جولة في معرض بالم ديزرت مع توم فينديتي – موسم 2022/2023

نشرت في: معرض جولات

انضم إلى مدير الفنون الجميلة هيذر جيمس ، توم فينديتي ، وهو يقوم بجولة في معرضنا الرئيسي في بالم ديزرت ، كاليفورنيا. نشعر بأننا محظوظون لوجود توم. قبل انضمامه إلى هيذر جيمس للفنون الجميلة ، أمضى توم 14 عاما كمدير أول للفنون في مجموعة بول ألين المذهلة ، التي سجلت مؤخرا العديد من الأرقام القياسية الجديدة في مزاد علني في عرض مظفر لقوة سوق الفن.

تسعى هيذر جيمس للفنون الجميلة إلى تقديم مجموعة واسعة من الفنون ذات الأهمية التاريخية والجاذبية الجمالية ولا يمكننا التفكير في أي شخص أكثر قدرة على تقديم رؤى حول كلود مونيه مع تقديم منظور مستنير بسلاسة حول وصول جديد رائع من قبل واين ثيبود. نأمل أن تستمتع برحلة توم المنسقة عبر العديد من الأنواع والفنانين المتميزين وأن تبلغك وتلهمك بزيارة موقع Palm Desert لمشاهدة المجموعة شخصيا.

يسرنا أن نعلن عن ساعات الشتاء في موقعنا في بالم ديزرت في 455188 بورتولا أفينيو: من الاثنين إلى السبت من الساعة 9:00 صباحا حتى الساعة 5:00 صباحا.

وفقا لسبب الكتالوج الذي جمعه متحف نهر برانديواين للفنون ، تم الانتهاء من الرسم الأولي لصيادي سمك القد البيوريتاني بواسطة N. C Wyeth قبل وفاته في أكتوبر 1945. يسجل الإدخال صورة للرسم بالإضافة إلى نقوش الفنان وعنوانه ، Puritan Cod Fishers ، الذي يصفه الكتالوج بأنه "بديل". في كلتا الحالتين ، فإن اللوحة القماشية واسعة النطاق هي عمل فريد من نوعه تذكر أندرو وايث لاحقا أنه تم رسمه بيده فقط ، وهو تعاون محدد لتصميم الأب وتكوينه أتى ثماره من خلال إعدام ابن رائع. بالنسبة لأندرو ، لا بد أنها كانت تجربة عاطفية وشعورية عميقة. نظرا لاهتمام والده بالتفاصيل والأصالة ، فإن خطوط المراكب الشراعية الصغيرة تمثل الكراث المستخدم خلال القرن السادس عشر. من ناحية أخرى ، من المحتمل أن يكون أندرو قد عمق ألوان البحر المضطرب أكثر مما قد يكون لدى والده ، وهو خيار يزيد بشكل مناسب من الطبيعة المحفوفة بالمخاطر للمهمة.

أندرو وايث & ن.C. وايث

N.C. Wyeth’s extraordinary skills as an illustrator were borne of impeccable draftsmanship and as a painter, his warmly rich, harmonious sense of color, and ability to capture the quality of light itself. But it is his unmatched artistry in vivifying story and character with a powerful sense of mood that we admire most of all — the ability to transport himself to the world and time of his creation and to convey it with a beguiling sense of conviction. That ability is as apparent in the compositional complexities of Treasure Island’s “One More Step, Mr. Hands!” as it is here, in the summary account of a square-rigged, seventeenth-century merchant ship tossed upon the seas. The Coming of the Mayflower in 1620 is a simple statement of observable facts, yet Wyeth’s impeccable genius as an illustrator imbues it with the bracing salt air and taste that captures the adventuresome spirit of the men and women who are largely credited with the founding of America. That spirit is carried on the wind and tautly billowed sails, the jaunty heeling of the ship at the nose of a stiff gale, the thrusting, streamed-limned clouds, and the gulls jauntily arranged to celebrate an arrival as they are the feathered angels of providence guiding it to safe harbor.<br><br>The Coming of the Mayflower in 1620 was based on two studies, a composition drawing in graphite and a small presentation painting. The finished mural appears to have been installed in 1941.

N.C. WYETH

خلال أوائل سبعينيات القرن التاسع عشر ، رسم وينسلو هومر في كثير من الأحيان مشاهد من البلاد التي تعيش بالقرب من قرية صغيرة تشتهر لأجيال لمواقفها الرائعة من القمح ، وتقع بين نهر هدسون وكاتسكيلز في ولاية نيويورك. يشتهر هيرلي اليوم بإلهام أحد أعظم أعمال هوميروس ، Snap the Whip الذي رسمه صيف عام 1872. من بين العديد من اللوحات الأخرى المستوحاة من المنطقة ، فإن Girl Standing in the Wheatfield غنية بالمشاعر ، ولكنها ليست عاطفية للغاية. يتعلق الأمر مباشرة بدراسة رسمت عام 1866 في فرنسا بعنوان ، في حقول القمح ، وأخرى رسمت في العام التالي بعد عودته إلى أمريكا. لكن هوميروس كان بلا شك أكثر فخرا بهذا. إنها صورة ، ودراسة أزياء ، ولوحة من النوع في التقليد العظيم للرسم الرعوي الأوروبي ، وجولة ذات إضاءة خلفية دراماتيكية ، وجولة في الغلاف الجوي غارقة في ضوء الساعة الكئيب الذي يتلاشى بسرعة والمدعوم بنوتات لامب ومنمقة ولمسات سنبلة القمح. في عام 1874 ، أرسل هوميروس أربع لوحات إلى معرض الأكاديمية الوطنية للتصميم. واحد كان بعنوان "فتاة". قد لا يكون هذا؟

وينسلو هومر

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show,  "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York.  <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier.  <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

غيرهارد ريختر

<div>In the mid-1920s, Rufino Tamayo embarked on the crucial development phase as a sophisticated, contemporary colorist. In New York, he encountered the groundbreaking works of Picasso, Braque, and Giorgio de Chirico, along with the enduring impact of Cubism. Exploring painterly and plastic values through subjects sourced from street scenes, popular culture, and the fabric of daily life, his unique approach to color and form began to take shape. It was a pivotal shift toward cosmopolitan aesthetics, setting him apart from the nationalist fervor championed by the politically charged narratives of the Mexican Muralist movement.  By focusing on the vitality of popular culture, he captured the essential Mexican identity that prioritized universal artistic values over explicit social and political commentary. The approach underscored his commitment to redefining Mexican art on the global stage and highlighted his innovative contributions to the modernist dialogue. </div><br><br><div> </div><br><br><div>Like Cézanne, Tamayo elevated the still life genre to some of its most beautifully simple expressions. Yet high sophistication underlies the ease with which Tamayo melds vibrant Mexican motifs with the avant-garde influences of the School of Paris. As "Naturaleza Muerta" of 1935 reveals, Tamayo refused to lapse into the mere decoration that often characterizes the contemporary School of Paris art with which his work draws comparisons. Instead, his arrangement of watermelons, bottles, a coffee pot, and sundry items staged within a sobering, earthbound tonality and indeterminant, shallow space recalls Tamayo's early interest in Surrealism. An overlayed square matrix underscores the contrast between the organic subjects of the painting and the abstract, intellectualized structure imposed upon them, deepening the interpretation of the artist's exploration of visual perception and representation. In this way, the grid serves to navigate between the visible world and the underlying structures that inform our understanding of it, inviting viewers to consider the interplay between reality and abstraction, sensation and analysis.</div>

RUFINO TAMAYO

ليس من الصعب فهم كيف جاء ترتيب روبرت إنديانا الرائع المكون من صفين من أربعة أحرف للمساعدة في تمكين حركة خلال ستينيات القرن العشرين. نشأ أصله من التعرض العميق للدين ومن صديقه ومعلمه إلسورث كيلي ، الذي ترك أسلوبه ذو الحواف الصلبة ولونه الحسي غير المميز انطباعا دائما. ولكن كما صرخت إنديانا ، كانت لحظة كيسميت التي حدثت للتو عندما "الحب عضني!" وجاء التصميم له حادا ومركزا. إنديانا ، بالطبع ، وضعت التصميم من خلال العديد من الخطوات ، ثم بدأ الشعار في الظهور في كل مكان. الرسالة ، التي تم نقلها بشكل أفضل في النحت ، تقف في مدن في جميع أنحاء العالم وترجمت إلى عدة لغات ، ليس أقلها تكرارها الإيطالي ، "Amor" مع "O" المائل أيضا إلى اليمين. ولكن بدلا من الركل من قدم الحرف "L" ، يضفي هذا الإصدار تأثيرا متأرجحا بشكل جميل على الحرف "A" أعلاه. إنه يعطي انطباعا جديدا ، ولكن ليس أقل عمقا ، عن الحب وطبيعته المشحونة عاطفيا.  في كلتا الحالتين ، يضفي حرف "O" المائل للحب عدم الاستقرار على تصميم مستقر بخلاف ذلك ، وهو إسقاط عميق لنقد إنديانا الضمني ل "العاطفة الجوفاء في كثير من الأحيان المرتبطة بالكلمة ، مما يشير مجازيا إلى الشوق وخيبة الأمل بلا مقابل بدلا من المودة السكرية" (روبرت إنديانا الأفضل: معرض استعادي مصغر ، نيويورك تايمز ، 24 مايو 2018). التكرار ، بالطبع له عادة سيئة تتمثل في تثبيط تقديرنا لعبقرية البساطة والتصميم الرائد. في وقت متأخر من الحياة ، أعربت إنديانا عن أسفها لأنها "كانت فكرة رائعة ، ولكنها أيضا خطأ فادح. أصبحت شعبية جدا. وهناك أشخاص لا يحبون الشعبية". لكننا نحن سكان عالم محفوف بالانقسام ومحاصر في الاضطرابات، شكرا لكم. "الحب" ونسخه العديدة هي تذكير قوي بقدرتنا على الحب ، وهذا هو أفضل أمل أبدي لنا في مستقبل أفضل.

روبرت إنديانا

جوليان شنابل - بدون عنوان - زيت وشمع على قماش القنب - 120 × 96 بوصة.

جوليان شنابل

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Fernando Botero's legendary ascension as an international sensation began when Museum of Modern Art curator Dorothy Miller stumbled upon his Greenwich Village studio in 1961 and purchased "<em>Mona Lisa, Age Twelve</em>." His trademark portly figures and playful, lighthearted humor became known as "Boterismo." More importantly, the art leaving his easel revealed an unbridled respect for the Old Masters, the compelling chiaroscuro of a Zurbarán still life, the sfumato of da Vinci, and always the craftsmanship of van Eyck, Dürer, or Rubens. Botero continues that thread of technical mastery with "<em>L'Atelier de Sánchez Cotán</em>" even as he reshapes these classical themes through his unique lens. A mixed media collage and oil on canvas, the work pays homage to the Spanish Baroque still life painter Juan Sánchez Cotán by subverting and modernizing the traditional still life genre. Botero captures Cotán's hyperrealism with a surreal, almost whimsical aesthetic. An oversized apple suspended on a string dominates the composition, a nod to Cotán's meticulously arranged still life paintings, known for the striking suspended effect of fruit or vegetables. Botero's rendition, however, imbues the scene with a sense of playfulness and detachment from reality, as seen in the box-like contraption, resembling a stage or a viewing device containing miniature versions of objects within the painting. The stark, flat backdrop, devoid of Cotán's characteristic chiaroscuro, accentuates the sense of artifice.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Fernando Botero's death on September 15, 2023, was a significant loss for the art world. Although his roots are deeply Colombian, his appeal is global, coupling commercial success with critical acclaim—a balance few artists have achieved. Works such as “<em>L'Atelier de Sánchez Cotán</em>” are not just whimsical or aesthetic; they prompt the viewer to appreciate the enduring dialogue between tradition and innovation, showcasing an artist of great technical finesse and mastery.</font></div>

فرناندو بوتيرو

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Born in 1982, French native and Brooklyn-based artist Julie Curtiss is celebrated for her beguiling paintings that reimagine a surrealist's conceptual and aesthetic principles for the contemporary era. Her work draws heavily on the Surrealist fascination with Freudian psychology and the subconscious, themes championed by figures like André Breton and Louis Aragon. By blending these Surrealist influences with the dreamlike, graphic qualities reminiscent of the Chicago Imagists, Curtiss creates a visual language that is both referential and distinctly hers. Her imagery often focuses on deconstructing the female form and symbolically representing stereotypical feminine aesthetics, echoing the work of early 20th-century female Surrealists who used dreamlike settings and humor to explore and critique the female experience.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black><em>“D'apres l'Olympia”</em> epitomizes Curtiss's painterly approach to 21st-century sexuality, combining a distinctive yet referential visual lexicon that has earned her international acclaim. By destabilizing the art historical trope of the female nude and reinterpreting Manet's iconic painting of the same name, Curtiss melds elements of French modernism with the graphic sensibilities she developed after moving to Tokyo in 2006, where she honed her signature comic book-like aesthetic. The large red shoes—a striking departure from Manet's original—introduce a sense of humor, simultaneously evoking pop-cultural references while critiquing stereotypical femininity. These oversized, vivid shoes might symbolize the exaggerated expectations placed upon women or serve as a playful nod to the absurdity of societal norms. While her admiration for Manet is evident, it is Curtiss's ability to merge these historical references with contemporary concerns and aesthetics that makes<em> “D'apres l'Olympia”</em> a powerful commentary on the evolving nature of female.</font></div>

جولي كورتيس

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Camille Claudel's life story reflects an era when societal constraints often dimmed the brilliance of women; their genius was viewed as a threat to the male-dominated world. Most introductions to Claudel are steeped in misleading biographical details related to her as Rodin's assistant, mistress, or lover, associations that diminish her achievements as a first-rate sculptor whose work borrows little from Rodin in style or subject matter. Despite these challenges, Claudel's legacy has endured, celebrated through exhibitions, biographies, and films since her rediscovery in 1982. </font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black><em>“La Vague (The Wave),”</em> a remarkable sculpture of three women frolicking joyfully, embodies Claudel's passion for art and connection to nature. The women, their hair unruly like the sea, are depicted in a moment of freedom and abandon, yet the looming wave hints at the inevitable sorrow to come—a metaphor for Claudel's life, shadowed by fate. This piece, initially shown in plaster and later cast in bronze with an onyx marble wave, draws direct inspiration from Hokusai's <em>“The Great Wave,”</em> reflecting the Parisian fascination with Japanese art at the time. While <em>“La Vague”</em> showcases Claudel's technical mastery and the influence of Japanese aesthetics, it also poignantly symbolizes her acceptance of the overpowering forces of nature and the tragic course her life would ultimately take. This bronze, cast in 1997, is one of only two not held in a museum, further emphasizing the rarity of and reverence for Claudel's work.</font></div>

كاميل كلوديل

في "Nude Descending a Staircase No. 2" ، يتشابك ميل راموس بشكل هزلي بين إرث تحفة مارسيل دوشامب الحداثية مع الجماليات النابضة بالحياة لفن البوب ، مما يصوغ إعادة تفسير ذكية ومحفزة بصريا. من خلال الجمع بين حركة دوشامب التجريدية وأسلوبه المميز ، يخلق راموس حوارا ديناميكيا بين التقاليد الموقرة للفنون الجميلة والصفات الرسومية الجريئة للصور التجارية. يجسد هذا العمل مهارة راموس في التنقل في تاريخ الفن والثقافة المعاصرة ، باستخدام جاذبية العري الأنثوي لاستكشاف الهواجس المجتمعية بالجمال والرغبة والتسليع والسخرية منها. وبذلك، تصبح قطعة راموس مزيجا مثاليا من فن البوب، حيث تستمتع بارتباطها المرح مع دوشامب بينما تنتقد وتحتفل في الوقت نفسه بالثقافة البصرية في وقتها.

ميل راموس

تعد صورة Théo van Rysselberghe Portrait de Sylvie Lacombe ، التي رسمت في عام 1906 ، تحفة كلاسيكية من قبل أحد أكثر رسامي الصور دقة واتساقا في عصره. اللون متناغم ، والفرشاة قوية ومصممة خصيصا لمهمتها المادية ، وجسدها ووجهها حقيقي وكاشف. الحاضنة هي ابنة صديقه العزيز ، الرسام جورج لاكومب ، الذي شارك في ارتباط وثيق مع غوغان ، وكان عضوا في Les Nabis مع الفنانين Bonnard و Denis و Vuillard ، من بين آخرين. نحن نعرف الآن عن سيلفي لاكومب لأن فان ريسلبرغ ماهرة جدا في تقديم تعبيرات الوجه الدقيقة ومن خلال الملاحظة الدقيقة والاهتمام بالتفاصيل ، قدمت رؤى حول عالمها الداخلي. لقد اختار نظرة مباشرة ، عينيها إلى عينيك ، عهدا لا مفر منه بين الموضوع والمشاهد بغض النظر عن علاقتنا الجسدية باللوحة. تخلى فان ريسلبرغ إلى حد كبير عن تقنية Pointillist عندما رسم هذه الصورة. لكنه استمر في تطبيق إرشادات نظرية الألوان باستخدام صبغات من اللون الأحمر - الوردي والماوفي - ضد اللون الأخضر لإنشاء لوحة محسنة متناغمة من الألوان التكميلية التي أضاف إليها لهجة قوية لجذب العين - قوس أحمر مشبع بشكل مكثف تم وضعه بشكل غير متماثل على جانب رأسها.

ثيو فان ريسلبرغ

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

إلين دي كونينغ

يوسع فيلم كاثرين جروس "بلا عنوان" لعام 2016 تقديرنا للفنانة التي تجلب نفس الطاقة والجرأة والتجاهل للتقاليد التي شوهدت في منشآتها المعمارية الضخمة إلى الوسيط التقليدي للرسم على القماش. ينفجر اللون ، ويرتفع من سطح معقد وغني بالطبقات من التطبيقات المصبوبة للطلاء التي تعمل أو ترش أو تتناثر ، والحجاب الشفاف المشع ، والأشرطة المتداخلة من اللون الضبابي لخلق انتقالات متدرجة ناعمة. والنتيجة هي انطباع رائع عن العمق المكاني والأبعاد الثلاثية. لكنها أيضا جولة قوة تكشف عن تألق جروس في مزج الفوضى والسيطرة والعفوية والنية. تخلق مجموعة تقنياتها حوارا مقنعا بين العرضي والمتعمد ، وهي سمة مميزة لأسلوبها الفريد.

كاثرينا غروس

Mel Ramos is best known for his paintings of superheroes and female nudes juxtaposed with pop culture imagery. Many of the subjects in his paintings emerge from iconic brands or cultural touchstones like Chiquita bananas, M&M bags, or Snickers. In these works, visual delight is combined with suggested edible and commercial indulgence.<br><br>Leta and the Hill Myna diverges from some of Ramos’ other nudes. Here Ramos depicts his wife, whom he spoke of as his greatest muse. Like his works depicting superheroes, Leta and the Hill Myna is imbued with mythos and lore. Myna birds are native to South Asia where some are taught to speak, often to recite religious. Furthermore, playing on his wife’s name and the avian theme, Ramos is referencing the famous tale of Leda and the Swan in which Zeus embodies a bird to rape Leda. The story has been reinterpreted throughout history, including by great artists such as Paul Cezanne, Cy Twombly and Fernando Botero. With this depiction, Ramos places himself in that same art historical lineage.

ميل راموس

عشب ALPERT - أروهيد - البرونزية - 201 × 48 × 48 في.

عشب البير

After disappointing sales at Weyhe Gallery in 1928, Calder turned from sculpted wire portraits and figures to the more conventional medium of wood. On the advice of sculptor Chaim Gross, he purchased small blocks of wood from Monteath, a Brooklyn supplier of tropical woods. He spent much of that summer on a Peekskill, New York farm carving. In each case, the woodblock suggested how he might preserve its overall shape and character as he subsumed those attributes in a single form.  There was a directness about working in wood that appealed to him. Carved from a single block of wood, Woman with Square Umbrella is not very different from the subjects of his wire sculptures except that he supplanted the ethereal nature of using wire with a more corporeal medium.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ألكسندر كالدر

من بين العديد من الطوطم الروحية البرونزية التي صنعها هيرب ألبرت ، والطوطم الروحية ذات اللون الأسود الحريري ، فإن القليل منها لديه شعور ذكوري مميز للمحارب. يعلوه تاج تنازلي مسنن يمكن أن يشير بسهولة إلى قمة طائر جارح مثل غطاء رأس زعيم هندي في السهول ، ولقب "المحارب" هو وصف مناسب يعالج سمات القوة والشجاعة والروح غير القابلة للكسر من بين أمور أخرى.  مثل الكثير من أعمال هنري مور ، تعتمد هذه الجمعيات ، جزئيا ، على الفضاء السلبي لخلق الانطباع الديناميكي والقوي الذي يصنعه هذا التمثال الهائل.

عشب البير

يتميز فيلم Rouge Mouille (Wet Red) لألكسندر كالدر بخلفية من الدوائر الحمراء ، بعضها يتفرق مثل الانفجارات ، مما يخلق إحساسا بالتوسع النشط ، والبعض الآخر يركض لأسفل كما لو كان يتدفق مسارات عرض الألعاب النارية. تم تزيين هذه الخلفية المتحركة بالعديد من الكرات المستديرة غير الشفافة ، والتي يغلب عليها اللون الأسود ، ولكنها تتخللها كرات زرقاء وحمراء وصفراء مذهلة. يجسد الموقع الاستراتيجي للكرات الملونة مقابل اللون الأحمر المتفجر رهبة ومشهد عرض الألعاب النارية ، مما يحول اللوحة إلى استعارة بصرية لهذا الحدث المبهر والاحتفالي. يتردد صدى العمل الفني بالإثارة والحيوية ، ويغلف جماله سريع الزوال في وسط ثابت.

ألكسندر كالدر

إيرفينغ نورمان - كيف الحال - لوحة زيتية على قماش - 90 × 60 بوصة.

إيرفينغ نورمان

تتميز سلسلة منحوتات فرانك ستيلا في بالي بأشكال عائمة ومتدفقة ، تمتد إلى مساحة المشاهد وتدعو إلى التفاعل بين الكائن وبيئته. يعكس "dadap" ، وهو نوع من الأشجار المرتبطة بالنمو والأهمية الطقسية في الثقافة البالية ، الطبيعة العضوية والديناميكية لمنحوتات ستيلا. في التحول إلى الفولاذ المقاوم للصدأ والألمنيوم من الخيزران ، حافظت ستيلا على الطبيعة الأساسية لجماليات بالي التي تمجد الأشكال العضوية والسائلة وتتفاعل ديناميكيا مع مساحتها. يقدم داداب استمرارية في استكشاف ستيلا الموضوعي حيث تتجاوز روح عمله المادية. يوفر المعدن نسيجا مختلفا وانعكاسا وتفاعلا مع الضوء والفضاء ، لكنه يلتزم بمبادئ الحركة والتفاعل. إنه نقل إبداعي للشكل والمفهوم عبر وسائط مختلفة ، مع الاحتفاظ بروح الإلهام الأولي مع السماح لخصائص المادة الجديدة بالتعبير عن هذه الأفكار في سياق جديد.

فرانك ستيلا

بول جينكينز -- الظواهر عن طريق العودة -- الاكريليك على قماش -- 104 3 /4 × 49 5 / 8 في.

بول جنكينز

كان مانويل نيري شخصية محورية في الحركة التصويرية لمنطقة الخليج في الستينيات. بدلا من الأشكال المجردة، أكدت المجموعة العاطفة من خلال قوة الشكل البشري. يستكشف العمل الحالي، "بدون عنوان" (1982)، الشكل الأنثوي على نطاق بحجم الحياة.  فضل نيري العمل مع عارضة أزياء واحدة فقط طوال حياته المهنية التي استمرت 60 عاما، ماريا جوليا كليمينكو. غياب وجه في العديد من المنحوتات يضيف عنصر الغموض والغموض. محور التكوين في "بدون عنوان" هو هيكل وشكل الشكل.  مانويل نيري ممثل في العديد من مجموعات المتاحف في جميع أنحاء العالم، بما في ذلك معرض أديسون / أكاديمية فيليبس. مجموعة أندرسون في جامعة ستانفورد؛ معهد الفنون في شيكاغو؛ مركز كانتور للفنون، جامعة ستانفورد؛ متحف سينسيناتي للفنون; متحف كروكر للفنون، ساكرامنتو، كاليفورنيا؛ متحف دنفر للفنون، متحف إل باسو للفنون، تكساس؛ متاحف الفنون الجميلة في سان فرانسيسكو; متاحف الفنون بجامعة هارفارد; متحف هيرشهورن وحديقة النحت، واشنطن، .C. متحف هونولولو للفنون، ومتحف متروبوليتان للفنون، نيويورك، والمعرض الوطني للفنون، واشنطن العاصمة.

مانويل نيري

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice.  <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

إيرفينغ نورمان

ابنة النحات البسيط توني سميث، لا يقتصر فن كيكي على وسيط واحد أو تقنية واحدة، وغالباً ما تدعو أعمالها إلى تفسيرات متعددة. يجسد كلوب شكل وأبعاد الساق البشرية، العنصر الأساسي للحركة والثبات. ويدعو عنوان سميث المشاهد إلى إعادة تخيل الساق كسلاح والنظر في هشاشة الحالة الإنسانية، وديناميكيات القوة في استقلالية الجسد، والتفاعل المعقد بين القوة والضعف. ينقل هذا التحويل لجزء من الجسد إلى غرض الحماية والعدوان في آنٍ واحد ويعكس كيفية تنقل الأجساد الخاصة بالجنسين في بيئتنا الاجتماعية والشخصية. يجسد كلوب قدرة سميث على ابتكار أعمال غنية بالرمزية ومفتوحة للتأويل ومثيرة للتفكير في التجربة الإنسانية.

كيكي سميث

عندما يستلقي الحصان ، فذلك لأنه يشعر بالأمان ، وهو ، بالنسبة لديبورا باترفيلد ، طريقة للقول إنه لا بأس في جعل أنفسنا عرضة للخطر. "الصدى" ، الذي تم بناؤه بطرق تحترم مهاراتها في البحث عن الطعام وقدرتها على لحام الأعمال المعدنية ، لا يلتزم بالتصوير التقليدي للحصان ولكنه يكشف بدلا من ذلك عن شيء من طبيعته الأساسية. مصنوعة من صفائح فولاذية مجمعة معا ، بعضها متموج ، والبعض الآخر مطوي أو مجعد ، وهي قطعة تحمل علامة الزمن ، وعمرها إلى الزنجار البني الصدأ ، والعيوب التي يتم الاحتفال بها بدلا من إخفائها. يضيف اختيار باترفيلد المتعمد للمواد ومعالجتها عمقا وشخصية ، ويحول Untitled ، Echo إلى أكثر من مجرد تمثيل للخيول - إنه يعكس الجمال القوي ومرونة الذي يمثله.

ديبورا باترفيلد

سيد بلا منازع للحركة الانطباعية الجديدة البلجيكية المزدهرة من عام 1887 فصاعدا ، رسم ثيو فان ريسلبرغ هذه الصورة لزوجته ماريا (ني مونوم) خلال العقد الأول من القرن العشرين. لقد ضغط إلى الأمام من تأثير Whistler Tonalism ، والانطباعية ، و Pointillism of Seurat لإتقان فهم دقيق للغاية للون ، وأصداءه التوافقية ، وعرض دقيق للعناصر الرسمية. رسام مثالي ، ظلت الانطباعات البصرية القائمة على تفاعلات الألوان مصدر قلق رئيسي لفان ريسلبرغ. هنا ، حلت ضربات الألوان القصيرة محل النقاط الصغيرة ل Pointillist ، ونظام الألوان ليس هو نظام متجانس ومتناغم يتمتع الفنان بسمعة مستحقة عنه. بدلا من ذلك ، تقدم هذه الصورة نظرية الألوان بطريقة مختلفة تماما. يكمن اهتمامه البصري في التناقضات الديناميكية لكوافير زوجته الفضي ، وفستانها ذو اللون البلاتيني ، وعباءة المدفأة البيضاء الصارخة - وكلها تم تنظيمها داخل الحيوية البصرية للمحيط الذي تهيمن عليه الألوان الحمراء والخضراء التكميلية. إنه عرض محفز بصريا من قبل رسام فهم التأثير الديناميكي لنظام الألوان غير العادي هذا والذي رتب الحاضنة بلكنة قوية على قطري ونفذ الصيغة بحرفة ورشاقة رسام يتحكم بشكل كامل في أصوله الرسامة.

ثيو فان ريسلبرغ

بدأت أعمال مانويل نيري الورقية المبكرة في تقنية النحت ، ويعكس نهجه في رسم منحوتاته مشاركته العميقة مع الإمكانات التعبيرية للون والشكل. يخلق اختيار الألوان ووضعها في Hombre Colorado II استجابة عميقة بشكل خاص تعكس فهمه الدقيق للبعد النفسي والعاطفي للون. يعكس Hombre Colorado II ، الذي تم تصوره وإنتاجه في عام 1958 ، وقتا انخرط فيه نيري وزوجته جوان براون في تبادل فني غني للإبداع وساهما بشكل كبير في تطور أساليبهما والحركة التصويرية لمنطقة الخليج ، حيث لعبوا أدوارا حيوية.

مانويل نيري

"حلم داخل حلم" هي سلسلة مهمة من اللوحات والشاشات الحريرية التي رسمها ريان ماكجينيس والتي أخذت اسمها من قصيدة شهيرة لإدجار آلان بو. يستكشف مكغينيس موضوعات الإدراك والواقع والعقل الباطن، ويدمج مجموعة متنوعة من الرموز والزخارف، بما في ذلك الأشكال الهندسية والعناصر النباتية والزخارف التصويرية، والتي يرتبها في أنماط معقدة تبدو وكأنها تتبدل وتتحول أمام أعين المشاهد. يوحي العنوان بشعور من الغموض وعدم اليقين، مما يعكس الطبيعة المراوغة للواقع ونوعية الهروب من التجربة الإنسانية. من خلال الانخراط في موضوعات الإدراك والوهم يشجع ماكجينيس المشاهدين على التشكيك في افتراضاتهم حول العالم والنظر في إمكانية أن يكون الواقع أكثر مرونة وذاتية مما يبدو عليه.

رايان ماكجينيس

ديبورا باترفيلد هو نحات أمريكي ، اشتهر بمنحوتاتها من الخيول المصنوعة من الأشياء التي تتراوح بين الخشب والمعادن وغيرها من الأشياء التي عثر عليها. قطعه 1981 ، بدون عنوان (الحصان) ، وتتالف من العصي والورق علي المحرك الأسلاك. النطاق المثير للإعجاب لهذه القطعة يخلق تاثيرا ملحوظا في الشخص ، ويقدم مثالا صارخا علي موضوع باترفيلد الشهير. إنشات باترفيلد أصلا الخيول من الخشب والمواد الأخرى الموجودة في ممتلكاتها في بوزيمان ، مونتانا ورايت الخيول كصوره مجازيه ذاتية ، وتعدين الصدى العاطفي لهذه الاشكال.

ديبورا باترفيلد

قام جوزيف ستيلا ، الذي شكله موطنه إيطاليا واعتمد أمريكا ، بالتحقيق في مجموعة غير عادية من الأساليب والوسائط في الأعمال الفنية ذات التنوع والأصالة المذهلين. في عام 1911 ، ركب ستيلا الموجة الطليعية من الاتجاهات الفوفية والتكعيبية والمستقبلية ، لكنه كان الحداثي الأمريكي الوحيد الذي عاش يوما بعد يوم مع الأساتذة الإيطاليين القدامى. وضع والتعامل مع "مستلق عارية" يتعلق بسلسلة من الأعمال ستيلا رسمت خلال عشرينيات القرن العشرين تصور النساء مغر من مصادر أسطورية أو خيالية مثل "ليدا والبجعة" وأوندين ، حورية مائية جميلة من حكاية خرافية ألمانية رومانسية شهيرة في القرن 19. تم تصويره بدلا من ذلك بدون صور نباتية أو رمزية ، مستلق عارية ، رسمت في ثلاثينيات القرن العشرين ، يعكس بشكل أكثر ملاءمة ذلك الوقت الرصين.

جوزيف ستيلا

عشب ألبرت - مستوحى - برونزي - 100 × 20 × 12 بوصة.

عشب البير

إيرفينغ نورمان - لقطات - زيت على قماش - 40 × 90 بوصة.

إيرفينغ نورمان

خلال أواخر تسعينيات القرن العشرين ، بدأ مانويل نيري لتحويل العديد من المنحوتات الجصية إلى البرونز ، وكثيرا ما يعود إلى الأعمال السابقة لإنتاج عمليات تسليم متخيلة حديثا لكل قطعة. تستكشف هذه السلسلة ، التي لا يمكن تمييزها تقريبا في الشكل وتفاصيل السطح ، تأثير أنظمة الألوان المختلفة وصنع العلامات التي تتضمن إجراءات مختلفة ، بما في ذلك مواد الشق بالفرشاة أو الكشط أو الطبقات. من خلال تجربة تقنيات الوسم المختلفة ، يمكن لنيري استكشاف التفاعل بين الشكل واللون والملمس والضوء. في سياق الشكل الدائم رقم 3 ، قصر نيري لوحته على نظام ألوان مماثل ، مما أدى إلى ترقق الطلاء لإنشاء تدرجات دقيقة تعزز المظهر الخارجي الأنيق والمكرر للنحت.

مانويل نيري

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons.  <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

الصينية

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta.  The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes.  Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work.  Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta.  <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power.  Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist.  His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

سوبود غوبتا

مارك كوين - Lovebomb - صفح الصورة على الألومنيوم - 108 1/4 × 71 3/4 × 37 3/4 بوصة.

مارك كوين

إيرفينغ نورمان - رجل والوقت - لوحة زيتية على قماش - 58 × 30 بوصة.

إيرفينغ نورمان

تشارلز ARNOLDI -- لزجة الويكيت -- الاكريليك ، ومعجون النمذجة والعصي على الخشب الرقائقي -- 44 1 / 4 × 91 × 3 في.

تشارلز أرنولدي

يحظى واين ثيبود بالإعجاب على نطاق واسع كرسام. ومع ذلك ، فإن قدرته كرسام مقنعة بنفس القدر وواضحة بشكل خاص في الطباعة الحجرية ، وهي وسيلة توقيع يتم الاحتفال بها لتوثيق كل إيماءة للفنان. كما يوضح Paint Cans تماما ، توفر الطباعة الحجرية أيضا حرية وضع طبقات نصية وألوان لتحقيق تمثيل بارع لنوايا الفنان المفصلية. في التكوين ، تعرض "علب الطلاء" إحساس Thiebaud الشديد بالنظام ، المستمد من التركيز على النقاط المحورية وخطوط الاتجاه التي توضح الطرق الفريدة التي يمكنه من خلالها تسليط الضوء على مجموعة من العناصر اليومية. إنه عمل آخر يدهش المشاهد بأسلوبه ومهاراته التفصيلية للغاية.

واين ثيبود

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

ماكس بيليغريني

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

فاليري جاودون

عدد قليل من المشاهير يحددون 70s مثل فرح فوسيت. عضو مستأجر في البرنامج التلفزيوني "Charlie's Angels" ، أصبحت تسريحة شعرها الشهيرة المعروفة باسم "The Farrah" ، والتي تتميز بطبقات ناعمة ومتدفقة تؤطر الوجه ، بمظهر نطاط وضخم يتحقق من خلال قلب أطراف الطبقات إلى الخارج ، مظهرا مميزا للعقد. تمثل صورة وارهول فوسيت نفسها وتقدم تعليقا أوسع على الاتجاهات الاجتماعية والثقافية لتلك الفترة. الأكثر إقناعا ، تشهد هاتان الصورتان الرائعتان على ملامحها الطبيعية المشمسة واللياقة البدنية الصحية والرياضية التي تردد صداها كرمز للجمال المثالي خلال وقتها.

أندي وارهول

سيث كوفمان - Lignum Spire - برونزي مع زنجار أخضر - 103 1/2 × 22 × 17 بوصة.

سيث كوفمان

حمل آندي وارهول كاميرا بولارويد كمؤرخ لا هوادة فيه للحياة ولقاءاتها من أواخر خمسينيات القرن العشرين حتى وفاته في عام 1987. المجموعة الواسعة من Polaroids التي جمعها عفوية وغير مصقولة وغالبا ما تكون خام ، وتعمل كتاريخ لعصره ، على غرار الطريقة التي يعكس بها Instagram عصرنا الحالي. كان بإمكان شخص آخر التقاط هذه الصورة الذاتية ، وإنشاء اقتراح محجوب يطلب من المشاهد قبوله كصورة ذاتية ، أو ربما تم تحقيقه فقط بواسطة وارهول باستخدام ملحق مؤقت ذاتي خارجي. إنها صورة تحتفل بالجهاز الذي تحولت إليه حياة وارهول بشكل أساسي ، وهو تكريم تم تنظيمه بعناية لعلاقته بكاميرا بولارويد.

أندي وارهول

جوانا بوسيت دارت - بدون عنوان (دراسة الصحراء الحمراء) - أكريليك على لوح خشبي - 33 1/2 × 42 × 3/4 بوصة.

جوانا بوسيت-دارت

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons.  <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

الصينية

ANDY WARHOL -- ذاتية مع صورة (diptych) -- بولارويد ، بولاكولور -- 4 1 / 4 × 3 3 / 8 في.

أندي وارهول

روبرت NATKIN-أبولو XL-الأكريليك علي قماش-88 x 116 1/4 في.

روبرت ناتكين

"الداخلية" هي واحده من التراكيب موريس اسكينازي أكثر حداثة ، داعيا إلى الذهن عمل بونارد أو Vuillard. يظهر المشهد الحميم نموذج انثي عاريه ، ينظر اليه بشكل كبير في الملف الشخصي ، مما يشكل لرسام في استوديو مشمس. باب الغرفة مفتوح ، مما يعطي انطباعا بان المشاهد يسرق لمحه عن التفاعل الخاص بين الفنان والنموذج. مراه وضعت بذكاء علي الظهر من الباب المفتوح يكشف عن انعكاس الرسام ، الذي نحن من المفترض ان تاخذ كما Askenazy نفسه ، في العمل. Askenazy ياخذ عناية كبيره لتصوير تفاصيل الغرفة ، من العثماني منقوشة علي لوحات مؤطره علي الجدران ، كل فسيفساء من اللون الانطباعي.

موريس اسكينازي

ANDY WARHOL -- صورة ذاتية -- بولارويد ، بولاكولور -- 4 1 / 2 × 3 3 / 8 في.

أندي وارهول

ANDY WARHOL -- صورة ذاتية في السحب -- بولارويد -- 4 1 / 4 × 3 3 / 8 في.

أندي وارهول

ANDY WARHOL - الظل (من الأساطير) - طباعة الشاشة الملونة مع غبار الماس على الورق - 37 1/2 × 37 1/2 في.

أندي وارهول

The Queen of the Night drinks water from the clasped hands of faith, while two shepherds embrace each other, unaware of Jesus’ birth. Angels, portrayed almost translucently on the canvas, spray holy water and bring about the giving of gifts. A precious jewel is depicted in the right corner, while a humble basket of turkeys sits on the cape of the Madonna. Nearby rests a basket with a goldfinch, an ancient symbol, which is a harbinger of good luck for newborn babies. The baby Jesus, just as the clasped hands that the Queen drinks out of, represents faith – the angels have sprinkled with holy water and he will soon make himself known to the world.<br><br>“For me the faith in religion becomes faith in painting and will defeat the giants." – Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

ماكس بيليغريني

شاب وأمراه احتضان بعضها البعض, أمراه تحمل طفل, طفل نائم يحمل خيط اسود واحمر, أمراه شابه أخرى المداعبات, وملاك ينتشر أجنحتها في هذا الكولاج مثل تكوين. معا, هذه الشخصيات خلق السرد الذي الحب الشباب, مصير, وتتشابك الحياة: الطفل النائم يحمل خيط احمر وخيط اسود, تذكرنا الاسطوريه ثلاثه مصائر, الذي نسج الحياة والموت علي تلوح في الأفق. ترتبط هذه الخيوط جسديا لعشاق الشباب ، الذين يتبنون بعضهم البعض ، غير مدركين تماما لعقد ان الرضيع لديه عليها. أمراه تحمل طفلا يراقب حب الفتي والفتاه الشابة ، تماما كما يراقب مريم ويسوع البشر ويدافعون عنهم. دمج الروايات والرموز هو عنصر مشترك في oeuvre Pellegrini ، وأعرب ببراعة هنا.

ماكس بيليغريني

From the late 1990’s to the early 2000’s, Pellegrini returned to his paintings in the Life of an Anarchist series, “reworked them, constructed them in ‘layers,’ corrected them, initiated series or returned to iconographies of his past works.” These paintings, which are dedicated to Pellegrini’s wife Roberta, depict a woman who is free and positive, and are part of a long line of works in which there is an absolute female protagonist. (Sara D’Alessandro, “Biography,” in Max Pellegrini, ed. Danilo Eccher, 2014). Pellegrini had his wife in mind for these paintings, since “she considers herself an integrated anarchist, a woman with no prejudice but not fanatical or destructive.”<br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

ماكس بيليغريني

صور مرآة لشخصية محجبة تحتضن رجل عاري الصدر وملتحي، الذي هو تقريبا مثل الطفل في مكانته النسبية. يعكس احتضانهم احتضان بيتا لمايكل أنجلو، والعديد من الصور المماثلة للمسيح ومادونا. الظل الداكن من اللون الأزرق يلقي بظلاله على تكوين، بالتأكيد مؤشرا زمنيا، ولكن ربما إشارة إلى الفترة الزرقاء بيكاسو كذلك، المؤثر الرئيسي على العمل الفني Pellegrini. لوحات الحائط وراء الأرقام تصور مشاهد دينية، وتذكر المشاهد من الجدران الزجاجية الملون في الكنائس والمصلى. يضيء الضوء من النوافذ في المدينة أدناه، مضاءة أيضا من قبل اكتمال القمر الذروة فوق المناظر الطبيعية الجبلية.

ماكس بيليغريني

In an abstracted image of St. Peter’s basilica in Rome, Pellegrini returns to religious narratives to express his “anti-ideological and anti-pauperist” impression of the church and its relationship with faith (Antonio Monda, “Interview with Max Pellegrini). In the lower half of the painting, the birth of Jesus is the central focus, while the life of the church is highlighted in the upper half. According to Pellegrini, he depicted the birth of Jesus in the style of a baroque 18th century Neapolitan nativity scene that can be interpreted “as a feast for the birth of faith.” This faith is conceived of as “the material support for the Popes’ power and of the Church’s glory,” represented in this painting by the Pope clutching the moon in his hand. <br> <br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

ماكس بيليغريني

Provenance: <br>Heather James, CA<br>Private collection, NV (acquired from above May, 2000)

الصينية