البحث

الحد الأدنى للسعر:

الحد الأقصى للسعر:

المنزل
عن
غرفة المشاهدة
الفنانين
- الفنانين
- فئات
العمل الفني
المعارض
المنشورات
تعلم
بيع
وصل حديثا
الاتصال
الاستشاريه

المنزل
عن
غرفة المشاهدة
الفنانين
- الفنانين
- فئات
العمل الفني
المعارض
المنشورات
تعلم
بيع
وصل حديثا
الاتصال
الاستشاريه

الفن المميز

متميز

عرض من قبل: الفنانين فئات الاسعار

في 15 مايو 1886 ، ولد بيان مرئي لحركة فنية جديدة عندما تم الكشف عن إنجاز جورج سورات المتوج ، بعد ظهر يوم الأحد في جزيرة لا غراند جات في المعرض الانطباعي الثامن. يمكن ل Seurat المطالبة باللقب باعتباره "الانطباعي العلمي" الأصلي الذي يعمل بطريقة أصبحت تعرف باسم Pointillism أو Divisionism. ومع ذلك ، كان صديقه والمقرب ، بول سيناك البالغ من العمر 24 عاما وحوارهما المستمر هو الذي أدى إلى التعاون في فهم فيزياء الضوء واللون والأسلوب الذي ظهر. كان Signac رساما انطباعيا غير مدرب ، ولكنه موهوب للغاية ، وكان مزاجه مناسبا تماما للصرامة والانضباط المطلوبين لتحقيق أعمال الفرشاة والألوان الشاقة بشق الأنفس. استوعب Signac هذه التقنية بسرعة. كما شهد على رحلة سورات الشاقة التي استمرت عامين لبناء طبقات لا تعد ولا تحصى من النقاط الملونة غير الممزوجة على La Grande Jatte ذات الحجم الضخم. معا ، كان Signac ، المنفتح المتهور ، و Seurat ، الانطوائي السري ، على وشك تخريب مسار الانطباعية ، وتغيير مسار الفن الحديث.

بول سيجناك

ليه أنديليس. L'Île à Lucas

يونيو - يوليو 1886

25 1/4 × 17 7/8 بوصة.

النفط على قماش

Led by a triumvirate of painters of the American Scene, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, and Grant Wood took on the task of exploring, defining, and celebrating the Midwest as a credible entity within the geographical, political, and mythological landscape of the United States. Their populist works were figurative and narrative-driven, and they gained widespread popularity among a Depression-weary American public. The landscapes Grant Wood painted, and the lithographs marketed by Associated American Artists were comforting reminders of traditional Midwestern values and the simplicity of country life. Yet, Wood's most iconic works, including American Gothic, were to be viewed through the lens of elusive narratives and witty ironies that reflect an artist who delighted in sharing his charming and humorous perspective on farm life. <br><br>In 1930, Wood achieved national fame and recognition with American Gothic, a fictionalized depiction of his sister, Nan, and his family dentist. Frequently regarded as the most famous American painting of the twentieth century, to fully grasp American Gothic's essential nature, one must recognize Wood's profound connection to his Iowan roots, a bond that borders on a singular fixation and the often-brutal confrontation between the moral and cultural rigidity of Midwest isolationism and the standards that prevailed elsewhere in America. This war of values and morality became dominant throughout Wood's oeuvre. Their fascination with American Gothic may have mystified the public, but the story, told in the attitude of a farmer and his wife, is as lean and brittle as the pitchfork he carries. Their attitude, as defiant as it is confrontational, is an unflinching dare to uppity gallery-goers to judge their immaculate well-scrubbed farm. American Gothic became an overnight sensation, an ambiguous national icon often interpreted as a self-effacing parody of midwestern life. Yet it also served as an unflinching mirror to urban elite attitudes and their often-derisive view of heartland values and way of life. In Grant Wood's hands, the people of the Midwest have stiffened and soured, their rectitude implacable.<br> <br>Portrait of Nan is Grant Wood's most intimate work. He may have been motivated to paint it to make amends for the significant scrutiny and harsh treatment his sister received as American Gothic's sternly posed female. Grant poured his heart into it as a sign of sibling love. Intent upon painting her as straightforward and simply as possible so as not to invite unintended interpretations, Wood's deep attachment to the portrait was significant enough for him to think of it as having irreplaceable value. When he moved from Cedar Rapids to Iowa City in 1935, he designed his entire living room around the work. It occupied the place of honor above the fireplace and was the only painting he refused to sell. <br> <br>The lithograph July Fifteenth, issued in 1938, proves his mystical vision of the Iowan heartland is anything but a pitchfork approach. Drawings assumed central importance in Wood's output, and this work is executed in meticulous detail, proving his drawings were at least as complex, if not more so, than his paintings. The surface of the present work takes on an elaborate, decorative rhythm, echoed throughout the land that is soft, verdant, and fertile. Structurally, it alludes in equal measure to the geometry of modern art and the decorative patterning of folk-art traditions. This is a magical place, a fulsome display of an idealized version of an eternal, lovely, and benign heartland. <br><br>The Young Artist, an en plein air sketch, may have been produced during, or slightly after, what Wood called his "palette-knife stage" that consumed him in 1925. Having not yet traveled to Munich where, in 1928, he worked on a stain-glass window commission and came under the influence of the Northern Renaissance painters that sparked his interest in the compositional severity and detailed technique associated with his mature works, here, he worked quickly, and decisively. The view is from a hilltop at Kenwood Park that overlooks the Cedar River Valley near Cedar Rapids, where he built a house for his sister, Nan.

جرانت وود

صورة نان

35 1/2 × 29 1/2 × 1 بوصة.

النفط على الماسونية

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

جورجيا أوكيف

شجرة خشب القطن (بالقرب من أبيكيو)، نيو مكسيكو

النفط على قماش

<br>In Diego Rivera’s portrait of Enriqueta Dávila, the artist asserts a Mexicanidad, a quality of Mexican-ness, in the work along with his strong feelings towards the sitter. Moreover, this painting is unique amongst his portraiture in its use of symbolism, giving us a strong if opaque picture of the relationship between artist and sitter.<br><br>Enriqueta, a descendent of the prominent Goldbaum family, was married to the theater entrepreneur, José María Dávila. The two were close friends with Rivera, and the artist initially requested to paint Enriqueta’s portrait. Enriqueta found the request unconventional and relented on the condition that Rivera paints her daughter, Enriqueta “Quetita”. Rivera captures the spirit of the mother through the use of duality in different sections of the painting, from the floorboards to her hands, and even the flowers. Why the split in the horizon of the floorboard? Why the prominent cross while Enriqueta’s family is Jewish? Even her pose is interesting, showcasing a woman in control of her own power, highlighted by her hand on her hip which Rivera referred to as a claw, further complicating our understanding of her stature.<br><br>This use of flowers, along with her “rebozo” or shawl, asserts a Mexican identity. Rivera was adept at including and centering flowers in his works which became a kind of signature device. The flowers show bromeliads and roselles; the former is epiphytic and the latter known as flor de jamaica and often used in hibiscus tea and aguas frescas. There is a tension then between these two flowers, emphasizing the complicated relationship between Enriqueta and Rivera. On the one hand, Rivera demonstrates both his and the sitter’s Mexican identity despite the foreign root of Enriqueta’s family but there may be more pointed meaning revealing Rivera’s feelings to the subject. The flowers, as they often do in still life paintings, may also refer to the fleeting nature of life and beauty. The portrait for her daughter shares some similarities from the use of shawl and flowers, but through simple changes in gestures and type and placement of flowers, Rivera illuminates a stronger personality in Enriqueta and a more dynamic relationship as filtered through his lens.<br><br>A closer examination of even her clothing reveals profound meaning. Instead of a dress more in line for a socialite, Rivera has Enriqueta in a regional dress from Jalisco, emphasizing both of their Mexican identities. On the other hand, her coral jewelry, repeated in the color of her shoes, hints at multiple meanings from foreignness and exoticism to protection and vitality. From Ancient Egypt to Classical Rome to today, coral has been used for jewelry and to have been believed to have properties both real and symbolic. Coral jewelry is seen in Renaissance paintings indicating the vitality and purity of woman or as a protective amulet for infants. It is also used as a reminder, when paired with the infant Jesus, of his future sacrifice. Diego’s use of coral recalls these Renaissance portraits, supported by the plain background of the painting and the ribbon indicating the maker and date similar to Old Master works.<br><br>When combined in the portrait of Enriqueta, we get a layered and tense building of symbolism. Rivera both emphasizes her Mexican identity but also her foreign roots. He symbolizes her beauty and vitality but look closely at half of her face and it is as if Rivera has painted his own features onto hers. The richness of symbolism hints at the complex relationship between artist and sitter.

دييغو ريفيرا

صورة إنريكيتا ج. دافيلا

79 1/8 × 48 3/8 بوصة.

النفط على قماش

وفقا لسبب الكتالوج الذي جمعه متحف نهر برانديواين للفنون ، تم الانتهاء من الرسم الأولي لصيادي سمك القد البيوريتاني بواسطة N. C Wyeth قبل وفاته في أكتوبر 1945. يسجل الإدخال صورة للرسم بالإضافة إلى نقوش الفنان وعنوانه ، Puritan Cod Fishers ، الذي يصفه الكتالوج بأنه "بديل". في كلتا الحالتين ، فإن اللوحة القماشية واسعة النطاق هي عمل فريد من نوعه تذكر أندرو وايث لاحقا أنه تم رسمه بيده فقط ، وهو تعاون محدد لتصميم الأب وتكوينه أتى ثماره من خلال إعدام ابن رائع. بالنسبة لأندرو ، لا بد أنها كانت تجربة عاطفية وشعورية عميقة. نظرا لاهتمام والده بالتفاصيل والأصالة ، فإن خطوط المراكب الشراعية الصغيرة تمثل الكراث المستخدم خلال القرن السادس عشر. من ناحية أخرى ، من المحتمل أن يكون أندرو قد عمق ألوان البحر المضطرب أكثر مما قد يكون لدى والده ، وهو خيار يزيد بشكل مناسب من الطبيعة المحفوفة بالمخاطر للمهمة.

أندرو وايث & ن.C. وايث

صيادو سمك القد البيوريتان

108 1/2 × 157 1/2 بوصة

النفط على قماش

WILLEM دي كونينغ -- امرأة في زورق التجديف -- النفط على الورق وضعت على الماسونية -- 47 1 /2 × 36 1 / 4 في.

ويليم دي كونينغ

امرأة في زورق رو

47 1/2 × 36 1/4 في.

النفط على الورق وضعت على الماسونية

مارك روثكو - بدون عنوان (بني وأسود) - أكريليك على ورق مثبت على متن الطائرة - 33 1/4 × 25 3/4 بوصة.

مارك روثكو

بدون عنوان (بني وأسود)

33 1/4 × 25 3/4 بوصة.

الاكريليك على الورق المثبت على متن الطائرة

فنسنت فان جوخ - الكنيسة الجديدة والمنازل القديمة في لاهاي - زيت على قماش على لوحة - 13 5/8 × 9 3/4 بوصة.

فنسنت فان جوخ

الكنيسة الجديدة والمنازل القديمة في لاهاي

13 5/8 × 9 3/4 بوصة.

النفط علي قماش علي لوحه

In 1955, Sir John Rothenstein, representing the Trustees of the Tate Museum, approached Winston Churchill about donating one of his paintings "as a gift to the nation." Churchill was flattered, but felt he did not deserve such an honor as an artist. Eventually, Churchill agreed and sent two candidate paintings to the Tate – On the Rance and Loup River. No record exists regarding his own thoughts on the works he submitted, but one can safely say that Churchill thought highly of On the Rance, especially since it was not one of the paintings Rothenstein identified as a strong option. Loup River, which clearly matched Rothenstein's taste, was selected. Not only was On the Rance not returned, but somehow it ended up, without any inventory record, in a basement storeroom at the Tate. In the storeroom it sat for almost a half century, when it was discovered by an intern. The Churchill family was notified and eventually the painting was auctioned in June 2005, where it set a new auction record for Churchill's work, despite the lot notes hardly touching on the Tate’s possible acquisition. In a letter to the buyers, Churchill’s daughter, Lady Soames, summarized what had occurred in somewhat more detail.<br><br>St. Malo is a walled city in Brittany, France on the coast of the English Channel. The city was nearly destroyed by bombings during WWII.

السير ونستون تشرشل

على رانس ، بالقرب من سانت مالو (C 520)

النفط على قماش

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

ألفريد سسيلي

ليغليز دي موريت، لو سوار

31 1/4 × 39 1/2 بوصة.

قماش الزيت

توم ويسلمان - مدخن رقم 21 - زيت على قماش على شكل - 74 1/2 × 67 1/2 بوصة.

توم ويسلمان

مدخن رقم 21

74 1/2 × 67 1/2 بوصة.

زيت على قماش على شكل

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

إميل نولد

سونينبلومن، أبيند الثاني

26 1/2 × 35 3/8 بوصة

النفط على قماش

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

غيرهارد ريختر

أبستراكتس بيلد 758-2

24 1/2 × 32 1/4 بوصة.

النفط على قماش

خلال أوائل سبعينيات القرن التاسع عشر ، رسم وينسلو هومر في كثير من الأحيان مشاهد من البلاد التي تعيش بالقرب من قرية صغيرة تشتهر لأجيال لمواقفها الرائعة من القمح ، وتقع بين نهر هدسون وكاتسكيلز في ولاية نيويورك. يشتهر هيرلي اليوم بإلهام أحد أعظم أعمال هوميروس ، Snap the Whip الذي رسمه صيف عام 1872. من بين العديد من اللوحات الأخرى المستوحاة من المنطقة ، فإن Girl Standing in the Wheatfield غنية بالمشاعر ، ولكنها ليست عاطفية للغاية. يتعلق الأمر مباشرة بدراسة رسمت عام 1866 في فرنسا بعنوان ، في حقول القمح ، وأخرى رسمت في العام التالي بعد عودته إلى أمريكا. لكن هوميروس كان بلا شك أكثر فخرا بهذا. إنها صورة ، ودراسة أزياء ، ولوحة من النوع في التقليد العظيم للرسم الرعوي الأوروبي ، وجولة ذات إضاءة خلفية دراماتيكية ، وجولة في الغلاف الجوي غارقة في ضوء الساعة الكئيب الذي يتلاشى بسرعة والمدعوم بنوتات لامب ومنمقة ولمسات سنبلة القمح. في عام 1874 ، أرسل هوميروس أربع لوحات إلى معرض الأكاديمية الوطنية للتصميم. واحد كان بعنوان "فتاة". قد لا يكون هذا؟

وينسلو هومر

في حقل القمح (فتاة تقف في حقل قمح)

21 3/4 × 13 1/2 بوصة.

النفط على قماش

Emerging at the end of the Gilded Age, N.C. Wyeth was one of the most important American artists and illustrators. His paintings and illustrations brought life to classic literature from Treasure Island to The Boy’s King Arthur and more. He is most remembered for his ability to capture crucial moments in narratives, fleshing out just a few words into a visual representation of deep drama and tension. Patriarch of the Wyeth artistic dynasty which includes his son Andrew and grandson Jamie, his influence touched future illustrators and artists.<br><br>Perhaps his most important legacy is how he shaped American imagination – of America itself and of wild possibilities. Wyeth’s powerful paintings gave life to many of the stories America told of itself. His early paintings captured life of the American West and some of his most beloved illustrations were for novels such as The Last of the Mohicans or short stories like “Rip Van Winkle”. Despite this success, Wyeth struggled with the commercialism of illustrations and advertisements, seeking his work to be accepted as fine art. Throughout his career, he experimented with different styles shifting from Impressionism to Divisionism to Regionalism.<br><br>N.C. Wyeth produced over 3,000 paintings and illustrated 112 books. His illustrations for the publisher Charles Scribner’s Sons were so popular they became known as Scribner’s Classics and remain in print to this day.<br><br>This quietly powerful painting of a Native American forms part of a quartet of paintings, inspired by and a metaphor for the four seasons. The paintings were used to illustrate George T. Marsh’s set of poems “The Moods”. Wyeth recognized that the series came at a crucial moment in his career in which the paintings go beyond realism to capture atmosphere and mood, an internal world of emotion made external. He even contemplated and attempted to write his own poems based on these paintings.<br> <br><br>Summer, Hush is a striking example of Wyeth pulling from his imagination and melding it with careful observation of nature. As noted in a letter to his mother, Wyeth combined the fictional subject with natural effects as in the sky. Native Americans were a subject he returned to numerous times; these paintings reflect not only Wyeth’s fascination but also of America. As observed by art historian Krstine Ronan, Wyeth was part of a larger dialogue that developed around Native Americans, cementing a general Native American culture in the imagination of the United States. Thus, the painting operates on numerous levels simultaneously. How do we relate to this painting and its conception of the four seasons? How do we interpret Wyeth’s depiction of a Native American? What role do Native Americans play in America’s imagination?<br><br>We must also not forget that these works were first used to illustrate the poems of George T. Marsh. Marsh, a poet born in New York who often also wrote of the Canadian wilderness, provides subtle evocations of the seasons hinted at in the series title “The Moods”. This painting was used alongside “Hush,” which ends:<br><br>Are they runes of summers perished<br><br>That the fisher hears –and ceases—<br><br>Or the voice of one he cherished.<br><br>Within these few lines, Wyeth gives us a thoughtful and restrained painting that stirs from within. The poem and the painting avoid obvious clichés to represent the seasons. They develop a profound interpretation filled with sensitivity.<br><br>These paintings were important to Wyeth who hoped that “they may suggest to some architect the idea that such decorations would be appropriate in a library or capitol or some public building.” Summer, Hush demonstrates Wyeth’s control of color and composition so that small touches such as the ripples of water or the towering cloud that envelopes the figure are in service to sketch out the feeling of summer and of the poem. Through exploring this rich and complex painting, we are better able to appreciate NC Wyeth as an artist and the role this specific painting plays in the context of art history.

صيف. "اسكت"

33 3/4 × 30 1/4 بوصة

النفط على قماش

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

شون سكولي

رمادي أحمر

85 × 75 بوصة.

النفط على الألومنيوم

لا يمكن احتواء عالم مارك شاغال أو تقييده بالتسميات التي نعلقها عليه. إنه عالم من الصور والمعاني التي تشكل خطابها الصوفي الرائع. بدأ Les Mariés sous le baldaquin (العروس والعريس تحت المظلة) مع دخول الفنان عامه ال 90 ، وهو رجل عرف المأساة والصراع ، لكنه لم ينس أبدا لحظات الحياة من المتعة الحماسية. هنا ، يتم إحضار المسرات الحالمة لحفل زفاف القرية الروسية بترتيباته من الحاضرين البالية إلينا بمثل هذا الذكاء السعيد والبراءة المبهجة التي لا تقاوم سحرها. باستخدام مستحلب ذهبي اللون يجمع بين الزيت والغواش المائي غير الشفاف ، يتم تغليف الدفء والسعادة والتفاؤل لوضعية شاغال المعتادة في إشراق مضيء يشير إلى تأثير الرموز الدينية ذات الأوراق الذهبية أو لوحة عصر النهضة المبكرة التي سعت إلى نقل انطباع النور الإلهي أو التنوير الروحي. قد يكون استخدام مزيج من الزيت والغواش أمرا صعبا. ولكن هنا ، في Les Mariés sous le baldaquin ، يوظفها شاغال لإعطاء المشهد جودة من عالم آخر ، كما لو أنه قد تحقق للتو من عين عقله. تخلق حساسيتها التركيبية انطباعا بأن الضوء ينبعث من العمل نفسه ويعطي جودة طيفية للشخصيات التي تطفو في السماء.

مارك شاغال

Les mariés sous le baldaquin

23 1/2 × 31 7/8 بوصة.

زيت وغواش على قماش

Shortly after arriving in Paris by April 1912, Marsden Hartley received an invitation. It had come from Gertrude Stein and what he saw at her 27 rue de Fleurus flat stunned him. Despite his presumptions and preparedness, “I had to get used to so much of everything all at once…a room full of staggering pictures, a room full of strangers and two remarkable looking women, Alice and Gertrude Stein…I went often I think after that on Saturday evenings — always thinking, in my reserved New England tone, ‘ how do people do things like that — let everyone in off the street to look at their pictures?… So one got to see a vast array of astounding pictures — all burning with life and new ideas — and as strange as the ideas seemed to be — all of them terrifically stimulating — a new kind of words for an old theme.” (Susan Elizabeth Ryan, The Autobiography of Marsden Hartley, pg. 77)<br><br>The repeated visits had a profound effect. Later that year, Hartley was clearly disappointed when Arthur B. Davies and Walt Kuhn chose two of his still-life paintings for the upcoming New York Armory show in February 1913. “He (Kuhn) speaks highly of them (but) I would not have chosen them myself chiefly because I am so interested at this time in the directly abstract things of the present. But Davies says that no American has done this kind of thing and they would (not) serve me and the exhibition best at this time.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, early November 1912) A month later, he announced his departure from formal representationalism in “favor of intuitive abstraction…a variety of expression I find to be closest to my temperament and ideals. It is not like anything here. It is not like Picasso, it is not like Kandinsky, not like any cubism. For want of a better name, subliminal or cosmic cubism.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, December 1912)<br><br>At the time, Hartley consumed Wassily Kandinsky’s recently published treatise Uber das Geistige in der Kunst (The Art of Spiritual Harmony) and Stieglitz followed the artist’s thoughts with great interest. For certain, they both embraced musical analogy as an opportunity for establishing a new visual language of abstraction. Their shared interest in the synergetic effects of music and art can be traced to at least 1909 when Hartley exhibited landscape paintings of Maine under titles such as “Songs of Autumn” and “Songs of Winter” at the 291 Gallery. The gravity of Hartley’s response to the treatise likely sparked Stieglitz’s determination to purchase Kandinsky’s seminal painting Improvisation no. 27 (Garden of Love II) at the Armory Show. As for Hartley, he announced to his niece his conviction that an aural/vision synesthetic pairing of art and music was a way forward for modern art. “Did you ever hear of anyone trying to paint music — or the equivalent of sound in color?…there is only one artist in Europe working on it (Wassily Kandinsky) and he is a pure theorist and his work is quite without feeling — whereas I work wholly from intuition and the subliminal.” (D. Cassidy, Painting the Musical City: Jazz and Cultural Identity in American Art, Washington, D.C., pg. 6)<br><br>In Paris, during 1912 and 1913 Hartley was inspired to create a series of six musically themed oil paintings, the first of which, Bach Preludes et Fugues, no. 1 (Musical Theme), incorporates strong Cubist elements as well as Kandinsky’s essential spirituality and synesthesia. Here, incorporating both elements seems particularly appropriate. Whereas Kandinsky’s concepts were inspired by Arnold Schoenberg’s twelve-tone method of composition whereby no note could be reused until the other eleven had been played, Hartley chose Bach’s highly structured, rigorously controlled twenty-four Preludes and Fugues from his Well-Tempered Clavier, each of which establishes an absolute tonality. The towering grid of Bach Preludes et Fugues, no. 1 suggests the formal structure of an organ, its pipes ever-rising under a high, vaulted church ceiling to which Hartley extends an invitation to stand within the lower portion of the picture plane amongst the triangular and circular ‘sound tesserae’ and absorb its essential sonority and deeply reverberating sound. All of it is cast with gradients of color that conjures an impression of Cézanne’s conceptual approach rather than Picasso’s, Analytic Cubism. Yet Bach Preludes et Fugues, no. 1, in its entirety suggests the formal structural of Picasso’s Maisons à Horta (Houses on the Hill, Horta de Ebro), one of the many Picasso paintings Gertrude Stein owned and presumably staged in her residence on the many occasions he came to visit.

مارسدن هارتلي

باخ Preludes وفوغس رقم 1 (موضوع الموسيقية)

28 1/2 × 21 بوصة.

النفط على قماش وضعت على متن الطائرة

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

توم ويسلمان

غرفة نوم سمراء مع Irises

105 3/4 × 164 5/8 بوصة

النفط على قطع من الألومنيوم

ألبرت بيرستادت - البوابة الذهبية - زيت على قماش - 27 3/8 × 38 3/4 بوصة.

ألبرت بيرشتات

البوابة الذهبية

27 3/8 × 38 3/4 بوصة.

النفط على قماش

Frederick Frieseke is often regarded as the finest American Impressionist painter of the figure. Yet when he came to study at Académie Juilian in 1898, several les Nabis painters remained a lingering presence, and it was the rich, decorative patterns of Edouard Vuillard and Pierre Bonnard that served as the blueprint for his early success. That influence is clearly demonstrated in the unrestrained repetition of the voluminous, pleated, striped umbrellas of Afternoon at the Beach, a canvas mural installed in the opulent Hotel Shelburne dining room overlooking the Atlantic City Boardwalk. The unifying impact of that repetitive element imbues the setting with cloud-like loft within a color scheme, evoking Vuillard and the richness of a Gobelin tapestry, rather than the effect of sunlight and broken color that mark his more familiar paintings from the decade of 1910 to 1920.<br><br>Afternoon at the Beach was installed under the artist’s direction in February 1906. It remained on view for decades at the swanky hotel that enticed “Diamond Jim” James Buchanan Brady to pay one thousand dollars a week for permanent residence and was an unfading memory for throngs of well-heeled socialites, financiers, and notables from Irving Berlin to John Philip Sousa and Ethel Barrymore to Al Jolson. Undoubtedly, its presence high on the grand dining room wall contributed to the artist’s popularity and renown.<br><br>Today, we may look upon this long, frieze-like composition as a delightful fin-de-siécle costume study or an informative expose of Victorian mores as suggested by the separate spheres of gender groupings. But mostly, Afternoon at the Beachrecounts the artist’s unbridled delight and appreciation of women, here, expressed within familial, maternal, and social contexts. It is the subject and theme that brought Frieseke acclaim and awards on both sides of the Atlantic and which, to this day, endears him to the many who count him among the most beloved of American figurative painters.

فريدريك كارل فريزيكي

بعد الظهر علي الشاطئ

1905/1906 فرنسا

النفط على قماش

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

لاري ريفرز

68 × 58 بوصة.

النفط على قماش

توماس هارت بنتون - خيال حيواني - زيت على معدن - 62 × 47 1/2 × 1 بوصة.

توماس هارت بنتون

الخيال الحيواني

62 × 47 1/2 × 1 بوصة.

زيت على معدن

سيد بلا منازع للحركة الانطباعية الجديدة البلجيكية المزدهرة من عام 1887 فصاعدا ، رسم ثيو فان ريسلبرغ هذه الصورة لزوجته ماريا (ني مونوم) خلال العقد الأول من القرن العشرين. لقد ضغط إلى الأمام من تأثير Whistler Tonalism ، والانطباعية ، و Pointillism of Seurat لإتقان فهم دقيق للغاية للون ، وأصداءه التوافقية ، وعرض دقيق للعناصر الرسمية. رسام مثالي ، ظلت الانطباعات البصرية القائمة على تفاعلات الألوان مصدر قلق رئيسي لفان ريسلبرغ. هنا ، حلت ضربات الألوان القصيرة محل النقاط الصغيرة ل Pointillist ، ونظام الألوان ليس هو نظام متجانس ومتناغم يتمتع الفنان بسمعة مستحقة عنه. بدلا من ذلك ، تقدم هذه الصورة نظرية الألوان بطريقة مختلفة تماما. يكمن اهتمامه البصري في التناقضات الديناميكية لكوافير زوجته الفضي ، وفستانها ذو اللون البلاتيني ، وعباءة المدفأة البيضاء الصارخة - وكلها تم تنظيمها داخل الحيوية البصرية للمحيط الذي تهيمن عليه الألوان الحمراء والخضراء التكميلية. إنه عرض محفز بصريا من قبل رسام فهم التأثير الديناميكي لنظام الألوان غير العادي هذا والذي رتب الحاضنة بلكنة قوية على قطري ونفذ الصيغة بحرفة ورشاقة رسام يتحكم بشكل كامل في أصوله الرسامة.

ثيو فان ريسلبرغ

ماريا فان ريسلبرغ أو عملة فو

32 1/4 × 32 7/8 بوصة.

النفط على قماش

Alien هو تكرار لسلسلة "Visitor" الرائدة ل Breuer-Weil. إنها برونزية ضخمة يبلغ طولها ستة أمتار لشخصية بشرية تحطمت رأسا على عقب في الأرض. بقدر ما تشير أرجله البرية الركل إلى عمل يهدف إلى تحرير الجسم من الانحباس ، يتم زرع رأسه كما لو كان ظرفا دائما. وقد شرح بروير ويل نواياه بهذه الطريقة: "لطالما كنت مفتونا بفكرة أننا لسنا وحدنا، وأن فضائيا ضخما قد يهبط فجأة على الأرض. أردت أن أعبر عن الشعور بالدهشة والصدمة التي سيولدها مثل هذا الوصول". الغريب ، بالطبع يمكن أن يكون مرتبطا مختلفا تماما: تحديات كونك غريبا يأمل في الاندماج في ثقافة ومجتمع جديدين. "من خلال هذا العمل ، أردت استخدام شكل إنساني واسع يتنفس للتعبير عن المشاعر العميقة المرتبطة بهذه المواضيع. وكنت بحاجة إلى نطاق واسع لتصوير شدة هذه المشاعر". وقد أذن بروير ويل الغريبة أن يتم تمثيلها في طبعة من 3 زائد 2 أدلة الفنان.

ديفيد بروير-ويل

تصور في 2012

البرونزية مع الزنجار البني

في "Nude Descending a Staircase No. 2" ، يتشابك ميل راموس بشكل هزلي بين إرث تحفة مارسيل دوشامب الحداثية مع الجماليات النابضة بالحياة لفن البوب ، مما يصوغ إعادة تفسير ذكية ومحفزة بصريا. من خلال الجمع بين حركة دوشامب التجريدية وأسلوبه المميز ، يخلق راموس حوارا ديناميكيا بين التقاليد الموقرة للفنون الجميلة والصفات الرسومية الجريئة للصور التجارية. يجسد هذا العمل مهارة راموس في التنقل في تاريخ الفن والثقافة المعاصرة ، باستخدام جاذبية العري الأنثوي لاستكشاف الهواجس المجتمعية بالجمال والرغبة والتسليع والسخرية منها. وبذلك، تصبح قطعة راموس مزيجا مثاليا من فن البوب، حيث تستمتع بارتباطها المرح مع دوشامب بينما تنتقد وتحتفل في الوقت نفسه بالثقافة البصرية في وقتها.

ميل راموس

عارية تنزل الدرج رقم 2

70 × 52 1/8 بوصة.

النفط على قماش

جان ميشيل باسكيات - بدون عنوان (تشريح الحمام) - زيت وجرافيت وطباشير على ورق - 22 × 30 بوصة.

جان ميشيل باسكيات

بدون عنوان (تشريح الحمام)

الزيت والجرافيت والطباشير على الورق

بيير بونارد - أريكة سولاي - زيت على قماش - 14 1/2 × 22 1/2 بوصة.

بيير بونارد

سولاي كوشانت

14 1/2 × 22 1/2 بوصة

النفط على قماش

ولدت شارا هيوز في أتلانتا عام 1981 ومقرها في بروكلين ، وتشتهر بنهجها المميز في رسم المناظر الطبيعية ، حيث تجمع بين التأثيرات التاريخية والحساسيات المعاصرة. تذكرنا لوحة ألوانها المبهجة بأساتذة مثل هنري ماتيس ، والتي تم نقلها بجرأة ديفيد هوكني الأنيقة والبصرية مع الاعتراف بتقليد أوسع لرسم المناظر الطبيعية ، بما في ذلك التأثيرات من فن الآرت نوفو ، Fauvism ، والتعبيرية الألمانية. All the Pretty Faces عبارة عن توليفة حديثة من الحركات الفنية التاريخية والصور الرقمية الحالية ، تقدم للمشاهدين عوالم آسرة ومبتكرة تربط بين الماضي والحاضر. كما أنه يتحدث عن واحدة من أكثر اقتباسات هيوز لفتا للنظر حول مناظرها الطبيعية المبتكرة المليئة بالعناصر الخيالية: "لقد فكرت في كثير من الأحيان في الزهور والأشجار كشخصيات. في بعض الأحيان ، حتى موجة أو شمس في اللوحة تأخذ شخصية ، لذلك تختلف تبعا لكيفية ظهور العمل ".

شارا هيوز

كل الوجوه الجميلة

النفط على قماش

يوسع فيلم كاثرين جروس "بلا عنوان" لعام 2016 تقديرنا للفنانة التي تجلب نفس الطاقة والجرأة والتجاهل للتقاليد التي شوهدت في منشآتها المعمارية الضخمة إلى الوسيط التقليدي للرسم على القماش. ينفجر اللون ، ويرتفع من سطح معقد وغني بالطبقات من التطبيقات المصبوبة للطلاء التي تعمل أو ترش أو تتناثر ، والحجاب الشفاف المشع ، والأشرطة المتداخلة من اللون الضبابي لخلق انتقالات متدرجة ناعمة. والنتيجة هي انطباع رائع عن العمق المكاني والأبعاد الثلاثية. لكنها أيضا جولة قوة تكشف عن تألق جروس في مزج الفوضى والسيطرة والعفوية والنية. تخلق مجموعة تقنياتها حوارا مقنعا بين العرضي والمتعمد ، وهي سمة مميزة لأسلوبها الفريد.

كاثرينا غروس

118 × 78 3/4 بوصة.

الاكريليك على قماش

WIFREDO LAM - صورة / La Table I ، عملة d'atelier - درجة الحرارة على الورق (على الوجهين) - 38 × 24 3/4 بوصة.

وفريدو لام

صورة / La Table I ، عملة دي أتيلييه

38 × 24 3/4 بوصة.

درجة الحرارة على الورق (على الوجهين)

جان ARP - النحت ميثيك - برونزي - 25 × 9 1/2 × 12 بوصة.

النحت ميثيك

25 × 9 1/2 × 12 بوصة.

البرونزيه

مستنيرا بإيمانه الكاثوليكي المتدين ، كان التطور الفني لروولت فريدا من نوعه بين الحداثيين. مفتونا بالألوان النابضة بالحياة وكيف يمر الضوء عبر النوافذ الزجاجية الملونة في العصور الوسطى ، قام بتطبيق طبقات سميكة وغنية من الطلاء وتضخيم الأشكال الخام والجريئة المليئة بالأزرق العميق داخل خطوط سوداء ثقيلة. غالبا ما دعم روولت موضوعات دينية قوية متكررة مكرسة لقوة الفداء. لا تخدم كارلوتا تلك الدعوة العليا ولا المعاناة المهمشة للمواضيع التي شملت المهرجين والبغايا والصلب. بدلا من ذلك ، تعد كارلوتا فرصة للإعجاب باختلافات الألوان الأكثر دقة في Rouault والتفاعل الديناميكي بين الجودة الخشنة واللمسية للإمباستو والتأثير الأكثر نعومة وانتشارا للمقاطع المتعثرة لنموذج غير مثقل بموضوعات الألم واليأس البشري.

جورج رول

15 7/8 × 12 1/4 بوصة.

النفط على قماش

انتقل ماكس ويبر إلى باريس في عام 1905 عندما كانت المدينة مركز الابتكار الفني. تظهر أعماله المبكرة التأثير المعاصر للوحة الألوان الجريئة ل Fauvism وتمثيل التكعيبية المجزأ للواقع. ومع ذلك ، لم يقلد ويبر هذه الأساليب فقط. قام بدمجها وإعادة تفسيرها لإنشاء شيء خاص به. لا تكمن أهمية فيبر في أعماله التجريدية فحسب ، بل تكمن أيضا في دوره كقناة للأفكار الحداثية. لعب فيبر دورا حاسما في الحوار عبر الأطلسي الذي ساعد في تشكيل مسار الفن الأمريكي في القرن العشرين. تعرض صوره للشخصيات النسائية توليفة من التجريد والتمثيل ، وتلتقط جوهر موضوعاته مع الابتعاد عن الأعمال التصويرية التقليدية.

ماكس ويبر

النموذج الباريسي

35 1/2 × 19 5/8 بوصة.

النفط على قماش

تضمنت "تقنية بانوراما" المبتكرة لمونش ، التجريبية والمتطورة للغاية ، قطع الكتلة الخشبية إلى قطع منفصلة وتحبير وطباعة كل منها على حدة قبل إعادة تجميعها لإنشاء الصورة النهائية. أنتجت العملية مجموعة متنوعة من الألوان والمطبوعات الفريدة في نفس الإصدار ومجموعة واسعة من المشاعر والحالات المزاجية. تم بناء الأشكال المتموجة ل House on the Coast I ، المنسقة بشكل غني ، من خلال طبقات من الألوان والملمس تتميز بمستويات متعددة ، يساهم كل منها في عمقها وتعقيدها المكاني. دفع نحت النقوش الخشبية والتلاعب بها ، وهو مناسب بشكل مثالي للتعبير عن عقلية العمل الوحشية لإدوارد مونش في كثير من الأحيان ، حدود الأساليب التقليدية وعزز التزامه باستكشاف العمق العاطفي والنفسي في فنه.

إدفارد مونش

منزل على الساحل الأول

17 × 23 بوصة.

نقش خشبي على ورق منسوج مع إضافات يدوية بالألوان المائية للفنان

وكان جيم الدين فنان البوب الأميركي الذي تامل العمل علي الأشياء مع نداء طفولي لإيجاد لغة عالميه والحنين. أثواب الطعام هي من بين الصور الأكثر تميزا التي برزت من مسيرته الطويلة واللامعة. وقد عرضت لأول مره في معرض سيدني جانيس في خريف 1964 – وهذا مثال واحد. مزدوج الفضة نقطه الجلباب هو مجموعه واسعه النطاق وسائل الاعلام المختلطة. يتم تنفيذ العمل في silverpoint – وهي تقنيه تستخدم قطعه من الفضة كاداه رسم علي أرضيه معده خصيصا التي أكسده علي مدي فتره من أشهر لخلق لهجة البني الدافئ. الاثنين انضم المزهريات ميزه كتل من الخشب بدلا من حيث ينبغي ان تكون الرؤوس وعنصر الخشب شنقا ان يتحرك استجابه للتيارات الهواء.

جيم داين

الجلباب الفضي المزدوج

53 1/2 × 96 في.

silverpoint والاكريليك على 2 لوحات، انضم الخشب، سكين، وسلسلة في إطار الفنان

جينييف فيجيس هي شخصية بارزة في المشهد الفني الأيرلندي المعاصر ، معروفة بصورها الجماعية الذكية والناقدة التي غالبا ما تسخر من الأعراف الاجتماعية القديمة. كانت متأخرة نسبيا في الرسم ، ولفتت انتباه فنان التخصيص الأمريكي ريتشارد برينس على تويتر ، الذي استمر في شراء أحد أعمالها وقدمها إلى الدوائر المؤثرة في مجتمع الفن في نيويورك. ينتقد عمل فيجيس بشكل هزلي عادات الاستهلاك الثرية للطبقة الوسطى وأنماط الحياة الفاخرة ، كما خلدها فنانو الماضي ، ويجلب مثل هذه الموضوعات بقوة إلى يومنا هذا بمزيج من الهجاء والتصوير الخام والأصيل للحياة. فكر في فيجيس على أنه يصل عبر رمال الزمن إلى دومير أو هوغارث ، الذي قدمت أعماله في كثير من الأحيان نظرة ساخرة على المجتمع المعاصر ، وانضم إلى فنانين منخرطين في الهجاء الاجتماعي ومعروفين بمهاراتهم الشديدة في الملاحظة.

جينييف فيجيس

نادي السيدات

31 1/2 × 39 3/8 بوصة.

الاكريليك على قماش

ديفيد سميث - بدون عنوان - زيت على قماش - 12 × 16 بوصة.

ديفيد سميث

النفط على قماش

Gottlieb was a first-generation member of the Abstract Expressionists. “Blue on Black” is from his trademark “Burst” series. Like fellow Ab Ex artists including Pollock who settled into their signature style late in their careers, it was not until 1956 that Gottlieb focused on these burst paintings.<br><br>This painting showcases the lyricism that he found within the “Burst” paintings by simplifying color and form. In this painting, the shapes and color coalesce to produce harmony and depth within the visual landscape of the canvas.<br><br>Gottlieb had an amazing 56 solo exhibitions during his long career and his works are included in over 140 museums throughout the world.

أدولف غوتليب

الأزرق على الأسود

24 × 18 7/8 في.

الاكريليك على الورق وضعت على قماش

كاميل بيسارو - Paysage avec batteuse a Montfoucault - باستيل على ورق موضوع على متن الطائرة - 10 3/8 × 14 3/4 بوصة.

كاميل بيسارو

Paysage avec batteuse a Montfoucault

10 3/8 × 14 3/4 بوصة.

باستيل على ورق موضوع على متن الطائرة

ابتكر فرانسيسكو زونيغا النحت عندما كان صبيا عندما ساعد والده ، وهو نحات محلي من سانتوس الخشبي. تحول بشكل حاسم إلى النحت بعد وصوله إلى المكسيك من موطنه كوستاريكا في عام 1936 وطور مجموعة واسعة النطاق من الأعمال بناء على الشكل الذي امتد إلى النحت المباشر في الخشب ، والنمذجة في الطين ، والنحت مباشرة على الحجر الصلب ، وصب البرونز. "Desnundo Reclinado de Dolores" هو خروج من حيث أنه لا يعكس اهتمامه بفن ما قبل كولومبوس ولا إصراره على تصوير النساء ذوات المظهر الأصلي مع الوركين والمعدة المبالغ فيها. بدلا من ذلك ، إنه أداء جولة على الطراز الكلاسيكي لأنثى راكعة تدور حول الورك ومدعومة بالساعد والتي كان رودين فخورا بالمطالبة بها على أنها ملكه.

فرانسيسكو زونيغا

ديسنودو ريسينادو دي دولوريس

21 × 43 1/4 × 21 1/2 في.

برونزية مع الزنبق الأخضر

الفنان منطقه خليج رولان بيترسن غداء هو النفط علي قماش من 1961 ، وهي سنه حرجه لسلسله نزهه المعروفة له. ويتميز عمله من هذه الفترة من الimpasto سميكه واللون الغني. تاثرت بعمق من الدراسات مع هانز هوفمان ، وجربت بيترسن مع التجريد ، وهنا مزج الأساليب التجريدية والتصويرية. رسمت عندما كان بيترسن 35 سنوات من العمر, غداء يكمن ضمن اطار زمني يتضمن له بيعها الخروج عرض رجل واحد في 1962 في معرض ستامبفلي, نيويورك, له عرض منفرد في استر روبليس في لوس انجليس, وزمالة غوغنهايم التي أتاحت الفرصة الدراسة في باريس.

رولاند بيترسن

النفط على قماش

ماريو كارينو - جيتاريستا - زيت على متن الطائرة - 20 × 24 بوصة.

ماريو كارينو

غيتاريستا

النفط على متن الطائرة

جوان ميرو - L'Oiseau - برونزية وكتلة الرماد - 23 7/8 × 20 × 16 1/8 بوصة.

جوان ميرو

23 7/8 × 20 × 16 1/8 بوصة

البرونز والرماد

يشتهر روجر براون بصوره الشخصية والخيالية في كثير من الأحيان ولوحاته المنمقة للغاية مع الأشكال والأشياء التي تعكس اهتمامه بالتجارب اليومية. يستكشف المطر الحمضي موضوعات الحياة الحديثة والتعليقات الاجتماعية التي تعكس دور الفنان في المجتمع وإمكانات الفن للتحريض على التغيير. على المستوى الشخصي ، قد يرمز موضوع المطر الحمضي إلى حالات عاطفية أو نفسية أكالة ، مثل الاكتئاب أو القلق أو الشعور بالإرهاق من ظروف خارجة عن سيطرة المرء. تماما كما كانت الأمطار الحمضية مشكلة بيئية غير مرئية إلى حد كبير ولكنها مدمرة ، فمن المحتمل أن تكون أزمة وباء فيروس نقص المناعة البشرية / الإيدز الناشئ قد حفزت براون على إنشاء العمل لمعالجة الحزن الشخصي ، ونقد الاستجابة غير الكافية من القادة السياسيين ، والدعوة إلى التعاطف والتفاهم والبحث الطبي.

روجر براون

المطر الحمضي

48 × 72 × 2 بوصة.

النفط على قماش

تتميز سلسلة منحوتات فرانك ستيلا في بالي بأشكال عائمة ومتدفقة ، تمتد إلى مساحة المشاهد وتدعو إلى التفاعل بين الكائن وبيئته. يعكس "dadap" ، وهو نوع من الأشجار المرتبطة بالنمو والأهمية الطقسية في الثقافة البالية ، الطبيعة العضوية والديناميكية لمنحوتات ستيلا. في التحول إلى الفولاذ المقاوم للصدأ والألمنيوم من الخيزران ، حافظت ستيلا على الطبيعة الأساسية لجماليات بالي التي تمجد الأشكال العضوية والسائلة وتتفاعل ديناميكيا مع مساحتها. يقدم داداب استمرارية في استكشاف ستيلا الموضوعي حيث تتجاوز روح عمله المادية. يوفر المعدن نسيجا مختلفا وانعكاسا وتفاعلا مع الضوء والفضاء ، لكنه يلتزم بمبادئ الحركة والتفاعل. إنه نقل إبداعي للشكل والمفهوم عبر وسائط مختلفة ، مع الاحتفاظ بروح الإلهام الأولي مع السماح لخصائص المادة الجديدة بالتعبير عن هذه الأفكار في سياق جديد.

فرانك ستيلا

66 1/2 × 50 1/4 × 19 بوصة.

الفولاذ المقاوم للصدأ والألومنيوم

فرناندو بوتيرو - Autoretrato a la manera de Velázquez - متفائل وقلم تلوين على الورق المقوى - 60 1/2 × 47 1/2 بوصة.

فرناندو بوتيرو

Autoretrato a la manera de Velázquez

60 1/2 × 47 1/2 في.

متفائل وتلوين على الورق المقوى

اشتهر جيرالد كورتيس ديلانو بأسلوب الرسم المميز الذي أطلق عليه "الواقعية المصممة" ، وقد مكنه تدريب جيرالد كورتيس ديلانو تحت إشراف إن سي وايث من استخدام مجموعة من الأساليب التوضيحية إلى التعبيرية ، دائما بتصميم دقيق لا تشوبه شائبة. تشتهر اللوحات مثل Navajo Camp بألوانها الناعمة والمعدلة ، والتراكيب المرتبة والرشيقة ، وبساطة الشكل ، وصقل كل موضوع لطبيعته الأساسية ، وتعرض عين ديلانو الشديدة وفهمه وقدرته على التقاط لون ونبل أسلوب حياة نافاجو. كما هو الحال في معظم أعماله ، تحتل السماء جزءا كبيرا من اللوحة القماشية بأشكال تضفي حجما على المشهد. تعمل هذه العناصر معا لخلق شعور بالاتساع والصفاء.

جيرارد كورتيس ديلانو

مخيم نافاجو

23 1/2 × 29 1/2 بوصة.

النفط على لوحة

WILLIAM B. EGGLESTON - بدون عنوان (من عشية الانتخابات) - طباعة صبغية أرشيفية - 32 1/2 × 48 1/4 بوصة.

وليام ب. إيغلستون

بدون عنوان (من عشية الانتخابات)

32 1/2 × 48 1/4 بوصة.

المحفوظات الصباغ الطباعة

كعضو في جمعية غوتاي للفنون الأسطورية التي ازدهرت بين عامي 1954 و 1972، ظهرت ساداماسا موتوناغا عندما كانت الوجودية السريالية ما بعد الذرية في طليعة التطور الفني في اليابان. ومع ذلك اختار طريقاً مختلفاً. أدار ظهره للدمار الذي أحدثته الحرب وخلق عملاً كان جديداً ومبتهجاً ومرحاً. "بدون عنوان" من عام 1966 هو في أسلوبه الكلاسيكي، والتي وضعت بالتزامن مع موريس لويس' ما يسمى لوحات "الحجاب". قد يوحي المشط المضاء بسطوع والعين وريش مرقش من الطيور الغالية ، ولكن أي من هذه الجمعيات ربما تكون تعسفية وغير مقصودة. بدلا من ذلك، بل هو عرض ناجح ببراعة من طليعية موتوناغا تأخذ على تاراشيكومي اليابانية التقليدية - تقنية التي تنطوي على إمالة قماش في زوايا مختلفة للسماح لخليط من الراتنج والمينا لتدفق على بعضها البعض قبل الطلاء جافة تماما.

ساداماسا موتوناغا

16 × 12 1/2 في.

النفط على قماش

Along with its companion work, "Untitled" (1991) was on display in the lobby of Chicago's Heller International Building at 500 West Monroe Street from the building's opening in 1992 until its renovation in 2015. This painting has remained in the same private collection since its creation. <br><br>The November 2018 sale of Schnabel's "Large Rose Painting, (Near Van Gogh's Grave)" for $1.2 million at auction demonstrates a strong demand for the artist's work. This major sale was only the second-highest price paid for a Schnabel at auction: the record was set in November of 2017 when "Ethnic Type #14" sold for $1.4 million. <br><br>A recent 2018 museum exhibition, "Julian Schnabel: Symbols of Actual Life" at the Legion of Honor, Fine Arts Museums of San Francisco, featured several of Schnabel's large-scale paintings.

جوليان شنابل

النفط ، الراتنج ، gesso ، والنسيج والجلود علي القطرات القطنية الملحومة

خلال مسيرتها المهنية الواسعة التي امتدت لأكثر من خمسة عقود ، اشتهرت إيفون توماس بنهجها المميز الذي دمج الصفات العفوية والعاطفية للتعبير التجريدي مع الاستخدام الواضح للأشكال والألوان كوسيلة للتعبير. قدر توماس اللون كمصدر للفرح العميق والألغاز المعقدة. ينعكس هذا المنظور في فنها ، حيث استخدمت لوحة متنوعة لاستحضار وتوصيل ردود أفعالها على الموضوعات الطبيعية. رسمت البرج في عام 1954 ، وهو عام تميز بمعلم مهم: معرضها الفردي الأول في معرض هندلر في فيلادلفيا. بعد عام ، تم عرض فن توماس في متحف ريفرسايد في مدينة نيويورك ، حيث تم عرض أعمالها جنبا إلى جنب مع فنانين بارزين مثل فرانز كلاين وميلتون أفيري.

إيفون توماس

39 3/4 × 51 1/2 بوصة

النفط على الكتان

[روس] [بلكننر] مشهوره امريكيه حبل لوثق مركب الذي اعمال مرجع خسارة, ذاكره, وتغير مثل استكشافات من الخلية اثناء ال [ايدس] وباء أو ردا علي آبه سرطان تشخيص. وكان المعرض MoMA 1965 الذي جلب الفن المرجع إلى الصدارة, العين المستجيبة وشملت الفنانين ريتشارد انوشكيفيتش, تاداسكي, وفرانسيس Celentano, كان له تاثير عميق عليه كفنان. هذه اللوحة ، مثل اعماله الأخرى غامره ، واسعه النطاق ، وانتزاع قويه ، والمنومة ، وتاثير مذهل. جماليا ، والمزهريات Bleckner استكشاف الإدراك-البصرية والعاطفية ، والمادية ، والوقت. [بلكننر] جزء من ال نفسه جيل من وصديقات مع جوليان [سكهنبل], دايفيد [سالي], [اريك] [فيش], وبيتر [هللي], كل من الذي رجع تصويري تقنيه إلى القماش.

روس بليكنر

من الغرب إلى الشرق

النفط علي قماش الكتان

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

إيرفينغ نورمان

مشهد الشارع الأمريكي

74 × 90 بوصة.

النفط على قماش

كان مانويل نيري شخصية محورية في الحركة التصويرية لمنطقة الخليج في الستينيات. بدلا من الأشكال المجردة، أكدت المجموعة العاطفة من خلال قوة الشكل البشري. يستكشف العمل الحالي، "بدون عنوان" (1982)، الشكل الأنثوي على نطاق بحجم الحياة. فضل نيري العمل مع عارضة أزياء واحدة فقط طوال حياته المهنية التي استمرت 60 عاما، ماريا جوليا كليمينكو. غياب وجه في العديد من المنحوتات يضيف عنصر الغموض والغموض. محور التكوين في "بدون عنوان" هو هيكل وشكل الشكل. مانويل نيري ممثل في العديد من مجموعات المتاحف في جميع أنحاء العالم، بما في ذلك معرض أديسون / أكاديمية فيليبس. مجموعة أندرسون في جامعة ستانفورد؛ معهد الفنون في شيكاغو؛ مركز كانتور للفنون، جامعة ستانفورد؛ متحف سينسيناتي للفنون; متحف كروكر للفنون، ساكرامنتو، كاليفورنيا؛ متحف دنفر للفنون، متحف إل باسو للفنون، تكساس؛ متاحف الفنون الجميلة في سان فرانسيسكو; متاحف الفنون بجامعة هارفارد; متحف هيرشهورن وحديقة النحت، واشنطن، .C. متحف هونولولو للفنون، ومتحف متروبوليتان للفنون، نيويورك، والمعرض الوطني للفنون، واشنطن العاصمة.

مانويل نيري

67 × 24 × 26 بوصة.

برونزية مطلية

اد Ruscha هو واحد من الفنانين الأمريكيين الأكثر تميزا ويرجع ذلك جزئيا لاستكشافاته من رموز أمريكانا والعلاقة بين اللغة والفن. النهاية هي الموضوع السينمائي الذي استخدمه الفنان في 1990s و 2000s ، والتي تظهر في اللوحات والمطبوعات والرسومات-ولا سيما اللوحة 1991 واسعه النطاق في متحف الفن الحديث. التصدي لمرور الوقت والتقادم ، Ruscha يجعل استخدام محرف العتيقة وتقليد سينمائية قديمه من استخدام النص في الفيلم. ويتعزز مفهوم الطابع الفلكي بالكلمات نفسها ، والنهاية ، وطبيعة الوسيط نفسه ؛ التي تعتبر مستقبليه عندما تم تطويره في 1960s ، وتكنولوجيا الليزر للصور المجسمة يخلق أيضا شعورا بعدم الدوام كما تتغير الصور مع حركه المشاهد. في حين ان هناك حركه فطريه في الكلمات والصور المتحولة ، فان هذه المجسمات تمثل أيضا توقفا كاملا-لحظه انتقاليه مجمده في الوقت المناسب.

الزجاج الهولوغرام مجموعه

لويس فالتات - مزهرية دي كوكيليكوتس - زيت على قماش - 23 1/2 × 19 بوصة.

لويس فالتات

Vase de coquelicots

23 1/2 × 19 بوصة.

النفط على قماش

ديبورا باترفيلد هو نحات أمريكي ، اشتهر بمنحوتاتها من الخيول المصنوعة من الأشياء التي تتراوح بين الخشب والمعادن وغيرها من الأشياء التي عثر عليها. قطعه 1981 ، بدون عنوان (الحصان) ، وتتالف من العصي والورق علي المحرك الأسلاك. النطاق المثير للإعجاب لهذه القطعة يخلق تاثيرا ملحوظا في الشخص ، ويقدم مثالا صارخا علي موضوع باترفيلد الشهير. إنشات باترفيلد أصلا الخيول من الخشب والمواد الأخرى الموجودة في ممتلكاتها في بوزيمان ، مونتانا ورايت الخيول كصوره مجازيه ذاتية ، وتعدين الصدى العاطفي لهذه الاشكال.

ديبورا باترفيلد

بدون عنوان (حصان)

100 × 157 × 36 في.

العصي والورق على الأسلاك المحرك

"A drawing is simply a line going for a walk."<br>-Paul Klee<br><br>A significant draftsman, Paul Klee's works on paper rival his works on canvas in their technical proficiency and attention to his modern aesthetic. As an early teacher at the Bauhaus school, Klee traveled extensively and inspired a generation of 20th Century Artists. <br><br>Klee transcended a particular style, instead creating his own unique visual vocabulary. In Klee's work, we see a return to basic, geometric forms and a removal of artistic embellishment. "Der Hafen von Plit" was once owned by Alfred H. Barr, Jr., the First Director of the Museum of Modern Art, New York.

دير هافن فون بليت

14 1/4 × 19 1/2 بوصة.

قلم وحبر على ورق موضوع، مثبتان على ورق منسوج

رودولفو موراليس - بدون عنوان - زيت على قماش - 37 1/4 × 39 1/4 بوصة.

رودولفو موراليس

37 1/4 × 39 1/4 بوصة.

النفط على قماش

LE PHO - زهور - زيت على قماش - 28 3/4 × 21 1/4 بوصة.

28 3/4 × 21 1/4 بوصة.

النفط على قماش

قام جوزيف ستيلا ، الذي شكله موطنه إيطاليا واعتمد أمريكا ، بالتحقيق في مجموعة غير عادية من الأساليب والوسائط في الأعمال الفنية ذات التنوع والأصالة المذهلين. في عام 1911 ، ركب ستيلا الموجة الطليعية من الاتجاهات الفوفية والتكعيبية والمستقبلية ، لكنه كان الحداثي الأمريكي الوحيد الذي عاش يوما بعد يوم مع الأساتذة الإيطاليين القدامى. وضع والتعامل مع "مستلق عارية" يتعلق بسلسلة من الأعمال ستيلا رسمت خلال عشرينيات القرن العشرين تصور النساء مغر من مصادر أسطورية أو خيالية مثل "ليدا والبجعة" وأوندين ، حورية مائية جميلة من حكاية خرافية ألمانية رومانسية شهيرة في القرن 19. تم تصويره بدلا من ذلك بدون صور نباتية أو رمزية ، مستلق عارية ، رسمت في ثلاثينيات القرن العشرين ، يعكس بشكل أكثر ملاءمة ذلك الوقت الرصين.

جوزيف ستيلا

مستلق عاريه

50 × 52 1/2 بوصة.

النفط على قماش

مارك كوين - Lovebomb - صفح الصورة على الألومنيوم - 108 1/4 × 71 3/4 × 37 3/4 بوصة.

مارك كوين

108 1/4 × 71 3/4 × 37 3/4 بوصة

صفح الصورة على الألومنيوم

فريتز سهولدر - صورة أمريكية رقم 14 - زيت على قماش - 40 × 30 بوصة.

فريتز شمسن

صورة أمريكية رقم 14

النفط على قماش

A veteran of the battle of Verdun, Fernand Leger witnessed the horror and staggering loss of over 1 Million of his fellow countrymen during World War I. This horrific experience of fighting in the trenches of Europe left an indelible mark on the artist. The modern and mechanized aspects of this new form of warfare, with tanks, modern artillery, and gruesome tactics, inspired Leger to create some of his greatest masterpieces. <br><br>The Present drawing, executed in 1930, is a relic from the decade following the First World War. Untitled (1930) was purchased from the Katherine Kuh galley in Chicago- and has been impeccably preserved by the family of the original purchaser. It is exceedingly rare to find drawings like Untitled outside of Museum collections.

فرناند ليجر

8 1/4 × 11 3/4 بوصة.

الفحم على الورق

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’. Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’. Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird. Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

ماري كورس

الأكريليك والغبار الماس على قماش

ريتشارد توتل فنان أمريكي أصيل عمل توتل مفاهيمي وتاملي ، يعبر حدود النحت والرسم والشعر ، وغالبا ما يتحدى المشاهد. بدون عنوان (القماش والطلاء العمل #2) من 1973 ، وهي فتره محوريه في مهنه الفنان ، يستحضر بساطته في وقت سابق من مسيرته المهنية في حين دفع نحو الفن المفاهيمي المستندة إلى المواد. في العمل الذي يقوم به تكريما للخرسانة مارسيل دوشامب. المنسوجات ، كما هو الأمر في هذه القطعة ، تلعب دورا كبيرا في [ايوفر] له وتصبح المواقع التي للتركيز علي الأداء ، والمشاركة ، ومعني.

ريتشارد توتل

بدون عنوان (أعمال القماش والطلاء رقم 2)

15 1/2 × 16 في.

حبل والنفط علي قماش

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

فاليري جاودون

84 × 114 في.

النفط على قماش

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta. The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes. Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work. Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta. <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power. Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist. His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

سوبود غوبتا

عصا سحرية 6

62 × 1 7 /8 × 1 7 /8 في.

الكروم مطلي الألومنيوم

من بين مجموعة Gutai من الفنانين اليابانيين التي تشكلت خلال خمسينيات القرن العشرين ، لم يعمل أي منهم بسرعة وبلا خوف مثل Kazuo Shiraga. تتميز لوحاته بضربات فرشاة ديناميكية وإيمائية ، وغالبا ما يتم إنشاؤها بطريقة غير تقليدية. اشتهر شيراغا باستخدام جسده كأداة للرسم ، وغالبا ما كان يطبق الطلاء على القماش أو الورق بقدميه أثناء تعليقه بحبل. عادة ما تكون القوام سميكة ، ولكنها دائما ما تكون ملموسة للغاية مع طبقات من الطلاء تضيف عمقا وجسديا للعمل. من ناحية أخرى ، يعتمد تاكي على خطوط خام من الألوان المتنوعة ، مما يثير الطاقة الجامحة والشعور بالحرية والتمرد الذي اشتهر به ، متحديا الاتفاقيات الفنية التقليدية ، ودفع حدود التعبير الإبداعي.

كازو شيراغا

10 3/4 × 8 5/8 بوصة.

النفط على قماش

أرماند غيلاومين - روكبرون ، لو ماتان - زيت على قماش - 25 × 31 1/4 بوصة.

أرماند غيومين

روكبرون، لو ماتان

25 × 31 1/4 بوصة.

النفط على قماش

"Ray Gun became a catch title for all sorts of things. Looking down on the street, I would find this angle in the shape of a ray gun everywhere. And I would collect the ray guns. They became quite an obsession."<br>-Claes Oldenburg<br><br>"Two Ray Guns" (1964) was initially sold through the venerable Sidney Janis Gallery. The work draws upon Oldenburg's keen observational sense and fascination with science fiction and popular American culture. The fascination with Ray Guns became a conceptual art practice for Oldenburg; he would not construct them in the traditional sense but instead, find objects that could be reduced into the form. Ray Gun Examples exist in plastic, bronze, plaster, and many different media. <br><br>Our example from the Ray Gun series has been in the same important American collection for many years. Several examples from this series are in prominent museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York.

كلايس أولدنبورغ

اثنين من البنادق راي

25 × 21 × 2 بوصة.

الجص المطلي والأكريليك الملون

فرانسيس CELENTANO-وحدات متموجة-الأكريليك علي قماش-36 x 90 في.

فرانسيس سيلينتينو

وحدات متموجة

الاكريليك على قماش

غالبا ما يرتبط ناثان أوليفيرا بالرسامين التصويريين في منطقة الخليج في كاليفورنيا ، ولكن في الواقع ، يكشف عمله عن اهتمامه بويليم دي كونينج وألبرتو جياكوميتي وفرانسيس بيكون. هذه التأثيرات هي الخصائص البارزة ل Nude Stepping from the Carpet. رسمت عندما كان أوليفيرا في أوائل 30s له ، هو مجرد نوع من اللوحة التي أسست سمعته في وقت مبكر لتصوير المؤرقة من الشخصيات المعزولة رسمت بأسلوب ارتجالي. يعكس عمل أوليفيرا اللاحق تعليق دي كونينج المؤثر فيما يتعلق بالتحدي المتمثل في رسم الذكريات البصرية وإنشاء تشكيلات ذات حضور ضعيف ، ومع ذلك فإن خط الأفق القوي الذي يؤسس هذا المشهد يضفي على الشكل حضورا جسديا أكثر من المعتاد.

ناثان أوليفيرا

عارية يخطو من السجاد

52 × 48 بوصة.

النفط على قماش

كان اد موسى شخصيه بارزه في المشهد الفني في لوس انجليس لما يقرب من 70 سنه. عرض لأول مره في 1949 وكان جزءا من المجموعة الاصليه من الفنانين من معرض Ferus في 1957 – زميل مدرسه كول الفنان اد Ruscha كان له أيضا أول معرض منفرد هناك في 1963. ومن النادر بالنسبة لموسى ان يكون النطاق الكبير والتشكيل التريتيك "فرانكو-ديل #1 & #3" من 2006. يتم تنفيذ القطعة في نغمات الأرض من البني والرمادي والأسود والصدا والصنوبر الأخضر. العمل دائما مع عمليه وتجريب المواد كرسام ، وقد أشاد موسى بشكل حاسم لتكوينه جريئه والابتكار.

فرانكو ديل رقم 1 ورقم 3

79 1/2 x 110 1/2 في.

الاكريليك على قماش

جوزيف كليفيتش-مهمة الاديره ، سان خوان كابيسترانو-النفط علي قماش-22 1/8 × 27 في.

جوزيف كليفيتش

الاديره المهمة ، سان خوان كابيسترانو

22 1/8 × 27 في.

النفط على قماش

إدغار ألوين باين - قوارب البندقية في سوتو مارينو - زيت على لوحة - 23 3/8 × 26 1/4 بوصة.

إدغار ألوين باين

قوارب البندقية في سوتو مارينو

23 3/8 × 26 1/4 بوصة.

النفط على لوحة

مارلين مينتر - بعد ساعات - طباعة كروموجينية - 85 1/2 × 55 3/4 بوصة.

مارلين مينتر

بعد ساعات العمل

85 1/2 × 55 3/4 بوصة.

طباعة كروموجينيك

صور أنسل آدمز هي © صندوق حقوق النشر أنسل آدمز. مستنسخة بإذن.

أنسل آدامز

أسبن ، شمال نيو مكسيكو

15 1/4 × 19 1/4 بوصة.

الجيلاتين الفضة الطباعة

هاري Bertoia في الصفصاف النحت يتردد صداها كتعبير عن النعمة والحساسية; الصفات التي هي في حد ذاتها الجمعيات المعتادة لدينا مع الخصائص الجوهرية للسبائك التي يتم إجراؤها. هذا الإصدار مع وقف التنفيذ - النسخة النادرة من الصفصاف - يبدو أن لها وجود الذاتي علم; واحد أن المسرات في هذا التباين من الخصائص. ومع ذلك فإنه لا يدعو إلى شيء أكثر من المتعة الوجودية في مشاهدته. التفكير في الصفصاف كإصدار مفصل بجرأة من كالدر إذا كان سيد الأخير أكثر العضوية أو استحضار corporeal في الاعتبار. علقت, هو يأمر منطقته بعد يحترم علاقته مكانيّة إلى محيطه. الضوء، والشكل، والفضاء – هذه هي الأدوات المفاهيمية للنحات. ولكن من آخر سوف نفكر في استخدام المواد العاكسة المرتبطة بسهولة أكبر مع عدم المرونة وقوة الشد لخلق باقة من خيوط المتتالية من الفولاذ المقاوم للصدأ، معلقة في الفضاء، مثل النباتات وجميلة جدا برشاقة؟

هاري بيرتويا

بدون عنوان (الصفصاف المعلق)

١٢٣ × ٣٩ × ٣٩ بوصة

الصلب والأسلاك الفولاذية

تاداسوك (تاداسكي) كواياما - B-139 - الاكريليك على قماش - 47 × 47 في.

تادسوكي (تادسكي) كواياما

الاكريليك على قماش

Op Art evolved as an alternative trend in painting to the abstract expressionist movement of the 1950s. The genesis of the movement was in the 1960s, when artists such as Victor Vasarely, Bridget Riley, and Richard Anuszkiewicz embraced a more structured and geometric approach to their painting, often using visual tricks to create a sense of movement. While the artistic and spiritual predecessors to OP Art, such as Josef Albers (!888-1976), utilized a softer and more subdued approach, the Op Artists were using bold, large-scale works with variable dimensions to create their visual statement. <br><br>A student of Albers, Richard Anuszkiewicz, used enamel and acrylic paint on wood in such a way to create his uncompromising and exact compositions. A great sense of action can be felt in the present work, "Translumina". The sister piece to "Translumina," "Translumina II" (1986), is in the permanent collection of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

ريتشارد أنوشكيفيتش

ترانسلومينا

الاكريليك على الخشب

SE OK SUH - بدون عنوان - غسل الحبر على الورق - 40 × 44 في.

غسل الحبر على الورق

أوضح ريتشارد ديبنكورن ذات مرة، "تبدأ جميع اللوحات من مزاج، من علاقة مع الأشياء أو الناس، من انطباع بصري كامل". اشتهر ديبنكورن بدوره المميز في حركة الفن التصويري لمنطقة الخليج، وهو مضاد للتجريد الذي يهيمن على مدينة نيويورك بعد الحرب، وغالبا ما كان يتأرجح بين التجسيد والتجريد. في عام 1952، تولى منصب هيئة التدريس في جامعة إلينوي في أوربانا لمدة عام دراسي واحد. هناك، درس الرسم بداية لطلاب الهندسة المعمارية واستخدم واحدة من غرف النوم في منزله واستوديو. كانت هذه الفترة من 1952-1953 ، والمعروفة باسم سلسلة أوربانا ، وقتا مثمرا ومحوريا في تطوير أسلوب ديبنكورن. بدأ استكشافه المبتكر للتجسيد من خلال التجريد في هذه السنوات المبكرة الحاسمة وسيتجه إلى التحقيق الكامل في سلسلة أوشن بارك الشهيرة على نطاق واسع في أواخر الستينيات والثمانينيات.

ريتشارد ديبينكورن

بدون عنوان (سلسله اوربانا)

13 7/8 × 11 في.

الحبر على الورق

تمثل مجموعة تشاك كلوز المكونة من أربعة صور ثلاثية الأبعاد زجاجية تقاطعا رائعا لاستكشافه الدائم للبورتريه الذاتي واهتمامه بالوسائط الفنية المبتكرة. كان البورتريه الذاتي حجر الزاوية في أعمال كلوز ، مما سمح له بالتعمق في تعقيدات الهوية الإنسانية وعملية الإبداع الفني. تتغير الصور المجسمة مع موضع المشاهد وتخلق تجربة ديناميكية ، مرددة أعمال Close المنقطة ولكن مع وجود مادي إضافي. يوضح التصوير المجسم التزام الفنان بتطوير لغته الفنية ، حيث يجمع ببراعة بين البورتريه التقليدي والتقدم التكنولوجي الحديث لتحدي وإعادة تعريف حدود التمثيل البصري باستمرار.

تشاك كلوز

الصورة الذاتية

مجموعة من 4 صور ثلاثية الأبعاد زجاجية

لاري بيل - عرش باتريوتس - زيت ومعدن على قماش - 63 × 41 1/2 × 1 1/4 بوصة.

لاري بيل

عرش الوطنيين

63 × 41 1/2 × 1 1/4 بوصة.

زيت ومعدن على قماش

يحظى واين ثيبود بالإعجاب على نطاق واسع كرسام. ومع ذلك ، فإن قدرته كرسام مقنعة بنفس القدر وواضحة بشكل خاص في الطباعة الحجرية ، وهي وسيلة توقيع يتم الاحتفال بها لتوثيق كل إيماءة للفنان. كما يوضح Paint Cans تماما ، توفر الطباعة الحجرية أيضا حرية وضع طبقات نصية وألوان لتحقيق تمثيل بارع لنوايا الفنان المفصلية. في التكوين ، تعرض "علب الطلاء" إحساس Thiebaud الشديد بالنظام ، المستمد من التركيز على النقاط المحورية وخطوط الاتجاه التي توضح الطرق الفريدة التي يمكنه من خلالها تسليط الضوء على مجموعة من العناصر اليومية. إنه عمل آخر يدهش المشاهد بأسلوبه ومهاراته التفصيلية للغاية.

واين ثيبود

علب الطلاء

38 3/4 × 29 1/8 بوصة.

طباعة حجرية بألوان على ورق منسوج

"Bouquets de Fleurs" (1901) is a glowing Post-Impressionist still life. As the revolutionary wave of Impressionism receded from its apex, artists such as Henri Manguin, Henri Matisse, Kees van Dongen, Louis Valtat, and others emerged as part of the new avant-garde in Europe. These “Fauves,” or roughly translated “wild beasts,” would attack their canvases with a bold and vibrant new palette. This completely new way of painting was not initially celebrated by critics, or the artistic elite, but is today recognized among the most innovative and original artistic movements of the 20th Century. <br><br>The present work, painted just before the revolution of Fauvism took hold, demonstrates a critical transitionary period in Modern Art. The subject is depicted with a masterful compositional sense and attention to spatial relationships. Manguin’s competency in composition would allow him to experiment freely with color during the first decade of the 20th Century. The slightly later but comparable Manguin still life “Flowers” (1915) is in the permanent collection of the Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.

هنري نغوين

باقات دي فليور

25 7/8 × 21 5/8 في.

النفط على قماش

JAN JOSEPHSZOON فان GOYEN - المناظر الطبيعية النهر مع طاحونة وكنيسة - النفط على لوحة - 22 1/2 × 31 3/4 في.

يان جوزيفسون فان غوين

المناظر الطبيعية النهر مع طاحونة وكنيسة

22 1/2 × 31 3/4 بوصة.

النفط على لوحة

سالومون فان RUYSDAEL - المناظر الطبيعية الكثبان الرملية مع شخصيات يستريح وزوجين على ظهور الخيل، وجهة نظر من كاتدرائية نيميغن وراء - النفط على قماش - 26 1/2 × 41 1/2 في.

سالومون فان رويسدايل

منظر طبيعي للكثبان الرملية مع شخصيات يستريح وزوجين على ظهور الخيل، منظر لكاتدرائية نيميغن ما بعد

26 1/2 × 41 1/2 بوصة.

النفط على قماش

DAVID MORRIS - Journey - الفولاذ المقاوم للصدأ، قاعدة الصلب - 132 × 36 × 48 في.

ديفيد موريس

132 × 36 × 48 في.

الفولاذ المقاوم للصدا ، قاعده الصلب

عندما عادت دوروثي هود إلى هيوستن في عام 1962 ، لفرحتها ، أصدرت ناسا إعلانا بالغ الأهمية: سيكون مركز المركبات الفضائية الجديد في هيوستن. كان لفكرة السفر إلى الفضاء صدى مع اهتمامها الطويل الأمد بعلم الكونيات ، وفتح الطموح البطولي لتحقيق هبوط على سطح القمر شيئا ما في الفنان. هذه الحدود الجديدة ألهمت عملها وشجعتها على العمل بشكل أكبر. واعترفت بأن "اكتشاف ما يمكنني فعله ب (اللوحات الكبيرة) هو أهم شيء حدث في حياتي في الرسم". بقدر ما تعد إشارات الفضاء جولة في الرسم الميداني الملون ، فقد جاءت لغتها المرئية من مصادر أخرى: الصور الدورية لتحقيقات المركبات الفضائية ، والأجسام الفلكية ، ومحادثاتها العديدة مع العلماء ورواد الفضاء الذين أطلقوا خيالها. لقد ابتكرت هذه المناطق الجميلة الساحرة والمطلية بشكل رقيق من درجات اللون الأزرق الفثالو البخاري على أجنحة هذا الإلهام.

دوروثي هود

إشارات الفضاء

89 3/4 × 70 بوصة

النفط على قماش

أولاف ويغهورست - أباتشي - زيت على قماش - 20 × 24 بوصة.

أولاف ويغهورست

الاباتشي

النفط على قماش

كارل أندريه هو فنان أمريكي ساعد في النحت الأدنى وكان زوج الفنانالشهير والشهير آنا مندييتا. هذا هو قطعة النص الكلاسيكية من أوائل 1960s ونموذجية من قصائده التي تتألف من اختيار الكلمات الفردية من النصوص المصدر، ومن ثم ترتيبها على الصفحة وفقا لمعايير بسيطة وبديهية، والتي، في هذه الحالة، هو حسب الأبجدية قائمه. الطيار تشارلز ليندبيرغ سحرت عميق كارل اندريه الذي عاد إلى كمصدر لشعره. يعكس هذا العمل بتكراره المنظم مثل منحوتاته الشهيرة الحد الأدنى والبساطة التي ظهرت في الستينات والسبعينات، بما في ذلك زميله الشاعر الملموس كريستوفر نولز.

كارل أندريه

500 الشروط المتعلقة بتشارلز ا. ليندبيرغ

8 × 6 1/8 في.

الحبر علي الورق علي متن السفينة

Signed, titled and dated ‘81 verso<br>JR-198-81

التوليف الجديد رقم 15

الاكريليك على قماش

ولد توماس نزوكوفسكي في عام 1944، وأنشأ لوحات صغيرة غنية الثراء تعكس التأثيرات الثنائية لدعاة التعبير التجريديين ولاجئي باوهاوس الذين درس معهم في اتحاد كوبر. باستخدام فرشاة صغيرة ، ويشمل التعامل معه كشط وفرك قبالة الطلاء بطرق تسجيل في العمل النهائي. طور مفردات مميزة واسعة النطاق تنشر أشكالًا هندسية تشبه الأشكال الحيوية في أنظمة ألوان متنوعة ومجموعة واسعة من الجمعيات: أرضيات البلاط ، إلى مجموعات الخلايا ، إلى الهندسة المعمارية والفضاء الخارجي. في كثير من الأحيان ، يتم تقطيرها من ذكرياته وتجاربه الخاصة. نوزكوفسكي على هذه اللوحة المحددة (بدون عنوان، 1994) قائلاً إنها تعكس انبهاره بالمشاهد الأسطورية المرسومة على لوحات الصدر الكاسونية الناطورة في عصر النهضة. وقال انه نطق أفضل واحد من ثلاثة أو أربعة 15 "× 30" لوحات من هذه السلسلة. تم التعامل مع Nozkowski لسنوات عديدة من قبل معرض بيس. توفي في عام 2019.

توماس نزوكوسكي

النفط على الكتان على لوحة

ليونيد لام-قوه الدولة-النفط علي قماش-68 3/8 × 66 × 1 في.

ليونيد لام

دوله السلطة

68 3/8 × 66 × 1 في.

النفط على قماش

Provenance:<br>Purchased in 1985 from The Gallery Wall<br>Private Collection, CA

دان تسميةها

تيووا بلازا آت فيرست ميسا

النفط على قماش

جوانا بوسيت دارت - بدون عنوان (دراسة الصحراء الحمراء) - أكريليك على لوح خشبي - 33 1/2 × 42 × 3/4 بوصة.

جوانا بوسيت-دارت

بدون عنوان (دراسة الصحراء الحمراء)

33 1/2 × 42 × 3/4 بوصة.

الاكريليك على لوحة خشبية

سيث كوفمان - Lignum Spire - برونزي مع زنجار أخضر - 103 1/2 × 22 × 17 بوصة.

سيث كوفمان

ليغنوم سبير

103 1/2 × 22 × 17 بوصة.

برونزية مع الزنبق الأخضر

يحتل كارل بنيامين وأقرانه لورسر فيتلسون وفريدريك هامرسلي وجون ماكلولين مكانة مميزة في تاريخ الفن التجريدي الأمريكي. يشتهرون بأشكالهم الهندسية الدقيقة وحوافهم النظيفة التي تؤكد على التسطيح ، وهم رسامو كاليفورنيا الذين ظهروا في أواخر خمسينيات القرن العشرين. على عكس Ellsworth Kelly ، على سبيل المثال ، يعكس عملهم سطوعا ووضوحا ولوحة تشير إلى البيئة الطبيعية والمبنية في كاليفورنيا بدلا من التأثيرات الحضرية والصناعية التي يشعر بها الساحل الشرقي. علاوة على ذلك ، مقارنة بالمشهد الفني التنافسي على الساحل الشرقي ، كانت مجموعة كاليفورنيا مجتمعا صغيرا نسبيا ومتماسكا من الفنانين الذين لديهم شعور بالتعاون والاستكشاف المشترك الذي ساهم في حركة متماسكة ذات هوية مميزة.

كارل بنجامين

النفط على قماش

إيلين دي كونينج - الماتادور - غواش على ورق - 7 3/4 × 9 1/2 بوصة.

إلين دي كونينغ

7 3/4 × 9 1/2 في.

الغواش على الورق

فيونا RAE - بدون عنوان (أصفر، أحمر + بني) - زيت على قماش - 72 × 78 في.

فيونا راي

بدون عنوان (أصفر، أحمر + بني)

النفط على قماش

ARNE هيراسويكس-بدون عنوان-الأكريليك والورق علي قماش-71 x 94 في.

آرني هيرسو

الأكريليك والورق علي قماش

روبرت NATKIN-أبولو XL-الأكريليك علي قماش-88 x 116 1/4 في.

روبرت ناتكين

88 × 116 1/4 في.

الاكريليك على قماش

ويليام ويندت - المناظر الطبيعية كاليفورنيا - زيت على قماش - 23 1/2 × 31 3/4 بوصة.

ويليام ويندت

كاليفورنيا المناظر الطبيعية

23 1/2 × 31 3/4 بوصة

النفط على قماش

Born in Onomichi in Hiroshima Prefecture, Teraoka studied at what is now Otis College of Art and Design in Los Angeles. His works are inspired by Japanese Ukiyo-e woodcut prints. However, Teraoaka infuses the style and techniques of the traditional art with American Pop Art. The mass-produced nature of Japanese woodcut prints alligns with the obsession with mass production and consumption of Pop Art. Additionally, Ukiyo, meaning “the floating world” in Edo period Japan reflected the transitory nature of Kabuki theater and pleasure houses. This transitory sense of consumerism and pleasure was also evoked in the works by Pop Artists. Teraoka’s works are a collision of two cultures and histories of art finding affinities through similar themes.<br><br>Teraoka’s pieces blend humor and social commentary. He has often touched upon subjects as diverse and urgent as the AIDs crises, consumerism, the attacks on September 11th, and more. Teraoka notes of his own work, “Integrating reality with fantasy, humor with commentary, and history with the present became my challenge.”<br><br>Works by Teraoka can be found in the Tate Modern, the Metropolitan Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, the Smithsonian, the Los Angeles County Museum of Art, the Walker Art Center, and more.

ماسامي تيراوكا

سلسلة الأمواج / امرأة موشومة على شاطئ الغروب

14 7/8 × 10 بوصة

الألوان المائية على الورق

فرانسيس بيكابيا - تروا بيرسوناجيس نوس - تلوين كونتي أسود على ورق برتقالي - 11 1/2 × 8 بوصة.

فرانسيس بيكابيا

Trois personnages nus

11 1/2 × 8 بوصة

تلوين كونتي أسود على ورق برتقالي

فرانك تيني جونسون - الكشافة - زيت على قماش - 13 1/2 × 17 بوصة.

فرانك تيني جونسون

13 1/2 × 17 بوصة.

النفط على قماش

"الداخلية" هي واحده من التراكيب موريس اسكينازي أكثر حداثة ، داعيا إلى الذهن عمل بونارد أو Vuillard. يظهر المشهد الحميم نموذج انثي عاريه ، ينظر اليه بشكل كبير في الملف الشخصي ، مما يشكل لرسام في استوديو مشمس. باب الغرفة مفتوح ، مما يعطي انطباعا بان المشاهد يسرق لمحه عن التفاعل الخاص بين الفنان والنموذج. مراه وضعت بذكاء علي الظهر من الباب المفتوح يكشف عن انعكاس الرسام ، الذي نحن من المفترض ان تاخذ كما Askenazy نفسه ، في العمل. Askenazy ياخذ عناية كبيره لتصوير تفاصيل الغرفة ، من العثماني منقوشة علي لوحات مؤطره علي الجدران ، كل فسيفساء من اللون الانطباعي.

موريس اسكينازي

عاريه مع اليابانية للطي الشاشة

النفط على قماش

بوابات THEASTER-بدون عنوان (الأرضيات)-الاسمنت الأبيض ، والحطام ، والأرضيات-35 x 35 x 3 في.

بوابات البعد

بدون عنوان (الأرضيات)

35 × 35 × 3 في.

الاسمنت الأبيض والحطام والأرضيات

Robert Rauschenberg, along with Jasper Johns, Andy Warhol, and Roy Lichtenstein, started the revolution of Pop Art in the 1960s. Rauschenberg's later career was a time for the artist to work on experimental and innovative projects, including the 1993 "Prime Pump from ROCI USA (Wax Fire Works Series)." This series comes from the artist's philanthropic project, "ROCI USA," demonstrating "Rauschenberg's belief in the power of art as a catalyst for positive social change." The reference to "wax fire" in the title is Rauschenberg's term for encaustic - hot wax with colored pigments - which he used in other works from the series. <br><br>Executed in a small edition of just 17 examples, this piece incorporates printmaking, a medium to which he often returned to explore new modes for layering imagery. Rauschenberg worked on editions since the early 1960s when he was a fixture at the ULAE and Gemini G.E.L. printshops. Rauschenberg's printmaking and editioned works were an extension of the creative act for the artist; he could achieve sculptural and 3D effects through his editions.

روبرت راوشينبيرغ

رئيس مضخة من ROCI الولايات المتحدة الأمريكية (الشمع سلسلة أعمال الحريق)

63 1/2 X 44 1/4 IN.

لون الشاشة على الورق وليكسان

روبرتو ماتا -- L'epreuve -- النفط على قماش -- 29 1 / 2 × 25 1 / 2 في.

روبرتو ماتا

29 1/2 × 25 1/2 في.

النفط على قماش

The Arts and Crafts Movement in Great Britain and the corresponding ripples that made their way across the Atlantic Ocean were felt in the work of Jesse Arms Botke (1883-1971). Botke was born in Chicago, Illinois but found her home in California, where she had a successful career working first in Carmel and later in Southern California. <br><br>Rich textures, extensive use of gold leaf, and highly stylized birds would become synonymous with Botke's mature work as she established herself as one of the West Coast’s leading decorative mural painters of the 20th century.<br><br>"The White Peacock" (1922) shows an idyllic landscape with Botke's signature bird subject matter; the white peacock and cockatoos were among her favorite aviary subjects. Her work today can be found in countless museum collections, including the Art Institute, Chicago.

جيسي الاسلحه BOTKE

الطاووس الأبيض

25 × 21 بوصة.

النفط على قماش

HASSEL سميث-9000 و 9 ليال-الأكريليك والجرافيت علي قماش-68 × 68 1/8 في.

هاسل سميث

9000 و 9 ليالي

68 x 68 1/8 في.

الأكريليك والجرافيت علي قماش

على الرغم من أنه لا يعتبر رساما أكشن ، إلا أن Chiyu Uemae معروف بالعديد من الأساليب التي تركز على الشكل والملمس وتفاعل الألوان. كما في المثال الحالي ، بدون عنوان ، كان يطبق الصباغ بشكل متكرر باستخدام سكين لوحة الألوان ، مما يخلق طبقات مزخرفة تسمح لأجزاء من اللون بالتألق كما لو كانت جواهر مدفونة تحت الأرض مباشرة. قبل انضمامه إلى مجموعة Gutai ، درس Uemae Nan Ga ، المدرسة الجنوبية للرسم الصيني ، وينسب الفضل إلى تجربته الغامرة في العمل بأسلوب كيوتو للصباغة وانضباطه في الخياطة كإعلام لأسلوبه الناضج. يستكشف عمل Uemae مادية الطلاء وإمكانيات اللوحة ، مما يعكس تفاعلا عميقا مع فعل الرسم نفسه.

تشيو أويماي

31 3/8 × 19 3/4 بوصة.

النفط على لوحة

دونالد سلطان - الزنبق الأصفر رقم 18 - الزيت والقطران على الورق - 20 × 20 بوصة.

دونالد سلطان

التوليب الأصفر رقم 18

النفط والقطران علي الورق

هنري مور -- رؤساء الامبراطور -- البرونزية مع البزينة البني -- 6 3 /4 × 8 1 / 4 × 4 1 / 2 في.

هنري مور

رؤساء الإمبراطور

6 3/4 × 8 1/4 × 4 1/2 في.

البرونزية مع الزنجار البني

فرانسيسكو توليدو - بدون عنوان - وسائل الإعلام المختلطة على الورق - 8 × 10 1/4 في.

فرانسيسكو توليدو

وسائل الإعلام المختلطة على الورق

Hand blown glass with multiple incalmo of colored glass and filligrana. Switching the axel of the glass bubble and adjoining two glass bubbles with raticallo technique. Engraved partially on the surface with different patterns.<br><br>Lino Tagliapietra, a native to Murano, is one of the world's preeminent glass artists.

لينو تاغليابيترا

13 × 11 × 3 في.

KAREL APPEL - الرأس في العاصفة - زيت على قماش - 10 × 14 1/4 بوصة.

كاريل أبيل

توجه في العاصفة

10 × 14 1/4 بوصة.

النفط على قماش

ليروي نيمان - فارس الفروسية - وسائط مختلطة على ورق - 22 × 28 بوصة.

ليروي نيمان

فارس الفروسية

22 × 28 بوصة.

وسائل الإعلام المختلطة على الورق

بابلو بيكاسو - لا دانس - لوحة خزفية eathenware بيضاء، محفورة جزئيا، مع engobe الملونة والصقيل - 12 1/2 × 15 في.

بابلو بيكاسو

12 1/2 × 15 بوصة.

لوحة خزفية eathenware بيضاء، محفورة جزئيا، مع engobe الملونة والصقيل

الاستفسار

نموذج قائمة قصيرة

إذا كنت إنساناً، اترك هذا الحقل فارغاً.

الاتصال

العودة إلى الأعلى

© حقوق الطبع والنشر 2024 هيذر جيمس. جميع الحقوق محفوظة.

سياسة الخصوصية
الشروط والأحكام

أشكركم على الاتصال بنا!

هل ترغب في تخصيص تفضيلاتك الفنية؟

الانتقال إلى تفضيلات الاتصال

التعليم

التعليم له أهمية قصوى في هيذر جيمس للاستشارات الفنية. سواء كنت جامعا متمرسا أو بدأت للتو ، فإننا نهدف إلى النمو مع عملائنا ونؤمن تماما بتوفير المعلومات والبصيرة لمساعدة عملائنا على التعلم وتنمية اهتماماتهم الفنية.

التنظيم

تجلب هيذر جيمس للاستشارات الفنية عقودا من الخبرة في تنظيم المعارض بتوجيه من كبار موظفي القيمين الفنيين لدينا الذين نظموا معارض على مستوى العالم في المتاحف والمعارض والمساكن الخاصة. من خلال الجمع بين العناصر التاريخية الجمالية والفنية ، سنساعد مجموعتك ومنزلك على عكس اهتماماتك الفنية.

السوقيات

توفر HJ Art Advisory خدمات لوجستية كاملة عند التعامل مع الأعمال الفنية لعملائنا ونقلها والإشراف عليها. يشمل إشرافنا كل جانب من جوانب العناية بالعمل الفني. نحن نشرف على كل خطوة من خطوات العملية مع نقل الأعمال الفنية وتركيبها وتخزينها. نحن ننصح ونسهل تصميم الإطارات والإضاءة ومتطلبات الأمان والحفظ وتقييم الحالة.

الوثائق

عند شراء الأعمال الفنية ، تبحث HJ Art Advisory في مصدر العمل الفني وستسعى للحصول على إقرارات وضمانات من البائع ، وأن البائع لديه سند ملكية صالح وأن الكائن خال من أي امتيازات ومطالبات ورهون.
ستسعى HJ Art Advisory للحصول على تعويض لاسترداد كامل المبلغ عن العمل الفني في حالة خرق الضمان (ربما يشمل هذا الخط???) .
المبيعات الخاصة وعملية المزاد: تشمل المعلومات الهامة التي يجب التقاطها: الفنان ، عنوان العمل الفني ، التاريخ ، الوسيط ، الأبعاد ، السعر ، الصورة ، كيان العرض ، المصدر ، الشهادات ، الفاتورة (إن أمكن) ، تقرير الحالة ، الامتيازات ، التقاضي ، عنوان الملكية.

قروض المتحف

تم تكريم هيذر جيمس لتسهيل القروض لأفضل المتاحف في جميع أنحاء العالم بما في ذلك متحف الفن الحديث ومركز بومبيدو والمزيد. تهتم HJ Art Advisory بجميع الأعمال الورقية والخدمات اللوجستية اللازمة لهواة الجمع لدينا الذين يقررون إعارة عمل فني لمعرض متحف.

المصادقه

تحافظ HJ Art Advisory على أعلى معايير العناية الواجبة من خلال الاستفسار والبحث ومصدر الأشياء قبل الاستحواذ لتحديد أنه يمكن الحصول على سند ملكية واضح. يشمل هذا البحث ، على سبيل المثال لا الحصر ، تحديد:

محفوظات ملكية الكائن
البلدان التي يوجد فيها الكائن ومتى.
تاريخ المعرض للكائن
تاريخ نشر الكائن
أي مطالبات ملكية كائن إذا تم تقديمها
قواعد بيانات الأشياء المسروقة ذات الصلة بالشيء
الظروف التي يتم فيها عرض الكائن
مصادر البحث ذات الصلة ، بما في ذلك: سجل ArtLoss أو قواعد البيانات الأخرى.
إقرارات الضمان والتعويض من البائع ، مما يضمن أن البائع لديه سند ملكية صالح ، وأن الكائن خال من أي امتيازات أو مطالبات أو أعباء
البحث والتوثيق في حقبة النازية / الحرب العالمية الثانية وفقا للمبادئ التوجيهية المتعلقة باقتناء الأشياء التي من المحتمل أن تكون موجودة في أوروبا المحتلة من قبل ألمانيا بين عامي 1933 و 1945

الماليه

تساعد HJ Art Advisory العملاء في الإقراض المدعوم بالأصول ، وشراء الأعمال الفنية للصناديق الاستئمانية ، والتخطيط العقاري. نحن نقدم خبرتنا في رؤى سوق الفن لوضع عملائنا على أفضل وجه عند اتخاذ القرارات المتعلقة بمجموعتهم. نحن نعمل مع العقارات والفرق القانونية والمستشارين الماليين لدعم عملائنا وأهدافهم على أفضل وجه.
هيذر جيمس للفنون الجميلة ليست مستشارة استثمار أو قانونية أو ضريبية مسجلة. جميع الآراء الاستثمارية والمالية التي تعبر عنها هيذر جيمس للفنون الجميلة هي آراء تستند إلى بحث شخصي. الأداء السابق ليس ضمانا للعائد المستقبلي ، كما أنه ليس بالضرورة مؤشرا على الأداء المستقبلي.

المبيعات والاستحواذ

تركز HJ Art Advisory على تحديد مصادر الأعمال الفنية لعمليات الاستحواذ المحتملة من المبيعات الخاصة ودور المزادات وعمولات الفنانين. تراقب HJ Art Advisory باستمرار السوق الخاص والعام بحثا عن الأعمال الفنية المهمة المتعلقة بمصالح عملائنا والتي من شأنها تعزيز مجموعاتهم. نحن نتفاوض على سعر البيع أو البيع نيابة عن جامع من أجل تحقيق أفضل صفقة ممكنة لعملائنا.

القيمة والتأمين

تقوم مجموعة HJ Art Advisory بتقييم وتقييم المجموعات الفنية لتقييم التأمين والاستحواذ وإلغاء الانضمام. يتضمن ذلك بحثا متعمقا لتحليل سوق الفن الخاص والعام لتحديد القيمة.

التذوق

تعمل HJ Art Advisory مع العملاء الذين يطورون مجموعات جديدة أو مع مجموعات راسخة ونيابة عنهم ، وتقدم المشورة ونقدم خدمات متعمقة. لدينا معرفة واسعة والخبرة جنبا إلى جنب مع سنوات عديدة في مجال الأعمال الفنية يضع موظفينا ذوي المهارات العالية والخبرة لتقديم التوجيه والتوجيه على مستويات متعددة.

تريد أن تعرف المزيد عن هذا / هذه الأعمال؟ أرسل لنا رسالة لإعلامنا باهتمامك.

الاستعلام - الفن واحد

اسم *

المخزون #

البريد الالكتروني *

رقم الهاتف

رساله *

اةي ؛ زهي

إذا كنت إنساناً، اترك هذا الحقل فارغاً.

العربية‏

English
日本語
中文 (简体)
Deutsch
Français
Español
עברית