アンディ・ウォーホル：すべては美しい
ヘザー・ジェームズは、1950年代から1980年代までの30年間を網羅するアンディ・ウォーホルの幅広いセレクションを展示いたします。ポップ・アーティストの第一人者であるウォーホルは、消費財を描いた作品と同様に、肖像画でも知られている。ウォーホルにとっては、どんなものでも、どんな人物でも、彼の芸術に値する。
この展覧会は、ウォーホルが作品を制作する過程と作品の主題を総合し、ウォーホルがいかにアメリカ社会の信条を暴露したかを示すものである。ウォーホルのオーヴル（作品群）は、名声、資本主義、死、文化、社会、政治に対する深いコメントとなる。
アートワーク
アンディ・ウォーホル：オール・イズ・プリティ
"私が何かになりたいと思うのは、パーティーの外にいるときだけだ。- アンディ・ウォーホル
に関しては
ポラロイドでスケッチ
ウォーホルは、派手なパーティに出席していたにもかかわらず、自らをアウトサイダーと位置づけていた。ウォーホルの友人であり、彼の作品の題材にもなったダイアナ・ヴリーランドが言ったように、"目は旅をしなければならない"。
1950年代から1987年に亡くなるまで、ウォーホルはポラロイドカメラを常に持ち歩いていた。私たちがスマートフォンでカメラを使う現代を先取りするように、ウォーホルのポラロイドはインスタントであり、数も多い。
これらのポラロイドは、一種の視覚的日記であり、彼の絵画のスケッチブックでもあった。ウォーホルは写真を「鉛筆と紙」とさえ呼んでいた。被写体からの嘆願にもかかわらず、ポラロイドがウォーホルの手元に残ったことは重要である。ポラロイドは、彼の人生と実践の記録であると同時に、包摂と排除、魅力と荒廃という概念を反映している。
この展覧会では、ウォーホルが撮影したファラ・フォーセットのポラロイド写真が展示されている。このフォトセッションは、現在ブラントン美術館に所蔵されている絵画のベースとなった。これらの作品には、アイコンであり、アメリカの真髄とされる人物であると同時に、国の価値観が有名人に投影され、有名人を通して映し出されている。
輝かしいもの、美しいもの、有名なもの、悪名高いものを捉えたウォーホルのポラロイドは、アメリカの最も重要なアーティストの一人の人生の記録であると同時に、フィルターを通さずに社会を覗いている。それらはイメージと幻想の力を物語っている。
ウォーホルのポラロイドをより深く知りたい方は、以下の展覧会をご覧ください。 アンディ・ウォーホルのポラロイド：Wicked Wonders.
アメリカの肖像
人物であれ物であれ、ウォーホルのポートレートはアメリカの価値観や性格を映し出します。展覧会には、シェリル・ティグス、ファラ・フォーセット、ジェーン・フォンダといった、米国で最もグラマラスな顔ぶれのポラロイド写真も展示されているが、ウォーホルがこの写真を撮影してから20年も経たないうちに何が起こるかを知っている私たちは、O.J.シンプソンのイメージをどう解釈すればいいのだろう。名声と悪名はそれほど異なるものではなく、ウォーホルはそれらを同じように扱ったのである。
また、サンタやジェミマおばさんに扮した人々のポラロイド写真も展示されている。これらの被写体は、ウォーホルの有名な「神話」シリーズに含まれている。これらの人物は、国の想像力の中にそびえ立ち、私たちが自分自身に語る物語を通して、私たちの最も深い欲望と最も深い恐怖に触れている。サンタの姿を通してクリスマスを混同することは何を意味するのか。ジェミマおばさんの遺産とどう向き合うのか？
しかし、肖像画は人物だけではない。ウォーホルが捉えたオブジェでさえも、その国の懸念や強迫観念を映し出している。電気椅子」シリーズは、ウォーホルの最も尖った部分を表している。交通事故や汚染された缶詰食品を含む「死と災難」シリーズの一部である「電気椅子」は、芸術のハイワイヤーな行為である。作品は色彩の饗宴であり、見る者を誘惑するが、死刑の方法を描いていることを決して忘れてはならない。ウォーホルは、1953年にシンシン刑務所の死刑室の報道写真から、ジュリアス・ローゼンバーグとエセル・ローゼンバーグがスパイの罪で処刑されたのと同じ年、同じ場所、そして同じ椅子を選んだ。ウォーホルは、特にアメリカ的な魅力と、おそらく不安な先入観を示唆しているようだ。鮮やかだが不自然な色彩と題材は、見る者を不安にさせ、外部の観察者であると同時に共犯的な参加者でもある。
すべての肖像画がそれほどシニカルである必要はない。ウォーホルの「絶滅危惧種」シリーズは、絶滅の危機に瀕している被写体でありながら、希望と変化の可能性を語っている。ウォーホルは常に自然に魅せられていた。幼少期や花のデッサンを見てみればわかるが、生態系の問題がこの画家に語りかけ、私たち全員が直面している脅威に対する意識を高めるためにこのシリーズを制作せざるを得なかったことは想像に難くない。
買い物術
第二次世界大戦後の大量消費文化の爆発がなければ、ポップ・アートはポップ・アートではなかっただろう。商品の消費を描くことにおいて、ウォーホルに匹敵するアーティストはおそらく他にいないだろう。この展覧会では、彼の最も有名なシリーズ「キャンベル・スープ」の作品が展示されている。ルポールのドラァグ・レース』では、1つの芸術作品が全体の挑戦やランウェイにインスピレーションを与えることはよくあることだろう。私たちは、暖かい過去へのノスタルジーというレンズを通してこのシリーズを振り返るかもしれないが、作品をその時代の中に位置づけなければならない。
抽象表現主義が支配する中、ウォーホルは日常生活のありふれた、どこにでもあるようなものを提示した。さらに、画像をスクリーン印刷することで、ウォーホルはキャンベルの制作のまさに機械的な性質を再現しているように見えた。ロサンゼルスのフェルス・ギャラリーでの最初の展覧会では、プリントは直線的に展示され、まるで食料品を買うショッピング体験を模倣するかのように棚に置かれていた。広告はアートだろうか？スープの缶詰を買うのと同じくらい単純なことがアートになり得るのだろうか？
ウォーホルが商業イラストレーターとして出発したことを忘れてはならない。このような技術と魅惑は、彼のキャリアを通して現れることになる。例えば、フォード車のドローイングやダイヤモンドを散りばめたスクリーンプリント、展覧会に出品された靴のポラロイド写真、あるいは展覧会初期の作品『ピンクの帽子の女』。消費品が「ファイン」アートにふさわしい題材に変貌するのは、それらが売買される価値があるからにほかならない。
そして、キャベツ畑キッズほど、時代と社会の価値観をむき出しにしたものは他にないだろう。この人形への熱狂と殺到は、1980年代の消費主義を実証した（1980年代のアートについては、展覧会 80年代は受け入れられた）ウォーホルはこの人形を、オランダのチューリップの静物画という、現代世代に向けた芸術の習作に変身させたのである。
「あなたは芸術の殺人者であり、美の殺人者であり、笑いの殺人者ですらある。- ウィレム・デ・クーニング、アンディ・ウォーホルについて
