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El 15 de mayo de 1886 nació un manifiesto visual para un nuevo movimiento artístico cuando se presentó la obra cumbre de Georges Seurat, Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, en la Octava Exposición Impresionista. Seurat puede reivindicar el título de "Impresionista científico" original, trabajando de una manera que llegó a conocerse como Puntillismo o Divisionismo. Sin embargo, fue su amigo y confidente Paul Signac, de 24 años, y su diálogo constante lo que propició una colaboración en la comprensión de la física de la luz y el color y el estilo que surgió. Signac era un pintor impresionista sin formación, pero con un talento asombroso, cuyo temperamento se adaptaba perfectamente al rigor y la disciplina necesarios para lograr la pincelada y el color laboriosos. Signac asimiló rápidamente la técnica. También fue testigo del arduo viaje de dos años de Seurat construyendo miríadas de capas de puntos de color sin mezclar en La Grande Jatte, de tamaño colosal. Juntos, Signac, el extrovertido descarado, y Seurat, el introvertido reservado, estaban a punto de subvertir el curso del Impresionismo y cambiar el curso del arte moderno.

Les Andelys. L'Île à Lucas

Junio-Julio 1886

25 1/4 x 17 7/8 pulg.

óleo sobre lienzo

Led by a triumvirate of painters of the American Scene, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, and Grant Wood took on the task of exploring, defining, and celebrating the Midwest as a credible entity within the geographical, political, and mythological landscape of the United States. Their populist works were figurative and narrative-driven, and they gained widespread popularity among a Depression-weary American public. The landscapes Grant Wood painted, and the lithographs marketed by Associated American Artists were comforting reminders of traditional Midwestern values and the simplicity of country life. Yet, Wood's most iconic works, including American Gothic, were to be viewed through the lens of elusive narratives and witty ironies that reflect an artist who delighted in sharing his charming and humorous perspective on farm life. <br><br>In 1930, Wood achieved national fame and recognition with American Gothic, a fictionalized depiction of his sister, Nan, and his family dentist. Frequently regarded as the most famous American painting of the twentieth century, to fully grasp American Gothic's essential nature, one must recognize Wood's profound connection to his Iowan roots, a bond that borders on a singular fixation and the often-brutal confrontation between the moral and cultural rigidity of Midwest isolationism and the standards that prevailed elsewhere in America. This war of values and morality became dominant throughout Wood's oeuvre. Their fascination with American Gothic may have mystified the public, but the story, told in the attitude of a farmer and his wife, is as lean and brittle as the pitchfork he carries. Their attitude, as defiant as it is confrontational, is an unflinching dare to uppity gallery-goers to judge their immaculate well-scrubbed farm. American Gothic became an overnight sensation, an ambiguous national icon often interpreted as a self-effacing parody of midwestern life. Yet it also served as an unflinching mirror to urban elite attitudes and their often-derisive view of heartland values and way of life. In Grant Wood's hands, the people of the Midwest have stiffened and soured, their rectitude implacable.<br> <br>Portrait of Nan is Grant Wood's most intimate work. He may have been motivated to paint it to make amends for the significant scrutiny and harsh treatment his sister received as American Gothic's sternly posed female. Grant poured his heart into it as a sign of sibling love. Intent upon painting her as straightforward and simply as possible so as not to invite unintended interpretations, Wood's deep attachment to the portrait was significant enough for him to think of it as having irreplaceable value. When he moved from Cedar Rapids to Iowa City in 1935, he designed his entire living room around the work. It occupied the place of honor above the fireplace and was the only painting he refused to sell. <br> <br>The lithograph July Fifteenth, issued in 1938, proves his mystical vision of the Iowan heartland is anything but a pitchfork approach. Drawings assumed central importance in Wood's output, and this work is executed in meticulous detail, proving his drawings were at least as complex, if not more so, than his paintings. The surface of the present work takes on an elaborate, decorative rhythm, echoed throughout the land that is soft, verdant, and fertile. Structurally, it alludes in equal measure to the geometry of modern art and the decorative patterning of folk-art traditions. This is a magical place, a fulsome display of an idealized version of an eternal, lovely, and benign heartland. <br><br>The Young Artist, an en plein air sketch, may have been produced during, or slightly after, what Wood called his "palette-knife stage" that consumed him in 1925. Having not yet traveled to Munich where, in 1928, he worked on a stain-glass window commission and came under the influence of the Northern Renaissance painters that sparked his interest in the compositional severity and detailed technique associated with his mature works, here, he worked quickly, and decisively. The view is from a hilltop at Kenwood Park that overlooks the Cedar River Valley near Cedar Rapids, where he built a house for his sister, Nan.

35 1/2 x 29 1/2 x 1 pulg.

aceite en la masonita

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GEORGIA O'KEEFFE

Cottonwood Tree (cerca de Abiquiu), Nuevo México

36 x 30 pulgadas.

óleo sobre lienzo

<br>In Diego Rivera’s portrait of Enriqueta Dávila, the artist asserts a Mexicanidad, a quality of Mexican-ness, in the work along with his strong feelings towards the sitter. Moreover, this painting is unique amongst his portraiture in its use of symbolism, giving us a strong if opaque picture of the relationship between artist and sitter.<br><br>Enriqueta, a descendent of the prominent Goldbaum family, was married to the theater entrepreneur, José María Dávila. The two were close friends with Rivera, and the artist initially requested to paint Enriqueta’s portrait. Enriqueta found the request unconventional and relented on the condition that Rivera paints her daughter, Enriqueta “Quetita”. Rivera captures the spirit of the mother through the use of duality in different sections of the painting, from the floorboards to her hands, and even the flowers. Why the split in the horizon of the floorboard? Why the prominent cross while Enriqueta’s family is Jewish? Even her pose is interesting, showcasing a woman in control of her own power, highlighted by her hand on her hip which Rivera referred to as a claw, further complicating our understanding of her stature.<br><br>This use of flowers, along with her “rebozo” or shawl, asserts a Mexican identity. Rivera was adept at including and centering flowers in his works which became a kind of signature device. The flowers show bromeliads and roselles; the former is epiphytic and the latter known as flor de jamaica and often used in hibiscus tea and aguas frescas. There is a tension then between these two flowers, emphasizing the complicated relationship between Enriqueta and Rivera. On the one hand, Rivera demonstrates both his and the sitter’s Mexican identity despite the foreign root of Enriqueta’s family but there may be more pointed meaning revealing Rivera’s feelings to the subject. The flowers, as they often do in still life paintings, may also refer to the fleeting nature of life and beauty. The portrait for her daughter shares some similarities from the use of shawl and flowers, but through simple changes in gestures and type and placement of flowers, Rivera illuminates a stronger personality in Enriqueta and a more dynamic relationship as filtered through his lens.<br><br>A closer examination of even her clothing reveals profound meaning. Instead of a dress more in line for a socialite, Rivera has Enriqueta in a regional dress from Jalisco, emphasizing both of their Mexican identities. On the other hand, her coral jewelry, repeated in the color of her shoes, hints at multiple meanings from foreignness and exoticism to protection and vitality. From Ancient Egypt to Classical Rome to today, coral has been used for jewelry and to have been believed to have properties both real and symbolic. Coral jewelry is seen in Renaissance paintings indicating the vitality and purity of woman or as a protective amulet for infants. It is also used as a reminder, when paired with the infant Jesus, of his future sacrifice. Diego’s use of coral recalls these Renaissance portraits, supported by the plain background of the painting and the ribbon indicating the maker and date similar to Old Master works.<br><br>When combined in the portrait of Enriqueta, we get a layered and tense building of symbolism. Rivera both emphasizes her Mexican identity but also her foreign roots. He symbolizes her beauty and vitality but look closely at half of her face and it is as if Rivera has painted his own features onto hers. The richness of symbolism hints at the complex relationship between artist and sitter.

Retrato de Enriqueta G. Dávila

79 1/8 x 48 3/8 pulg.

óleo sobre lienzo

Según el catálogo razonado recopilado por el Brandywine River Museum of Art, el dibujo preliminar de Puritan Cod Fishers fue realizado por N. C. Wyeth antes de su muerte, en octubre de 1945. La entrada registra una imagen del boceto, así como las inscripciones del artista y su título, Puritan Cod Fishers, caracterizado por el catálogo como "alternativo". En cualquier caso, el lienzo a gran escala es una obra única que Andrew Wyeth recordaría más tarde que fue pintada únicamente por su mano, una colaboración delimitada del diseño y la composición del padre llevada a buen término por la ejecución de un hijo notable. Para Andrew, debió de ser una experiencia profundamente sentida y emotiva. Dada la atención de su padre a los detalles y la autenticidad, las líneas de la pequeña embarcación de vela representan un chalote, en uso durante el siglo XVI. Por otra parte, es probable que Andrew intensificara los matices del inquieto mar más de lo que lo hubiera hecho su padre, una elección que realza adecuadamente la peligrosa naturaleza de la tarea.

Andrew Wyeth y N. C. Wyeth

Pescadores de bacalao puritanos

108 1/2 x 157 1/2 in.

óleo sobre lienzo

WILLEM DE KOONING - Mujer en un bote de remos - óleo sobre papel colocado sobre masonita - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Mujer en un bote de remos

47 1/2 x 36 1/4 in.

óleo sobre papel colocado en masonita

MARK ROTHKO - Sin título (Marrón y negro) - acrílico sobre papel montado sobre tabla - 33 1/4 x 25 3/4 pulg.

Sin título (marrón y negro)

33 1/4 x 25 3/4 pulg.

acrílico sobre papel montado sobre tabla

VINCENT VAN GOGH - La iglesia nueva y las casas antiguas de La Haya - óleo sobre lienzo sobre tabla - 13 5/8 x 9 3/4 pulg.

VINCENT VAN GOGH

La Iglesia Nueva y las Casas Viejas de La Haya

13 5/8 x 9 3/4 pulg.

óleo sobre lienzo sobre tabla

In 1955, Sir John Rothenstein, representing the Trustees of the Tate Museum, approached Winston Churchill about donating one of his paintings "as a gift to the nation." Churchill was flattered, but felt he did not deserve such an honor as an artist. Eventually, Churchill agreed and sent two candidate paintings to the Tate – On the Rance and Loup River. No record exists regarding his own thoughts on the works he submitted, but one can safely say that Churchill thought highly of On the Rance, especially since it was not one of the paintings Rothenstein identified as a strong option. Loup River, which clearly matched Rothenstein's taste, was selected. Not only was On the Rance not returned, but somehow it ended up, without any inventory record, in a basement storeroom at the Tate. In the storeroom it sat for almost a half century, when it was discovered by an intern. The Churchill family was notified and eventually the painting was auctioned in June 2005, where it set a new auction record for Churchill's work, despite the lot notes hardly touching on the Tate’s possible acquisition. In a letter to the buyers, Churchill’s daughter, Lady Soames, summarized what had occurred in somewhat more detail.<br><br>St. Malo is a walled city in Brittany, France on the coast of the English Channel. The city was nearly destroyed by bombings during WWII.

SIR WINSTON CHURCHILL

En el Rance, cerca de St. Malo (C 520)

óleo sobre lienzo

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

L'Église de Moret, le Soir

31 1/4 x 39 1/2 in.

lienzo al óleo

TOM WESSELMANN - Fumador nº 21 - óleo sobre lienzo perfilado - 74 1/2 x 67 1/2 pulg.

74 1/2 x 67 1/2 pulg.

óleo sobre lienzo perfilado

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

Sonnenblumen, Abend II

26 1/2 x 35 3/8 in.

óleo sobre lienzo

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

GERHARD RICHTER

Abstraktes Bild 758-2

24 1/2 x 32 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

A principios de la década de 1870, Winslow Homer pintaba con frecuencia escenas de la vida en el campo cerca de una pequeña aldea agrícola famosa durante generaciones por sus notables plantaciones de trigo, situada entre el río Hudson y los Catskills, en el estado de Nueva York. Hoy en día Hurley es mucho más famoso por haber inspirado una de las mayores obras de Homer, Snap the Whip (Chasquear el látigo), pintada el verano de 1872. Entre los muchos otros cuadros inspirados en la región, Muchacha de pie en el campo de trigo es rico en sentimientos, pero no demasiado sentimentalista. Está directamente relacionado con un estudio de 1866 pintado en Francia y titulado In the Wheatfields (En los campos de trigo), y con otro pintado al año siguiente de su regreso a América. Pero, sin duda, Homero se habría sentido más orgulloso de éste. Se trata de un retrato, un estudio de vestuario, un cuadro de género en la gran tradición de la pintura pastoril europea, y un espectacular tour de force atmosférico a contraluz, impregnado de la luz de las horas crepusculares que se desvanece rápidamente, animado con notas lambiscentes y floridas y toques de espigas de trigo. En 1874, Homer envió cuatro cuadros a la exposición de la Academia Nacional de Diseño. Uno se titulaba "Muchacha". ¿No podría ser éste?

En el campo de trigo (Girl Standing in a Wheat Field)

21 3/4 x 13 1/2 pulg.

óleo sobre lienzo

Emerging at the end of the Gilded Age, N.C. Wyeth was one of the most important American artists and illustrators. His paintings and illustrations brought life to classic literature from Treasure Island to The Boy’s King Arthur and more. He is most remembered for his ability to capture crucial moments in narratives, fleshing out just a few words into a visual representation of deep drama and tension. Patriarch of the Wyeth artistic dynasty which includes his son Andrew and grandson Jamie, his influence touched future illustrators and artists.<br><br>Perhaps his most important legacy is how he shaped American imagination – of America itself and of wild possibilities. Wyeth’s powerful paintings gave life to many of the stories America told of itself. His early paintings captured life of the American West and some of his most beloved illustrations were for novels such as The Last of the Mohicans or short stories like “Rip Van Winkle”. Despite this success, Wyeth struggled with the commercialism of illustrations and advertisements, seeking his work to be accepted as fine art. Throughout his career, he experimented with different styles shifting from Impressionism to Divisionism to Regionalism.<br><br>N.C. Wyeth produced over 3,000 paintings and illustrated 112 books. His illustrations for the publisher Charles Scribner’s Sons were so popular they became known as Scribner’s Classics and remain in print to this day.<br><br>This quietly powerful painting of a Native American forms part of a quartet of paintings, inspired by and a metaphor for the four seasons. The paintings were used to illustrate George T. Marsh’s set of poems “The Moods”. Wyeth recognized that the series came at a crucial moment in his career in which the paintings go beyond realism to capture atmosphere and mood, an internal world of emotion made external. He even contemplated and attempted to write his own poems based on these paintings.<br> <br><br>Summer, Hush is a striking example of Wyeth pulling from his imagination and melding it with careful observation of nature. As noted in a letter to his mother, Wyeth combined the fictional subject with natural effects as in the sky. Native Americans were a subject he returned to numerous times; these paintings reflect not only Wyeth’s fascination but also of America. As observed by art historian Krstine Ronan, Wyeth was part of a larger dialogue that developed around Native Americans, cementing a general Native American culture in the imagination of the United States. Thus, the painting operates on numerous levels simultaneously. How do we relate to this painting and its conception of the four seasons? How do we interpret Wyeth’s depiction of a Native American? What role do Native Americans play in America’s imagination?<br><br>We must also not forget that these works were first used to illustrate the poems of George T. Marsh. Marsh, a poet born in New York who often also wrote of the Canadian wilderness, provides subtle evocations of the seasons hinted at in the series title “The Moods”. This painting was used alongside “Hush,” which ends:<br><br>Are they runes of summers perished<br><br>That the fisher hears –and ceases—<br><br>Or the voice of one he cherished.<br><br>Within these few lines, Wyeth gives us a thoughtful and restrained painting that stirs from within. The poem and the painting avoid obvious clichés to represent the seasons. They develop a profound interpretation filled with sensitivity.<br><br>These paintings were important to Wyeth who hoped that “they may suggest to some architect the idea that such decorations would be appropriate in a library or capitol or some public building.” Summer, Hush demonstrates Wyeth’s control of color and composition so that small touches such as the ripples of water or the towering cloud that envelopes the figure are in service to sketch out the feeling of summer and of the poem. Through exploring this rich and complex painting, we are better able to appreciate NC Wyeth as an artist and the role this specific painting plays in the context of art history.

El verano. "Hush"

33 3/4 x 30 1/4 in.

óleo sobre lienzo

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

óleo sobre aluminio

El mundo de Marc Chagall no puede ser contenido ni limitado por las etiquetas que le ponemos. Es un mundo de imágenes y significados que forman su propio discurso espléndidamente místico. Les Mariés sous le baldaquin (Los novios bajo el baldaquín) fue iniciado cuando el artista entraba en su nonagésimo año, un hombre que había conocido la tragedia y la lucha, pero que nunca olvidó los momentos de placer arrebatador de la vida. Aquí, las delicias de ensueño de una boda en un pueblo ruso, con sus arreglos de asistentes bien vestidos, se nos presentan con un ingenio tan feliz y una inocencia tan alegre que no hay quien se resista a su encanto. Utilizando una emulsión de tonos dorados que combina óleo y aguada opaca al agua, la calidez, la alegría y el optimismo del positivismo habitual de Chagall se envuelven en un resplandor luminoso que sugiere la influencia de los iconos religiosos dorados o de la pintura del Renacimiento temprano que pretendía transmitir la impresión de luz divina o iluminación espiritual. Utilizar una combinación de óleo y gouache puede ser todo un reto. Pero aquí, en Les Mariés sous le baldaquin, Chagall lo emplea para dar a la escena una calidad de otro mundo, casi como si acabara de materializarse a partir del ojo de su mente. La delicadeza de su textura crea la impresión de que la luz emana de la propia obra y confiere un carácter espectral a las figuras que flotan en el cielo.

Les mariés sous le baldaquin

23 1/2 x 31 7/8 pulg.

óleo y gouache sobre lienzo

Shortly after arriving in Paris by April 1912, Marsden Hartley received an invitation. It had come from Gertrude Stein and what he saw at her 27 rue de Fleurus flat stunned him. Despite his presumptions and preparedness, “I had to get used to so much of everything all at once…a room full of staggering pictures, a room full of strangers and two remarkable looking women, Alice and Gertrude Stein…I went often I think after that on Saturday evenings — always thinking, in my reserved New England tone, ‘ how do people do things like that — let everyone in off the street to look at their pictures?… So one got to see a vast array of astounding pictures — all burning with life and new ideas — and as strange as the ideas seemed to be — all of them terrifically stimulating — a new kind of words for an old theme.” (Susan Elizabeth Ryan, The Autobiography of Marsden Hartley, pg. 77)<br><br>The repeated visits had a profound effect. Later that year, Hartley was clearly disappointed when Arthur B. Davies and Walt Kuhn chose two of his still-life paintings for the upcoming New York Armory show in February 1913. “He (Kuhn) speaks highly of them (but) I would not have chosen them myself chiefly because I am so interested at this time in the directly abstract things of the present. But Davies says that no American has done this kind of thing and they would (not) serve me and the exhibition best at this time.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, early November 1912) A month later, he announced his departure from formal representationalism in “favor of intuitive abstraction…a variety of expression I find to be closest to my temperament and ideals. It is not like anything here. It is not like Picasso, it is not like Kandinsky, not like any cubism. For want of a better name, subliminal or cosmic cubism.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, December 1912)<br><br>At the time, Hartley consumed Wassily Kandinsky’s recently published treatise Uber das Geistige in der Kunst (The Art of Spiritual Harmony) and Stieglitz followed the artist’s thoughts with great interest. For certain, they both embraced musical analogy as an opportunity for establishing a new visual language of abstraction. Their shared interest in the synergetic effects of music and art can be traced to at least 1909 when Hartley exhibited landscape paintings of Maine under titles such as “Songs of Autumn” and “Songs of Winter” at the 291 Gallery. The gravity of Hartley’s response to the treatise likely sparked Stieglitz’s determination to purchase Kandinsky’s seminal painting Improvisation no. 27 (Garden of Love II) at the Armory Show. As for Hartley, he announced to his niece his conviction that an aural/vision synesthetic pairing of art and music was a way forward for modern art. “Did you ever hear of anyone trying to paint music — or the equivalent of sound in color?…there is only one artist in Europe working on it (Wassily Kandinsky) and he is a pure theorist and his work is quite without feeling — whereas I work wholly from intuition and the subliminal.” (D. Cassidy, Painting the Musical City: Jazz and Cultural Identity in American Art, Washington, D.C., pg. 6)<br><br>In Paris, during 1912 and 1913 Hartley was inspired to create a series of six musically themed oil paintings, the first of which, Bach Preludes et Fugues, no. 1 (Musical Theme), incorporates strong Cubist elements as well as Kandinsky’s essential spirituality and synesthesia. Here, incorporating both elements seems particularly appropriate. Whereas Kandinsky’s concepts were inspired by Arnold Schoenberg’s twelve-tone method of composition whereby no note could be reused until the other eleven had been played, Hartley chose Bach’s highly structured, rigorously controlled twenty-four Preludes and Fugues from his Well-Tempered Clavier, each of which establishes an absolute tonality. The towering grid of Bach Preludes et Fugues, no. 1 suggests the formal structure of an organ, its pipes ever-rising under a high, vaulted church ceiling to which Hartley extends an invitation to stand within the lower portion of the picture plane amongst the triangular and circular ‘sound tesserae’ and absorb its essential sonority and deeply reverberating sound. All of it is cast with gradients of color that conjures an impression of Cézanne’s conceptual approach rather than Picasso’s, Analytic Cubism. Yet Bach Preludes et Fugues, no. 1, in its entirety suggests the formal structural of Picasso’s Maisons à Horta (Houses on the Hill, Horta de Ebro), one of the many Picasso paintings Gertrude Stein owned and presumably staged in her residence on the many occasions he came to visit.

MARSDEN HARTLEY

Bach Preludes et Fugues No. 1 (Tema musical)

28 1/2 x 21 in.

óleo sobre lienzo colocado sobre tabla

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

Dormitorio moreno con lirios

105 3/4 x 164 5/8 pulg.

aceite en aluminio recortado

ALBERT BIERSTADT - El Golden Gate - óleo sobre lienzo - 27 3/8 x 38 3/4 pulg.

ALBERT BIERSTADT

27 3/8 x 38 3/4 pulg.

óleo sobre lienzo

Frederick Frieseke is often regarded as the finest American Impressionist painter of the figure. Yet when he came to study at Académie Juilian in 1898, several les Nabis painters remained a lingering presence, and it was the rich, decorative patterns of Edouard Vuillard and Pierre Bonnard that served as the blueprint for his early success. That influence is clearly demonstrated in the unrestrained repetition of the voluminous, pleated, striped umbrellas of Afternoon at the Beach, a canvas mural installed in the opulent Hotel Shelburne dining room overlooking the Atlantic City Boardwalk. The unifying impact of that repetitive element imbues the setting with cloud-like loft within a color scheme, evoking Vuillard and the richness of a Gobelin tapestry, rather than the effect of sunlight and broken color that mark his more familiar paintings from the decade of 1910 to 1920.<br><br>Afternoon at the Beach was installed under the artist’s direction in February 1906. It remained on view for decades at the swanky hotel that enticed “Diamond Jim” James Buchanan Brady to pay one thousand dollars a week for permanent residence and was an unfading memory for throngs of well-heeled socialites, financiers, and notables from Irving Berlin to John Philip Sousa and Ethel Barrymore to Al Jolson. Undoubtedly, its presence high on the grand dining room wall contributed to the artist’s popularity and renown.<br><br>Today, we may look upon this long, frieze-like composition as a delightful fin-de-siécle costume study or an informative expose of Victorian mores as suggested by the separate spheres of gender groupings. But mostly, Afternoon at the Beachrecounts the artist’s unbridled delight and appreciation of women, here, expressed within familial, maternal, and social contexts. It is the subject and theme that brought Frieseke acclaim and awards on both sides of the Atlantic and which, to this day, endears him to the many who count him among the most beloved of American figurative painters.

FREDERICK CARL FRIESEKE

Tarde en la playa

1905/1906 Francia

óleo sobre lienzo

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

óleo sobre lienzo

Maestro indiscutible del floreciente movimiento neoimpresionista belga a partir de 1887, Théo van Rysselberghe pintó este retrato de su esposa, Maria (de soltera Monnom), durante la primera década del siglo XX. A partir de la influencia del tonalismo de Whistler, del impresionismo y del puntillismo de Seurat, perfeccionó una comprensión muy refinada del color, de sus resonancias armónicas y de la representación meticulosa de los elementos formales. Dibujante ejemplar, las impresiones ópticas basadas en las interacciones cromáticas siguieron siendo una de las principales preocupaciones de Van Rysselberghe. Aquí, los trazos cortos de color sustituyen a los pequeños puntos de un puntillista, y el esquema de color no es el homogeneizado y armonioso por el que el artista tiene una merecida reputación. Más bien, este retrato avanza la teoría del color de una manera totalmente diferente. Su interés visual reside en los contrastes dinámicos del peinado plateado de su esposa, su vestido platino y el manto blanco de la chimenea, todo ello enmarcado en la vitalidad óptica de un entorno dominado por rojos y verdes complementarios. Es una demostración visualmente estimulante de un pintor que comprendió el impacto dinámico de esta inusual combinación de colores y que dispuso al modelo con un fuerte acento en diagonal y ejecutó la fórmula con la destreza y agilidad de un pintor en pleno control de sus recursos pictóricos.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Maria van Rysselberghe au coin du feu

32 1/4 x 32 7/8 pulg.

óleo sobre lienzo

Alien es una iteración de la serie seminal "Visitor" de Breuer-Weil. Es un bronce colosal de seis metros de una figura humanoide que se ha estrellado de cabeza en la tierra. Así como sus piernas salvajes y pataleantes sugieren una acción destinada a liberar el cuerpo de la trampa, su cabeza está implantada como si fuera una circunstancia permanente. Breuer-Weil ha explicado sus intenciones de esta manera: "Siempre me ha fascinado la idea de que no estamos solos, de que un enorme alienígena podría aterrizar de repente en la Tierra. Quería captar la sensación de asombro y conmoción que generaría esa llegada". Alien, por supuesto, puede conllevar una asociación totalmente diferente: los retos de ser un forastero que espera encajar en una nueva cultura y sociedad. "Con esta obra quería utilizar una forma humana vasta y que respirara para expresar los profundos sentimientos asociados a estos temas. Y necesitaba la escala masiva para retratar la intensidad de estas emociones". Breuer-Weil ha autorizado la fundición de Alien en una edición de 3 ejemplares más 2 pruebas de artista.

DAVID BREUER-WEIL

concebido en 2012

bronce patinado marrón

En "Desnudo bajando una escalera nº 2", Mel Ramos entrelaza juguetonamente el legado de la obra maestra modernista de Marcel Duchamp con la estética vibrante del Pop Art, creando una reinterpretación inteligente y visualmente estimulante. Al asociar el movimiento abstracto de Duchamp con su característico estilo pin-up, Ramos crea un diálogo dinámico entre las veneradas tradiciones de las bellas artes y las cualidades audaces y gráficas de las imágenes comerciales. Esta obra ejemplifica la habilidad de Ramos para navegar por la historia del arte y la cultura contemporánea, utilizando el encanto de la desnudez femenina para explorar y satirizar las obsesiones sociales con la belleza, el deseo y la mercantilización. Al hacerlo, la pieza de Ramos se convierte en una mezcla de arte pop por excelencia, deleitándose en su asociación lúdica con Duchamp y, al mismo tiempo, criticando y celebrando la cultura visual de su tiempo.

Desnudo bajando una escalera nº 2

70 x 52 1/8 pulg.

óleo sobre lienzo

JEAN-MICHEL BASQUIAT - Sin título (Anatomía de una paloma) - óleo, grafito y tiza sobre papel - 22 x 30 pulg.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

Sin título (Anatomía de la paloma)

óleo, grafito y tiza sobre papel

PIERRE BONNARD - Soleil Couchant - óleo sobre lienzo - 14 1/2 x 22 1/2 in.

Soleil Couchant

14 1/2 x 22 1/2 in.

óleo sobre lienzo

Nacida en Atlanta en 1981 y afincada en Brooklyn, Shara Hughes es célebre por su distintivo enfoque de la pintura de paisaje, que combina influencias históricas con sensibilidades contemporáneas. Su exultante paleta de colores recuerda a maestros como Henri Matisse, transmitida con el estilo y la audacia visual de David Hockney, al tiempo que reconoce una tradición más amplia de la pintura de paisaje, que incluye influencias del Art Nouveau, el fauvismo y el expresionismo alemán. All the Pretty Faces es una síntesis moderna de movimientos artísticos históricos e imágenes digitales actuales, que presenta al espectador mundos cautivadores e inventados que tienden un puente entre el pasado y el presente. También hace referencia a una de las citas más llamativas de Hughes sobre sus innovadores paisajes llenos de elementos fantásticos: "A menudo he pensado en las flores y los árboles como figuras. A veces, incluso una ola o un sol del cuadro adquieren personalidad, así que varía según cómo resulte la obra".

Todas las caras bonitas

36 x 30 pulgadas.

óleo sobre lienzo

Simpático en su retrato de los granjeros y trabajadores del campo y favoreciendo los temas de dedicación y trabajo duro, Thomas Hart Benton creó cientos de estudios que describen la lucha por la existencia que era la brutal vida cotidiana de tantos estadounidenses en ese momento. Hoeing Cotton tiene mucho de la palidez oscura y melancólica que evoca las dificultades de la agricultura sureña durante la Gran Depresión. Escenificado como si estuviera suspendido en anticipación de una tormenta inminente, Benton utiliza la interacción dinámica entre el cielo y el paisaje para profundizar el impacto temático de la vida rural en el sur profundo. Estos elementos ponen de relieve la conexión entre las personas y su entorno y el espíritu duradero de resiliencia.

THOMAS HART BENTON

Algodón escardado

9 1/8 x 13 pulg.

óleo sobre lata

WIFREDO LAM - Retrato / La Table I, coin d'atelier - témpera sobre papel (doble cara) - 38 x 24 3/4 pulg.

Retrato / La Table I, coin d'atelier

38 x 24 3/4 pulg.

témpera sobre papel (doble cara)

JEAN ARP - Escultura Mythique - bronce - 25 x 9 1/2 x 12 in.

Escultura mítica

25 x 9 1/2 x 12 pulg.

Sin título, de Katharine Grosse, de 2016, amplía nuestra apreciación de una artista que aporta al medio tradicional de la pintura sobre lienzo la misma energía, audacia y desprecio por lo convencional que se observa en sus monumentales instalaciones arquitectónicas. El color estalla, levantado de una superficie compleja, ricamente estratificada de aplicaciones vertidas de pintura que corren, lloviznan o salpican, velos transparentes radiantes y tiras superpuestas de color nebulizadas para crear suaves transiciones de gradiente. El resultado es una fascinante impresión de profundidad espacial y tridimensionalidad. Pero también es una proeza que revela la brillantez de Grosse a la hora de combinar caos y control, espontaneidad e intención. Su abanico de técnicas crea un convincente diálogo entre lo accidental y lo deliberado, sello distintivo de su estilo único.

KATHARINA GROSSE

118 x 78 3/4 pulg.

acrílico sobre lienzo

Influido por su devota fe católica, la evolución artística de Rouault fue única entre los modernistas. Cautivado por los vibrantes colores y por cómo la luz atraviesa las vidrieras medievales, aplicó gruesas y ricas capas de pintura y amplificó las formas crudas y audaces inundadas de azules profundos dentro de pesadas líneas negras. Rouault apoyaba a menudo fuertes temas religiosos recurrentes dedicados al poder de la redención. Carlotta no está al servicio de esa vocación superior ni del sufrimiento marginado de los sujetos, que incluían payasos, prostitutas y crucifixiones. En cambio, Carlotta es una oportunidad para admirar las variaciones de color más sutiles de Rouault y la interacción dinámica entre la calidad áspera y táctil del empaste y el efecto más suave y difuso de los pasajes desmenuzados de un modelo libre de temas de dolor y desesperación humanos.

GEORGES ROUAULT

15 7/8 x 12 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

Max Weber se trasladó a París en 1905, cuando la ciudad era el epicentro de la innovación artística. Sus primeras obras demuestran la influencia contemporánea de la audaz paleta de colores del fauvismo y la representación fragmentada de la realidad del cubismo. Sin embargo, Weber no se limitó a imitar estos estilos; Los integró y reinterpretó para crear algo propio. La importancia de Weber radica no sólo en sus obras abstractas, sino también en su papel como conducto de las ideas modernistas. Weber desempeñó un papel crucial en el diálogo transatlántico que ayudó a dar forma al curso del arte estadounidense en el siglo XX. Sus representaciones de figuras femeninas muestran una síntesis de lo abstracto y lo representativo, capturando la esencia de sus temas al tiempo que rompe con las obras figurativas tradicionales.

Modelo parisino

35 1/2 x 19 5/8 pulg.

óleo sobre lienzo

Experimental y muy sofisticada, la innovadora "técnica del rompecabezas" de Munch consistía en cortar la plancha de madera en piezas separadas, entintarlas e imprimirlas individualmente antes de volver a ensamblarlas para crear la imagen final. El proceso produjo una variedad de colores, impresiones únicas dentro de la misma edición y una amplia gama de emociones y estados de ánimo. Ricamente orquestadas, las formas ondulantes de Casa en la costa I se construyen mediante capas de color y textura que presentan múltiples planos, cada uno de los cuales contribuye a su profundidad y complejidad espacial. La talla y el tallado de las xilografías, ideales para expresar la mentalidad de trabajo a menudo brutal de Edvard Munch, ampliaron los límites de los métodos tradicionales y reforzaron su compromiso con la exploración de la profundidad emocional y psicológica en su arte.

Casa en la costa I

xilografía sobre papel ondulado con añadidos a mano de acuarela del artista

Jim Dine era un artista pop americano cuyo trabajo meditaba sobre objetos con un atractivo infantil para encontrar un lenguaje universal y nostálgico. Las túnicas de Dine se encuentran entre las imágenes más reconocibles que han surgido de su larga e ilustre carrera. Se exhibieron por primera vez en la galería Sidney Janis en el otoño de 1964 - este es un ejemplo de ello. Double Silver Point Robes es un conjunto de medios mixtos a gran escala. La obra se ejecuta en punta de plata - una técnica que utiliza una pieza de plata como instrumento de dibujo sobre un terreno especialmente preparado por el cual se oxida durante un período de meses para crear un tono marrón cálido. Las dos telas unidas presentan bloques de madera en el lugar donde deben estar las cabezas y un elemento de madera colgante que se mueve en respuesta a las corrientes de aire.

Doble túnica de punta plateada

53 1/2 x 96 pulg.

punta de plata y acrílico sobre 2 lienzos unidos, madera, cuchillo y cuerda en el marco del artista

Genieve Figgis es una figura notable del panorama artístico irlandés contemporáneo, reconocida por sus ingeniosos y críticos retratos de grupo que a menudo se burlan de convenciones sociales de antaño. Recién llegada a la pintura, llamó la atención del artista de la apropiación estadounidense Richard Prince en Twitter, quien adquirió una de sus obras y la introdujo en los círculos influyentes de la comunidad artística neoyorquina. La obra de Figgis critica juguetonamente los hábitos de consumo de la clase media acomodada y los estilos de vida lujosos, inmortalizados por artistas del pasado, y los traslada con firmeza a la actualidad con una mezcla de sátira y retratos crudos y auténticos de la vida. Piense en Figgis como si cruzara las arenas del tiempo hasta Daumier o Hogarth, cuyas obras ofrecían con frecuencia una mirada satírica de la sociedad contemporánea, uniéndose a artistas comprometidos con la sátira social y conocidos por su aguda capacidad de observación.

El Club de Damas

31 1/2 x 39 3/8 pulg.

acrílico sobre lienzo

DAVID SMITH - Sin título - óleo sobre lienzo - 12 x 16 pulgadas.

óleo sobre lienzo

Gottlieb was a first-generation member of the Abstract Expressionists. “Blue on Black” is from his trademark “Burst” series. Like fellow Ab Ex artists including Pollock who settled into their signature style late in their careers, it was not until 1956 that Gottlieb focused on these burst paintings.<br><br>This painting showcases the lyricism that he found within the “Burst” paintings by simplifying color and form. In this painting, the shapes and color coalesce to produce harmony and depth within the visual landscape of the canvas.<br><br>Gottlieb had an amazing 56 solo exhibitions during his long career and his works are included in over 140 museums throughout the world.

ADOLPH GOTTLIEB

Azul sobre Negro

24 x 18 7/8 pulgadas.

acrílico sobre papel colocado sobre lienzo

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - pastel sobre papel verjurado sobre tabla - 10 3/8 x 14 3/4 pulg.

CAMILLE PISSARRO

Paysage avec batteuse a Montfoucault

10 3/8 x 14 3/4 pulg.

pastel sobre papel colocado sobre tabla

Francisco Zúñiga creó esculturas cuando era niño cuando ayudaba a su padre, un escultor local de santos de madera. Se dedicó decididamente a la escultura después de llegar a México desde su Costa Rica natal en 1936 y desarrolló un amplio cuerpo de trabajo basado en la figura que abarcó la talla directa en madera, el modelado en arcilla, la escultura directa sobre piedra dura y la fundición en bronce. "Desnundo Reclinado de Dolores" es un punto de partida en el sentido de que no refleja su interés por el arte precolombino ni su persistencia en representar a mujeres de aspecto indígena con caderas y estómagos exagerados. En cambio, es un tour de force modelado clásicamente de una mujer arrodillada con la cadera rotada y apoyada en el antebrazo que Rodin habría estado orgulloso de haber reclamado como suya.

FRANCISCO ZUNIGA

Desnudo reclinado de Dolores

21 x 43 1/4 x 21 1/2 pulgadas.

bronce con pátina verde

El almuerzo del artista del Área de la Bahía Roland Petersen es un óleo sobre lienzo de 1961, un año crítico para su serie de Picnic más conocida. Su obra de este período se caracteriza por su espeso impasto y su rico colorido. Profundamente influenciado por estudios con Hans Hoffman, Petersen experimentó con la abstracción, mezclando aquí estilos abstractos y figurativos. Pintado cuando Petersen tenía 35 años, Luncheon se encuentra dentro de un marco de tiempo que incluye su exposición individual agotada en 1962 en la Staempfli Gallery de Nueva York, su exposición individual en Esther-Robles en Los Ángeles, y la beca Guggenheim Fellowship que le dio la oportunidad de estudiar en París.

ROLAND PETERSEN

óleo sobre lienzo

MARIO CARRENO - Guitarrista - óleo sobre tabla - 20 x 24 in.

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronce y bloque de hormigón - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

bronce y bloque de hormigón

Roger Brown es conocido por su imaginería personal y a menudo fantástica, y por sus pinturas muy estilizadas con figuras y objetos que reflejan su interés por las experiencias cotidianas. Lluvia ácida explora temas de la vida moderna y comentarios sociales que reflejan el papel del artista en la sociedad y el potencial del arte para instigar el cambio. En un plano más personal, el tema de la lluvia ácida puede simbolizar estados emocionales o psicológicos corrosivos, como la depresión, la ansiedad o la sensación de sentirse abrumado por circunstancias que escapan al propio control. Al igual que la lluvia ácida era un problema medioambiental en gran medida invisible pero devastador, la crisis de la incipiente epidemia de VIH/SIDA probablemente motivó a Brown a crear la obra para procesar el dolor personal, criticar la respuesta inadecuada de los líderes políticos y abogar por la compasión, la comprensión y la investigación médica.

48 x 72 x 2 pulg.

óleo sobre lienzo

La serie de esculturas Bali de Frank Stella se caracteriza por sus formas flotantes y fluidas, que se extienden por el espacio del espectador e invitan a la interacción entre el objeto y su entorno. El "dadap", un tipo de árbol asociado al crecimiento y al significado ritual en la cultura balinesa, refleja la naturaleza orgánica y dinámica de las esculturas de Stella. Al cambiar el bambú por el acero inoxidable y el aluminio, Stella ha preservado la naturaleza esencial de la estética balinesa, que ensalza las formas orgánicas, fluidas y dinámicas. Dadap presenta una continuidad en la exploración temática de Stella en la que el espíritu de su obra trasciende la materialidad. El metal ofrece una textura, una reflectividad y una interacción con la luz y el espacio diferentes, pero se adhiere a los principios del movimiento y la interactividad. Se trata de una transferencia creativa de forma y concepto a través de diferentes medios, que conserva el espíritu de la inspiración inicial al tiempo que permite que las propiedades del nuevo material expresen estas ideas en un contexto nuevo.

66 1/2 x 50 1/4 x 19 pulg.

acero inoxidable y aluminio

FERNANDO BOTERO - Autoretrato a la manera de Velázquez - sanguina y crayón sobre cartón - 60 1/2 x 47 1/2 in.

FERNANDO BOTERO

Autoretrato a la manera de Velázquez

60 1/2 x 47 1/2 in.

sanguina y crayón sobre cartón

Conocido por el distintivo estilo pictórico que denominó "Realismo diseñado", la formación de Gerald Curtis Delano bajo la tutela de N. C. Wyeth le permitió utilizar una gama de enfoques que van de lo ilustrativo a lo expresivo, siempre con un diseño cuidadoso e impecable. Reconocidos por sus colores suaves y modulados, sus composiciones despejadas y elegantes, y la sencillez de sus formas, que reducen cada tema a su naturaleza esencial, cuadros como Campamento navajo ponen de manifiesto la aguda mirada de Delano, su comprensión y su capacidad para captar el color y la nobleza del estilo de vida de los navajos. Como en la mayoría de sus obras, el cielo ocupa una parte importante del lienzo, con figuras que dan escala a la escena. Estos elementos se combinan para crear una sensación de inmensidad y serenidad.

GERARD CURTIS DELANO

Campamento Navajo

23 1/2 x 29 1/2 pulg.

aceite en el panel

WILLIAM B. EGGLESTON - Untitled (From Election Eve) - impresión en pigmento de archivo - 32 1/2 x 48 1/4 in.

WILLIAM B. EGGLESTON

Sin título (de la víspera de las elecciones)

32 1/2 x 48 1/4 pulg.

impresión de pigmentos de archivo

Como miembro de la legendaria Asociación de Arte Gutai, que floreció entre 1954 y 1972, Sadamasa Motonaga surgió cuando el existencialismo surrealista post-atómico estaba a la vanguardia del desarrollo artístico en Japón. Sin embargo, eligió un camino diferente. Dio la espalda a la destrucción provocada por la guerra y creó una obra fresca, jubilosa y lúdica. La obra "Sin título", de 1966, es de su estilo clásico, que se desarrolló al mismo tiempo que las pinturas de Morris Louis llamadas "Velo". Podría sugerir la cresta brillantemente iluminada, el ojo y el plumaje moteado de un pájaro gallináceo, pero cualquier asociación de este tipo es probablemente arbitraria y no intencionada. En cambio, se trata de una muestra brillantemente exitosa de la versión vanguardista de Motonaga del tradicional Tarashikomi japonés, la técnica que consiste en inclinar el lienzo en diferentes ángulos para permitir que las mezclas de resina y esmalte fluyan unas sobre otras antes de que la pintura esté completamente seca.

SADAMASA MOTONAGA

16 x 12 1/2 pulg.

óleo sobre lienzo

Along with its companion work, "Untitled" (1991) was on display in the lobby of Chicago's Heller International Building at 500 West Monroe Street from the building's opening in 1992 until its renovation in 2015. This painting has remained in the same private collection since its creation. <br><br>The November 2018 sale of Schnabel's "Large Rose Painting, (Near Van Gogh's Grave)" for $1.2 million at auction demonstrates a strong demand for the artist's work. This major sale was only the second-highest price paid for a Schnabel at auction: the record was set in November of 2017 when "Ethnic Type #14" sold for $1.4 million. <br><br>A recent 2018 museum exhibition, "Julian Schnabel: Symbols of Actual Life" at the Legion of Honor, Fine Arts Museums of San Francisco, featured several of Schnabel's large-scale paintings.

JULIAN SCHNABEL

aceite, resina, gesso, tela y cuero en tela marinada

A lo largo de su dilatada carrera de más de cinco décadas, Yvonne Thomas fue conocida por su enfoque distintivo que fusionaba las cualidades espontáneas y emotivas del Expresionismo Abstracto con un uso articulado de las formas y los colores como medio de expresión. Thomas valoraba el color como fuente de profunda alegría y de complejos rompecabezas. Esta perspectiva se refleja en su arte, en el que utilizó una paleta diversa para evocar y comunicar sus reacciones ante temas naturales. Pintó La torre en 1954, un año marcado por un hito importante: su primera exposición individual en la Hendler Gallery de Filadelfia. Un año después, el arte de Thomas se expuso en el Riverside Museum de Nueva York, donde su obra se exhibió junto a la de artistas notables como Franz Kline y Milton Avery.

39 3/4 x 51 1/2 in.

óleo sobre lino

Ross Bleckner es un célebre pintor estadounidense cuyas obras hacen referencia a la pérdida, la memoria y el cambio, como las exploraciones de la célula durante la epidemia del SIDA o en respuesta al diagnóstico de cáncer de su padre. La exposición del MoMA de 1965 que puso de relieve el Op Art, The Responsive Eye, e incluyó a los artistas Richard Anuszkiewicz, Tadasky y Francis Celentano, tuvo una profunda influencia en él como artista. Esta pintura, al igual que otras obras inmersivas a gran escala, provocan un efecto poderoso, hipnótico y vertiginoso. Estéticamente agradables, los lienzos de Bleckner exploran la percepción - visual, emocional, física, del tiempo. Bleckner forma parte de la misma generación y es amigo de Julian Schnabel, David Salle, Eric Fischl y Peter Halley, quienes devolvieron la técnica pictórica al lienzo.

óleo sobre lienzo

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

Escena callejera americana

óleo sobre lienzo

Manuel Neri fue una figura central del movimiento figurativo de la zona de la bahía en la década de 1960. En lugar de las formas abstractas, el grupo hacía hincapié en la emoción a través del poder de la forma humana. La presente obra, "Sin título" (1982), explora la forma femenina a escala real. Neri prefirió trabajar con una sola modelo a lo largo de sus 60 años de carrera, Maria Julia Klimenko. La ausencia de un rostro en muchas de las esculturas añade un elemento de misterio y ambigüedad. El centro de la composición en "Sin título" es la estructura y la forma de la figura. Manuel Neri está representado en numerosas colecciones de museos de todo el mundo, como la Addison Gallery/Phillips Academy; la Colección Anderson de la Universidad de Stanford; el Instituto de Arte de Chicago; el Centro de Arte Cantor de la Universidad de Stanford; el Museo de Arte de Cincinnati; el Museo de Arte Crocker de Sacramento (California); el Museo de Arte de Denver; el Museo de Arte de El Paso (Texas); los Museos de Bellas Artes de San Francisco; los Museos de Arte de la Universidad de Harvard; el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn de Washington, D.C.; Honolulu Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, Nueva York y la National Gallery of Art, Washington, DC.

67 x 24 x 26 in.

Ed Ruscha es uno de los artistas americanos más distinguidos, en parte por sus exploraciones de los símbolos de Americana y la relación entre el lenguaje y el arte. The End es un tema cinematográfico que el artista utilizó en los años 90 y 2000 y que aparece en pinturas, grabados y dibujos, especialmente en la pintura a gran escala de 1991 en el Museo de Arte Moderno. Para hacer frente al paso del tiempo y a la obsolescencia, Ruscha utiliza un tipo de letra anticuado y una antigua tradición cinematográfica de utilizar texto en las películas. El concepto de efímero se enriquece con las propias palabras, The End, y la naturaleza del propio medio; considerado futurista cuando se desarrolló en los años sesenta, la tecnología láser para hologramas también crea una sensación de impermanencia a medida que las imágenes cambian con el movimiento del espectador. Mientras que hay un movimiento innato en las palabras e imágenes en movimiento, estos hologramas también representan un punto final - un momento transitorio congelado en el tiempo.

conjunto de hologramas de vidrio

LOUIS VALTAT - Jarrón de coquelicots - óleo sobre lienzo - 23 1/2 x 19 in.

Jarrón de coquelicots

23 1/2 x 19 pulg.

óleo sobre lienzo

Deborah Butterfield es una escultora estadounidense, mejor conocida por sus esculturas de caballos hechas de objetos que van desde madera, metal y otros objetos encontrados. La pieza de 1981, Sin título (Caballo), está compuesta por palos y papel sobre armadura de alambre. La impresionante escala de esta pieza crea un efecto notable en persona, presentando un ejemplo sorprendente de la célebre temática de Butterfield. Butterfield originalmente creó los caballos de madera y otros materiales encontrados en su propiedad en Bozeman, Montana y vio a los caballos como un autorretrato metafórico, minando la resonancia emocional de estas formas.

DEBORAH BUTTERFIELD

Sin título (Caballo)

100 x 157 x 36 pulg.

palos y papel sobre armadura de alambre

"A drawing is simply a line going for a walk."<br>-Paul Klee<br><br>A significant draftsman, Paul Klee's works on paper rival his works on canvas in their technical proficiency and attention to his modern aesthetic. As an early teacher at the Bauhaus school, Klee traveled extensively and inspired a generation of 20th Century Artists. <br><br>Klee transcended a particular style, instead creating his own unique visual vocabulary. In Klee's work, we see a return to basic, geometric forms and a removal of artistic embellishment. "Der Hafen von Plit" was once owned by Alfred H. Barr, Jr., the First Director of the Museum of Modern Art, New York.

el puerto de Plit

14 1/4 x 19 1/2 pulg.

pluma y tinta sobre papel verjurado, montado sobre papel tejido

RODOLFO MORALES - Sin título - óleo sobre lienzo - 37 1/4 x 39 1/4 pulg.

RODOLFO MORALES

37 1/4 x 39 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

LE PHO - Flores - óleo sobre lienzo - 28 3/4 x 21 1/4 pulg.

28 3/4 x 21 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

Formado por su Italia natal y su América adoptiva, Joseph Stella investigó una extraordinaria gama de estilos y medios en obras de arte de asombrosa diversidad y originalidad. En 1911, Stella se subió a la ola vanguardista de las tendencias fauvistas, cubistas y futuristas, pero fue el único modernista estadounidense que convivió día a día con los antiguos maestros italianos. La pose y el manejo de "Desnudo reclinado" se relacionan con una serie de obras que Stella pintó durante la década de 1920 que representaban a mujeres seductoras de fuentes mitológicas o fantásticas como "Leda y el cisne" y Ondine, una hermosa ninfa acuática de un popular cuento de hadas romántico alemán del siglo XIX. Retratada, en cambio, sin imágenes florales o simbolistas, Desnudo reclinado, pintada en la década de 1930, refleja más apropiadamente esa época aleccionadora.

Desnudo reclinable

50 x 52 1/2 in.

óleo sobre lienzo

MARC QUINN - Lovebomb - foto laminado sobre aluminio - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

laminado fotográfico sobre aluminio

FRITZ SCHOLDER - Retrato americano nº 14 - óleo sobre lienzo - 40 x 30 pulg.

Retrato americano nº 14

óleo sobre lienzo

A veteran of the battle of Verdun, Fernand Leger witnessed the horror and staggering loss of over 1 Million of his fellow countrymen during World War I. This horrific experience of fighting in the trenches of Europe left an indelible mark on the artist. The modern and mechanized aspects of this new form of warfare, with tanks, modern artillery, and gruesome tactics, inspired Leger to create some of his greatest masterpieces. <br><br>The Present drawing, executed in 1930, is a relic from the decade following the First World War. Untitled (1930) was purchased from the Katherine Kuh galley in Chicago- and has been impeccably preserved by the family of the original purchaser. It is exceedingly rare to find drawings like Untitled outside of Museum collections.

8 1/4 x 11 3/4 pulg.

carbón sobre papel

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’. Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’. Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird. Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

CÓRCULO MARÍA

acrílico y polvo de diamante sobre lienzo

Richard Tuttle es un artista postminimalista estadounidense fundamental. La obra de Tuttle es conceptual y meditativa, cruzando los límites de la escultura, la pintura y la poesía, y a menudo desafiando al espectador. Untitled (Cloth and Paint Work #2) de 1973, un período crucial en la carrera del artista, evoca el minimalismo anterior de su carrera mientras que empuja hacia el arte conceptual basado en lo material. En la obra rinde homenaje a los readymades de Marcel Duchamp. Los textiles, como en esta pieza, juegan un papel importante en su obra y se convierten en sitios en los que enfocar la actuación, el compromiso y el significado.

Sin título (Obra de tela y pintura nº 2)

15 1/2 x 16 pulg.

cuerda y óleo sobre lienzo

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

84 x 114 pulgadas.

óleo sobre lienzo

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta. The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes. Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work. Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta. <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power. Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist. His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

Varitas mágicas 6

62 x 1 7/8 x 1 7/8 pulg. cada una.

aluminio cromado

Entre el grupo Gutai de artistas japoneses que se formó durante la década de 1950, ninguno trabajaba con tanta rapidez e intrepidez como Kazuo Shiraga. Sus cuadros se caracterizan por sus pinceladas dinámicas y gestuales, a menudo creadas de forma poco convencional. Shiraga era famoso por utilizar su cuerpo como herramienta pictórica, a menudo aplicando pintura al lienzo o al papel con los pies mientras estaba suspendido de una cuerda. Las texturas suelen ser gruesas, pero siempre muy táctiles, con capas de pintura que añaden profundidad y fisicidad a la obra. Por otra parte, Taki se basa en rayas crudas de color abigarrado, evocando una energía desenfrenada y un sentido de libertad y rebelión por el que es conocido, desafiando las convenciones artísticas tradicionales y ampliando los límites de la expresión creativa.

10 3/4 x 8 5/8 pulg.

óleo sobre lienzo

ARMAND GUILLAUMIN - Roquebrune, Le Matin - óleo sobre lienzo - 25 x 31 1/4 in.

ARMAND GUILLAUMIN

Roquebrune, Le Matin

25 x 31 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

"Ray Gun became a catch title for all sorts of things. Looking down on the street, I would find this angle in the shape of a ray gun everywhere. And I would collect the ray guns. They became quite an obsession."<br>-Claes Oldenburg<br><br>"Two Ray Guns" (1964) was initially sold through the venerable Sidney Janis Gallery. The work draws upon Oldenburg's keen observational sense and fascination with science fiction and popular American culture. The fascination with Ray Guns became a conceptual art practice for Oldenburg; he would not construct them in the traditional sense but instead, find objects that could be reduced into the form. Ray Gun Examples exist in plastic, bronze, plaster, and many different media. <br><br>Our example from the Ray Gun series has been in the same important American collection for many years. Several examples from this series are in prominent museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York.

CLAES OLDENBURG

Dos pistolas de rayos

25 x 21 x 2 in.

yeso pintado y acrílico de color

FRANCIS CELENTANO - Unidades ondulantes - acrílico sobre tela - 36 x 90 in.

FRANCIS CELENTANO

Unidades ondulantes

acrílico sobre lienzo

A menudo se asocia a Nathan Olivera con los pintores figurativos de la Bay Area de California, pero en realidad su obra revela su interés por Willem de Kooning, Alberto Giacometti y Francis Bacon. Estas influencias son características sobresalientes de Desnudo saliendo de la alfombra. Pintado cuando Olivera tenía poco más de 30 años, es el tipo de cuadro que estableció su temprana reputación por sus inquietantes representaciones de figuras aisladas pintadas con un estilo improvisado. La obra posterior de Oliveira refleja el influyente comentario de De Kooning sobre el reto de pintar recuerdos visuales y crear figuraciones con una presencia tenue, aunque la fuerte línea del horizonte que fundamenta este paisaje confiere a la figura una presencia más corpórea de lo habitual.

NATHAN OLIVEIRA

Desnudo saliendo de la alfombra

óleo sobre lienzo

Ed Moses fue una figura prominente en la escena artística de Los Ángeles durante casi 70 años. Expuso por primera vez en 1949 y formó parte del grupo original de artistas de la Galería Ferus en 1957 - su compatriota Ed Ruscha, de la Cool School, también tuvo su primera exposición individual en 1963. La formación a gran escala y tríptica de "Franco-Del #1 & #3" de 2006 es rara para Moisés. La pieza está ejecutada en tonos tierra de marrones, gris, negro, óxido y verde pino. Siempre trabajando con el proceso y experimentando con materiales como pintor, Moses ha sido elogiado críticamente por su audaz composición e innovación.

Franco-Del nº 1 y nº 3

79 1/2 x 110 1/2 in.

acrílico sobre lienzo

JOSEPH KLEITSCH - Mission Cloisters, San Juan Capistrano - óleo sobre lienzo - 22 1/8 x 27 in.

JOSEPH KLEITSCH

Claustro de la Misión, San Juan Capistrano

22 1/8 x 27 pulg.

óleo sobre lienzo

EDGAR ALWIN PAYNE - Barcos venecianos en Sotto Marino - óleo sobre panel - 23 3/8 x 26 1/4 in.

EDGAR ALWIN PAYNE

Barcos venecianos en Sotto Marino

23 3/8 x 26 1/4 pulg.

aceite en el panel

MARILYN MINTER - After Hours - impresión cromogénica - 85 1/2 x 55 3/4 pulg.

Fuera de horario

85 1/2 x 55 3/4 pulg.

impresión cromogénica

Las fotografías de Ansel Adams son © The Ansel Adams Publishing Rights Trust. Reproducidas con autorización.

Álamos temblones, norte de Nuevo México

15 1/4 x 19 1/4 pulg.

gelatina de plata estampado

La escultura Willow de Harry Bertoia resuena como una expresión de gracia y delicadeza; cualidades que contradicen las asociaciones habituales que tenemos con las propiedades intrínsecas de la aleación de la que está hecha. Esta versión suspendida -la versión rara de Willow- parece tener una presencia consciente de sí misma; una que se deleita en ese contraste de propiedades. Sin embargo, no invita a nada más que a un placer existencial al contemplarlo. Piensa en Willow como una versión audazmente articulada de Calder, si este último maestro tuviera en mente una evocación más orgánica o corpórea. Suspendido, domina su área pero respeta su relación espacial con su entorno. La luz, la forma y el espacio son herramientas conceptuales del escultor. Pero, ¿a quién se le ocurriría utilizar un material reflectante que se asocia más fácilmente con la inflexibilidad y la fuerza tensorial para crear un ramillete de hilos de acero inoxidable en cascada, suspendidos en el espacio, como una flora y tan graciosamente bellos?

Sin título (Sauce Suspendido)

123 x 39 x 39 in.

acero y alambre de acero

TADASUKE (Tadasky) KUWAYAMA - B-139 - acrílico sobre lienzo - 47 x 47 pulg.

TADASUKE (Tadasky) KUWAYAMA

acrílico sobre lienzo

Op Art evolved as an alternative trend in painting to the abstract expressionist movement of the 1950s. The genesis of the movement was in the 1960s, when artists such as Victor Vasarely, Bridget Riley, and Richard Anuszkiewicz embraced a more structured and geometric approach to their painting, often using visual tricks to create a sense of movement. While the artistic and spiritual predecessors to OP Art, such as Josef Albers (!888-1976), utilized a softer and more subdued approach, the Op Artists were using bold, large-scale works with variable dimensions to create their visual statement. <br><br>A student of Albers, Richard Anuszkiewicz, used enamel and acrylic paint on wood in such a way to create his uncompromising and exact compositions. A great sense of action can be felt in the present work, "Translumina". The sister piece to "Translumina," "Translumina II" (1986), is in the permanent collection of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

RICHARD ANUSZKIEWICZ

acrílico sobre madera

SE OK SUH - Sin título - lavado de tinta sobre papel - 40 x 44 in.

40 x 44 pulgadas.

lavado de tinta sobre papel

Richard Diebenkorn explicó en una ocasión: "Todos los cuadros parten de un estado de ánimo, de una relación con cosas o personas, de una impresión visual completa". Conocido por su papel definitorio en el movimiento de arte figurativo de la zona de la bahía, una contraposición a la abstracción que dominaba la ciudad de Nueva York en la posguerra, Diebenkorn oscilaba a menudo entre la figuración y la abstracción. En 1952, aceptó un puesto de profesor en la Universidad de Illinois en Urbana durante un año académico. Allí enseñó a los estudiantes de arquitectura a empezar a dibujar y utilizó una de las habitaciones de su casa como estudio. Este periodo de 1952-53, conocido como la serie de Urbana, fue un momento productivo y crucial en el desarrollo del estilo de Diebenkorn. Su innovadora exploración de la figuración a través de la abstracción comenzó en estos primeros años cruciales y llegaría a su plena realización en su ampliamente celebrada serie Ocean Park de finales de los años 60-80.

RICHARD DIEBENKORN

Sin título (Serie Urbana)

13 7/8 x 11 in.

tinta sobre papel

El conjunto de cuatro hologramas de cristal de Chuck Close representa una fascinante intersección de su permanente exploración del autorretrato y su interés por los medios artísticos innovadores. El autorretrato ha sido una piedra angular en la obra de Close, que le ha permitido profundizar en los entresijos de la identidad humana y el proceso de creación artística. Los hologramas cambian con la posición del espectador y crean una experiencia dinámica, como las obras pixeladas de Close, pero con una presencia física añadida. Holography demuestra el compromiso del artista con la evolución de su lenguaje artístico, combinando hábilmente el retrato tradicional con los avances tecnológicos modernos para desafiar y redefinir continuamente los límites de la representación visual.

CIERRE DE CHUCK

14 x 11 in. ea.

conjunto de 4 hologramas de vidrio

LARRY BELL - Patriots Throne - óleo y metal sobre lienzo - 63 x 41 1/2 x 1 1/4 in.

CAMPANA DE LARRY

Trono de los Patriotas

63 x 41 1/2 x 1 1/4 pulg.

óleo y metal sobre lienzo

Wayne Thiebaud es muy admirado como pintor. Sin embargo, su habilidad como dibujante es igualmente convincente y particularmente evidente en la litografía, un medio autográfico célebre por documentar cada gesto de un artista. Como Paint Cans demuestra plenamente, la litografía también proporciona la libertad de superponer texturas y colores para lograr una representación astuta de las intenciones articuladas de un artista. En cuanto a la composición, "Latas de pintura" muestra el agudo sentido del orden de Thiebaud, que se deriva de un énfasis en los puntos focales y las líneas direccionales que demuestran las formas únicas en que puede resaltar un grupo de elementos cotidianos. Es otra obra que sorprende al espectador con su técnica y habilidades altamente detalladas.

Latas de pintura

38 3/4 x 29 1/8 pulg.

litografía en colores sobre papel tejido

"Bouquets de Fleurs" (1901) is a glowing Post-Impressionist still life. As the revolutionary wave of Impressionism receded from its apex, artists such as Henri Manguin, Henri Matisse, Kees van Dongen, Louis Valtat, and others emerged as part of the new avant-garde in Europe. These “Fauves,” or roughly translated “wild beasts,” would attack their canvases with a bold and vibrant new palette. This completely new way of painting was not initially celebrated by critics, or the artistic elite, but is today recognized among the most innovative and original artistic movements of the 20th Century. <br><br>The present work, painted just before the revolution of Fauvism took hold, demonstrates a critical transitionary period in Modern Art. The subject is depicted with a masterful compositional sense and attention to spatial relationships. Manguin’s competency in composition would allow him to experiment freely with color during the first decade of the 20th Century. The slightly later but comparable Manguin still life “Flowers” (1915) is in the permanent collection of the Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.

Ramos de flores

25 7/8 x 21 5/8 pulg.

óleo sobre lienzo

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Paisaje fluvial con molino de viento y capilla - óleo sobre tabla - 22 1/2 x 31 3/4 pulg.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

Paisaje fluvial con un molino de viento y una capilla

22 1/2 x 31 3/4 in.

aceite en el panel

SALOMON VAN RUYSDAEL - Un paisaje de dunas con figuras descansando y una pareja a caballo, una vista de la catedral de Nimega más allá - óleo sobre lienzo - 26 1/2 x 41 1/2 pulg.

SALOMON VAN RUYSDAEL

Paisaje de dunas con figuras descansando y una pareja a caballo, una vista de la catedral de Nimega más allá

26 1/2 x 41 1/2 in.

óleo sobre lienzo

DAVID MORRIS - Journey - acero inoxidable, base de acero - 132 x 36 x 48 in.

132 x 36 x 48 pulg.

acero inoxidable, base de acero

Cuando Dorothy Hood regresó a Houston en 1962, para su deleite, la NASA hizo un anuncio trascendental: el nuevo Centro de Naves Espaciales estaría en Houston. La idea de viajar al espacio resonaba con su interés de larga data en la cosmología, y la aspiración heroica de lograr un aterrizaje en la luna abrió algo en la artista. Esta nueva frontera influyó en su trabajo y la animó a trabajar más grande. Ella admitió: "El descubrimiento de lo que podía hacer con (lienzos grandes) es lo más importante que me ha pasado en mi vida como pintora". Por mucho que Space Signals sea un tour de force de pintura de campos de color, su lenguaje visual provino de otras fuentes: imágenes periódicas de sondas de naves espaciales, objetos astronómicos y sus muchas conversaciones con científicos y astronautas que dispararon su imaginación. Creó estas zonas deslumbrantemente hermosas, finamente pintadas, de vaporosos tonos azul ftalo, en las alas de esa inspiración.

Señales espaciales

89 3/4 x 70 pulg.

óleo sobre lienzo

OLAF WIEGHORST - Apaches - óleo sobre lienzo - 20 x 24 in.

óleo sobre lienzo

Carl Andre es un artista americano que ayudó a ser pionero en la escultura minimalista y fue el esposo de la famosa y célebre artista Ana Mendieta. Se trata de un texto clásico de principios de los años sesenta, típico de sus poemas, que se componen de la selección de palabras individuales de los textos de origen y su posterior ordenación en la página según criterios sencillos y evidentes, que en este caso es por orden alfabético. El aviador Charles Lindbergh fascinó profundamente a Carl Andre, a quien regresó como fuente de su poesía. Esta obra con su repetición estructurada como sus famosas esculturas reflejan el minimalismo y el posminimalismo que surgió en los años sesenta y setenta, incluyendo a su colega el poeta concreto Christopher Knowles.

Quinientos términos para Charles A. Lindbergh

8 x 6 1/8 pulg.

tinta sobre papel sobre cartón

Signed, titled and dated ‘81 verso<br>JR-198-81

Nueva Síntesis nº 15

acrílico sobre lienzo

Nacido en 1944, Thomas Nozkowski creó pequeñas pinturas de gran riqueza cromática que reflejan las influencias dicotómicas de los expresionistas abstractos y los refugiados de la Bauhaus con los que estudió en la Cooper Union. Utilizando un pincel pequeño, su manejo incluye el raspado y el frotamiento de la pintura en formas que se registran en la obra terminada. Desarrolló un vocabulario distintivo y de gran alcance, empleando formas geométricas de tipo biomórfico en variadas combinaciones de colores y una amplia gama de asociaciones: suelos de baldosas, grupos de células, arquitectura y espacio exterior. A menudo, se destilan de sus propios recuerdos y experiencias. Nozkowski comentó este cuadro en concreto (Sin título, 1994) diciendo que refleja su fascinación por las escenas mitológicas pintadas en los paneles de las arcas de cassones del Renacimiento. Dijo que era el mejor de los tres o cuatro paneles de 15" x 30" de esta serie. Nozkowski fue manejado durante muchos años por la Galería Pace. Murió en 2019.

THOMAS NOZKOWSKI

óleo sobre lienzo sobre tabla

LEONID LAMM - State Power - óleo sobre lienzo - 68 3/8 x 66 x 1 pulg.

Poder del Estado

68 3/8 x 66 x 1 pulg.

óleo sobre lienzo

Provenance:<br>Purchased in 1985 from The Gallery Wall<br>Private Collection, CA

Tewa Plaza en First Mesa

óleo sobre lienzo

JOANNA POUSETTE-DART - Sin título (Estudio sobre el desierto rojo) - acrílico sobre panel de madera - 33 1/2 x 42 x 3/4 in.

JOANNA POUSETTE-DART

Sin título (Estudio sobre el desierto rojo)

33 1/2 x 42 x 3/4 in.

acrílico sobre panel de madera

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - bronce con pátina verde - 103 1/2 x 22 x 17 in.

103 1/2 x 22 x 17 in.

bronce con pátina verde

Karl Benjamin y sus colegas Lorser Feitelson, Frederick Hammersley y John McLaughlin ocupan un lugar destacado en la historia del arte abstracto estadounidense. Conocidos por sus formas geométricas precisas y sus bordes limpios que enfatizan la planitud, son los pintores californianos del Hard-edge que surgieron a finales de la década de 1950. A diferencia de Ellsworth Kelly, por ejemplo, su obra refleja un brillo, una claridad y una paleta que sugieren el entorno natural y construido de California en lugar de las influencias más urbanas e industriales que se perciben en la Costa Este. Además, en comparación con la competitiva escena artística de la Costa Este, el grupo californiano era una comunidad de artistas relativamente pequeña y muy unida, con un sentido de la colaboración y la exploración compartida que contribuyó a crear un movimiento cohesionado con una identidad propia.

óleo sobre lienzo

ELAINE DE KOONING - El Matador - gouache sobre papel - 7 3/4 x 9 1/2 pulg.

ELAINE DE KOONING

7 3/4 x 9 1/2 pulg.

aguada sobre papel

FIONA RAE - Sin título (amarillo, rojo + marrón) - óleo sobre lienzo - 72 x 78 pulg.

Sin título (amarillo, rojo + marrón)

óleo sobre lienzo

ARNE HIERSOUX - Sin título - acrílico y papel sobre lienzo - 71 x 94 in.

acrílico y papel sobre lienzo

ROBERT NATKIN - Apolo XL - acrílico sobre lienzo - 88 x 116 1/4 in.

88 x 116 1/4 pulg.

acrílico sobre lienzo

WILLIAM WENDT - Paisaje de California - óleo sobre lienzo - 23 1/2 x 31 3/4 in.

Paisaje de California

23 1/2 x 31 3/4 in.

óleo sobre lienzo

Born in Onomichi in Hiroshima Prefecture, Teraoka studied at what is now Otis College of Art and Design in Los Angeles. His works are inspired by Japanese Ukiyo-e woodcut prints. However, Teraoaka infuses the style and techniques of the traditional art with American Pop Art. The mass-produced nature of Japanese woodcut prints alligns with the obsession with mass production and consumption of Pop Art. Additionally, Ukiyo, meaning “the floating world” in Edo period Japan reflected the transitory nature of Kabuki theater and pleasure houses. This transitory sense of consumerism and pleasure was also evoked in the works by Pop Artists. Teraoka’s works are a collision of two cultures and histories of art finding affinities through similar themes.<br><br>Teraoka’s pieces blend humor and social commentary. He has often touched upon subjects as diverse and urgent as the AIDs crises, consumerism, the attacks on September 11th, and more. Teraoka notes of his own work, “Integrating reality with fantasy, humor with commentary, and history with the present became my challenge.”<br><br>Works by Teraoka can be found in the Tate Modern, the Metropolitan Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, the Smithsonian, the Los Angeles County Museum of Art, the Walker Art Center, and more.

Serie de olas/Mujer tatuada en la playa del atardecer

14 7/8 x 10 in.

acuarela sobre papel

FRANCIS PICABIA - Trois personnages nus - crayón conte negro sobre papel buff - 11 1/2 x 8 in.

FRANCISCO PICABIA

Trois personnages nus

crayón conte negro sobre papel buff

FRANK TENNEY JOHNSON - Escultismo - óleo sobre lienzo - 13 1/2 x 17 pulg.

FRANK TENNEY JOHNSON

13 1/2 x 17 pulg.

óleo sobre lienzo

"Interior" es una de las composiciones más modernas de Maurice Askenazy, que evoca la obra de Bonnard o Vuillard. La escena íntima muestra una modelo femenina desnuda, dramáticamente vista de perfil, posando para un pintor en un estudio soleado. La puerta de la sala está abierta, dando la impresión de que el espectador está robando una visión de una interacción privada entre el artista y la modelo. Un ingenioso espejo colocado en la parte posterior de la puerta abierta revela el reflejo del pintor, a quien se supone que debemos tomar como el propio Askenazy, en el trabajo. Askenazy cuida mucho los detalles de la habitación, desde el otomano estampado hasta las pinturas enmarcadas en las paredes, cada una de ellas un mosaico de color impresionista.

MAURICE ASKENAZY

Desnudo con una pantalla plegable japonesa

óleo sobre lienzo

PUERTAS DE PASO - Sin título (pisos) - cemento blanco, escombros, pisos - 35 x 35 x 3 in.

Sin título (pisos)

35 x 35 x 3 pulg.

cemento blanco, escombros, pisos

Robert Rauschenberg, along with Jasper Johns, Andy Warhol, and Roy Lichtenstein, started the revolution of Pop Art in the 1960s. Rauschenberg's later career was a time for the artist to work on experimental and innovative projects, including the 1993 "Prime Pump from ROCI USA (Wax Fire Works Series)." This series comes from the artist's philanthropic project, "ROCI USA," demonstrating "Rauschenberg's belief in the power of art as a catalyst for positive social change." The reference to "wax fire" in the title is Rauschenberg's term for encaustic - hot wax with colored pigments - which he used in other works from the series. <br><br>Executed in a small edition of just 17 examples, this piece incorporates printmaking, a medium to which he often returned to explore new modes for layering imagery. Rauschenberg worked on editions since the early 1960s when he was a fixture at the ULAE and Gemini G.E.L. printshops. Rauschenberg's printmaking and editioned works were an extension of the creative act for the artist; he could achieve sculptural and 3D effects through his editions.

ROBERT RAUSCHENBERG

Bomba de cebado de ROCI USA (Serie de fuegos de cera)

63 1/2 X 44 1/4 IN.

serigrafía en color sobre papel y Lexan

ROBERTO MATTA - L'epreuve - óleo sobre lienzo - 29 1/2 x 25 1/2 in.

29 1/2 x 25 1/2 in.

óleo sobre lienzo

The Arts and Crafts Movement in Great Britain and the corresponding ripples that made their way across the Atlantic Ocean were felt in the work of Jesse Arms Botke (1883-1971). Botke was born in Chicago, Illinois but found her home in California, where she had a successful career working first in Carmel and later in Southern California. <br><br>Rich textures, extensive use of gold leaf, and highly stylized birds would become synonymous with Botke's mature work as she established herself as one of the West Coast’s leading decorative mural painters of the 20th century.<br><br>"The White Peacock" (1922) shows an idyllic landscape with Botke's signature bird subject matter; the white peacock and cockatoos were among her favorite aviary subjects. Her work today can be found in countless museum collections, including the Art Institute, Chicago.

JESSIE ARMS BOTKE

El pavo real blanco

óleo sobre lienzo

HASSEL SMITH - 9000 y 9 Noches - acrílico y grafito sobre lienzo - 68 x 68 1/8 in.

9000 y 9 Noches

68 x 68 1/8 pulg.

acrílico y grafito sobre tela

Aunque no se le considera un pintor de acción, Chiyu Uemae es conocido por varios enfoques centrados en la forma, la textura y la interacción de los colores. Como en este ejemplo, Sin título, suele aplicar el pigmento con espátula, creando capas texturizadas que permiten que los trozos de color brillen como joyas enterradas bajo tierra. Antes de unirse al Grupo Gutai, Uemae estudió Nan Ga, la escuela meridional de pintura china, y atribuye a su experiencia de inmersión en el estilo de teñido de Kioto y a su disciplina de costura la influencia de su estilo maduro. La obra de Uemae explora la materialidad de la pintura y las posibilidades del lienzo, reflejando un profundo compromiso con el propio acto de pintar.

31 3/8 x 19 3/4 pulg.

aceite en el panel

DONALD SULTAN - Tulipán amarillo nº 18 - óleo y alquitrán sobre papel - 20 x 20 pulg.

Tulipán amarillo nº 18

aceite y alquitrán sobre papel

HENRY MOORE - Cabezas de Emperador - bronce con pátina marrón - 6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 in.

Cabezas del Emperador

6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 in.

bronce patinado marrón

FRANCISCO TOLEDO - Sin título - técnica mixta sobre papel - 8 x 10 1/4 in.

FRANCISCO TOLEDO

8 x 10 1/4 pulg.

técnica mixta sobre papel

Hand blown glass with multiple incalmo of colored glass and filligrana. Switching the axel of the glass bubble and adjoining two glass bubbles with raticallo technique. Engraved partially on the surface with different patterns.<br><br>Lino Tagliapietra, a native to Murano, is one of the world's preeminent glass artists.

LINO TAGLIAPIETRA

13 x 11 x 3 pulg.

KAREL APPEL - Cabeza en la tormenta - óleo sobre lienzo - 10 x 14 1/4 pulg.

Cabeza en la tormenta

10 x 14 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

LEROY NEIMAN - Jinete Ecuestre - técnica mixta sobre papel - 22 x 28 in.

Jinete ecuestre

técnica mixta sobre papel

PABLO PICASSO - La Danse - Plato de cerámica blanca, parcialmente grabado, con engobe y esmalte de color - 12 1/2 x 15 in.

12 1/2 x 15 in.

plato de cerámica blanca, parcialmente grabado, con engobe y esmalte de color

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Heather James Art Advisory aporta décadas de experiencia curatorial con la orientación de nuestro personal curatorial senior que ha organizado exposiciones a nivel mundial en museos, galerías y residencias privadas. Aunando elementos estéticos e históricos del arte, ayudaremos a que su colección y su hogar reflejen sus intereses artísticos.

Logística

HJ Art Advisory proporciona una logística completa a la hora de manipular, transportar y supervisar las obras de arte de nuestros clientes. Nuestra supervisión abarca todos los aspectos del cuidado de las obras de arte. Supervisamos cada paso del proceso de transporte, instalación y almacenamiento de las obras de arte. Asesoramos y facilitamos el diseño del marco, la iluminación, los requisitos de seguridad, la conservación y la evaluación del estado.

Documentación

A la hora de comprar obras de arte, HJ Art Advisory investiga la procedencia de la obra y solicita declaraciones y garantías al vendedor de que éste posee un título válido y de que el objeto está libre de cargas, reclamaciones y gravámenes.
HJ Art Advisory solicitará una indemnización por el reembolso íntegro de la obra de arte en caso de incumplimiento de la garantía (¿es posible incluir esta línea?).
Ventas privadas y proceso de subasta: La información crítica a capturar incluye: Artista, Título de la obra, Fecha, Medio, Dimensiones, Precio, Imagen, Entidad oferente, Procedencia, Certificados, Factura (cuando sea posible), Informe de estado, Gravámenes, Litigios, Título de propiedad.

Préstamos para museos

Heather James ha tenido el honor de facilitar préstamos a los mejores museos de todo el mundo, como el MoMA o el Centro Pompidou, entre otros. HJ Art Advisory se encarga de todo el papeleo y la logística necesarios para nuestros coleccionistas que deciden prestar una obra de arte para una exposición en un museo.

Autenticación

HJ Art Advisory mantiene los más altos estándares de diligencia debida a través de la indagación, la investigación y la procedencia de los objetos antes de la adquisición para determinar que se puede obtener un título claro. Dicha investigación incluye, pero no se limita a, determinar:

Historial de propiedad del objeto
Países en los que se ha localizado el objeto y cuándo.
Historia de la exposición del objeto
Historial de publicación del objeto
Cualquier reclamación objeto de propiedad si se han hecho
Bases de datos de objetos robados relevantes para el objeto
Las circunstancias en las que se ofrece el objeto
Fuentes de investigación pertinentes, entre ellas El Registro ArtLoss u otras bases de datos.
Declaraciones de garantía e indemnización del vendedor, asegurando que el vendedor tiene un título válido y que el objeto está libre de cargas, reclamaciones y gravámenes.
Investigación y documentación sobre la época nazi y la Segunda Guerra Mundial siguiendo las directrices relativas a la adquisición de objetos que puedan haber estado en la Europa ocupada por Alemania entre 1933 y 1945.

Finanzas

HJ Art Advisory ayuda a sus clientes con préstamos respaldados por activos, adquisición de obras de arte para fideicomisos y planificación patrimonial. Ofrecemos nuestra experiencia en el mercado del arte para posicionar mejor a nuestros clientes a la hora de tomar decisiones para su colección. Trabajamos con patrimonios, equipos jurídicos y asesores financieros para apoyar mejor a nuestros clientes y sus objetivos.
Heather James Fine Art no es un asesor registrado de inversiones, legal o fiscal. Todas las opiniones financieras y de inversión expresadas por Heather James Fine Art son opiniones basadas en investigaciones personales. Rentabilidades pasadas no garantizan rentabilidades futuras, ni son necesariamente indicativas de rentabilidades futuras.

Ventas y adquisiciones

HJ Art Advisory se centra en la búsqueda de obras de arte para posibles adquisiciones en ventas privadas, casas de subastas y encargos de artistas. HJ Art Advisory supervisa continuamente el mercado privado y público en busca de obras de arte significativas que pertenezcan a los intereses de nuestros clientes y que puedan enriquecer sus colecciones. Negociamos la venta o el precio de venta en nombre de un coleccionista con el fin de lograr el mejor acuerdo posible para nuestros clientes.

Valor y seguro

El grupo HJ Art Advisory evalúa y valora colecciones de arte para su tasación en seguros, adquisición y cesión. Esto implica una investigación en profundidad del análisis del mercado del arte privado y público para determinar el valor.

Conocimientos

HJ Art Advisory trabaja con, y en nombre de, clientes que están desarrollando nuevas colecciones o con colecciones bien establecidas, proporcionándoles asesoramiento y una oferta de servicios en profundidad. Nuestros amplios conocimientos y experiencia, junto con muchos años en el negocio del arte, sitúan a nuestro personal altamente cualificado y experimentado para proporcionar orientación y dirección en múltiples niveles.

¿Quiere saber más sobre esta / estas obras? Envíenos un mensaje para hacernos saber su interés.

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