جولة في معرض بالم ديزرت مع توم فينديتي – موسم 2022/2023

نشرت في: معرض جولات

انضم إلى مدير الفنون الجميلة هيذر جيمس ، توم فينديتي ، وهو يقوم بجولة في معرضنا الرئيسي في بالم ديزرت ، كاليفورنيا. نشعر بأننا محظوظون لوجود توم. قبل انضمامه إلى هيذر جيمس للفنون الجميلة ، أمضى توم 14 عاما كمدير أول للفنون في مجموعة بول ألين المذهلة ، التي سجلت مؤخرا العديد من الأرقام القياسية الجديدة في مزاد علني في عرض مظفر لقوة سوق الفن.

تسعى هيذر جيمس للفنون الجميلة إلى تقديم مجموعة واسعة من الفنون ذات الأهمية التاريخية والجاذبية الجمالية ولا يمكننا التفكير في أي شخص أكثر قدرة على تقديم رؤى حول كلود مونيه مع تقديم منظور مستنير بسلاسة حول وصول جديد رائع من قبل واين ثيبود. نأمل أن تستمتع برحلة توم المنسقة عبر العديد من الأنواع والفنانين المتميزين وأن تبلغك وتلهمك بزيارة موقع Palm Desert لمشاهدة المجموعة شخصيا.

يسرنا أن نعلن عن ساعات الشتاء في موقعنا في بالم ديزرت في 455188 بورتولا أفينيو: من الاثنين إلى السبت من الساعة 9:00 صباحا حتى الساعة 5:00 صباحا.

في 15 مايو 1886 ، ولد بيان مرئي لحركة فنية جديدة عندما تم الكشف عن إنجاز جورج سورات المتوج ، بعد ظهر يوم الأحد في جزيرة لا غراند جات في المعرض الانطباعي الثامن. يمكن ل Seurat المطالبة باللقب باعتباره "الانطباعي العلمي" الأصلي الذي يعمل بطريقة أصبحت تعرف باسم Pointillism أو Divisionism. ومع ذلك ، كان صديقه والمقرب ، بول سيناك البالغ من العمر 24 عاما وحوارهما المستمر هو الذي أدى إلى التعاون في فهم فيزياء الضوء واللون والأسلوب الذي ظهر. كان Signac رساما انطباعيا غير مدرب ، ولكنه موهوب للغاية ، وكان مزاجه مناسبا تماما للصرامة والانضباط المطلوبين لتحقيق أعمال الفرشاة والألوان الشاقة بشق الأنفس. استوعب Signac هذه التقنية بسرعة. كما شهد على رحلة سورات الشاقة التي استمرت عامين لبناء طبقات لا تعد ولا تحصى من النقاط الملونة غير الممزوجة على La Grande Jatte ذات الحجم الضخم. معا ، كان Signac ، المنفتح المتهور ، و Seurat ، الانطوائي السري ، على وشك تخريب مسار الانطباعية ، وتغيير مسار الفن الحديث.

بول سيجناك

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

ألكسندر كالدر

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

ألفريد سسيلي

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

ألكسندر كالدر

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

إميل نولد

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

توم ويسلمان

خلال أوائل سبعينيات القرن التاسع عشر ، رسم وينسلو هومر في كثير من الأحيان مشاهد من البلاد التي تعيش بالقرب من قرية صغيرة تشتهر لأجيال لمواقفها الرائعة من القمح ، وتقع بين نهر هدسون وكاتسكيلز في ولاية نيويورك. يشتهر هيرلي اليوم بإلهام أحد أعظم أعمال هوميروس ، Snap the Whip الذي رسمه صيف عام 1872. من بين العديد من اللوحات الأخرى المستوحاة من المنطقة ، فإن Girl Standing in the Wheatfield غنية بالمشاعر ، ولكنها ليست عاطفية للغاية. يتعلق الأمر مباشرة بدراسة رسمت عام 1866 في فرنسا بعنوان ، في حقول القمح ، وأخرى رسمت في العام التالي بعد عودته إلى أمريكا. لكن هوميروس كان بلا شك أكثر فخرا بهذا. إنها صورة ، ودراسة أزياء ، ولوحة من النوع في التقليد العظيم للرسم الرعوي الأوروبي ، وجولة ذات إضاءة خلفية دراماتيكية ، وجولة في الغلاف الجوي غارقة في ضوء الساعة الكئيب الذي يتلاشى بسرعة والمدعوم بنوتات لامب ومنمقة ولمسات سنبلة القمح. في عام 1874 ، أرسل هوميروس أربع لوحات إلى معرض الأكاديمية الوطنية للتصميم. واحد كان بعنوان "فتاة". قد لا يكون هذا؟

وينسلو هومر

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

شون سكولي

لا يمكن احتواء عالم مارك شاغال أو تقييده بالتسميات التي نعلقها عليه. إنه عالم من الصور والمعاني التي تشكل خطابها الصوفي الرائع. بدأ Les Mariés sous le baldaquin (العروس والعريس تحت المظلة) مع دخول الفنان عامه ال 90 ، وهو رجل عرف المأساة والصراع ، لكنه لم ينس أبدا لحظات الحياة من المتعة الحماسية. هنا ، يتم إحضار المسرات الحالمة لحفل زفاف القرية الروسية بترتيباته من الحاضرين البالية إلينا بمثل هذا الذكاء السعيد والبراءة المبهجة التي لا تقاوم سحرها. باستخدام مستحلب ذهبي اللون يجمع بين الزيت والغواش المائي غير الشفاف ، يتم تغليف الدفء والسعادة والتفاؤل لوضعية شاغال المعتادة في إشراق مضيء يشير إلى تأثير الرموز الدينية ذات الأوراق الذهبية أو لوحة عصر النهضة المبكرة التي سعت إلى نقل انطباع النور الإلهي أو التنوير الروحي. قد يكون استخدام مزيج من الزيت والغواش أمرا صعبا. ولكن هنا ، في Les Mariés sous le baldaquin ، يوظفها شاغال لإعطاء المشهد جودة من عالم آخر ، كما لو أنه قد تحقق للتو من عين عقله. تخلق حساسيتها التركيبية انطباعا بأن الضوء ينبعث من العمل نفسه ويعطي جودة طيفية للشخصيات التي تطفو في السماء.

مارك شاغال

"La femme au tambourin" (1939) is one of Pablo Picasso’s greatest graphic works. Partially based on compositions by Degas and Poussin, the work exudes a strong Classical presence with a Modernist edge. Thought to be a depiction of Dora Maar, Picasso’s lover at the time, the print is highly coveted by institutional and private collectors. One impression from this edition is included in the permanent collection of the Museum of Modern Art, New York, and another is included in the National Gallery of Art, Washington, D.C.<br><br>Picasso’s experimentations in printmaking began in the first decade of the 20th century and engaged him for many decades, into the 1970s. In this time, Picasso embraced multiple methods of printmaking, including lithography, etching, aquatint, and linoleum block printing. His earliest prints were, like the present work, intaglio. With La femme au tambourin, Picasso incorporated the additional medium of aquatint, which yielded a watercolor-like effect throughout the composition and an extreme range of tonal qualities. This technique in particular afforded opportunities for expression that could not be found in painting. For his experimental reach and depth of mastery, Picasso’s corpus of graphic work is among the most highly respected and coveted in the history of art, rivaling that of Rembrandt.

بابلو بيكاسو

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

توم ويسلمان

ألبرت بيرستادت - البوابة الذهبية - زيت على قماش - 27 3/8 × 38 3/4 بوصة.

ألبرت بيرشتات

تعد صورة Théo van Rysselberghe Portrait de Sylvie Lacombe ، التي رسمت في عام 1906 ، تحفة كلاسيكية من قبل أحد أكثر رسامي الصور دقة واتساقا في عصره. اللون متناغم ، والفرشاة قوية ومصممة خصيصا لمهمتها المادية ، وجسدها ووجهها حقيقي وكاشف. الحاضنة هي ابنة صديقه العزيز ، الرسام جورج لاكومب ، الذي شارك في ارتباط وثيق مع غوغان ، وكان عضوا في Les Nabis مع الفنانين Bonnard و Denis و Vuillard ، من بين آخرين. نحن نعرف الآن عن سيلفي لاكومب لأن فان ريسلبرغ ماهرة جدا في تقديم تعبيرات الوجه الدقيقة ومن خلال الملاحظة الدقيقة والاهتمام بالتفاصيل ، قدمت رؤى حول عالمها الداخلي. لقد اختار نظرة مباشرة ، عينيها إلى عينيك ، عهدا لا مفر منه بين الموضوع والمشاهد بغض النظر عن علاقتنا الجسدية باللوحة. تخلى فان ريسلبرغ إلى حد كبير عن تقنية Pointillist عندما رسم هذه الصورة. لكنه استمر في تطبيق إرشادات نظرية الألوان باستخدام صبغات من اللون الأحمر - الوردي والماوفي - ضد اللون الأخضر لإنشاء لوحة محسنة متناغمة من الألوان التكميلية التي أضاف إليها لهجة قوية لجذب العين - قوس أحمر مشبع بشكل مكثف تم وضعه بشكل غير متماثل على جانب رأسها.

ثيو فان ريسلبرغ

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

لاري ريفرز

ليس من الصعب فهم كيف جاء ترتيب روبرت إنديانا الرائع المكون من صفين من أربعة أحرف للمساعدة في تمكين حركة خلال ستينيات القرن العشرين. نشأ أصله من التعرض العميق للدين ومن صديقه ومعلمه إلسورث كيلي ، الذي ترك أسلوبه ذو الحواف الصلبة ولونه الحسي غير المميز انطباعا دائما. ولكن كما صرخت إنديانا ، كانت لحظة كيسميت التي حدثت للتو عندما "الحب عضني!" وجاء التصميم له حادا ومركزا. إنديانا ، بالطبع ، وضعت التصميم من خلال العديد من الخطوات ، ثم بدأ الشعار في الظهور في كل مكان. الرسالة ، التي تم نقلها بشكل أفضل في النحت ، تقف في مدن في جميع أنحاء العالم وترجمت إلى عدة لغات ، ليس أقلها تكرارها الإيطالي ، "Amor" مع "O" المائل أيضا إلى اليمين. ولكن بدلا من الركل من قدم الحرف "L" ، يضفي هذا الإصدار تأثيرا متأرجحا بشكل جميل على الحرف "A" أعلاه. إنه يعطي انطباعا جديدا ، ولكن ليس أقل عمقا ، عن الحب وطبيعته المشحونة عاطفيا. في كلتا الحالتين ، يضفي حرف "O" المائل للحب عدم الاستقرار على تصميم مستقر بخلاف ذلك ، وهو إسقاط عميق لنقد إنديانا الضمني ل "العاطفة الجوفاء في كثير من الأحيان المرتبطة بالكلمة ، مما يشير مجازيا إلى الشوق وخيبة الأمل بلا مقابل بدلا من المودة السكرية" (روبرت إنديانا الأفضل: معرض استعادي مصغر ، نيويورك تايمز ، 24 مايو 2018). التكرار ، بالطبع له عادة سيئة تتمثل في تثبيط تقديرنا لعبقرية البساطة والتصميم الرائد. في وقت متأخر من الحياة ، أعربت إنديانا عن أسفها لأنها "كانت فكرة رائعة ، ولكنها أيضا خطأ فادح. أصبحت شعبية جدا. وهناك أشخاص لا يحبون الشعبية". لكننا نحن سكان عالم محفوف بالانقسام ومحاصر في الاضطرابات، شكرا لكم. "الحب" ونسخه العديدة هي تذكير قوي بقدرتنا على الحب ، وهذا هو أفضل أمل أبدي لنا في مستقبل أفضل.

روبرت إنديانا

سيد بلا منازع للحركة الانطباعية الجديدة البلجيكية المزدهرة من عام 1887 فصاعدا ، رسم ثيو فان ريسلبرغ هذه الصورة لزوجته ماريا (ني مونوم) خلال العقد الأول من القرن العشرين. لقد ضغط إلى الأمام من تأثير Whistler Tonalism ، والانطباعية ، و Pointillism of Seurat لإتقان فهم دقيق للغاية للون ، وأصداءه التوافقية ، وعرض دقيق للعناصر الرسمية. رسام مثالي ، ظلت الانطباعات البصرية القائمة على تفاعلات الألوان مصدر قلق رئيسي لفان ريسلبرغ. هنا ، حلت ضربات الألوان القصيرة محل النقاط الصغيرة ل Pointillist ، ونظام الألوان ليس هو نظام متجانس ومتناغم يتمتع الفنان بسمعة مستحقة عنه. بدلا من ذلك ، تقدم هذه الصورة نظرية الألوان بطريقة مختلفة تماما. يكمن اهتمامه البصري في التناقضات الديناميكية لكوافير زوجته الفضي ، وفستانها ذو اللون البلاتيني ، وعباءة المدفأة البيضاء الصارخة - وكلها تم تنظيمها داخل الحيوية البصرية للمحيط الذي تهيمن عليه الألوان الحمراء والخضراء التكميلية. إنه عرض محفز بصريا من قبل رسام فهم التأثير الديناميكي لنظام الألوان غير العادي هذا والذي رتب الحاضنة بلكنة قوية على قطري ونفذ الصيغة بحرفة ورشاقة رسام يتحكم بشكل كامل في أصوله الرسامة.

ثيو فان ريسلبرغ

Irving Norman's masterpiece, "The Human Condition," from 1980, draws upon the artist's lifetime of acquired experiences and knowledge. Surviving as a volunteer fighter during the Spanish Civil War, the artist returned to the United States after the loyalist defeat. Upon his return, fervent studio practice in Half Moon Bay, California, would become his life's devotion. <br><br>The present work, a nearly 16-foot-wide triptych, is reminiscent of Hieronymus Bosch's triptych, "The Garden of Earthly Delights," c. 1510. The dystopian vision portrayed in 'The Human Condition" is a warning - a lesson from the European dictatorships Norman experienced firsthand during the 1930s. Disturbing tableaus show the darkness of humanity and the evil that can rise to prominence when humanity is at its worst. There is hope, however, in the experience of the viewer: Norman thought of his audience as the greatest hope for humankind.

إيرفينغ نورمان

جان ميشيل باسكيات - بدون عنوان (تشريح الحمام) - زيت وجرافيت وطباشير على ورق - 22 × 30 بوصة.

جان ميشيل باسكيات

يتم تطوير شخصيات Nues بحرية حول شخصية odalisque المركزية بطريقة توحي بموضوع احتل بيكاسو في وقت مبكر من عام 1906 وهو الانغماس الأنثوي داخل بيئة الحريم. في وصف رسوماته المتأخرة ، أشار بيكاسو إلى أن "المرء لا يعرف أبدا ما الذي سيخرج ، ولكن بمجرد بدء الرسم ، تولد قصة أو فكرة ... أقضي ساعة بعد ساعة بينما أرسم ، وأراقب مخلوقاتي وأفكر في الأشياء المجنونة التي يقومون بها ... إنه أمر ممتع للغاية، صدقوني". ويثير نويس هذا التقييم، وهو عبارة عن مرح حر لا يمكن تحقيقه إلا لبيكاسو. من بين العديد من الوضعيات ، فإن الشكل المختصر الذي يسبح في المسبح ساحر بشكل خاص.

بابلو بيكاسو

MEL RAMOS - عارية تنزل درجا # 2 - زيت على قماش - 70 × 52 1/8 بوصة.

ميل راموس

بيير بونارد - أريكة سولاي - زيت على قماش - 14 1/2 × 22 1/2 بوصة.

بيير بونارد

جان ARP - النحت ميثيك - برونزي - 25 × 9 1/2 × 12 بوصة.

جان ارب

جورج روولت - كارلوتا - زيت على قماش - 15 7/8 × 12 1/4 بوصة.

جورج رول

إدوارد مونش - منزل على الساحل الأول - نقش خشبي على ورق منسوج مع إضافات يدوية بالألوان المائية للفنان - 16 × 23 بوصة.

إدفارد مونش

سالومون فان RUYSDAEL - المناظر الطبيعية الكثبان الرملية مع شخصيات يستريح وزوجين على ظهور الخيل، وجهة نظر من كاتدرائية نيميغن وراء - النفط على قماش - 26 1/2 × 41 1/2 في.

سالومون فان رويسدايل

ألفريد سيسلي - Vaches au paturage sur les bords de la Seine - باستيل على ورق - 11 1/4 × 15 1/2 بوصة.

ألفريد سسيلي

عشب ALPERT - أروهيد - البرونزية - 201 × 48 × 48 في.

عشب البير

غالبا ما تقترن سمعة رولدوف باور كسلف للتجريد غير الموضوعي بسمعة فاسيلي كاندينسكي. هذا المكان المقدس داخل أعظم الفنانين التجريديين مستحق تماما. ولكن للأفضل والأسوأ، يرتبط مكان باور في تاريخ الفن ارتباطا وثيقا بالعقد المشؤوم الذي وقعه مع سولومان آر غوغنهايم بتوجيه من حبيبته السابقة، هيلا ريباي. تم إنشاء Presto 10 في عام 1917 عندما كان باور لاعبا أساسيا في Galerie Der Sturm ، معرض برلين ، ومن المحتمل أن يكون قد عرض في أحد المعارض الفردية للفنان في 1917 و 1918 و 1920. كما كانت من بين اللوحات التي اختارها باور وهيلا ريباي لإدراجها في معرض نيويورك العالمي "فن الغد" الذي افتتح في 1 يونيو 1939. وهي مدرجة في الكتالوج الخامس لمجموعة سولومون آر غوغنهايم من اللوحات غير الموضوعية.

رودولف باور

كاميل بيسارو - Paysage avec batteuse a Montfoucault - باستيل على ورق موضوع على متن الطائرة - 10 3/8 × 14 3/4 بوصة.

كاميل بيسارو

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ألكسندر كالدر

جوان ميرو - L'Oiseau - برونزية وكتلة الرماد - 23 7/8 × 20 × 16 1/8 بوصة.

جوان ميرو

من بين العديد من الطوطم الروحية البرونزية التي صنعها هيرب ألبرت ، والطوطم الروحية ذات اللون الأسود الحريري ، فإن القليل منها لديه شعور ذكوري مميز للمحارب. يعلوه تاج تنازلي مسنن يمكن أن يشير بسهولة إلى قمة طائر جارح مثل غطاء رأس زعيم هندي في السهول ، ولقب "المحارب" هو وصف مناسب يعالج سمات القوة والشجاعة والروح غير القابلة للكسر من بين أمور أخرى. مثل الكثير من أعمال هنري مور ، تعتمد هذه الجمعيات ، جزئيا ، على الفضاء السلبي لخلق الانطباع الديناميكي والقوي الذي يصنعه هذا التمثال الهائل.

عشب البير

جوزيف ستيلا - متكأ عارية - النفط على قماش - 50 × 52 1/2 في.

جوزيف ستيلا

جيرارد كورتيس ديلانو - معسكر نافاجو - زيت على لوحة - 23 1/2 × 29 1/2 بوصة.

جيرارد كورتيس ديلانو

رودولفو موراليس - بدون عنوان - زيت على قماش - 37 1/4 × 39 1/4 بوصة.

رودولفو موراليس

© 2023 مؤسسة كالدر ، نيويورك / جمعية حقوق الفنانين (ARS) ، نيويورك

ألكسندر كالدر

© 2023 مؤسسة كالدر ، نيويورك / جمعية حقوق الفنانين (ARS) ، نيويورك

ألكسندر كالدر

أندي وارهول هو مرادف للفن الأمريكي في النصف الثاني من القرن 20th ومعروف لصوره الشهيرة والمنتجات الاستهلاكية، ومزج الثقافة الشعبية والفنون الجميلة، وإعادة تعريف ما يمكن أن يكون الفن وكيف نتعامل مع الفن. في حين أن العديد من أعمال وارهول قد لا تمثل أفرادا مشهورين ، فإن تصويره للأشياء غير الحية يرفع مواضيعه إلى مستوى من الشهرة. صور وارهول الأحذية لأول مرة في وقت مبكر من حياته المهنية عندما عمل كرسام أزياء وعاد إلى الموضوع في 1980s ، وجمع بين سحره مع النزعة الاستهلاكية والتألق. مع رغبته المستمرة في دمج الثقافة العالية والمنخفضة ، اختار وارهول تسليط الضوء على شيء منتشر في كل مكان مثل الأحذية. يمكن أن يشير الموضوع إلى الفقر أو الثروة أو الوظيفة أو الموضة. يسحر وارهول كومة الأحذية، ويغطيها بطبقة من غبار الماس اللامع، مما يزيد من طمس المعنى بين الحاجة النفعية وقطعة البيان المنمقة.

أندي وارهول

ايرفينغ نورمان--الاكاديميه--النفط علي قماش--110 x 90 في.

إيرفينغ نورمان

فريدريك كارل فريسكي - هيل آت جيفرني - زيت على قماش - 25 1/4 × 31 1/4 بوصة.

فريدريك كارل فريزيكي

© 2023 مؤسسة كالدر ، نيويورك / جمعية حقوق الفنانين (ARS) ، نيويورك

ألكسندر كالدر

بول جينكينز -- الظواهر عن طريق العودة -- الاكريليك على قماش -- 104 3 /4 × 49 5 / 8 في.

بول جنكينز

[روس] [بلكننر] مشهوره امريكيه حبل لوثق مركب الذي اعمال مرجع خسارة, ذاكره, وتغير مثل استكشافات من الخلية اثناء ال [ايدس] وباء أو ردا علي آبه سرطان تشخيص. وكان المعرض MoMA 1965 الذي جلب الفن المرجع إلى الصدارة, العين المستجيبة وشملت الفنانين ريتشارد انوشكيفيتش, تاداسكي, وفرانسيس Celentano, كان له تاثير عميق عليه كفنان. هذه اللوحة ، مثل اعماله الأخرى غامره ، واسعه النطاق ، وانتزاع قويه ، والمنومة ، وتاثير مذهل. جماليا ، والمزهريات Bleckner استكشاف الإدراك-البصرية والعاطفية ، والمادية ، والوقت. [بلكننر] جزء من ال نفسه جيل من وصديقات مع جوليان [سكهنبل], دايفيد [سالي], [اريك] [فيش], وبيتر [هللي], كل من الذي رجع تصويري تقنيه إلى القماش.

روس بليكنر

© 2023 مؤسسة كالدر ، نيويورك / جمعية حقوق الفنانين (ARS) ، نيويورك

ألكسندر كالدر

ايرفينغ نورمان--وداع--النفط علي قماش--90 x 100 في.

إيرفينغ نورمان

ANSEL ADAMS - شروق الشمس الشتوي ، سييرا نيفادا من لون باين - طباعة فضية جيلاتينية - 18 3/4 × 22 3/4 بوصة.

أنسل آدامز

مارك كوين - Lovebomb - صفح الصورة على الألومنيوم - 108 1/4 × 71 3/4 × 37 3/4 بوصة.

مارك كوين

JAN JOSEPHSZOON فان GOYEN - المناظر الطبيعية النهر مع طاحونة وكنيسة - النفط على لوحة - 22 1/2 × 31 3/4 في.

يان جوزيفسون فان غوين

ايرفينغ نورمان-الطواطم-النفط علي قماش-72 x 110 في.

إيرفينغ نورمان

ديبورا باترفيلد هو نحات أمريكي ، اشتهر بمنحوتاتها من الخيول المصنوعة من الأشياء التي تتراوح بين الخشب والمعادن وغيرها من الأشياء التي عثر عليها. قطعه 1981 ، بدون عنوان (الحصان) ، وتتالف من العصي والورق علي المحرك الأسلاك. النطاق المثير للإعجاب لهذه القطعة يخلق تاثيرا ملحوظا في الشخص ، ويقدم مثالا صارخا علي موضوع باترفيلد الشهير. إنشات باترفيلد أصلا الخيول من الخشب والمواد الأخرى الموجودة في ممتلكاتها في بوزيمان ، مونتانا ورايت الخيول كصوره مجازيه ذاتية ، وتعدين الصدى العاطفي لهذه الاشكال.

ديبورا باترفيلد

عشب ألبرت - مستوحى - برونزي - 100 × 20 × 12 بوصة.

عشب البير

هيرب ألبرت - كونسيرت ماستر - برونزي - 93 × 14 بوصة.

عشب البير

آندي وارهول - جوته - بالشاشة الحريرية بالألوان - 38 × 38 بوصة.

أندي وارهول

إدغار ألوين باين - نافاجوس في الراحة - زيت على قماش - 19 1/2 × 23 1/2 بوصة.

إدغار ألوين باين

آندي وارهول - جوته - بالشاشة الحريرية بالألوان - 38 × 38 بوصة.

أندي وارهول

مرسيدس ماتر - لا تزال الحياة - زيت على قماش موضوع على متن الطائرة - 36 × 40 بوصة.

مرسيدس المسألة

ميلتون أفيري - قرية على البحر - ألوان مائية وقلم قصب وقلم رصاص على ورق - 21 1/2 × 30 1/4 بوصة.

ميلتون إيفري

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

فاليري جاودون

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

الصينية

أندي وارهول - سيارة فورد - الجرافيت على الورق - 11 1/2 × 15 3/4 بوصة.

أندي وارهول

ANSEL ADAMS - أسبن ، شمال نيو مكسيكو - طباعة فضية جيلاتينية - 15 1/4 × 19 1/4 بوصة.

أنسل آدامز

إدغار ألوين باين - قوارب البندقية في سوتو مارينو - زيت على لوحة - 23 3/8 × 26 1/4 بوصة.

إدغار ألوين باين

أوضح ريتشارد ديبنكورن ذات مرة، "تبدأ جميع اللوحات من مزاج، من علاقة مع الأشياء أو الناس، من انطباع بصري كامل". اشتهر ديبنكورن بدوره المميز في حركة الفن التصويري لمنطقة الخليج، وهو مضاد للتجريد الذي يهيمن على مدينة نيويورك بعد الحرب، وغالبا ما كان يتأرجح بين التجسيد والتجريد. في عام 1952، تولى منصب هيئة التدريس في جامعة إلينوي في أوربانا لمدة عام دراسي واحد. هناك، درس الرسم بداية لطلاب الهندسة المعمارية واستخدم واحدة من غرف النوم في منزله واستوديو. كانت هذه الفترة من 1952-1953 ، والمعروفة باسم سلسلة أوربانا ، وقتا مثمرا ومحوريا في تطوير أسلوب ديبنكورن. بدأ استكشافه المبتكر للتجسيد من خلال التجريد في هذه السنوات المبكرة الحاسمة وسيتجه إلى التحقيق الكامل في سلسلة أوشن بارك الشهيرة على نطاق واسع في أواخر الستينيات والثمانينيات.

ريتشارد ديبينكورن

أندي وارهول -- وعاء الفلفل من حساء كامبل -- screenprint في الألوان -- 35 × 23 في.

أندي وارهول

"Bouquets de Fleurs" (1901) is a glowing Post-Impressionist still life. As the revolutionary wave of Impressionism receded from its apex, artists such as Henri Manguin, Henri Matisse, Kees van Dongen, Louis Valtat, and others emerged as part of the new avant-garde in Europe. These “Fauves,” or roughly translated “wild beasts,” would attack their canvases with a bold and vibrant new palette. This completely new way of painting was not initially celebrated by critics, or the artistic elite, but is today recognized among the most innovative and original artistic movements of the 20th Century. <br><br>The present work, painted just before the revolution of Fauvism took hold, demonstrates a critical transitionary period in Modern Art. The subject is depicted with a masterful compositional sense and attention to spatial relationships. Manguin’s competency in composition would allow him to experiment freely with color during the first decade of the 20th Century. The slightly later but comparable Manguin still life “Flowers” (1915) is in the permanent collection of the Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.

هنري نغوين

واين ثيبود - علب الطلاء - الطباعة الحجرية بألوان على ورق منسوج - 38 3/4 × 29 1/8 بوصة.

واين ثيبود

إيلين دي كونينج - الماتادور - غواش على ورق - 7 3/4 × 9 1/2 بوصة.

إلين دي كونينغ

سيث كوفمان - Lignum Spire - برونزي مع زنجار أخضر - 103 1/2 × 22 × 17 بوصة.

سيث كوفمان

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

الصينية

ويليام ويندت - المناظر الطبيعية كاليفورنيا - زيت على قماش - 23 1/2 × 31 3/4 بوصة.

ويليام ويندت

آندي وارهول - بدون عنوان (زهور) - حبر وألوان مائية على ورق - 15 1/4 × 12 3/8 بوصة.

أندي وارهول

ANDY WARHOL - الظل (من الأساطير) - طباعة الشاشة الملونة مع غبار الماس على الورق - 37 1/2 × 37 1/2 في.

أندي وارهول

DONALD سلطان - #18 تيوليب الأصفر - النفط والقطران على الورق - 20 X 20 في.

دونالد سلطان

BLANCHE LAZZELL - دراسة رقم 4 ل "اللوحة الثانية عشرة" - غواش على الورق - 8 7/8 × 8 بوصة.

بلانش لازل

HERB ALPERT - توازن مضاد - برونزي - 28 × 28 بوصة.

عشب البير

HERB ALPERT - الطبيعة البشرية - برونز - 44 × 10 × 7 بوصة.

عشب البير

الذكاء الاصطناعي WEIWEI - "حكاية" الكراسي - الخشب - 49 × 45 × 17 1/2 في.

الذكاء الاصطناعي ويوي

جوليان أوبي - بيجو يخلع ملابسه 5 - طباعة الشاشة على ورق فيدريجوني سيريو - 20 1/2 × 38 1/8 بوصة.

جوليان أوبي

جوليان أوبي - بيجو يخلع ملابسه 8 - طباعة الشاشة على ورق فيدريجوني سيريو - 20 1/2 × 38 1/8 بوصة.

جوليان أوبي

كارل موريس - وايت فيلد - أكريليك على قماش - 75 × 63 بوصة.

كارل موريس

روس بليكنر - بدون عنوان - زيت على ورق فوتوغرافي - 37 1/2 × 24 3/4 بوصة.

روس بليكنر

هيرب ألبرت - جولدن دريمز - أكريليك على قماش - 48 × 72 بوصة.

عشب البير

عشب ألبرت - اسمع هذا الآن - أكريليك على قماش - 48 × 72 بوصة.

عشب البير

عشب ألبرت - ضد الريح - أكريليك على قماش - 48 × 72 بوصة.

عشب البير

أندري وارهول - كارولينا هيريرا - بولارويد، بولاكولور - 4 1/4 × 3 3/8 في.

أندي وارهول

ANDY WARHOL - Andy Warhol - الجيلاتين الفضة المطبوعة - 10 × 8 في.

أندي وارهول

ANDY WARHOL -- جورج -- بولارويد ، بولاكولور -- 4 1 / 4 × 3 3 / 8 في.

أندي وارهول

روي ليختنشتاين - كومة قش # 6 - مطبوعة حجرية - 13 1/4 × 23 1/2 بوصة.

روي ليشتنشتاين

روي ليختنشتاين - كومة قش # 4 - مطبوعات حجرية - 13 1/4 × 23 1/2 بوصة.

روي ليشتنشتاين

بول جنكنز-بدون عنوان-ألوان المائية والحبر علي الورق-29 3/4 x 42 3/4 في.

بول جنكينز

هيرب ألبرت - الأوبزرفر - أكريليك على قماش - 60 × 36 بوصة.

عشب البير

HERB ALPERT - ذكريات مكسورة - أكريليك على قماش - 60 × 36 بوصة.

عشب البير

HERB ALPERT - مجرد حلم بعيد - أكريليك على قماش - 60 × 36 بوصة.

عشب البير

MICAELA AMATO - الكاميرون فتاة - يلقي الزجاج - 16 × 12 × 10 1/2 في.

ميكايلا أماتو

جون بالديساري - الصف الأمامي (عيد الحب) - 17 بصمة شاشة ملونة - 37 3/4 × 33 3/4 بوصة.

جون بالديساري

جون MILLEI -- بدون عنوان -- النفط على mylar -- 24 × 28 في.

جون ميلي

جوزيف الحلاقين-صياغة: المفصلي-طباعه الشاشة-12 × 14 5/8 في. ea.

جوزيف ألبرس

جوزيف الحلاقين-صياغة: المفصلي-طباعه الشاشة-10 × 13 في ea.

جوزيف ألبرس

جوزيف الحلاقون-صياغة: المفصلي-طباعه الشاشة-9 1/8 x 13 7/8 في. ea.

جوزيف ألبرس

JOSEF ALBERS - Formulation: Articulation - screenprint - 11 3/4 x 11 3/4 in. ea.

جوزيف ألبرس

ملفين مارتينيز - فقاعة - وسائل الإعلام المختلطة على الورق - 14 × 18 في.

ميلفين مارتينيز

جوزيف ALBERS - صياغة: صياغة - طباعة الشاشة - 10 × 12 7/8 في.

جوزيف ألبرس

جورج اورتمان-عشره اعمال X عشره رسامين-طباعه الشاشة-24 × 20 في.

جورج أورمان

جوزيف الحلاقين--صياغة: المفصلي--طباعه الشاشة--12 7/8 x 15 3/4 في.

جوزيف ألبرس

جوزيف الحلاقين-صياغة: المفصلي-طباعه الشاشة-8 1/4 × 17 في.

جوزيف ألبرس

جوزيف الحلاقين--صياغة: المفصلي--طباعه الشاشة--12 1/4 x 12 1/4 في.

جوزيف ألبرس

الاستفسار

العودة إلى الأعلى