Marc Chagall: Die Farbe der Liebe
"Marc Chagall, New York City" (1941)
Diese Ausstellung bietet einen ersten Einblick in die reiche Welt von Chagall, vor allem durch seine Arbeiten auf Papier. Sie veranschaulichen die vielfältigen Einflüsse, die Chagall kanalisieren konnte, und jedes ist ein sehr persönliches Werk, das von seiner Identität, seinem Leben und seiner Liebe durchdrungen ist.
ÜBER
Was ist die Farbe der Liebe? Vielleicht hat kein anderer Künstler das Leben der Freude, der Farben und der Liebe so gut dargestellt wie Marc Chagall. Diese Ausstellung deckt fünf Jahrzehnte von Chagalls Karriere ab, wobei jedes Werk ein anderes Jahrzehnt darstellt.
Das Werk von Marc Chagall zeichnet sich durch die Verwendung von Farben und die traumartige Qualität seiner Figuren und Szenen aus. Während viele verschiedene Stile den Künstler beeinflussten, wie der Fauvismus, der Surrealismus und der Kubismus, behielt Chagall einen einzigartigen Stil bei, der über eine lange und produktive Karriere hinweg ziemlich konstant blieb.
JUDENTUM UND MODERNITÄT
Zentral für Chagalls Werk ist seine jüdische Identität. Ob in der expliziten Darstellung jüdischer Traditionen oder in der Einbeziehung der visuellen Sprache der jüdischen Kultur - vieles von dem, was Chagalls Stimme einzigartig macht, entstand aus der Synthese der aufkommenden modernistischen Trends des frühen20. Jahrhunderts und seiner jüdischen Identität.
Chagall wurde in der Nähe von Witebsk im heutigen Weißrussland geboren, einer Gegend, die von jüdischer Kultur und Tradition geprägt ist. Er besuchte die örtlichen religiösen Schulen und studierte schließlich bei jüdischen Künstlern wie Yehunda Pen und dem Designer Leon Bakst.
Wir können in Chagalls Kunst eine surreale Mischung aus fliegenden Tieren, insbesondere Ziegen und Menschen, sehen, aber dieses Konzept ist nicht einzigartig für Chagall. Es entstand aus dem Geschichtenerzählen der osteuropäischen jüdischen Kultur. Chagall wuchs in der Blütezeit der jüdischen Kultur auf, als Schriftsteller begannen, sich des Jiddischen zu bedienen und Literatur zu schaffen, die den Alltag, die Kämpfe und Freuden der Menschen widerspiegelt, das Zusammentreffen von Alltäglichem und Magischem. Einer der bekanntesten dieser Schriftsteller ist vielleicht Sholom Aleichem, dessen Worte das literarische Äquivalent zu Chagalls kühnen Gemälden sind. Der Autor Johnathan Wilson vermutet sogar, dass die fliegenden Figuren in Chagalls Welt eine wörtliche Übersetzung des jiddischen Wortes Luftmensch " sind. Chagall selbst schrieb einmal: "Wenn ich kein Jude wäre, wäre ich überhaupt kein Künstler. Ich wäre ein ganz anderer Künstler".
Chagall ist nicht der einzige jüdische Künstler der Moderne. Zu seinen Zeitgenossen zählen Arthur Kolnik und Sigmund (Zygmunt) Menkes, die den Modernismus durch eine jüdische Brille betrachteten. Diese Ausdrucksformen waren manchmal offenkundig in der Darstellung des alltäglichen Lebens und manchmal bezogen sie die visuellen und literarischen Konventionen mit ein, um einen Modernismus zu schaffen, der sich von dem von Picasso oder Matisse unterscheidet. Chagall und seine Zeitgenossen sind Beispiele für eine blühende jüdische Kultur zu Beginn des20. Jahrhunderts und für die Entwicklungen, die diese Diaspora für die Kunstgeschichte mit sich brachte.
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SURREALISMUS UND ERINNERUNG
Diese Diaspora ist es, die uns zum nächsten Aspekt von Chagalls Schaffen führt. Obwohl er Witebsk verließ, um in St. Petersburg und Paris zu studieren, verwandelten der Ausbruch des Ersten Weltkriegs und die Russische Revolution seine Reise in ein Exil. Dies spiegelt das Leben vieler Menschen am Rande der Gesellschaft und die drohende Gefahr der Vertreibung wider.
Obwohl Chagall und seine Frau 1923 nach Paris umziehen konnten, brachte die wachsende Bedrohung durch den Nationalsozialismus Chagall erneut an den Rand des Abgrunds. Über fünfzig seiner Werke wurden von den Nazis beschlagnahmt, vier davon wurden sogar in der Ausstellung "Entartete Kunst" in München ausgestellt. Chagall und seine Frau erlebten die Zerstörung des jüdischen Lebens bei ihrem Besuch in Wilna sogar aus erster Hand. Trotzdem bleibt Chagall hartnäckig stumpfsinnig gegenüber der Gefahr, die vor seiner Haustür lauert. Erst auf Intervention des Museum of Modern Art und nach dem Entzug der französischen Staatsbürgerschaft für Juden und seiner Verhaftung in Marseille konnte Chagall überzeugt werden, seine Wahlheimat zu verlassen und eine neue zu suchen.
Es ist daher ein Wunder, dass Chagalls Bilder nicht mit noch mehr Traumata gefüllt sind. Stattdessen sind sie gefüllt mit schönen Erinnerungen, Spuren von Freude an einem Leben, das war und sein könnte. Farben und Formen wirbeln durcheinander, als würden sie buchstäblich aus dem Geist des Künstlers hervorgezaubert, der eine Geschichte erzählt, so wie Sholom Aleichem Figuren aufruft, wo das Fantastische und das Gewöhnliche nebeneinander stehen, wo Allegorie und Metapher Wirklichkeit werden. Chagall überbrückt die Kluft zwischen einem Modernismus, der dekonstruiert, indem er die Bedeutung durch Abstraktion entfernt, und seiner eigenen Identität, die auf Bedeutung und Symbolik beruht. Er macht sich die Unlogik der Moderne zu eigen, um Gemälde mit mehreren unzusammenhängenden Szenen zu schaffen, wobei jede Vignette mit ihren eigenen Symbolen und Bedeutungen gefüllt ist. Seine Werke sind wie ein unzusammenhängender Traum, in dem Erinnerungen und Ikonographie aufeinanderprallen - nicht unähnlich den Surrealisten, die sich oft auf Chagall als den Paten der Bewegung bezogen.
Anders als Modernisten wie Picasso oder Surrealisten wie Dalí hatte Chagall es nicht nötig, die "exotische" Kunst nicht-westlicher Kulturen zu betrachten oder die fremde Landschaft des Unbewussten auszugraben. Stattdessen wandte er sich seinem eigenen Leben zu, seiner eigenen Kultur und seinem Hintergrund, die jede Szene mit Wärme erfüllten, ohne dabei die Moderne aus den Augen zu verlieren. Jede Iteration einer Kuh oder eines Huhns oder einer Ziege, von Geigen und fliegenden Menschen ist eine Erinnerung an Chagalls frühes Leben, eine modern gewordene Erinnerung.
FARBE UND LIEBE
Im Mittelpunkt von Chagalls Werk steht natürlich die Farbe. Ohne Farbe würde seine unübersichtliche Mischung von Szenen wie ein Chaos wirken. Stattdessen belebt die Farbe seine Malerei und trägt zur surrealen Qualität bei. Bei Leon Bakst lernte Chagall, chromatische Beziehungen zu erforschen, indem er kontrastreiche Farbtöne zusammenstellte. Und durch die Fauvisten und Kubisten, die er in Paris kennenlernte, entfachte Chagall eine Flut von leuchtenden Farben.
Unter all den leuchtenden Farben Chagalls finden sich auch Szenen von Liebe und Liebenden, die die Intensität jeder Komposition noch verstärken. Er sprach einmal von "... dieser lauten Liebe, die ich im Allgemeinen für die Menschheit empfinde" und dass "[er] allmählich begreifen musste, dass Farbe alles ist... Farbe ist zweierlei. Sie ist Chemie und sie ist Liebe." Jedes Werk ist ein Beweis für die Verschmelzung dieser beiden Gedanken.
Das Medium vieler Werke in der Ausstellung unterstreicht Chagalls Liebe zur Farbe. Aquarellfarbe, die aus einem mit wasserlöslichem Leim vermischten Pigment besteht, kann schichtweise aufgetragen werden, um durchscheinende Farbtöne zu erzeugen. Der undurchsichtige Cousin der Aquarellfarbe, die Gouache, enthält Kreide, die die Farbe dichter und leuchtender macht. Chagall schöpft jedes dieser Mittel in vollem Umfang aus, wie man an den Werken in der Ausstellung sehen kann. Die Leichtigkeit und Flexibilität des Mediums sowie seine Spontaneität sprechen für Chagalls Wunsch nach künstlerischer Freiheit und Ausdruck. Aber diese Spontaneität ist nicht weniger bezeichnend für ein vollwertiges Kunstwerk. Diese Arbeiten auf Papier stellen Chagall in eine Reihe mit anderen berühmten Aquarellmalern wie William Blake und Winslow Homer. Wenn Sie einen anderen Blick auf Aquarelle und Gouache-Gemälde werfen möchten, besuchen Sie unsere Ausstellung Alexander Calder: Ein Universum der Malerei oder für einen neuen Blick auf die Arbeiten auf Papier, besuchen Sie Scherenschnitt: Einzigartige Arbeiten auf Papier.
Marc Chagall, "Der Engel und der Leser" (um 1930)
Marc Chagall, "Kleine Komposition für Johannes" (1957)
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