תפריט

חיפוש

מחיר מינימום:

מחיר מקסימום:

הביתה
על
חדר צפייה
אמנים
- אמנים
- קטגוריות
גרפיקה
תערוכות
פרסומים
למד
מכר
מוצרים חדשים
איש קשר
המייעצת

הביתה
על
חדר צפייה
אמנים
- אמנים
- קטגוריות
גרפיקה
תערוכות
פרסומים
למד
מכר
מוצרים חדשים
איש קשר
המייעצת

אמנות מוצגת

נבחרים

הצג לפי: אמנים קטגוריות מחיר

ב-15 במאי 1886 נולד מניפסט חזותי לתנועת אמנות חדשה כאשר גולת הכותרת של ז'ורז' סרה, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte נחשפה בתערוכה האימפרסיוניסטית השמינית. סרה יכול לטעון לתואר "האימפרסיוניסט המדעי" המקורי שפעל באופן שנודע כפוינטיליזם או דיוויזיוניזם. עם זאת, היה זה חברו ואיש סודו, פול סיניאק בן ה-24 והדיאלוג המתמיד ביניהם שהוביל לשיתוף פעולה בהבנת הפיזיקה של האור והצבע והסגנון שנוצר. סיניאק היה צייר אימפרסיוניסטי חסר הכשרה, אך מוכשר להפליא, שמזגו התאים באופן מושלם לקפדנות ולמשמעת שנדרשו כדי להשיג את עבודת המכחול והצבע המייגעים להפליא. סיניאק הטמיע במהירות את הטכניקה. הוא גם היה עד למסע המפרך בן השנתיים של סרה, שבנה אינספור שכבות של נקודות צבע לא מעורבבות על לה גרנד ז'אטה בגודל עצום. יחד, סיניאק, המוחצן החצוף, וסרה, מופנם בסתר, עמדו לחתור תחת מהלך האימפרסיוניזם, ולשנות את מהלך האמנות המודרנית.

פול סיניאק

לס אנדליס. L'Île à Lucas

יוני-יולי 1886

25 1/4 x 17 7/8 אינץ '.

שמן על בד ציור

Led by a triumvirate of painters of the American Scene, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, and Grant Wood took on the task of exploring, defining, and celebrating the Midwest as a credible entity within the geographical, political, and mythological landscape of the United States. Their populist works were figurative and narrative-driven, and they gained widespread popularity among a Depression-weary American public. The landscapes Grant Wood painted, and the lithographs marketed by Associated American Artists were comforting reminders of traditional Midwestern values and the simplicity of country life. Yet, Wood's most iconic works, including American Gothic, were to be viewed through the lens of elusive narratives and witty ironies that reflect an artist who delighted in sharing his charming and humorous perspective on farm life. <br><br>In 1930, Wood achieved national fame and recognition with American Gothic, a fictionalized depiction of his sister, Nan, and his family dentist. Frequently regarded as the most famous American painting of the twentieth century, to fully grasp American Gothic's essential nature, one must recognize Wood's profound connection to his Iowan roots, a bond that borders on a singular fixation and the often-brutal confrontation between the moral and cultural rigidity of Midwest isolationism and the standards that prevailed elsewhere in America. This war of values and morality became dominant throughout Wood's oeuvre. Their fascination with American Gothic may have mystified the public, but the story, told in the attitude of a farmer and his wife, is as lean and brittle as the pitchfork he carries. Their attitude, as defiant as it is confrontational, is an unflinching dare to uppity gallery-goers to judge their immaculate well-scrubbed farm. American Gothic became an overnight sensation, an ambiguous national icon often interpreted as a self-effacing parody of midwestern life. Yet it also served as an unflinching mirror to urban elite attitudes and their often-derisive view of heartland values and way of life. In Grant Wood's hands, the people of the Midwest have stiffened and soured, their rectitude implacable.<br> <br>Portrait of Nan is Grant Wood's most intimate work. He may have been motivated to paint it to make amends for the significant scrutiny and harsh treatment his sister received as American Gothic's sternly posed female. Grant poured his heart into it as a sign of sibling love. Intent upon painting her as straightforward and simply as possible so as not to invite unintended interpretations, Wood's deep attachment to the portrait was significant enough for him to think of it as having irreplaceable value. When he moved from Cedar Rapids to Iowa City in 1935, he designed his entire living room around the work. It occupied the place of honor above the fireplace and was the only painting he refused to sell. <br> <br>The lithograph July Fifteenth, issued in 1938, proves his mystical vision of the Iowan heartland is anything but a pitchfork approach. Drawings assumed central importance in Wood's output, and this work is executed in meticulous detail, proving his drawings were at least as complex, if not more so, than his paintings. The surface of the present work takes on an elaborate, decorative rhythm, echoed throughout the land that is soft, verdant, and fertile. Structurally, it alludes in equal measure to the geometry of modern art and the decorative patterning of folk-art traditions. This is a magical place, a fulsome display of an idealized version of an eternal, lovely, and benign heartland. <br><br>The Young Artist, an en plein air sketch, may have been produced during, or slightly after, what Wood called his "palette-knife stage" that consumed him in 1925. Having not yet traveled to Munich where, in 1928, he worked on a stain-glass window commission and came under the influence of the Northern Renaissance painters that sparked his interest in the compositional severity and detailed technique associated with his mature works, here, he worked quickly, and decisively. The view is from a hilltop at Kenwood Park that overlooks the Cedar River Valley near Cedar Rapids, where he built a house for his sister, Nan.

גרנט ווד

דיוקן נאן

35 1/2 x 29 1/2 x 1 אינץ'

שמן על הבונים החופשיים

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

ג'ורג'יה אוקיף

עץ קוטוןווד (בקרבת אביקיו), ניו מקסיקו

36 x 30 אינץ'.

שמן על בד ציור

<br>In Diego Rivera’s portrait of Enriqueta Dávila, the artist asserts a Mexicanidad, a quality of Mexican-ness, in the work along with his strong feelings towards the sitter. Moreover, this painting is unique amongst his portraiture in its use of symbolism, giving us a strong if opaque picture of the relationship between artist and sitter.<br><br>Enriqueta, a descendent of the prominent Goldbaum family, was married to the theater entrepreneur, José María Dávila. The two were close friends with Rivera, and the artist initially requested to paint Enriqueta’s portrait. Enriqueta found the request unconventional and relented on the condition that Rivera paints her daughter, Enriqueta “Quetita”. Rivera captures the spirit of the mother through the use of duality in different sections of the painting, from the floorboards to her hands, and even the flowers. Why the split in the horizon of the floorboard? Why the prominent cross while Enriqueta’s family is Jewish? Even her pose is interesting, showcasing a woman in control of her own power, highlighted by her hand on her hip which Rivera referred to as a claw, further complicating our understanding of her stature.<br><br>This use of flowers, along with her “rebozo” or shawl, asserts a Mexican identity. Rivera was adept at including and centering flowers in his works which became a kind of signature device. The flowers show bromeliads and roselles; the former is epiphytic and the latter known as flor de jamaica and often used in hibiscus tea and aguas frescas. There is a tension then between these two flowers, emphasizing the complicated relationship between Enriqueta and Rivera. On the one hand, Rivera demonstrates both his and the sitter’s Mexican identity despite the foreign root of Enriqueta’s family but there may be more pointed meaning revealing Rivera’s feelings to the subject. The flowers, as they often do in still life paintings, may also refer to the fleeting nature of life and beauty. The portrait for her daughter shares some similarities from the use of shawl and flowers, but through simple changes in gestures and type and placement of flowers, Rivera illuminates a stronger personality in Enriqueta and a more dynamic relationship as filtered through his lens.<br><br>A closer examination of even her clothing reveals profound meaning. Instead of a dress more in line for a socialite, Rivera has Enriqueta in a regional dress from Jalisco, emphasizing both of their Mexican identities. On the other hand, her coral jewelry, repeated in the color of her shoes, hints at multiple meanings from foreignness and exoticism to protection and vitality. From Ancient Egypt to Classical Rome to today, coral has been used for jewelry and to have been believed to have properties both real and symbolic. Coral jewelry is seen in Renaissance paintings indicating the vitality and purity of woman or as a protective amulet for infants. It is also used as a reminder, when paired with the infant Jesus, of his future sacrifice. Diego’s use of coral recalls these Renaissance portraits, supported by the plain background of the painting and the ribbon indicating the maker and date similar to Old Master works.<br><br>When combined in the portrait of Enriqueta, we get a layered and tense building of symbolism. Rivera both emphasizes her Mexican identity but also her foreign roots. He symbolizes her beauty and vitality but look closely at half of her face and it is as if Rivera has painted his own features onto hers. The richness of symbolism hints at the complex relationship between artist and sitter.

דייגו ריברה

דיוקן אנריקטה דווילה

79 1/8 x 48 3/8 אינץ'.

שמן על בד ציור

על פי הקטלוג שנערך על ידי מוזיאון ברנדיוויין ריבר לאמנות, השרטוט הראשוני של דייגי הבקלה הפוריטניים הושלם על ידי נ.צ. ויית' לפני מותו באוקטובר 1945. הערך מתעד תמונה של הסקיצה וכן כתובות של האמן וכותרתו, "דייגי בקלה פוריטנים", המאופיינים בקטלוג כ'חלופיים'. בכל מקרה, הבד בקנה מידה גדול הוא יצירה ייחודית שאנדרו ויית' נזכר מאוחר יותר שצוירה אך ורק בידו, שיתוף פעולה מתוחם של עיצובו וקומפוזיציה של האב שהובא לידי ביטוי על ידי הוצאה להורג יוצאת דופן של בן. עבור אנדרו, זו בוודאי הייתה חוויה רגשית ומורגשת עמוקה. בהתחשב בתשומת לבו של אביו לפרטים ולאותנטיות, קווי ספינת המפרש הקטנה מייצגים שאלוט, שהיה בשימוש במהלך המאה השש עשרה. מצד שני, סביר להניח שאנדרו העמיק את גווני הים חסר המנוחה יותר מאשר אביו, בחירה שמעצימה כראוי את האופי המסוכן של המשימה.

אנדרו ווית' ונ.C ווית'

פוריטן בקלה פישרס

108 1/2 x 157 1/2 אינץ'.

שמן על בד ציור

וילם דה KOONING - אישה בסירת משוטים - שמן על נייר הניח על הבונים החופשיים - 47 1/2 x 36 1/4 ב.

וילם דה קונינג

אישה בסירת משוטים

47 1/2 x 36 1/4 אינץ'.

שמן על נייר מונח על הבונים החופשיים

MARK ROTHKO - ללא כותרת (חום ושחור) - אקריליק על נייר מותקן על לוח - 33 1/4 x 25 3/4 אינץ '.

מארק רותקו

ללא כותרת (חום ושחור)

33 1/4 x 25 3/4 אינץ'

אקריליק על נייר רכוב על הסיפון

וינסנט ואן גוך - הכנסייה החדשה והבתים הישנים בהאג - שמן על בד על לוח - 13 5/8 x 9 3/4 אינץ'

וינסנט ואן גוך

הכנסייה החדשה והבתים הישנים בהאג

13 5/8 x 9 3/4 אינץ'

שמן על בד על לוח

In 1955, Sir John Rothenstein, representing the Trustees of the Tate Museum, approached Winston Churchill about donating one of his paintings "as a gift to the nation." Churchill was flattered, but felt he did not deserve such an honor as an artist. Eventually, Churchill agreed and sent two candidate paintings to the Tate – On the Rance and Loup River. No record exists regarding his own thoughts on the works he submitted, but one can safely say that Churchill thought highly of On the Rance, especially since it was not one of the paintings Rothenstein identified as a strong option. Loup River, which clearly matched Rothenstein's taste, was selected. Not only was On the Rance not returned, but somehow it ended up, without any inventory record, in a basement storeroom at the Tate. In the storeroom it sat for almost a half century, when it was discovered by an intern. The Churchill family was notified and eventually the painting was auctioned in June 2005, where it set a new auction record for Churchill's work, despite the lot notes hardly touching on the Tate’s possible acquisition. In a letter to the buyers, Churchill’s daughter, Lady Soames, summarized what had occurred in somewhat more detail.<br><br>St. Malo is a walled city in Brittany, France on the coast of the English Channel. The city was nearly destroyed by bombings during WWII.

סר וינסטון צ'רצ'יל

על הראנס, ליד סן מאלו (520 בקירוב)

20 x 24 אינץ'.

שמן על בד ציור

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

אלפרד סיסלי

L'Église de Moret, le Soir

31 1/4 x 39 1/2 אינץ'.

טום וסלמן - מעשנה מס' 21 - שמן על בד מעוצב - 74 1/2 x 67 1/2 אינץ'

טום ווסלמן

מעשן מספר 21, אילת

74 1/2 x 67 1/2 אינץ '.

שמן על בד מעוצב

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

אמיל נולדה

Sonnenblumen, Abend II

26 1/2 x 35 3/8 אינץ'.

שמן על בד ציור

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

גרהרד ריכטר

אברקטס בילד 758-2

24 1/2 x 32 1/4 אינץ'

שמן על בד ציור

בתחילת שנות ה-70 של המאה ה-19 צייר וינסלו הומר לעתים קרובות סצנות של חיים כפריים ליד כפר חקלאי קטן שנודע במשך דורות בזכות דוכני החיטה המרשימים שלו, הממוקם בין נהר ההדסון לקטסקיל במדינת ניו יורק. כיום הארלי מפורסם הרבה יותר כהשראה לאחת מיצירותיו הגדולות ביותר של הומרוס, Snap the Whip שצויר בקיץ 1872. בין הציורים הרבים האחרים בהשראת האזור, נערה עומדת בשדה החיטה עשירה בסנטימנטים, אך לא סנטימנטלית מדי. הוא מתקשר ישירות למחקר משנת 1866 שצויר בצרפת בשם "בשדות החיטה", ומחקר נוסף שצויר שנה לאחר מכן לאחר שובו לאמריקה. אבל הומרוס היה ללא ספק גאה ביותר בזה. זהו דיוקן, חדר לימוד תלבושות, ציור ז'אנרי במסורת הגדולה של הציור הפסטורלי האירופי, וטור דה פורס מואר בדרמטיות, ספוג באור השעה הזוהר הדועך במהירות, מצופה בתווים פרחוניים ונגיעות קוצים של חיטה. בשנת 1874 שלח הומרוס ארבעה ציורים לתערוכה של האקדמיה הלאומית לעיצוב. אחד מהם נקרא "ילדה". יכול להיות שזה לא זה?

וינסלו הומר

בשדה החיטה (ילדה עומדת בשדה חיטה)

21 3/4 x 13 1/2 אינץ'

שמן על בד ציור

Emerging at the end of the Gilded Age, N.C. Wyeth was one of the most important American artists and illustrators. His paintings and illustrations brought life to classic literature from Treasure Island to The Boy’s King Arthur and more. He is most remembered for his ability to capture crucial moments in narratives, fleshing out just a few words into a visual representation of deep drama and tension. Patriarch of the Wyeth artistic dynasty which includes his son Andrew and grandson Jamie, his influence touched future illustrators and artists.<br><br>Perhaps his most important legacy is how he shaped American imagination – of America itself and of wild possibilities. Wyeth’s powerful paintings gave life to many of the stories America told of itself. His early paintings captured life of the American West and some of his most beloved illustrations were for novels such as The Last of the Mohicans or short stories like “Rip Van Winkle”. Despite this success, Wyeth struggled with the commercialism of illustrations and advertisements, seeking his work to be accepted as fine art. Throughout his career, he experimented with different styles shifting from Impressionism to Divisionism to Regionalism.<br><br>N.C. Wyeth produced over 3,000 paintings and illustrated 112 books. His illustrations for the publisher Charles Scribner’s Sons were so popular they became known as Scribner’s Classics and remain in print to this day.<br><br>This quietly powerful painting of a Native American forms part of a quartet of paintings, inspired by and a metaphor for the four seasons. The paintings were used to illustrate George T. Marsh’s set of poems “The Moods”. Wyeth recognized that the series came at a crucial moment in his career in which the paintings go beyond realism to capture atmosphere and mood, an internal world of emotion made external. He even contemplated and attempted to write his own poems based on these paintings.<br> <br><br>Summer, Hush is a striking example of Wyeth pulling from his imagination and melding it with careful observation of nature. As noted in a letter to his mother, Wyeth combined the fictional subject with natural effects as in the sky. Native Americans were a subject he returned to numerous times; these paintings reflect not only Wyeth’s fascination but also of America. As observed by art historian Krstine Ronan, Wyeth was part of a larger dialogue that developed around Native Americans, cementing a general Native American culture in the imagination of the United States. Thus, the painting operates on numerous levels simultaneously. How do we relate to this painting and its conception of the four seasons? How do we interpret Wyeth’s depiction of a Native American? What role do Native Americans play in America’s imagination?<br><br>We must also not forget that these works were first used to illustrate the poems of George T. Marsh. Marsh, a poet born in New York who often also wrote of the Canadian wilderness, provides subtle evocations of the seasons hinted at in the series title “The Moods”. This painting was used alongside “Hush,” which ends:<br><br>Are they runes of summers perished<br><br>That the fisher hears –and ceases—<br><br>Or the voice of one he cherished.<br><br>Within these few lines, Wyeth gives us a thoughtful and restrained painting that stirs from within. The poem and the painting avoid obvious clichés to represent the seasons. They develop a profound interpretation filled with sensitivity.<br><br>These paintings were important to Wyeth who hoped that “they may suggest to some architect the idea that such decorations would be appropriate in a library or capitol or some public building.” Summer, Hush demonstrates Wyeth’s control of color and composition so that small touches such as the ripples of water or the towering cloud that envelopes the figure are in service to sketch out the feeling of summer and of the poem. Through exploring this rich and complex painting, we are better able to appreciate NC Wyeth as an artist and the role this specific painting plays in the context of art history.

קיץ. "שקט"

33 3/4 x 30 1/4 אינץ'.

שמן על בד ציור

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

שון סקאלי

אדום אפור

85 x 75 אינץ'.

שמן על אלומיניום

עולמו של מארק שאגאל אינו יכול להיות מוכל או מוגבל על ידי התוויות שאנו מצמידים אליו. זהו עולם של דימויים ומשמעויות היוצרים שיח מיסטי להפליא משלהם. Les Mariés sous le baldaquin (החתן והכלה מתחת לחופה) החל עם כניסתו של האמן לשנתו ה-90, אדם שידע טרגדיה וסכסוכים, אך מעולם לא שכח את רגעי ההנאה של החיים. כאן, התענוגות החלומיים של חתונה כפרית רוסית עם סידורי המשתתפים השחוקים היטב מובאים אלינו בשנינות כה שמחה ותמימות עליזה, שאין התנגדות לקסמה. באמצעות תחליב בגוון זהוב המשלב שמן וגואש אטום על בסיס מים, החום, האושר והאופטימיות של הפוזיטיביזם הרגיל של שאגאל עטופים בזוהר זוהר המרמז על השפעתם של איקונות דתיות בעלות עלי זהב או ציורים מראשית הרנסנס שביקשו להקנות רושם של אור אלוהי או הארה רוחנית. שימוש בשילוב של שמן וגואש יכול להיות מאתגר. אבל כאן, ב-Les Mariés sous le baldaquin, שאגאל משתמש בו כדי להעניק לסצנה איכות אחרת, כמעט כאילו זה עתה התממשה מתוך עינו. עדינותו הטקסטואלית יוצרת את הרושם שהאור נובע מהיצירה עצמה ומעניקה איכות ספקטרלית לדמויות המרחפות בשמיים.

מארק שאגאל

Les mariés sous le baldaquin

1978-1980 בקירוב

23 1/2 x 31 7/8 אינץ'.

שמן וגואש על בד

Shortly after arriving in Paris by April 1912, Marsden Hartley received an invitation. It had come from Gertrude Stein and what he saw at her 27 rue de Fleurus flat stunned him. Despite his presumptions and preparedness, “I had to get used to so much of everything all at once…a room full of staggering pictures, a room full of strangers and two remarkable looking women, Alice and Gertrude Stein…I went often I think after that on Saturday evenings — always thinking, in my reserved New England tone, ‘ how do people do things like that — let everyone in off the street to look at their pictures?… So one got to see a vast array of astounding pictures — all burning with life and new ideas — and as strange as the ideas seemed to be — all of them terrifically stimulating — a new kind of words for an old theme.” (Susan Elizabeth Ryan, The Autobiography of Marsden Hartley, pg. 77)<br><br>The repeated visits had a profound effect. Later that year, Hartley was clearly disappointed when Arthur B. Davies and Walt Kuhn chose two of his still-life paintings for the upcoming New York Armory show in February 1913. “He (Kuhn) speaks highly of them (but) I would not have chosen them myself chiefly because I am so interested at this time in the directly abstract things of the present. But Davies says that no American has done this kind of thing and they would (not) serve me and the exhibition best at this time.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, early November 1912) A month later, he announced his departure from formal representationalism in “favor of intuitive abstraction…a variety of expression I find to be closest to my temperament and ideals. It is not like anything here. It is not like Picasso, it is not like Kandinsky, not like any cubism. For want of a better name, subliminal or cosmic cubism.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, December 1912)<br><br>At the time, Hartley consumed Wassily Kandinsky’s recently published treatise Uber das Geistige in der Kunst (The Art of Spiritual Harmony) and Stieglitz followed the artist’s thoughts with great interest. For certain, they both embraced musical analogy as an opportunity for establishing a new visual language of abstraction. Their shared interest in the synergetic effects of music and art can be traced to at least 1909 when Hartley exhibited landscape paintings of Maine under titles such as “Songs of Autumn” and “Songs of Winter” at the 291 Gallery. The gravity of Hartley’s response to the treatise likely sparked Stieglitz’s determination to purchase Kandinsky’s seminal painting Improvisation no. 27 (Garden of Love II) at the Armory Show. As for Hartley, he announced to his niece his conviction that an aural/vision synesthetic pairing of art and music was a way forward for modern art. “Did you ever hear of anyone trying to paint music — or the equivalent of sound in color?…there is only one artist in Europe working on it (Wassily Kandinsky) and he is a pure theorist and his work is quite without feeling — whereas I work wholly from intuition and the subliminal.” (D. Cassidy, Painting the Musical City: Jazz and Cultural Identity in American Art, Washington, D.C., pg. 6)<br><br>In Paris, during 1912 and 1913 Hartley was inspired to create a series of six musically themed oil paintings, the first of which, Bach Preludes et Fugues, no. 1 (Musical Theme), incorporates strong Cubist elements as well as Kandinsky’s essential spirituality and synesthesia. Here, incorporating both elements seems particularly appropriate. Whereas Kandinsky’s concepts were inspired by Arnold Schoenberg’s twelve-tone method of composition whereby no note could be reused until the other eleven had been played, Hartley chose Bach’s highly structured, rigorously controlled twenty-four Preludes and Fugues from his Well-Tempered Clavier, each of which establishes an absolute tonality. The towering grid of Bach Preludes et Fugues, no. 1 suggests the formal structure of an organ, its pipes ever-rising under a high, vaulted church ceiling to which Hartley extends an invitation to stand within the lower portion of the picture plane amongst the triangular and circular ‘sound tesserae’ and absorb its essential sonority and deeply reverberating sound. All of it is cast with gradients of color that conjures an impression of Cézanne’s conceptual approach rather than Picasso’s, Analytic Cubism. Yet Bach Preludes et Fugues, no. 1, in its entirety suggests the formal structural of Picasso’s Maisons à Horta (Houses on the Hill, Horta de Ebro), one of the many Picasso paintings Gertrude Stein owned and presumably staged in her residence on the many occasions he came to visit.

מרסדן הארטלי

באך פרלודס ופוגס מס' 1 (נושא מוסיקלי)

28 1/2 x 21 אינץ'.

שמן על בד מונח על הסיפון

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

טום ווסלמן

חדר שינה ברונטית עם איריסים

105 3/4 x 164 5/8 אינץ'.

שמן על אלומיניום חתוך

אלברט בירשטאדט - שער הזהב - שמן על בד - 27 3/8 x 38 אינץ'

אלברט בירסטאדט

שער הזהב

27 3/8 x 38 3/4 אינץ'

שמן על בד ציור

Frederick Frieseke is often regarded as the finest American Impressionist painter of the figure. Yet when he came to study at Académie Juilian in 1898, several les Nabis painters remained a lingering presence, and it was the rich, decorative patterns of Edouard Vuillard and Pierre Bonnard that served as the blueprint for his early success. That influence is clearly demonstrated in the unrestrained repetition of the voluminous, pleated, striped umbrellas of Afternoon at the Beach, a canvas mural installed in the opulent Hotel Shelburne dining room overlooking the Atlantic City Boardwalk. The unifying impact of that repetitive element imbues the setting with cloud-like loft within a color scheme, evoking Vuillard and the richness of a Gobelin tapestry, rather than the effect of sunlight and broken color that mark his more familiar paintings from the decade of 1910 to 1920.<br><br>Afternoon at the Beach was installed under the artist’s direction in February 1906. It remained on view for decades at the swanky hotel that enticed “Diamond Jim” James Buchanan Brady to pay one thousand dollars a week for permanent residence and was an unfading memory for throngs of well-heeled socialites, financiers, and notables from Irving Berlin to John Philip Sousa and Ethel Barrymore to Al Jolson. Undoubtedly, its presence high on the grand dining room wall contributed to the artist’s popularity and renown.<br><br>Today, we may look upon this long, frieze-like composition as a delightful fin-de-siécle costume study or an informative expose of Victorian mores as suggested by the separate spheres of gender groupings. But mostly, Afternoon at the Beachrecounts the artist’s unbridled delight and appreciation of women, here, expressed within familial, maternal, and social contexts. It is the subject and theme that brought Frieseke acclaim and awards on both sides of the Atlantic and which, to this day, endears him to the many who count him among the most beloved of American figurative painters.

פרדריק קרל פריזקה

אחר הצהריים על החוף

1905/1906 צרפת

60 x 178 אינץ'.

שמן על בד ציור

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

לארי ריברס

68 x 58 אינץ'

שמן על בד ציור

תומאס הארט בנטון - פנטזיה חייתית - שמן על מתכת - 62 x 47 1/2 x 1 אינץ '.

תומאס הארט בנטון

פנטזיה חייתית

62 x 47 1/2 x 1 אינץ'

שמן על מתכת

אמן בלתי מעורער של התנועה הניאו-אימפרסיוניסטית הבלגית המשגשגת משנת 1887 ואילך, תיאו ואן רייסלברגה צייר דיוקן זה של אשתו, מריה (לבית מונום) במהלך העשור הראשון של המאה העשרים. הוא המשיך הלאה מהשפעת הטונאליזם, האימפרסיוניזם והפוינטיליזם של סרה של ויסלר כדי לשכלל הבנה מעודנת ביותר של צבע, תהודה הרמונית ועיבוד קפדני של אלמנטים צורניים. כשרטט למופת, רשמים אופטיים המבוססים על אינטראקציות צבע נותרו דאגה עיקרית עבור ואן רייסלברגה. כאן, משיכות צבע קצרות החליפו את הנקודות הקטנות של פוינטיליסט, וערכת הצבעים אינה ההומוגנית, ההרמונית, שעבורה יש לאמן מוניטין ראוי. במקום זאת, דיוקן זה מקדם את תורת הצבעים באופן שונה לחלוטין. העניין החזותי שלו נשען על הניגודים הדינמיים של הקופור הכסוף של אשתו, שמלתה בגוון פלטינה ומעטפת האח הלבנה - כולם מבוימים בתוך החיוניות האופטית של הסביבה הנשלטת על ידי אדום וירוק משלימים. זוהי הדגמה ויזואלית מגרה של צייר שהבין את ההשפעה הדינמית של ערכת צבעים יוצאת דופן זו וסידר את היושב במבטא חזק באלכסון וביצע את הנוסחה במלאכה ובזריזות של צייר בשליטה מלאה על נכסיו הציוריים.

תיאו ואן רייסלברג

Maria van Rysselberghe au coin du feu

32 1/4 x 32 7/8 אינץ'

שמן על בד ציור

חייזר הוא איטרציה של סדרת "המבקר" של ברויאר-וייל. זהו ברונזה ענקית באורך שישה מטרים של דמות דמוית אדם שהתרסקה על פני האדמה. ככל שרגליו הפרועות והבועטות מרמזות על פעולה שמטרתה לשחרר את הגוף מלכידה, ראשו מושתל כאילו הוא עשוי להיות נסיבות קבועות. ברויאר-וייל הסביר את כוונותיו כך: "תמיד הוקסמתי מהרעיון שאנחנו לא לבד, שחייזר מסיבי עלול לנחות פתאום על כדור הארץ. רציתי ללכוד את תחושת הפליאה וההלם שהגעה כזו תיצור". זר, כמובן, יכול ליצור אסוציאציה אחרת לגמרי: האתגרים של להיות אאוטסיידר בתקווה להשתלב בתרבות ובחברה חדשה. "בעבודה זו רציתי להשתמש בצורה אנושית עצומה ונושמת כדי לבטא את הרגשות העמוקים הקשורים לנושאים אלה. והייתי זקוקה לקנה המידה העצום כדי לתאר את עוצמת הרגשות האלה". ברויאר-וייל אישרה ל-Alien להיות מלוהק במהדורה של 3 ועוד 2 הוכחות אמן.

דוד ברויאר-וייל

נוצר בשנת 2012

236 1/8 אינץ'.

ברונזה עם פטינה חומה

ב"עירום יורד במדרגות מס' 2", מל ראמוס שוזר בשובבות את מורשת יצירת המופת המודרניסטית של מרסל דושאן עם האסתטיקה התוססת של הפופ ארט, ויוצר פרשנות מחודשת חכמה ומעוררת ויזואלית. על ידי שיוך התנועה המופשטת של דושאן עם סגנון הפין-אפ האופייני לו, ראמוס יוצר דיאלוג דינמי בין המסורות הנערצות של האמנות היפה לבין האיכויות הגרפיות הנועזות של דימויים מסחריים. עבודה זו מדגימה את מיומנותו של ראמוס לנווט בתולדות האמנות ובתרבות העכשווית, תוך שימוש בפיתוי של עירום נשי כדי לחקור ולעשות סאטירה על אובססיות חברתיות ליופי, תשוקה וסחורה. בכך הופכת יצירתו של ראמוס לרקיחה מובהקת של פופ ארט, המתענגת על הקשר המשעשע שלה עם דושאן ובה בעת מבקרת וחוגגת את התרבות החזותית של זמנה.

מל ראמוס

עירום יורד בגרם מדרגות מס' 2

70 x 52 1/8 אינץ'

שמן על בד ציור

ז'אן-מישל בסקיאט - ללא כותרת (אנטומיה של יונים) - שמן, גרפיט וגיר על נייר - 22X30 אינץ'.

ז'אן מישל בסקיאט

ללא כותרת (אנטומיה של יונים)

22 x 30 אינץ'.

שמן, גרפיט וגיר על נייר

PIERRE BONNARD - סוליי קווסטאנט - שמן על בד - 14 1/2 x 22 1/2 אינץ'.

פייר בונרד

סוליי קוסטאנט

14 1/2 x 22 1/2 אינץ'.

שמן על בד ציור

שרה יוז, שנולדה באטלנטה בשנת 1981 ומתגוררת בברוקלין, ידועה בגישתה הייחודית לציור נוף, המשלבת השפעות היסטוריות עם רגישויות עכשוויות. פלטת הצבעים הצוהלת שלה מזכירה מאסטרים כמו אנרי מאטיס, המועברת עם הנועזות החזותית המסוגננת של דייוויד הוקני תוך הכרה במסורת רחבה יותר של ציור נוף, כולל השפעות מהאר-נובו, הפוביזם והאקספרסיוניזם הגרמני. All the Pretty Faces הוא סינתזה מודרנית של תנועות אמנות היסטוריות ודימויים דיגיטליים עכשוויים, המציגים בפני הצופים עולמות שובי לב ומומצאים המגשרים בין העבר להווה. זה גם מתקשר לאחד הציטוטים הבולטים ביותר של יוז על הנופים החדשניים שלה המלאים באלמנטים פנטסטיים: "לעתים קרובות חשבתי על הפרחים והעצים כעל דמויות. לפעמים אפילו גל או שמש בציור מקבלים אישיות, אז זה משתנה בהתאם לאיך שהעבודה מסתדרת".

כל הפרצופים היפים

36 x 30 אינץ'.

שמן על בד ציור

ספרה של קתרין גרוס "ללא כותרת" משנת 2016 מרחיב את הערכתנו לאמנית שמביאה את אותה אנרגיה, תעוזה והתעלמות מהמוסכמות הנראות במיצבים האדריכליים המונומנטליים שלה למדיום המסורתי של צבע על בד. הצבע מתפוצץ, מורם ממשטח מורכב ועשיר בשכבות של יישומי צבע שנשפכו, מטפטפים או מתייזים, צעיפים שקופים קורנים ורצועות צבע חופפות שמוזסות ליצירת מעברי צבע רכים. התוצאה היא התרשמות מרתקת של עומק מרחבי ותלת מימדיות. אבל זהו גם טור דה פורס שחושף את גאונותו של גרוס בשילוב של כאוס ושליטה, ספונטניות וכוונה. מגוון הטכניקות שלה יוצר דיאלוג משכנע בין המקרי למכוון, סימן ההיכר של סגנונה הייחודי.

קתרינה גרוס

ללא כותרת

118 x 78 3/4 אינץ'

אקריליק על בד ציור

WIFREDO LAM - דיוקן / La Table I, מטבע ד'אטלייה - טמפרה על נייר (דו צדדי) - 38 x 24 3/4 אינץ '.

ויפרדו לאם

דיוקן / La Table I, מטבע ד'אטלייה

38 x 24 3/4 אינץ '.

טמפרה על נייר (דו צדדית)

ז'אן ארפ - פסל מיתיק - ברונזה - 25 x 9 1/2 x 12 אינץ'

פיסול מיתיק

25 x 9 1/2 x 12 אינץ'

בהשראת אמונתו הקתולית האדוקה, התפתחותו האמנותית של רואו הייתה ייחודית בקרב המודרניסטים. הוא נשבה בצבעים העזים ובאופן שבו האור עובר דרך חלונות ויטראז' מימי הביניים, הוא יישם שכבות עבות ועשירות של צבע והעצים צורות גולמיות ונועזות שטופות בכחול עמוק בתוך קווים שחורים כבדים. רואו תמך לעתים קרובות בנושאים דתיים חוזרים ונשנים שהוקדשו לכוחה של הגאולה. קרלוטה אינה משרתת את הייעוד הנעלה הזה וגם לא את סבלם השולי של נושאים שכללו ליצנים, וצליבה. במקום זאת, קרלוטה היא הזדמנות להתפעל מווריאציות הצבע המעודנות יותר של רואו ומיחסי הגומלין הדינמיים בין האיכות המחוספסת והמישושית של האימפסטו לבין האפקט הרך והמפוזר יותר של המעברים המרופטים של מודל שאינו כבול לנושאים של כאב וייאוש אנושיים.

ז'ורז' רו

15 7/8 x 12 1/4 אינץ'

שמן על בד ציור

מקס ובר עבר לפריז בשנת 1905 כאשר העיר הייתה מוקד של חדשנות אמנותית. עבודותיו המוקדמות מדגימות את ההשפעה העכשווית של פלטת הצבעים הנועזת של הפוביזם והייצוג המקוטע של המציאות על ידי הקוביזם. עם זאת, ובר לא רק חיקה סגנונות אלה; הוא שילב ופירש אותם מחדש כדי ליצור משהו משלו. חשיבותו של ובר אינה רק ביצירותיו המופשטות, אלא גם בתפקידו כצינור של רעיונות מודרניסטיים. ובר מילא תפקיד מכריע בדיאלוג הטרנסאטלנטי שעזר לעצב את מהלך האמנות האמריקאית במאה העשרים. תיאורי הדמויות הנשיות שלו מציגים סינתזה של המופשט והייצוגי, לוכדים את מהות נושאיו תוך התנתקות מיצירות פיגורטיביות מסורתיות.

מודל פריזאי

35 1/2 x 19 5/8 אינץ'

שמן על בד ציור

ניסיונית ומתוחכמת מאוד, "טכניקת הפאזל" החדשנית של מונק כללה חיתוך בלוק העץ לחתיכות נפרדות וסימון בדיו והדפסה של כל אחת בנפרד לפני הרכבתן מחדש ליצירת התמונה הסופית. התהליך הניב מגוון צבעים, הדפסים ייחודיים באותה מהדורה, ומגוון רחב של רגשות ומצבי רוח. הצורות הגליות של House on the Coast I מתוזמרות בעושר רב ובנויות דרך שכבות של צבע וטקסטורה הכוללות מישורים מרובים, שכל אחד מהם תורם לעומקו ולמורכבותו המרחבית. הגילוף והחיתוך של חיתוכי עץ, המתאימים באופן אידיאלי לבטא את מנטליות העבודה האכזרית לעתים קרובות של אדוארד מונק, מתחו את גבולות השיטות המסורתיות וחיזקו את מחויבותו לחקור עומק רגשי ופסיכולוגי באמנותו.

אדוארד מונק

בית על החוף I

17 x 23 אינץ'

חיתוך עץ על נייר Wove עם תוספות ידניות בצבעי מים של האמן

ג'ים דיין היה אמן פופ אמריקאי שעבודתו מדיטציה על חפצים עם משיכה ילדותית למצוא שפה אוניברסלית ונוסטלגית. גלימותיו של דיין הן בין הדימויים המוכרים ביותר שיצאו מהקריירה הארוכה והמהוללת שלו. הם הוצגו לראשונה בגלריה סידני ג'ניס בסתיו 1964 – זוהי דוגמה אחת כזו. גלימות סילבר פוינט כפולות הוא מכלול מדיה מעורב בקנה מידה גדול. העבודה מבוצעת בסילפוינט – טכניקה העושה שימוש בפיסת כסף ככלי ציור על פני קרקע שהוכנה במיוחד על ידיה היא מתחמצןת על פני תקופה של חודשים כדי ליצור גוון חום חם. שני הקנבסים המצורפים כוללים גושי עץ במקום שבו הראשים צריכים להיות ואלמנט עץ תלוי שזז בתגובה לזרמים אוויריים.

ג'ים דיין

גלימות סילבר פוינט כפולות

53 1/2 x 96 אינץ'.

סילברפוינט ואקריליק על 2 בדים מחוברים, עץ, סכין וחוט במסגרת האמן

גנייב פיגיס היא דמות בולטת בסצנת האמנות האירית העכשווית, המוכרת בזכות הדיוקנאות הקבוצתיים החכמים והביקורתיים שלה, שלעתים קרובות לועגים למוסכמות חברתיות ותיקות. באיחור יחסי לציור, היא משכה את תשומת לבו של אמן הניכוס האמריקאי ריצ'רד פרינס בטוויטר, שרכש את אחת מעבודותיה והכיר לה את המעגלים המשפיעים של קהילת האמנות הניו יורקית. עבודתו של פיגיס מבקרת באופן משעשע את הרגלי הצריכה האמידים של מעמד הביניים ואת אורח החיים המפואר, כפי שהונצחו על ידי אמני העבר, ומביאה נושאים אלה היטב אל ההווה עם תערובת של סאטירה ותיאורים גולמיים ואותנטיים של החיים. חשבו על פיגיס כמי שחצה את חולות הזמן אל דומייר או הוגארת', שעבודתם הציעה לעתים קרובות מבט סאטירי על החברה העכשווית, והצטרפה לאמנים העוסקים בסאטירה חברתית וידועים בכישורי ההתבוננות החדים שלהם.

גניב פיגיס

מועדון הנשים

31 1/2 x 39 3/8 אינץ'

אקריליק על בד ציור

דיוויד סמית ' - ללא כותרת - שמן על בד - 12 x 16 אינץ '.

דייוויד סמית'

ללא כותרת

12 x 16 אינץ'.

שמן על בד ציור

Gottlieb was a first-generation member of the Abstract Expressionists. “Blue on Black” is from his trademark “Burst” series. Like fellow Ab Ex artists including Pollock who settled into their signature style late in their careers, it was not until 1956 that Gottlieb focused on these burst paintings.<br><br>This painting showcases the lyricism that he found within the “Burst” paintings by simplifying color and form. In this painting, the shapes and color coalesce to produce harmony and depth within the visual landscape of the canvas.<br><br>Gottlieb had an amazing 56 solo exhibitions during his long career and his works are included in over 140 museums throughout the world.

אדולף גוטליב

כחול על שחור

24 x 18 7/8 אינץ'.

אקריליק על נייר מונח על בד

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - פסטל על נייר מונח על הלוח - 10 3/8 x 14 3/4 אינץ '.

קמיל פיסארו

Paysage avec batteuse a Montfoucault

10 3/8 x 14 3/4 אינץ'

פסטל על נייר מונח על הסיפון

פרנסיסקו זוניגה יצר פיסול כילד כשסייע לאביו, פסל מקומי של סנטוס עץ. הוא פנה באופן נחרץ לפיסול לאחר שהגיע למקסיקו ממולדתו קוסטה ריקה בשנת 1936 ופיתח גוף עבודות רחב המבוסס על הדמות שכללה גילוף ישיר בעץ, מידול בחימר, פיסול ישירות על אבן קשה ויציקת ברונזה. "Desnundo Reclinado de Dolores" הוא סטייה בכך שהוא אינו משקף את העניין שלו באמנות הפרה-קולומביאנית או את התעקשותו לתאר נשים ילידיות בעלות מראה ילידי עם ירכיים ובטן מוגזמות. במקום זאת, זהו מופע טור דה פורס במודל קלאסי של נקבה כורעת ברך מסובבת ירך, נתמכת באמה, שרודין היה גאה אם היה טוען שהיא שלו.

פרנסיסקו זוניגה

Desnudo reclinado de Dolores

21 x 43 1/4 x 21 1/2 אינץ'.

ברונזה עם פטינה ירוקה

ארוחת הצהריים של אמן אזור המפרץ רולנד פיטרסן היא שמן על בד משנת 1961, שנה קריטית לסדרת הפיקניק הידועה ביותר שלו. עבודתו מתקופה זו מאופיינת באימפסטו סמיך ובצבע עשיר. בהשפעת מחקרים עם הנס הופמן, פיטרסן התנסה בהפשטה, כאן מיזוג סגנונות מופשטים ופיגורטיביים. צויר כאשר פיטרסן היה בן 35, Luncheon טמון בתוך מסגרת זמן הכוללת את המופע שלו נמכרו איש אחד בשנת 1962 בגלריה Staempfli, ניו יורק, תערוכת היחיד שלו אסתר רובלס בלוס אנג'לס, ואת מלגת גוגנהיים שהעניק את ההזדמנות ללמוד בפריז.

רולנד פיטרסן

ארוחת צהריים

70 x 68 אינץ'.

שמן על בד ציור

מריו קרנו - גיטריסטה - שמן על הסיפון - 20 x 24 אינץ '.

מריו קרנו

גיטריסטה

20 x 24 אינץ'.

שמן על הסיפון

JOAN MIRO - L'Oiseau - ברונזה ומחסום - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 אינץ '.

ג'ואן מירו

ל'אויסאו

23 7/8 x 20 x 16 1/8 אינץ'.

ברונזה וחסימת סינדרבל

רוג'ר בראון ידוע בדימוייו האישיים ולעתים קרובות פנטסטיים ובציוריו המסוגננים מאוד עם דמויות וחפצים המשקפים את העניין שלו בחוויות היומיום. Acid Rain בוחן נושאים של החיים המודרניים ופרשנות חברתית המשקפים את תפקידו של האמן בחברה ואת הפוטנציאל של האמנות לחולל שינוי. ברמה האישית יותר, הנושא של גשם חומצי עשוי לסמל מצבים רגשיים או פסיכולוגיים מאכלים, כגון דיכאון, חרדה, או תחושה של להיות מוצף על ידי נסיבות שאינן בשליטתו של האדם. בדיוק כפי שגשם חומצי היה בעיה סביבתית בלתי נראית אך הרסנית, המשבר של מגיפת האיידס המתהווה ככל הנראה הניע את בראון ליצור את העבודה לעיבוד אבל אישי, לבקר את התגובה הלא מספקת של מנהיגים פוליטיים, ולתמוך בחמלה, הבנה ומחקר רפואי.

רוג'ר בראון

גשם חומצי

48 x 72 x 2 אינץ'

שמן על בד ציור

סדרת הפסלים של פרנק סטלה מאופיינת בצורות ציפה וזרימה, הנמשכות אל תוך חלל הצופה ומזמינות אינטראקציה בין האובייקט לסביבתו. ה"דאדאפ", סוג של עץ הקשור לצמיחה ולמשמעות פולחנית בתרבות הבאלינזית, משקף את הטבע האורגני והדינמי של פסליה של סטלה. במעבר לנירוסטה ואלומיניום מבמבוק, סטלה שמרה על האופי המהותי של האסתטיקה הבאלינזית המהללת צורות שהן אורגניות, נוזליות ומעורבות באופן דינמי בחלל שלהן. דאדפ מציג המשכיות בחקירה התמטית של סטלה שבה רוח עבודתו עולה על החומריות. מתכת מעניקה מרקם, רפלקטיביות ואינטראקציה שונים עם אור וחלל, אך היא דבקה בעקרונות התנועה והאינטראקטיביות. זוהי העברה יצירתית של צורה וקונספט בין מדיומים שונים, תוך שמירה על רוח ההשראה הראשונית תוך מתן אפשרות לתכונות החומר החדש לבטא רעיונות אלה בהקשר רענן.

פרנק סטלה

66 1/2 x 50 1/4 x 19 אינץ'

נירוסטה ואלומיניום

פרננדו BOTERO - Autoretrato a la manera de Velázquez - סנגווין ועפרונות צבעוניים על קרטון - 60 1/2 x 47 1/2 אינץ '.

פרננדו בוטרו

Autoretrato a la manera de Velázquez

60 1/2 x 47 1/2 אינץ'.

סנגווין ועפרונות צבעוניים על קרטון

ידוע בסגנון הציור הייחודי שהוא כינה "ריאליזם מעוצב", הכשרתו של ג'רלד קרטיס דלאנו תחת N. C. Wyeth אפשרה לו להשתמש במגוון גישות המחשה להבעה, תמיד עם עיצוב מוקפד וללא דופי. ציורים כמו Navajo Camp, המוכרים בזכות הצבעים הרכים והמאופסים שלהם, הקומפוזיציות המסודרות והחינניות שלהם, ופשטות הצורה, ומעדנים כל נושא לטבעו המהותי, מציגים לראווה את עינו החדה של דלאנו, הבנתו ויכולתו ללכוד את הצבע והאצילות של אורח החיים של הנאוואחו. כמו ברוב עבודותיו, השמיים תופסים חלק ניכר מהבד עם דמויות המעניקות קנה מידה לסצנה. אלמנטים אלה פועלים יחד כדי ליצור תחושה של מרחבים ושלווה.

ג'רארד קרטיס דלאנו

מחנה נאוואחו

23 1/2 x 29 1/2 אינץ'

שמן בפאנל

ויליאם ב. אגלסטון - ללא כותרת (מתוך ערב הבחירות) - הדפס פיגמנט ארכיוני - 32 1/2 x 48 1/4 אינץ '.

ויליאם ב. אגלסטון

ללא כותרת (מתוך ערב הבחירות)

32 1/2 x 48 1/4 אינץ'.

הדפס פיגמנט ארכיוני

כחברה באגודת האמנות האגדית של גוטאי ששגשגה בין 1954 ל-1972, הופיעה סדאמסה מוטונגה כאשר האקזיסטנציאליזם הסוריאליסטי הפוסט-אטומי היה בחוד החנית של ההתפתחות האמנותית ביפן. עם זאת, הוא בחר בדרך אחרת. הוא הפנה את גבו להרס שחוללה המלחמה ויצר עבודה רעננה, שמחה ומשביעת. "ללא כותרת" מ-1966 הוא בסגנון הקלאסי שלו, שהתפתח במקביל לציוריו של מוריס לואיס, מה שמכונה "רעלה". זה עשוי להציע את המסרק המואר, העין והנוצות המנומרות של ציפור גלינאקית, אבל כל אסוציאציות כאלה הן כנראה שרירותיות ולא מכוונות. במקום זאת, זוהי תצוגה מוצלחת להפליא של האוונגרד של מוטונגה לקחת על Tarashikomi יפני מסורתי — הטכניקה הכוללת הטיית הבד בזוויות שונות כדי לאפשר תערובות של שרף ואמייל לזרום אחד על השני לפני הצבע יבש לחלוטין.

סדאמסה מוטונגה

ללא כותרת

16 x 12 1/2 אינץ'.

שמן על בד ציור

Along with its companion work, "Untitled" (1991) was on display in the lobby of Chicago's Heller International Building at 500 West Monroe Street from the building's opening in 1992 until its renovation in 2015. This painting has remained in the same private collection since its creation. <br><br>The November 2018 sale of Schnabel's "Large Rose Painting, (Near Van Gogh's Grave)" for $1.2 million at auction demonstrates a strong demand for the artist's work. This major sale was only the second-highest price paid for a Schnabel at auction: the record was set in November of 2017 when "Ethnic Type #14" sold for $1.4 million. <br><br>A recent 2018 museum exhibition, "Julian Schnabel: Symbols of Actual Life" at the Legion of Honor, Fine Arts Museums of San Francisco, featured several of Schnabel's large-scale paintings.

ג'וליאן שנאבל

ללא כותרת

96 x 120 אינץ'.

שמן, שרף, גסו, בד ועור על מטלית תפר

במהלך הקריירה הענפה שלה, המשתרעת על פני יותר מחמישה עשורים, איבון תומאס נודעה בגישתה הייחודית ששילבה את האיכויות הספונטניות והרגשיות של האקספרסיוניזם המופשט עם שימוש רהוט בצורות ובצבעים כאמצעי ביטוי. תומאס העריך את הצבע כמקור לשמחה עמוקה וחידות מורכבות. נקודת מבט זו משתקפת באמנות שלה, שם היא השתמשה בפלטת צבעים מגוונת כדי לעורר ולתקשר את תגובותיה לנושאים טבעיים. היא ציירה את "המגדל" ב-1954, שנה שהתאפיינה בציון דרך משמעותי: תערוכת היחיד הראשונה שלה בגלריה הנדלר בפילדלפיה. שנה לאחר מכן, האמנות של תומאס הוצגה במוזיאון ריברסייד בניו יורק, שם הוצגה עבודתה לצד אמנים בולטים כמו פרנץ קליין ומילטון אייברי.

איבון תומאס

39 3/4 x 51 1/2 אינץ'.

שמן על פשתן

רוס בלקנר הוא צייר אמריקאי מפורסם שעבודותיו מתייחסות לאובדן, זיכרון ושינויים כגון חקר התא במהלך מגפת האיידס או בתגובה לאבחון הסרטן של אביו. תערוכת MoMA מ-1965 שהביאה את אופ ארט לחזית, The Responsive Eye וכללה את האמנים ריצ'רד אנוסקיביץ', טדאסקי ופרנסיס סלנטנו, השפיעה עליו עמוקות כאמן. הציור הזה, כמו שאר יצירותיו האימרסיביות בקנה מידה גדול, מעורר אפקט עוצמתי, מהפנט ומסחרר. אסתטית, הקנבסים של בלקנר חוקרים את התפיסה – חזותית, רגשית, פיזית, זמן. בלקנר הוא חלק מאותו דור של חברים עם ג'וליאן שנאבל, דיוויד סאל, אריק פישל ופיטר האלי, שכולם חזרו לטכניקה ציורית על הבד.

רוס בלקנר

ממערב למזרח

72 x 72 אינץ'.

שמן על בד פשתן

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

אירווינג נורמן

סצנת רחוב אמריקאית

74 x 90 אינץ'.

שמן על בד ציור

מנואל נרי היה דמות מרכזית בתנועה הפיגורטיבית של אזור המפרץ בשנות השישים. במקום צורות מופשטות, הקבוצה הדגישה את הרגש באמצעות כוחה של הצורה האנושית. היצירה הנוכחית, "ללא כותרת" (1982), בוחנת את הצורה הנשית בקנה מידה טבעי. נרי העדיף לעבוד עם דוגמנית אחת בלבד לאורך 60 שנות הקריירה שלו, מריה ג'וליה קלימנקו. היעדר פנים ברבים מהפסלים מוסיף אלמנט של מסתורין ועמימות. מוקד היצירה ב"ללא כותרת" הוא המבנה והצורה של הדמות. מנואל נרי מיוצג באוספי מוזיאונים רבים ברחבי העולם, ביניהם גלריה אדיסון/אקדמיית פיליפס; אוסף אנדרסון באוניברסיטת סטנפורד; המכון לאמנות של שיקגו; מרכז קנטור לאמנויות, אוניברסיטת סטנפורד; מוזיאון האמנות של סינסינטי; מוזיאון קרוקר לאמנות, סקרמנטו, קליפורניה; מוזיאון דנבר לאמנות, מוזיאון אל פאסו לאמנות, טקסס; מוזיאונים לאמנויות יפות של סן פרנסיסקו; מוזיאונים לאמנות של אוניברסיטת הרווארד; מוזיאון הירשהורן וגן הפסלים, וושינגטון, ד.C; מוזיאון הונולולו לאמנות, מוזיאון המטרופוליטן לאמנות, ניו יורק והגלריה הלאומית לאמנות, וושינגטון הבירה.

מנואל נרי

ללא כותרת

67 x 24 x 26 אינץ'.

ברונזה צבועה

אד רושה הוא אחד האמנים האמריקאים המכובדים ביותר, בין השאר בשל חקר סמלי אמריקנה והיחסים בין שפה לאמנות. הסוף הוא נושא קולנועי בו השתמש האמן בשנות התשעים והתווכים, והופיע בציורים, הדפסים ורישומים – בעיקר בציור בקנה מידה גדול במוזיאון לאמנות מודרנית בשנת 1991. בהתייחסו לחלוף הזמן וההתיישנות, רושה עושה שימוש בגופן מיושן ובמסורת קולנועית ישנה של שימוש בטקסט בקולנוע. המושג ארעיות מוגבר על ידי המילים עצמן, הסוף, ואת אופיו של המדיום עצמו; טכנולוגיית הלייזר להולוגרמות, שנחשבת עתידנית כאשר פותחה בשנות ה-60, יוצרת גם תחושה של ארעיות כאשר הדימויים משתנים עם תנועת הצופה. אמנם יש תנועה מולדת במילים ובדימויים המשתנים, אך הולוגרמות אלה מייצגות גם עצירה מלאה – רגע חולף קפוא בזמן.

11 x 14 אינץ'.

ערכת הולוגרמה מזכוכית

LOUIS VALTAT - אגרטל קוקליקוטים - שמן על בד - 23 1/2 x 19 אינץ'

לואי ואלטאט

אגרטל דה coquelicots

23 1/2 x 19 אינץ'

שמן על בד ציור

דבורה באטרפילד היא פסלת אמריקאית, הידועה בעיקר בזכות פסלי הסוסים שלה העשויים מחפצים החל מעץ, מתכת וחפצים אחרים שנמצאו. היצירה מ-1981, ללא כותרת (סוס), מורכבת ממקלות ונייר על חימוש תיל. קנה המידה המרשים של יצירה זו יוצר אפקט יוצא דופן באופן אישי, ומציג דוגמה בולטת לנושא המפורסם של באטרפילד. באטרפילד יצרה במקור את הסוסים מעץ וחומרים אחרים שנמצאו בשטחה בבוזמן, מונטנה וראתה בסוסים דיוקן עצמי מטאפורי, וכרתה את התהודה הרגשית של צורות אלה.

דבורה באטרפילד

ללא כותרת (סוס)

100 x 157 x 36 אינץ'.

מקלות ונייר על חימוש תיל

"A drawing is simply a line going for a walk."<br>-Paul Klee<br><br>A significant draftsman, Paul Klee's works on paper rival his works on canvas in their technical proficiency and attention to his modern aesthetic. As an early teacher at the Bauhaus school, Klee traveled extensively and inspired a generation of 20th Century Artists. <br><br>Klee transcended a particular style, instead creating his own unique visual vocabulary. In Klee's work, we see a return to basic, geometric forms and a removal of artistic embellishment. "Der Hafen von Plit" was once owned by Alfred H. Barr, Jr., the First Director of the Museum of Modern Art, New York.

דר האפן פון פליט

14 1/4 x 19 1/2 אינץ'

עט ודיו על נייר מונח, רכוב על נייר Wove

רודולפו מוראלס - ללא כותרת - שמן על בד - 37 1/4 x 39 1/4 אינץ '

רודולפו מוראלס

ללא כותרת

37 1/4 x 39 1/4 אינץ'

שמן על בד ציור

LE PHO - פרחים - שמן על בד - 28 3/4 x 21 1/4 אינץ '.

שנות ה-60 לערך

28 3/4 x 21 1/4 אינץ'.

שמן על בד ציור

ג'וזף סטלה, שעוצב על ידי מולדתו איטליה ואימץ את אמריקה, חקר מגוון יוצא דופן של סגנונות ומדיומים ביצירות אמנות בעלות מגוון ומקוריות מדהימים. בשנת 1911 רכב סטלה על גל האוונגרד של מגמות פוביסטיות, קוביסטיות ועתידניות, אך הוא היה המודרניסט האמריקאי היחיד שחי יום-יום עם המאסטרים האיטלקים הישנים. התנוחה והטיפול ב"עירום שוכב" מתייחסים לסדרת עבודות שציירה סטלה בשנות העשרים המתארות נשים מפתות ממקורות מיתולוגיים או פנטזיוניים כמו "לדה והברבור" ואונדין, נימפת מים יפהפייה מאגדה גרמנית רומנטית פופולרית מהמאה ה-19. במקום זאת, ללא דימויים פרחוניים או סימבוליסטיים, "עירום שוכב", שצויר בשנות השלושים, משקף בצורה הולמת יותר את התקופה המפוכחת ההיא.

ג'וזף סטלה

שכיבה בעירום

50 x 52 1/2 אינץ'.

שמן על בד ציור

מארק קווין - Lovebomb - למינציה תמונה על אלומיניום - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 אינץ '.

מארק קווין

פצצת אהבה

108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 אינץ'.

תמונה למינציה על אלומיניום

פריץ שולדר - דיוקן אמריקאי מס' 14 - שמן על בד - 40X30 אינץ'

פריץ שולדר

דיוקן אמריקאי מס' 14

40 x 30 אינץ'.

שמן על בד ציור

A veteran of the battle of Verdun, Fernand Leger witnessed the horror and staggering loss of over 1 Million of his fellow countrymen during World War I. This horrific experience of fighting in the trenches of Europe left an indelible mark on the artist. The modern and mechanized aspects of this new form of warfare, with tanks, modern artillery, and gruesome tactics, inspired Leger to create some of his greatest masterpieces. <br><br>The Present drawing, executed in 1930, is a relic from the decade following the First World War. Untitled (1930) was purchased from the Katherine Kuh galley in Chicago- and has been impeccably preserved by the family of the original purchaser. It is exceedingly rare to find drawings like Untitled outside of Museum collections.

פרננד לגר

ללא כותרת

8 1/4 x 11 3/4 אינץ'

פחם על נייר

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’. Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’. Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird. Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

מרי קורסה

ללא כותרת

24 x 24 אינץ'.

אקריליק ואבק יהלומים על בד

ריצ'רד טאטל הוא אמן פוסט-אמן אמריקאי חשוב. עבודתו של טאטל היא רעיונית ומדיטטיבית, חוצה את גבול הפיסול, הציור והשירה, ולעתים קרובות מאתגרת את הצופה. ללא כותרת (עבודות בד וצבע #2) משנת 1973, תקופה מכרעת בקריירה של האמן, מעוררת את המינימליזם המוקדם יותר של הקריירה שלו תוך דחיפה לעבר אמנות מושגית מבוססת חומר. בעבודה הוא נותן כבוד לתפאוריו המוכנים של מרסל דושאן. טקסטיל, כמו ביצירה זו, ממלא תפקיד גדול ביצירה שלו והפך לאתרים שבהם ניתן למקד ביצועים, מעורבות ומשמעות.

ריצ'רד טאטל

ללא כותרת (עבודת בד וצבע מס' 2)

15 1/2 x 16 אינץ'.

חבל ושמן על בד

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

ואלרי ג'אודון

84 x 114 אינץ'.

שמן על בד ציור

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta. The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes. Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work. Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta. <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power. Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist. His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

גופטה סובוד

שרביטי קסמים 6

62 x 1 7/8 x 1 7/8 in. ea.

אלומיניום מצופה כרום

בקרב קבוצת גוטאי של אמנים יפנים שהתגבשו במהלך שנות החמישים, אף אחד מהם לא עבד במהירות וללא פחד כמו קאזואו שיראגה. ציוריו מאופיינים במשיכות המכחול הדינמיות שלהם, שנוצרו לעתים קרובות באופן לא שגרתי. שיראגה השתמש בגופו ככלי ציור, ולעתים קרובות מרח צבע על בד או נייר ברגליו כשהוא תלוי על חבל. הטקסטורות הן בדרך כלל עבות, אך תמיד בעלות מישוש רב עם שכבות צבע המוסיפות עומק ופיזיות לעבודה. מצד שני, טאקי נשען על פסים גולמיים של צבעים מגוונים, המעוררים אנרגיה בלתי מרוסנת ותחושת חופש ומרד שבהם הוא ידוע, קוראים תיגר על מוסכמות אמנותיות מסורתיות ומותחנים את גבולות הביטוי היצירתי.

קאזואו שיראגה

10 3/4 x 8 5/8 אינץ'

שמן על בד ציור

ARMAND GUILLAUMIN - Roquebrune, Le Matin - שמן על בד - 25 x 31 1/4 אינץ'

ארמנד גילאומין

Roquebrune, Le Matin

25 x 31 1/4 אינץ'

שמן על בד ציור

"Ray Gun became a catch title for all sorts of things. Looking down on the street, I would find this angle in the shape of a ray gun everywhere. And I would collect the ray guns. They became quite an obsession."<br>-Claes Oldenburg<br><br>"Two Ray Guns" (1964) was initially sold through the venerable Sidney Janis Gallery. The work draws upon Oldenburg's keen observational sense and fascination with science fiction and popular American culture. The fascination with Ray Guns became a conceptual art practice for Oldenburg; he would not construct them in the traditional sense but instead, find objects that could be reduced into the form. Ray Gun Examples exist in plastic, bronze, plaster, and many different media. <br><br>Our example from the Ray Gun series has been in the same important American collection for many years. Several examples from this series are in prominent museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York.

קלאס אולדנבורג

שני רובי ריי

25 x 21 x 2 אינץ'.

טיח צבוע ואקריליק צבעוני

פרנסיס CELENTANO - יחידות גליות - אקריליק על בד - 36 x 90 אינץ '.

פרנסיס סלנטנו

יחידות גליות

36 x 90 אינץ'.

אקריליק על בד ציור

נתן אוליברה מזוהה לעתים קרובות עם הציירים הפיגורטיביים של אזור המפרץ של קליפורניה, אך במציאות, עבודתו חושפת את התעניינותו בוילם דה קונינג, אלברטו ג'קומטי ופרנסיס בייקון. השפעות אלה הן מאפיינים בולטים של דריכה בעירום מהשטיח. הוא צויר כשאוליברה היה בשנות ה-30 המוקדמות לחייו, והוא בדיוק מסוג הציורים שביססו את המוניטין המוקדם שלו כרודף תיאורים של דמויות בודדות שצוירו בסגנון אלתור. עבודתה המאוחרת של אוליביירה משקפת את הערתו רבת ההשפעה של דה קונינג בנוגע לאתגר שבציור זיכרונות חזותיים וביצירת פיגורציות בעלות נוכחות רופפת, אך קו האופק החזק המקרקע נוף זה מעניק לדמות נוכחות גשמית יותר מהרגיל.

נתן אוליביירה

עירום צועד מהשטיח

52 x 48 אינץ'.

שמן על בד ציור

אד מוזס היה דמות בולטת בסצנת האמנות בלוס אנג'לס במשך כמעט 70 שנה. הוא הציג לראשונה בשנת 1949 והיה חלק מקבוצת האמנים המקורית מגלריית פרוס בשנת 1957 – גם אמן בית הספר המגניב אד רושה הציג שם את תערוכת היחיד הראשונה שלו בשנת 1963. ההיקף הגדול וההיווצרות הנסיותית של "פרנקו-דל #1 #3" משנת 2006 נדירים עבור משה. היצירה מבוצעת בגווני אדמה של חומים, אפורים, שחורים, חלודים וירוק אורן. משה, שתמיד עובד עם תהליכים ומתנסה בחומרים כצייר, זכה לשבחים רבים על יצירתו הנועזת ועל חדשנותו.

פרנקו-דל מס' 1 ו-3

79 1/2 x 110 1/2 אינץ'.

אקריליק על בד ציור

יוסף קליטש - משימה קלויסטרים, סן חואן קפיסטרנו - שמן על בד - 22 1/8 x 27 אינץ'.

יוסף קליטש

מיסיון קלויסטרס, סן חואן קפיסטרנו

22 1/8 x 27 אינץ'.

שמן על בד ציור

אדגר אלווין פיין - סירות ונציאניות בסוטו מרינו - שמן על לוח - 23 3/8 x 26 1/4 אינץ'

אדגר אלווין פיין

סירות ונציאניות ב- Sotto Marino

23 3/8 x 26 1/4 אינץ'

שמן בפאנל

MARILYN MINTER - After Hours - הדפסה כרומוגנית - 85 1/2 x 55 3/4 אינץ'

מרילין מינטר

אחרי שעות העבודה

85 1/2 x 55 3/4 אינץ'

הדפסה כרומוגנית

תצלומיו של אנסל אדמס הם © The Ansel Adams Publishing Rights Trust. הועתק באישור.

אנסל אדמס

אספנס, צפון ניו מקסיקו

15 1/4 x 19 1/4 אינץ '.

הדפס כסף ג'לטין

פסל הערבה של הארי ברטויה מהדהד כביטוי לחסד ועדינות; איכויות כי bely האסוציאציות הרגילות שיש לנו עם המאפיינים המהותיים של הסגסוגת שבה הוא עשוי. גרסה מושעית זו - הגרסה הנדירה של ווילו - נראית בעלת נוכחות מודעת לעצמה; אחד שמתענג על ניגוד זה של תכונות. עם זאת, הוא מזמין לא יותר מאשר הנאה קיומית בצפייה בו. תחשבו על ווילו כגרסה מנוסחת באומץ של קלדר אם המאסטר האחרון חשב על העלאה אורגנית או גשמית יותר. מושעה, הוא מפקד על האזור שלה אך מכבד את מערכת היחסים המרחבית שלה לסובבת אותו. אור, צורה, מרחב – אלה כלים קונספטואליים של הפסל. אבל מי עוד היה חושב להשתמש בחומר רפלקטיבי הקשור יותר בקלות עם גמישות וכוח טנזור כדי ליצור זר של גדילים מדורגים של נירוסטה, תלוי בחלל, כמו צמחייה וכל כך יפה בחינניות?

הארי ברטויה

ללא כותרת (ערבה מושעית)

123 x 39 x 39 ב.

חוט פלדה ופלדה

TADASUKE (טאדאסקי) KUWAYAMA - B-139 - אקריליק על בד - 47 x 47 אינץ'.

טדאסוקה (טדאסקי) קוואיאמה

47 x 47 אינץ'.

אקריליק על בד ציור

Op Art evolved as an alternative trend in painting to the abstract expressionist movement of the 1950s. The genesis of the movement was in the 1960s, when artists such as Victor Vasarely, Bridget Riley, and Richard Anuszkiewicz embraced a more structured and geometric approach to their painting, often using visual tricks to create a sense of movement. While the artistic and spiritual predecessors to OP Art, such as Josef Albers (!888-1976), utilized a softer and more subdued approach, the Op Artists were using bold, large-scale works with variable dimensions to create their visual statement. <br><br>A student of Albers, Richard Anuszkiewicz, used enamel and acrylic paint on wood in such a way to create his uncompromising and exact compositions. A great sense of action can be felt in the present work, "Translumina". The sister piece to "Translumina," "Translumina II" (1986), is in the permanent collection of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

ריצ'רד אנוסקיביץ'

טרנסלומינה

48 x 48 אינץ'.

אקריליק על עץ

SE OK SUH - ללא כותרת - שטיפת דיו על נייר - 40 x 44 אינץ'.

SE אישור סוה

ללא כותרת

40 x 44 אינץ'.

שטיפת דיו על נייר

ריצ'רד דיבנקורן הסביר פעם, "כל הציורים מתחילים מתוך מצב רוח, מתוך מערכת יחסים עם דברים או אנשים, מתוך רושם ויזואלי מוחלט." דיבנקורן, הידוע בתפקידו המכונן בתנועת האמנות הפיגורטיבית של אזור המפרץ, בניגוד להפשטה השולטת בניו יורק שלאחר המלחמה, התנדנד לעתים קרובות בין פיגורציה להפשטה. בשנת 1952 קיבל משרת סגל באוניברסיטת אילינוי באורבנה למשך שנה אקדמית אחת. שם לימד התחלת רישום לסטודנטים לאדריכלות והשתמש באחד מחדרי השינה בביתו כסטודיו. תקופה זו בין השנים 1952-1953, הידועה בשם סדרת אורבנה, הייתה תקופה פורייה וחשובה בהתפתחות סגנונו של דיבנקורן. חקר הפיגורציה החדשני שלו באמצעות הפשטה החל בשנים הראשונות הקריטיות הללו והיה מגיע למימוש מלא בסדרת אושן פארק המפורסמת שלו של סוף שנות השישים וה-80.

ריצ'רד דיבנקורן

ללא כותרת (סדרת אורבנה)

13 7/8 x 11 אינץ'.

דיו על נייר

הסוויטה של צ'אק קלוז, הכוללת ארבע הולוגרמות זכוכית, מייצגת צומת מרתק של חקירתו המתמשכת של דיוקנאות עצמיים והעניין שלו במדיומים אמנותיים חדשניים. דיוקן עצמי היה אבן פינה ביצירתו של קלוז, ואפשר לו להעמיק בנבכי הזהות האנושית ובתהליך היצירה האמנותית. הולוגרמות משתנות עם מיקום הצופה ויוצרות חוויה דינמית, המהדהדת את עבודותיו המפוקסלות של קלוז אך עם נוכחות פיזית נוספת. הולוגרפיה מדגימה את מחויבותו של האמן לפיתוח שפתו האמנותית, תוך שילוב מיומן של דיוקנאות מסורתיים עם התקדמות טכנולוגית מודרנית כדי לאתגר ולהגדיר מחדש ללא הרף את גבולות הייצוג החזותי.

צ'אק קלוז

דיוקן עצמי

14 x 11 אינץ'.

סוויטה של 4 הולוגרמות זכוכית

לארי בל - כס הפטריוטים - שמן ומתכת על בד - 63 x 41 1/2 x 1 1/4 אינץ '.

כס הפטריוטים

63 x 41 1/2 x 1 1/4 אינץ '.

שמן ומתכת על בד

ויין טייבו נערץ מאוד כצייר. עם זאת, יכולתו כשרטט משכנעת באותה מידה ובולטת במיוחד בליתוגרפיה, מדיום אוטוגרפי שנודע בתיעוד כל מחווה של אמן. כפי ש-Paint Cans מדגימה במלואה, הליתוגרפיה מספקת גם את החופש ליצור שכבות מרקמיות וצבעים כדי להשיג ייצוג קליל של כוונותיו המנוסחות של האמן. בקומפוזיציה, "פחיות צבע" מציג את חוש הסדר החד של טייבו, הנובע מדגש על נקודות מוקד וקווי כיוון המדגימים את הדרכים הייחודיות שבהן הוא יכול להדגיש קיבוץ של פריטים יומיומיים. זוהי יצירה נוספת שמדהימה את הצופה בטכניקה ובכישורים המפורטים ביותר שלו.

ויין תיאבאוד

פחיות צבע

38 3/4 x 29 1/8 אינץ'

ליטוגרפיה בצבעים על נייר Wove

"Bouquets de Fleurs" (1901) is a glowing Post-Impressionist still life. As the revolutionary wave of Impressionism receded from its apex, artists such as Henri Manguin, Henri Matisse, Kees van Dongen, Louis Valtat, and others emerged as part of the new avant-garde in Europe. These “Fauves,” or roughly translated “wild beasts,” would attack their canvases with a bold and vibrant new palette. This completely new way of painting was not initially celebrated by critics, or the artistic elite, but is today recognized among the most innovative and original artistic movements of the 20th Century. <br><br>The present work, painted just before the revolution of Fauvism took hold, demonstrates a critical transitionary period in Modern Art. The subject is depicted with a masterful compositional sense and attention to spatial relationships. Manguin’s competency in composition would allow him to experiment freely with color during the first decade of the 20th Century. The slightly later but comparable Manguin still life “Flowers” (1915) is in the permanent collection of the Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.

אנרי מנגווין

Bouquets de fleurs

25 7/8 x 21 5/8 אינץ'.

שמן על בד ציור

יאן ג'וזפסון ואן גוין - נוף נהר עם טחנת רוח וקפלה - שמן על הלוח - 22 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

יאן ג'וזפסון ואן גוין

נוף הנהר עם טחנת רוח וקפלה

22 1/2 x 31 3/4 אינץ'.

שמן בפאנל

סלומון ואן RUYSDAEL - נוף דיונה עם דמויות נחות זוג על סוסים, נוף של קתדרלת ניימגן מעבר - שמן על בד - 26 1/2 x 41 1/2 אינץ '.

סלומון ואן רוסדאל

נוף דיונה עם דמויות נחות וזוג על סוסים, נוף של קתדרלת ניימגן מעבר

26 1/2 x 41 1/2 אינץ'.

שמן על בד ציור

דייוויד מוריס - מסע - נירוסטה, בסיס פלדה - 132 x 36 x 48 אינץ'.

דייוויד מוריס

132 x 36 x 48 אינץ'.

נירוסטה, בסיס פלדה

כשדורותי הוד חזרה ליוסטון ב-1962, לשמחתה, נאס"א יצאה בהכרזה חשובה: מרכז החלליות החדש יהיה ביוסטון. רעיון המסע בחלל הדהד את התעניינותה ארוכת השנים בקוסמולוגיה, והשאיפה ההרואית להגיע לנחיתה על הירח פתחה משהו אצל האמנית. גבול חדש זה השפיע על עבודתה ועודד אותה לעבוד בגדול יותר. היא הודתה, "הגילוי של מה שאני יכולה לעשות עם (קנבסים גדולים) הוא הדבר החשוב ביותר שקרה בחיי הציור". ככל ש"אותות חלל" הוא טור דה פורס של ציור שדות צבע, השפה החזותית שלה הגיעה ממקורות אחרים: תמונות תקופתיות של גשושיות חלליות, עצמים אסטרונומיים, ושיחותיה הרבות עם מדענים ואסטרונאוטים שהציתו את דמיונה. היא יצרה את האזורים היפים להפליא האלה, הצבועים דק בגווני כחול פתאלו אדים על כנפי ההשראה הזו.

דורותי הוד

אותות חלל

89 3/4 x 70 אינץ'

שמן על בד ציור

OLAF WIEGHORST - אפאצ'י - שמן על בד - 20 x 24 אינץ'

אולף ויגהורסט

20 x 24 אינץ'.

שמן על בד ציור

קרל אנדרה הוא אמן אמריקאי שעזר לפיסול מינימליסטי חלוץ והיה בעלה של האמנית המפורסמת והמפורסם אנה מנדייטה. זוהי יצירת טקסט קלאסית מתחילת שנות השישים והיא אופיינית לשיריו אשר מורכבים על ידי בחירת מילים בודדות מטקסטים מקור, ולאחר מכן להזמין אותם על הדף על פי קריטריונים פשוטים מובנים מאליהם, אשר, במקרה זה, הוא על ידי רישום אלפביתי. הטייס צ'ארלס לינדברג ריתק עמוקות את קארל אנדרה אליו חזר כמקור לשירתו. עבודה זו עם החזרה המובנית שלו כמו פסליו המפורסמים משקפת את המינימליזם והפוסט-מינימליזם שצצו בשנות השישים וה-70, כולל משורר הבטון כריסטופר נואלס.

קרל אנדרה

חמש מאות קדנציות לצ'ארלס לינדברג

8 x 6 1/8 אינץ'.

דיו על נייר על הסיפון

Signed, titled and dated ‘81 verso<br>JR-198-81

סינתזה חדשה מס' 15

92 x 66 אינץ'.

אקריליק על בד ציור

תומאס נוזקובסקי נולד ב-1944 ויצר ציורים קטנים בגוון עשיר המשקפים את ההשפעות הדיכוטומיות של האקספרסיוניסטים המופשטים ופליטי הבאוהאוס שעמם למד באיחוד קופר. באמצעות מברשת קטנה, הטיפול שלו כולל גירוד ושפשוף צבע בדרכים שנרשמות בעבודה המוגמרת. הוא פיתח אוצר מילים ייחודי ורחב היקף לפריסת צורות גיאומטריות דמויי ביומורפיות בערכות צבעים מגוונות ומגוון רחב של אסוציאציות: ריצוף אריחים, לאשכולות תאים, לארכיטקטורה ולחלל החיצון. לעתים קרובות, הם מזוקקים מזיכרונותיו וחוויותיו. נוזקובסקי הגיב על הציור הספציפי הזה (ללא כותרת, 1994) ואמר כי הוא משקף את המשיכה שלו לסצינות המיתולוגיות שצוירו על לוחות חזה נדוניה של הרנסנס. הוא ביטא אותו כאחד הטובים ביותר מבין שלושה או ארבעה לוחות בגודל 15 אינץ' x 30 אינץ' בסדרה זו. נוזקובסקי טופל במשך שנים רבות על ידי גלריית פייס. הוא נפטר בשנת 2019.

תומאס נוזקובסקי

ללא כותרת

15 x 30 אינץ'.

שמן על פשתן בפאנל

לאוניד LAMM - כוח המדינה - שמן על בד - 68 3/8 x 66 x 1 אינץ'.

לאוניד לם

עוצמת מצב

68 3/8 x 66 x 1 אינץ'.

שמן על בד ציור

Provenance:<br>Purchased in 1985 from The Gallery Wall<br>Private Collection, CA

דן מתן שמות

טווה פלאזה במסה הראשונה

80 x 120 אינץ'.

שמן על בד ציור

ג'ואנה POUSETTE-DART - ללא כותרת (מחקר מדבר אדום) - אקריליק על לוח עץ - 33 1/2 x 42 x 3/4 אינץ '.

ג'ואנה פוסט-דארט

ללא כותרת (מחקר המדבר האדום)

33 1/2 x 42 x 3/4 אינץ'.

אקריליק על לוח עץ

סת' קאופמן - ליגנום ספייר - ברונזה עם פטינה ירוקה - 103 1/2 x 22 x 17 אינץ'.

סת' קאופמן

ליגנום ספייר

103 1/2 x 22 x 17 אינץ'.

ברונזה עם פטינה ירוקה

קרל בנג'מין ועמיתיו לורסר פייטלסון, פרדריק המרסלי וג'ון מקלפלין תופסים מקום ייחודי בהיסטוריה של האמנות המופשטת האמריקאית. ידועים בצורותיהם הגיאומטריות המדויקות ובקצוות הנקיים המדגישים שטוחות, הם הציירים הקשוחים של קליפורניה שצמחו בסוף שנות החמישים. שלא כמו אלסוורת' קלי, למשל, עבודתם משקפת בהירות, בהירות ופלטת צבעים שמרמזת על הסביבה הטבעית והבנויה של קליפורניה ולא על ההשפעות העירוניות והתעשייתיות יותר המורגשות בחוף המזרחי. יתר על כן, בהשוואה לסצנת האמנות התחרותית בחוף המזרחי, הקבוצה הקליפורנית הייתה קהילה קטנה יחסית ומלוכדת של אמנים עם תחושה של שיתוף פעולה וחקירה משותפת שתרמה לתנועה מגובשת עם זהות מובחנת.

קרל בנג'מין

50 x 50 אינץ'

שמן על בד ציור

איליין דה קונינג - המטאדור - גואש על נייר - 7 3/4 x 9 1/2 אינץ'

איליין דה קונינג

7 3/4 x 9 1/2 אינץ'

גואש על נייר

FIONA RAE - ללא כותרת (צהוב, אדום + חום) - שמן על בד - 72 x 78 אינץ'.

פיונה ריי

ללא כותרת (צהוב, אדום + חום)

72 x 78 אינץ'.

שמן על בד ציור

ARNE HIERSOUX - ללא כותרת - אקריליק ונייר על בד - 71 x 94 אינץ'.

ארנה היירסו

ללא כותרת

71 x 94 אינץ'.

אקריליק ונייר על בד ציור

רוברט נטקין - אפולו XL - אקריליק על בד - 88 x 116 1/4 אינץ'.

רוברט נטקין

88 x 116 1/4 אינץ'.

אקריליק על בד ציור

ויליאם ונדט - נוף קליפורניה - שמן על בד - 23 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

ויליאם וונדט

קליפורניה נוף

23 1/2 x 31 3/4 אינץ'.

שמן על בד ציור

Born in Onomichi in Hiroshima Prefecture, Teraoka studied at what is now Otis College of Art and Design in Los Angeles. His works are inspired by Japanese Ukiyo-e woodcut prints. However, Teraoaka infuses the style and techniques of the traditional art with American Pop Art. The mass-produced nature of Japanese woodcut prints alligns with the obsession with mass production and consumption of Pop Art. Additionally, Ukiyo, meaning “the floating world” in Edo period Japan reflected the transitory nature of Kabuki theater and pleasure houses. This transitory sense of consumerism and pleasure was also evoked in the works by Pop Artists. Teraoka’s works are a collision of two cultures and histories of art finding affinities through similar themes.<br><br>Teraoka’s pieces blend humor and social commentary. He has often touched upon subjects as diverse and urgent as the AIDs crises, consumerism, the attacks on September 11th, and more. Teraoka notes of his own work, “Integrating reality with fantasy, humor with commentary, and history with the present became my challenge.”<br><br>Works by Teraoka can be found in the Tate Modern, the Metropolitan Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, the Smithsonian, the Los Angeles County Museum of Art, the Walker Art Center, and more.

מסאמי טראוקה

סדרת גלים/אישה מקועקעת בחוף סאנסט

14 7/8 x 10 אינץ'.

צבעי מים על נייר

פרנסיס PICABIA - Trois personnages nus - עפרון קונטה שחור על נייר חובב - 11 1/2 x 8 אינץ '.

פרנסיס פיקאביה

Trois personnages nus

11 1/2 x 8 אינץ'.

עפרון קונטה שחור על נייר חובב

פרנק טני ג'ונסון - צופיות - שמן על בד - 13 1/2 x 17 אינץ'

פרנק טני ג'ונסון

13 1/2 x 17 אינץ'

שמן על בד ציור

"פנים" היא אחת היצירות המודרניות יותר של מוריס אסקאנזי, הקוראת לזכור את עבודתם של בונרד או וילארד. הסצנה האינטימית מראה דוגמנית עירומה, שנראית באופן דרמטי בפרופיל, מתחזה לצייר בסטודיו שטוף שמש. הדלת לחדר פתוחה, מה שנותן את הרושם שהצופה גונב הצצה לאינטראקציה פרטית בין האמן לדוגמנית. מראה הממוקמת בחוכמה על גב הדלת הפתוחה חושפת את השתקפותו של הצייר, אותו אנו אמורים לקחת כ- Askenazy עצמו, בעבודה. Askenazy מקפיד מאוד לתאר את פרטי החדר, מן העות'מאנית בדוגמת הציורים ממוסגרים על הקירות, כל פסיפס של צבע אימפרסיוניסטי.

מוריס אסקזי

עירום עם מסך מתקפל יפני

40 x 32 אינץ'.

שמן על בד ציור

שערי THEASTER - ללא כותרת (ריצוף) - מלט לבן, פסולת, ריצוף - 35 x 35 x 3 אינץ '.

שערי ת'אסטר

ללא כותרת (ריצוף)

35 x 35 x 3 אינץ'.

מלט לבן, פסולת, ריצוף

Robert Rauschenberg, along with Jasper Johns, Andy Warhol, and Roy Lichtenstein, started the revolution of Pop Art in the 1960s. Rauschenberg's later career was a time for the artist to work on experimental and innovative projects, including the 1993 "Prime Pump from ROCI USA (Wax Fire Works Series)." This series comes from the artist's philanthropic project, "ROCI USA," demonstrating "Rauschenberg's belief in the power of art as a catalyst for positive social change." The reference to "wax fire" in the title is Rauschenberg's term for encaustic - hot wax with colored pigments - which he used in other works from the series. <br><br>Executed in a small edition of just 17 examples, this piece incorporates printmaking, a medium to which he often returned to explore new modes for layering imagery. Rauschenberg worked on editions since the early 1960s when he was a fixture at the ULAE and Gemini G.E.L. printshops. Rauschenberg's printmaking and editioned works were an extension of the creative act for the artist; he could achieve sculptural and 3D effects through his editions.

רוברט ראושנברג

משאבת פריים מ ROCI ארה"ב (סדרת עבודות אש שעווה)

63 1/2 X 44 1/4 IN.

הדפסת מסך צבעונית על נייר ולקסאן

רוברטו מאטה - L'epreuve - שמן על בד - 29 1/2 x 25 1/2 אינץ'.

רוברטו מאטה

29 1/2 x 25 1/2 אינץ'.

שמן על בד ציור

The Arts and Crafts Movement in Great Britain and the corresponding ripples that made their way across the Atlantic Ocean were felt in the work of Jesse Arms Botke (1883-1971). Botke was born in Chicago, Illinois but found her home in California, where she had a successful career working first in Carmel and later in Southern California. <br><br>Rich textures, extensive use of gold leaf, and highly stylized birds would become synonymous with Botke's mature work as she established herself as one of the West Coast’s leading decorative mural painters of the 20th century.<br><br>"The White Peacock" (1922) shows an idyllic landscape with Botke's signature bird subject matter; the white peacock and cockatoos were among her favorite aviary subjects. Her work today can be found in countless museum collections, including the Art Institute, Chicago.

ג'סי ארמס בוטקה

הטווס הלבן

25 x 21 אינץ'.

שמן על בד ציור

האסל סמית ' - 9000 ו 9 לילות - אקריליק וגרפיט על בד - 68 x 68 1/8 in.

האסל סמית'

9000 ו-9 לילות

68 x 68 1/8 אינץ'.

אקריליק וגרפיט על בד ציור

למרות שאינו נחשב לצייר פעולה, Chiyu Uemae ידוע במספר גישות המתמקדות בצורה, טקסטורה ויחסי גומלין של צבעים. כמו בדוגמה הנוכחית, ללא כותרת, הוא הרבה למרוח פיגמנט באמצעות סכין צבעים, ויצר שכבות מרקמיות המאפשרות לפיסות צבע לזרוח כאילו היו תכשיטים קבורים ממש מתחת לאדמה. לפני שהצטרף לקבוצת גוטאי, אומאה למד את נאן גה, האסכולה הדרומית של הציור הסיני, והוא זוקף את ניסיונו הסוחף בעבודה בסגנון הצביעה של קיוטו ואת משמעת התפירה שלו כמשפיעים על סגנונו הבוגר. עבודתה של Uemae בוחנת את חומריות הצבע ואת האפשרויות של הבד, ומשקפת מעורבות עמוקה בפעולת הציור עצמה.

צ'יו אומאה

ללא כותרת

31 3/8 x 19 3/4 אינץ'

שמן בפאנל

דונלד סולטן - טוליפ צהוב מס' 18 - שמן וזפת על נייר - 20X20 אינץ'

דונלד סולטן

טוליפ צהוב מספר 18, אילת

20 x 20 אינץ'.

שמן זפת על נייר

הנרי מור - ראשי הקיסר - ברונזה עם פטינה חומה - 6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 אינץ'.

הנרי מור

ראשי הקיסר

6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 אינץ'.

ברונזה עם פטינה חומה

פרנסיסקו טולדו - ללא כותרת - טכניקה מעורבת על נייר - 8 x 10 1/4 אינץ'.

פרנסיסקו טולדו

ללא כותרת

8 x 10 1/4 אינץ'.

מדיה מעורבת על נייר

Hand blown glass with multiple incalmo of colored glass and filligrana. Switching the axel of the glass bubble and adjoining two glass bubbles with raticallo technique. Engraved partially on the surface with different patterns.<br><br>Lino Tagliapietra, a native to Murano, is one of the world's preeminent glass artists.

לינו תגליאפיטרה

מנדרה (1999)

13 x 11 x 3 אינץ'.

זכוכית וזכוכית

KAREL APPEL - ראש בסערה - שמן על בד - 10X14 1/4 אינץ'

כראל אפל

ראש בסערה

10 x 14 1/4 אינץ'

שמן על בד ציור

לירוי ניימן - פרש סוסים - טכניקה מעורבת על נייר - 22X28 אינץ'

לירוי ניימן

פרש סוסים

מדיה מעורבת על נייר

פבלו פיקאסו - לה דאנס - צלחת קרמיקה לבנה, חקוקה חלקית, עם אנגובה צבעונית וזיגוג - 12 1/2 x 15 אינץ '.

פבלו פיקאסו

12 1/2 x 15 אינץ'.

צלחת קרמיקה לבנה, חקוקה חלקית, עם אנגובה צבעונית וזיגוג

לברר

טופס קצר של רשימת צירוף

אם אתה אנושי, השאר שדה זה ריק.

התחבר

חזרה לראש הרשימה

© זכויות יוצרים 2024 הת'ר ג'יימס. כל הזכויות שמורות.

מדיניות פרטיות
תנאים והתניות

תודה שיצרת איתנו קשר!

האם ברצונך להתאים אישית את העדפות האמנות שלך?

עבור אל העדפות תקשורת

חינוך

חינוך הוא בעל חשיבות עליונה בייעוץ לאמנות הת'ר ג'יימס. בין אם אתה אספן מנוסה או רק מתחיל, אנו שואפים לצמוח עם לקוחותינו ומאמינים באופן מלא במתן מידע ותובנות כדי לעזור ללקוחותינו ללמוד ולטפח את תחומי האמנות שלהם.

אוצרות

Heather James Art Advisory מביאה עשרות שנות ניסיון אוצרותי בהדרכת צוות האוצרות הבכיר שלנו שארגן תערוכות ברחבי העולם במוזיאונים, גלריות ובבתים פרטיים. בשילוב אלמנטים היסטוריים אסתטיים ואמנותיים, נעזור לאוסף ולבית שלך לשקף את תחומי העניין האמנותיים שלך.

לוגיסטיקה

HJ Art Advisory מספקת לוגיסטיקה מלאה בעת טיפול, שינוע ופיקוח על יצירות האמנות של לקוחותינו. הפיקוח שלנו כולל כל היבט של טיפול ביצירות האמנות. אנו מפקחים על כל שלב בתהליך עם הובלה, התקנה ואחסון של יצירות אמנות. אנו מייעצים ומסייעים בעיצוב מסגור, תאורה, דרישות אבטחה, שימור והערכת מצב.

תיעוד

בעת רכישת יצירות אמנות, HJ Art Advisory חוקרת את מקור יצירת האמנות ותבקש מצגים ואחריות מהמוכר, כי למוכר יש בעלות תקפה וכי החפץ נקי מכל שעבודים, תביעות ושעבודים.
HJ Art Advisory תבקש שיפוי עבור החזר מלא עבור יצירת האמנות במקרה של הפרת אחריות (ייתכן שתכלול שורה זו???) .
תהליך מכירה פרטית ומכירה פומבית: מידע קריטי ללכידה כולל: אמן, כותרת יצירה, תאריך, מדיום, מידות, מחיר, תמונה, ישות מציעה, מקור, אישורים, חשבונית (במידת האפשר), דוח מצב, שעבודים, ליטיגציה, כותרת בעלות.

הלוואות למוזיאונים

הת'ר ג'יימס זכתה לכבוד להקל על הלוואות למוזיאונים מובילים ברחבי העולם, כולל MoMA, מרכז פומפידו ועוד. HJ Art Advisory דואגת לכל הניירת והלוגיסטיקה הדרושים לאספנים שלנו שמחליטים להשאיל יצירת אמנות לתערוכה במוזיאון.

אימות

HJ Art Advisory שומרת על הסטנדרטים הגבוהים ביותר של בדיקת נאותות באמצעות חקירה, מחקר ומקור של חפצים לפני הרכישה כדי לקבוע שניתן להשיג כותרת ברורה. מחקר כזה כולל, אך אינו מוגבל לקביעה:

היסטוריית הבעלות על האובייקט
מדינות שבהן נמצא האובייקט ומתי.
תולדות התערוכה של האובייקט
היסטוריית הפרסום של האובייקט
כל תביעה מתנגדת לבעלות אם הוגשה
מאגרי מידע של חפצים גנובים הרלוונטיים לחפץ
הנסיבות שבהן מוצע החפץ
מקורות מחקר רלוונטיים, כולל: ArtLoss Register או מאגרי מידע אחרים.
מצגי אחריות ושיפוי מהמוכר, המבטיחים שלמוכר יש בעלות תקפה, והחפץ נקי מכל שעבודים, תביעות ושעבודים
מחקר ותיעוד מתקופת הנאצים/מלחמת העולם השנייה בעקבות הנחיות הנוגעות לרכישת חפצים שסביר להניח שהיו באירופה הכבושה על ידי גרמניה בין השנים 1933 ו-1945

מימון

HJ Art Advisory מסייעת ללקוחות בהלוואות מגובות נכסים, רכישת אמנות לנאמנויות, תכנון עיזבונות. אנו מציעים את המומחיות שלנו בתובנות שוק האמנות כדי למצב את לקוחותינו בצורה הטובה ביותר בעת קבלת החלטות עבור האוסף שלהם. אנו עובדים עם עזבונות, צוותים משפטיים ויועצים פיננסיים כדי לתמוך בצורה הטובה ביותר בלקוחותינו ובמטרותיהם.
הת'ר ג'יימס פיין ארט אינה יועצת השקעות, משפטית או מס רשומה. כל ההשקעות והדעות הפיננסיות המובעות על ידי הת'ר ג'יימס פיין ארט הן דעות המבוססות על מחקר אישי. ביצועי העבר אינם ערובה לתשואה עתידית, ואינם מעידים בהכרח על ביצועים עתידיים.

מכירות ורכישות

HJ Art Advisory מתמקדת במיקור יצירות אמנות לרכישות פוטנציאליות ממכירות פרטיות, בתי מכירות פומביות ועמלות אמנים. HJ Art Advisory עוקבת ללא הרף אחר השוק הפרטי והציבורי אחר יצירות אמנות משמעותיות הנוגעות לאינטרסים של לקוחותינו שישפרו את האוספים שלהם. אנו מנהלים משא ומתן על מחיר המכירה או המכירה בשם אספן על מנת להשיג את העסקה הטובה ביותר האפשרית עבור לקוחותינו.

ערך וביטוח

קבוצת HJ Art Advisory מעריכה ומעריכה אוספי אמנות לצורך הערכת שווי ביטוח, רכישה וביטול גישה. זה כרוך במחקר מעמיק של ניתוח שוק האמנות הפרטי והציבורי כאחד כדי לקבוע ערך.

אנינות טעם

HJ Art Advisory עובדת עם, ובשמם, של לקוחות המפתחים אוספים חדשים או עם אוספים מבוססים, ומספקת ייעוץ והיצע מעמיק של שירותים. הידע והניסיון הרב שלנו יחד עם שנים רבות בעסקי האמנות מציבים את הצוות המיומן והמנוסה שלנו לספק הדרכה והכוונה במספר מישורים.

רוצה לדעת יותר על זה / עבודות אלה? שלח לנו הודעה כדי ליידע אותנו על העניין שלך.

בקשה - סינגל אמנותי

שם *

מלאי #

דואר אלקטרוני *

מספר טלפון

הודעה *

סיכום ת"א

אם אתה אנושי, השאר שדה זה ריק.

עברית

English
日本語
中文 (简体)
Deutsch
Français
Español
العربية‏