada obra representa una década diferente.
La obra de Marc Chagall se define por su uso de los colores y la calidad onírica de sus figuras y escenas. Aunque muchos estilos diferentes influyeron en el artista, como el fauvismo, el surrealismo y el cubismo, Chagall mantuvo un estilo único que se mantuvo bastante constante a lo largo de una larga y prolífica carrera.
JUDAÍSMO Y MODERNIDAD
La identidad judía es un elemento central en la obra de Chagall. Ya sea explícitamente en la representación de las tradiciones judías o en la incorporación del lenguaje visual de la cultura judía, gran parte de lo que hace única la voz de Chagall deriva de la síntesis de las tendencias modernistas emergentes de principiosdel siglo XX y de su identidad judía.
Chagall nació cerca de Vitebsk, en la actual Bielorrusia, una zona impregnada de cultura y tradición judías. Asistió a las escuelas religiosas locales y acabó estudiando con artistas judíos como Yehunda Pen y el diseñador Leon Bakst.
Podemos ver en el arte de Chagall una mezcla surrealista de animales voladores, sobre todo cabras y personas, pero este concepto no es exclusivo de Chagall. Nació de la narrativa de la cultura judía de Europa del Este. Chagall creció en el marco del florecimiento de la cultura judía, cuando los escritores empezaron a emplear el yiddish y a crear una literatura que reflejaba la vida cotidiana de la gente, sus luchas y alegrías, el punto de encuentro de lo mundano y lo mágico. Quizá uno de los más conocidos de estos escritores sea Sholom Aleichem, cuyas palabras son el equivalente literario de las audaces pinturas de Chagall. El autor Johnathan Wilson sugiere incluso que las figuras voladoras del mundo de Chagall son una traducción literal de la palabra yiddish luftmensch, "hombre del aire". El propio Chagall escribió una vez que "si no fuera judío, no sería un artista en absoluto. Sería un artista totalmente diferente".
Chagall no es el único artista moderno judío. Algunos de sus contemporáneos son Arthur Kolnik y Sigmund (Zygmunt) Menkes, que exploraron el Modernismo a través de una lente judía. Estas expresiones eran a veces manifiestas en la representación de la vida cotidiana y otras veces incorporaban las convenciones visuales y literarias para crear un Modernismo con raíces distintas a las de Picasso o Matisse. Chagall y sus contemporáneos son ejemplos de una floreciente cultura judía a principios delsiglo XX y de los avances que esa diáspora aportó a la historia del arte.
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SURREALISMO Y MEMORIA
Es esa diáspora la que nos lleva al siguiente aspecto de la obra de Chagall. Aunque dejó Vitebsk para estudiar en San Petersburgo y París, el estallido de la Primera Guerra Mundial y luego la Revolución Rusa transformaron su viaje en exilio. Esto refleja la vida de muchas personas marginadas, la amenaza inminente del desplazamiento.
Aunque Chagall y su esposa pudieron trasladarse a París en 1923, la creciente amenaza del nazismo llevaría a Chagall al límite una vez más. Más de cincuenta de sus obras fueron confiscadas por los nazis y cuatro de ellas fueron incluso expuestas en la exposición de Arte Degenerado de Munich. Chagall y su esposa incluso verían de primera mano la destrucción de la vida judía durante su visita a Vilna. Pero, a pesar de ello, Chagall seguiría obstinadamente obtuso ante el peligro que se cernía sobre él. Sólo gracias a la intervención del Museo de Arte Moderno y después de que los judíos fueran despojados de su ciudadanía francesa y de su arresto en Marsella, Chagall se convenció plenamente de que debía abandonar su patria adoptiva por una nueva.
Es una maravilla, pues, que los cuadros de Chagall no estén llenos de más traumas. Por el contrario, están llenos de hermosos recuerdos, rastros de alegría en una vida que fue y pudo ser. Los colores y las formas se arremolinan como si fueran literalmente conjurados desde la mente del artista, que cuenta una historia como Sholom Aleichem convocando a los personajes, donde lo fantástico y lo ordinario se encuentran uno al lado del otro, donde la alegoría y la metáfora se hacen reales. Chagall tiende un puente entre un modernismo que deconstruye eliminando el significado mediante la abstracción y su propia identidad basada en el significado y el simbolismo. Se apropia de la naturaleza ilógica del Modernismo para crear cuadros con múltiples escenas inconexas, cada viñeta llena de sus propios símbolos y significados. Sus obras son como un sueño incoherente, recuerdos e iconografía que colisionan, no como los surrealistas, que a menudo se referían a Chagall como el padrino del movimiento.
A diferencia de los modernistas como Picasso o los surrealistas como Dalí, Chagall no necesitó mirar el arte "exótico" de las culturas no occidentales ni desenterrar el extraño paisaje del inconsciente. En lugar de ello, recurrió a su propia vida, a su propia cultura y a sus antecedentes, infundiendo calidez a cada escena sin dejar de ser una modernidad con mayúsculas. Cada iteración de una vaca o una gallina o una cabra, de violines y de gente volando es un recuerdo de la vida temprana de Chagall, la memoria hecha moderna.
COLOR Y AMOR
El color es el elemento central de la obra de Chagall. Sin el color, su mezcla de escenas desordenadas parecería un caos. En cambio, el color anima su pintura, añadiendo una cualidad surrealista. Fue con Leon Bakst con quien Chagall aprendió a investigar las relaciones cromáticas, juntando tonos contrastados. Y fue a través de los fauvistas y cubistas que conoció en París que Chagall dio rienda suelta a un torrente de colores vibrantes.
Entre todos los colores vibrantes de Chagall hay también escenas de amor y amantes, que añaden intensidad a cada composición. En una ocasión habló de "... ese amor clamoroso que tengo, en general, por la humanidad" y que "[tuvo] que llegar a comprender gradualmente que el color lo es todo... El color es dos cosas. Es química y es amor". Cada pieza es una prueba de la fusión de estos dos pensamientos.
El soporte de gran parte de las obras de la exposición contribuye a resaltar el amor de Chagall por el color. La acuarela, hecha de un pigmento mezclado con cola soluble en agua, puede construirse capa a capa para crear tonos translúcidos. El primo opaco de la acuarela, el gouache, contiene tiza que hace que el color sea más denso y vibrante. Chagall explota cada uno de ellos al máximo, como se ve en las obras de la exposición. La facilidad y flexibilidad del medio, así como su espontaneidad, hablan del deseo de Chagall de libertad y expresión artística. Pero esta espontaneidad no es menos indicativa de una obra de arte en toda regla. Estas obras sobre papel sitúan a Chagall en la misma conversación que otros célebres acuarelistas como William Blake y Winslow Homer. Si desea una visión diferente de la acuarela y el gouache, visite nuestra exposición Alexander Calder: Un universo de pintura o para una nueva visión de las obras sobre papel, visite Corte de papel: Obras únicas sobre papel.
Marc Chagall, "El ángel y el lector" (c. 1930)
Marc Chagall, "Pequeña composición para Juan" (1957)
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