جولة في معرض بالم ديزرت مع توم فينديتي – موسم 2022/2023

نشرت في: معرض جولات

انضم إلى مدير الفنون الجميلة هيذر جيمس ، توم فينديتي ، وهو يقوم بجولة في معرضنا الرئيسي في بالم ديزرت ، كاليفورنيا. نشعر بأننا محظوظون لوجود توم. قبل انضمامه إلى هيذر جيمس للفنون الجميلة ، أمضى توم 14 عاما كمدير أول للفنون في مجموعة بول ألين المذهلة ، التي سجلت مؤخرا العديد من الأرقام القياسية الجديدة في مزاد علني في عرض مظفر لقوة سوق الفن.

تسعى هيذر جيمس للفنون الجميلة إلى تقديم مجموعة واسعة من الفنون ذات الأهمية التاريخية والجاذبية الجمالية ولا يمكننا التفكير في أي شخص أكثر قدرة على تقديم رؤى حول كلود مونيه مع تقديم منظور مستنير بسلاسة حول وصول جديد رائع من قبل واين ثيبود. نأمل أن تستمتع برحلة توم المنسقة عبر العديد من الأنواع والفنانين المتميزين وأن تبلغك وتلهمك بزيارة موقع Palm Desert لمشاهدة المجموعة شخصيا.

يسرنا أن نعلن عن ساعات الشتاء في موقعنا في بالم ديزرت في 455188 بورتولا أفينيو: من الاثنين إلى السبت من الساعة 9:00 صباحا حتى الساعة 5:00 صباحا.

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

إلين دي كونينغ

<div><font face=Lato size=3 color=black>Known for his ability to blend traditional Japanese techniques with modern aesthetics, Hiroshi Senju's sublime depictions of bands of cascading veils of paint evoke sensations of tranquility and awe. Senju began exploring waterfall imagery in the early 1990s, pouring translucent pigment onto mulberry paper mounted on board, creating cascading movement. In this work, "<em>Waterfall," </em>he masterfully bonds ribbons of cascading water into two curtain-like ethereal panels. Senju's interest in synesthesia is undeniable. "<em>Waterfall</em>" conjures sound, smell, and feel sensations as much as the rushing water's appearance. In the present work, he placed these dynamic elements in a context that grounds the viewer's sense of place within the natural world. A wedge of blue in the upper left corner contrasts the otherwise monochromatic palette, providing a sky association bounded by a hillside or cliff (for which Senju is known). Additionally, as the cascading water descends, it reaches a destination expanse at the bottom of the picture plane, where the force of the water disperses into a fine mist at the point of contact, serving as a visual anchor. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Senju's finesse is evident throughout. He uses mulberry paper, a traditional Japanese material known for its delicate texture and strength. The paper's natural fibers absorb pigments in ways that create subtle gradients and fluidity, enhancing the visual effect of the cascading water. He employs traditional Nihonga techniques, such as layering washes to build depth and movement and utilizing varied brush strokes to achieve different effects. Additionally, he incorporates modern methods like the airbrush to apply fine mists of pigment, creating smooth and seamless gradients that mimic the delicate spray and vapor associated with cascading water.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Hiroshi Senju pays homage to the traditional art forms of his heritage while pushing the boundaries of contemporary art. His ability to convey the sublime through simplicity and abstraction makes this artwork a testament to his unique vision and artistic mastery. It stands as a serene reminder of nature's timeless beauty, captured through the ability of a master painter and artist.  </font></div>

هيروشي سنجو

عشب ALPERT - أروهيد - البرونزية - 201 × 48 × 48 في.

عشب البير

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Standing at an impressive 103 inches, this elegantly spare “Sonambient” sculpture by Harry Bertoia allows us to marvel at one of the finest artisans of his generation. This piece, the tallest in the series currently available here at Heather James Fine Art, features a precise arrangement of 36 slender tines in a 6 x 6 grid. This arrangement's uniformity and symmetry are visually captivating and crucial for the sculpture's acoustic properties. The rods, austere and uncapped by finials, have an aged patina with copper undertones, suggesting Bertoia's use of copper or a similar alloy known for its resonant qualities and distinctive coloration. Given the outstanding length of these rods, the attachment method is particularly noteworthy. Bertoia meticulously inserted each rod into individual holes in the base plate using precision drilling and securing techniques such as welding that ensured the rods were firmly anchored and stable, maintaining the structural integrity essential for consistent acoustic performance.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Beyond his uncompromising nature, Bertoia's work draws significant inspiration from natural elements. This sculpture's tall, slender rods evoke images of reeds or tall grasses swaying gently in the wind. This dynamic interaction between the sculpture and its environment mirrors the movement of plants, creating an immersive, naturalistic experience. Yet when activated or moved by air currents, the rods of this monumental work initiate metallic undertones that confirm its materiality without betraying its profound connection to the natural world.</font></div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Integrating technical precision and natural inspiration depends on exacting construction that ensures durability and acoustic consistency, while its kinetic and auditory nature imbues the piece with a sense of vitality. This fusion invites viewers to engage with the sculpture on multiple sensory levels, appreciating its robust craftsmanship and evocative, naturalistic qualities. Bertoia's ability to blend these elements results in a work that is both a technical marvel and a tribute to the beauty of the natural world.</font></div>

هاري بيرتويا

After disappointing sales at Weyhe Gallery in 1928, Calder turned from sculpted wire portraits and figures to the more conventional medium of wood. On the advice of sculptor Chaim Gross, he purchased small blocks of wood from Monteath, a Brooklyn supplier of tropical woods. He spent much of that summer on a Peekskill, New York farm carving. In each case, the woodblock suggested how he might preserve its overall shape and character as he subsumed those attributes in a single form.  There was a directness about working in wood that appealed to him. Carved from a single block of wood, Woman with Square Umbrella is not very different from the subjects of his wire sculptures except that he supplanted the ethereal nature of using wire with a more corporeal medium.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ألكسندر كالدر

This painting has remained in the same private collection since its creation.  Along with its companion work, "Untitled" (1991) was on display in the lobby of Chicago's Heller International Building at 500 West Monroe Street from the building's opening in 1992 until its renovation in 2015.<br><br>The November 2018 sale of Schnabel's "Large Rose Painting, (Near Van Gogh's Grave)" for $1.2 million at auction demonstrates a strong demand for the artist's work. This major sale was only the second-highest price paid for a Schnabel at auction: the record was set in November of 2017 when "Ethnic Type #14" sold for $1.4 million.  <br><br>A recent museum exhibition, "Julian Schnabel: Symbols of Actual Life" at the Legion of Honor, Fine Arts Museums of San Francisco, in 2018, featured several of Schnabel's large-scale paintings.

جوليان شنابل

JOHN CHAMBERLAIN - ASARABACA - رقائق ألومنيوم صناعية الوزن مع طلاء أكريليك وراتنج بوليستر - 20 × 23 × 22 بوصة.

جون تشامبرلين

يشتهر روجر براون بصوره الشخصية والخيالية في كثير من الأحيان ولوحاته المنمقة للغاية مع الأشكال والأشياء التي تعكس اهتمامه بالتجارب اليومية. يستكشف المطر الحمضي موضوعات الحياة الحديثة والتعليقات الاجتماعية التي تعكس دور الفنان في المجتمع وإمكانات الفن للتحريض على التغيير. على المستوى الشخصي ، قد يرمز موضوع المطر الحمضي إلى حالات عاطفية أو نفسية أكالة ، مثل الاكتئاب أو القلق أو الشعور بالإرهاق من ظروف خارجة عن سيطرة المرء. تماما كما كانت الأمطار الحمضية مشكلة بيئية غير مرئية إلى حد كبير ولكنها مدمرة ، فمن المحتمل أن تكون أزمة وباء فيروس نقص المناعة البشرية / الإيدز الناشئ قد حفزت براون على إنشاء العمل لمعالجة الحزن الشخصي ، ونقد الاستجابة غير الكافية من القادة السياسيين ، والدعوة إلى التعاطف والتفاهم والبحث الطبي.

روجر براون

أندي وارهول هو مرادف للفن الأمريكي في النصف الثاني من القرن 20th ومعروف لصوره الشهيرة والمنتجات الاستهلاكية، ومزج الثقافة الشعبية والفنون الجميلة، وإعادة تعريف ما يمكن أن يكون الفن وكيف نتعامل مع الفن. في حين أن العديد من أعمال وارهول قد لا تمثل أفرادا مشهورين ، فإن تصويره للأشياء غير الحية يرفع مواضيعه إلى مستوى من الشهرة. صور وارهول الأحذية لأول مرة في وقت مبكر من حياته المهنية عندما عمل كرسام أزياء وعاد إلى الموضوع في 1980s ، وجمع بين سحره مع النزعة الاستهلاكية والتألق. مع رغبته المستمرة في دمج الثقافة العالية والمنخفضة ، اختار وارهول تسليط الضوء على شيء منتشر في كل مكان مثل الأحذية. يمكن أن يشير الموضوع إلى الفقر أو الثروة أو الوظيفة أو الموضة. يسحر وارهول كومة الأحذية، ويغطيها بطبقة من غبار الماس اللامع، مما يزيد من طمس المعنى بين الحاجة النفعية وقطعة البيان المنمقة.

أندي وارهول

ابنة النحات البسيط توني سميث، لا يقتصر فن كيكي على وسيط واحد أو تقنية واحدة، وغالباً ما تدعو أعمالها إلى تفسيرات متعددة. يجسد كلوب شكل وأبعاد الساق البشرية، العنصر الأساسي للحركة والثبات. ويدعو عنوان سميث المشاهد إلى إعادة تخيل الساق كسلاح والنظر في هشاشة الحالة الإنسانية، وديناميكيات القوة في استقلالية الجسد، والتفاعل المعقد بين القوة والضعف. ينقل هذا التحويل لجزء من الجسد إلى غرض الحماية والعدوان في آنٍ واحد ويعكس كيفية تنقل الأجساد الخاصة بالجنسين في بيئتنا الاجتماعية والشخصية. يجسد كلوب قدرة سميث على ابتكار أعمال غنية بالرمزية ومفتوحة للتأويل ومثيرة للتفكير في التجربة الإنسانية.

كيكي سميث

"حلم داخل حلم" هي سلسلة مهمة من اللوحات والشاشات الحريرية التي رسمها ريان ماكجينيس والتي أخذت اسمها من قصيدة شهيرة لإدجار آلان بو. يستكشف مكغينيس موضوعات الإدراك والواقع والعقل الباطن، ويدمج مجموعة متنوعة من الرموز والزخارف، بما في ذلك الأشكال الهندسية والعناصر النباتية والزخارف التصويرية، والتي يرتبها في أنماط معقدة تبدو وكأنها تتبدل وتتحول أمام أعين المشاهد. يوحي العنوان بشعور من الغموض وعدم اليقين، مما يعكس الطبيعة المراوغة للواقع ونوعية الهروب من التجربة الإنسانية. من خلال الانخراط في موضوعات الإدراك والوهم يشجع ماكجينيس المشاهدين على التشكيك في افتراضاتهم حول العالم والنظر في إمكانية أن يكون الواقع أكثر مرونة وذاتية مما يبدو عليه.

رايان ماكجينيس

"A drawing is simply a line going for a walk."<br>-Paul Klee<br><br>A significant draftsman, Paul Klee's works on paper rival his works on canvas in their technical proficiency and attention to his modern aesthetic.  As an early teacher at the Bauhaus school, Klee traveled extensively and inspired a generation of 20th Century Artists.  <br><br>Klee transcended a particular style, instead creating his own unique visual vocabulary.  In Klee's work, we see a return to basic, geometric forms and a removal of artistic embellishment.  "Der Hafen von Plit" was once owned by Alfred H. Barr, Jr., the First Director of the Museum of Modern Art, New York.

بول كلي

ديبورا باترفيلد هو نحات أمريكي ، اشتهر بمنحوتاتها من الخيول المصنوعة من الأشياء التي تتراوح بين الخشب والمعادن وغيرها من الأشياء التي عثر عليها. قطعه 1981 ، بدون عنوان (الحصان) ، وتتالف من العصي والورق علي المحرك الأسلاك. النطاق المثير للإعجاب لهذه القطعة يخلق تاثيرا ملحوظا في الشخص ، ويقدم مثالا صارخا علي موضوع باترفيلد الشهير. إنشات باترفيلد أصلا الخيول من الخشب والمواد الأخرى الموجودة في ممتلكاتها في بوزيمان ، مونتانا ورايت الخيول كصوره مجازيه ذاتية ، وتعدين الصدى العاطفي لهذه الاشكال.

ديبورا باترفيلد

كان مانويل نيري شخصية محورية في الحركة التصويرية لمنطقة الخليج في الستينيات. بدلا من الأشكال المجردة، أكدت المجموعة العاطفة من خلال قوة الشكل البشري. يستكشف العمل الحالي، "بدون عنوان" (1982)، الشكل الأنثوي على نطاق بحجم الحياة.  فضل نيري العمل مع عارضة أزياء واحدة فقط طوال حياته المهنية التي استمرت 60 عاما، ماريا جوليا كليمينكو. غياب وجه في العديد من المنحوتات يضيف عنصر الغموض والغموض. محور التكوين في "بدون عنوان" هو هيكل وشكل الشكل.  مانويل نيري ممثل في العديد من مجموعات المتاحف في جميع أنحاء العالم، بما في ذلك معرض أديسون / أكاديمية فيليبس. مجموعة أندرسون في جامعة ستانفورد؛ معهد الفنون في شيكاغو؛ مركز كانتور للفنون، جامعة ستانفورد؛ متحف سينسيناتي للفنون; متحف كروكر للفنون، ساكرامنتو، كاليفورنيا؛ متحف دنفر للفنون، متحف إل باسو للفنون، تكساس؛ متاحف الفنون الجميلة في سان فرانسيسكو; متاحف الفنون بجامعة هارفارد; متحف هيرشهورن وحديقة النحت، واشنطن، .C. متحف هونولولو للفنون، ومتحف متروبوليتان للفنون، نيويورك، والمعرض الوطني للفنون، واشنطن العاصمة.

مانويل نيري

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons.  <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

الصينية

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing used the three glaze-colors were ochre or brown, green and clear. Glazed wares were much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons.  <br><br>This Sancai-Glazed Horse would have been an incredible status symbol for its owner and many have been lost to time. This sculpture is comparable to examples held in museum collections worldwide, including the Metropolitan Museum of Art, New York.

الصينية

وليد بيشتي - لوس كابالوس إن لا كونكويستا - بقايا زلة سيراميكا سورو مصبوبة من السيراميك والزجاج وصفيحة الحرق - 9 1/2 × 32 1/4 × 21 1/2 بوصة.

وليد بيشتي

<div><font face=Lato size=3 color=black>In Harry Bertoia's oeuvre, "<em>Willow</em>" stands apart as an extraordinary synthesis of natural inspiration and innovative metalwork. Its cascading strands of stainless-steel capture the weeping elegance of a willow tree's drooping branches while introducing a dynamic, interactive quality through its shimmering surface and subtle responsiveness to movement. The strands—whether referred to as "tinsels," "filaments," or "tendrils"—reflect the delicacy of natural forms, blending artistry with technical mastery.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Bertoia, a visionary sculptor with an unparalleled ability to transform industrial materials into organic beauty, likely employed meticulous processes to create "<em>Willow,</em>" cutting thin sheets of stainless steel into fine strips and expertly attaching them to a central core, positioning each strand to flow like water or sway like leaves in the breeze. The tactile quality of the strands, which respond to air currents or touch, invites the viewer into a contemplative engagement with the work, much like one might feel beneath the canopy of a willow tree.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>This piece epitomizes Bertoia's lifelong fascination with nature, stemming from his early years in the rural village of San Lorenzo, Italy. His sensitivity to the organic world continually informed his artistic practice, from his celebrated Sonambient sound sculptures to creations like “<em>Willow</em>, “which reimagine the relationship between form and environment. As he once said, "I no longer hold onto terms like music and sculpture. Those old distinctions have lost all their meaning."</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Once again , Bertoia captivates us by reaching beyond the traditional boundaries of sculpture, delivering a work that is as much a sensory experience as a visual one. It is a harmonious blend of natural inspiration and innovative artistry, a reminder of the sacred beauty found in the intersection of art and the natural world.</font></div>

هاري بيرتويا

عندما يستلقي الحصان ، فذلك لأنه يشعر بالأمان ، وهو ، بالنسبة لديبورا باترفيلد ، طريقة للقول إنه لا بأس في جعل أنفسنا عرضة للخطر. "الصدى" ، الذي تم بناؤه بطرق تحترم مهاراتها في البحث عن الطعام وقدرتها على لحام الأعمال المعدنية ، لا يلتزم بالتصوير التقليدي للحصان ولكنه يكشف بدلا من ذلك عن شيء من طبيعته الأساسية. مصنوعة من صفائح فولاذية مجمعة معا ، بعضها متموج ، والبعض الآخر مطوي أو مجعد ، وهي قطعة تحمل علامة الزمن ، وعمرها إلى الزنجار البني الصدأ ، والعيوب التي يتم الاحتفال بها بدلا من إخفائها. يضيف اختيار باترفيلد المتعمد للمواد ومعالجتها عمقا وشخصية ، ويحول Untitled ، Echo إلى أكثر من مجرد تمثيل للخيول - إنه يعكس الجمال القوي ومرونة الذي يمثله.

ديبورا باترفيلد

تشارلز ARNOLDI -- لزجة الويكيت -- الاكريليك ، ومعجون النمذجة والعصي على الخشب الرقائقي -- 44 1 / 4 × 91 × 3 في.

تشارلز أرنولدي

وليام WENDT -- لاغونا هيلز -- النفط على قماش -- 25 × 30 في.

ويليام ويندت

مارك كوين - Lovebomb - صفح الصورة على الألومنيوم - 108 1/4 × 71 3/4 × 37 3/4 بوصة.

مارك كوين

سيث كوفمان - Lignum Spire - برونزي مع زنجار أخضر - 103 1/2 × 22 × 17 بوصة.

سيث كوفمان

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons.  <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

الصينية

إدغار ألوين باين - قوارب البندقية في سوتو مارينو - زيت على لوحة - 23 3/8 × 26 1/4 بوصة.

إدغار ألوين باين

هاري Bertoia في الصفصاف النحت يتردد صداها كتعبير عن النعمة والحساسية; الصفات التي هي في حد ذاتها الجمعيات المعتادة لدينا مع الخصائص الجوهرية للسبائك التي يتم إجراؤها. هذا الإصدار مع وقف التنفيذ - النسخة النادرة من الصفصاف - يبدو أن لها وجود الذاتي علم; واحد أن المسرات في هذا التباين من الخصائص. ومع ذلك فإنه لا يدعو إلى شيء أكثر من المتعة الوجودية في مشاهدته.  التفكير في الصفصاف كإصدار مفصل بجرأة من كالدر إذا كان سيد الأخير أكثر العضوية أو استحضار corporeal في الاعتبار. علقت, هو يأمر منطقته بعد يحترم علاقته مكانيّة إلى محيطه. الضوء، والشكل، والفضاء – هذه هي الأدوات المفاهيمية للنحات. ولكن من آخر سوف نفكر في استخدام المواد العاكسة المرتبطة بسهولة أكبر مع عدم المرونة وقوة الشد لخلق باقة من خيوط المتتالية من الفولاذ المقاوم للصدأ، معلقة في الفضاء، مثل النباتات وجميلة جدا برشاقة؟

هاري بيرتويا

جوانا بوسيت دارت - بدون عنوان (دراسة الصحراء الحمراء) - أكريليك على لوح خشبي - 33 1/2 × 42 × 3/4 بوصة.

جوانا بوسيت-دارت

خلال أواخر تسعينيات القرن العشرين ، بدأ مانويل نيري لتحويل العديد من المنحوتات الجصية إلى البرونز ، وكثيرا ما يعود إلى الأعمال السابقة لإنتاج عمليات تسليم متخيلة حديثا لكل قطعة. تستكشف هذه السلسلة ، التي لا يمكن تمييزها تقريبا في الشكل وتفاصيل السطح ، تأثير أنظمة الألوان المختلفة وصنع العلامات التي تتضمن إجراءات مختلفة ، بما في ذلك مواد الشق بالفرشاة أو الكشط أو الطبقات. من خلال تجربة تقنيات الوسم المختلفة ، يمكن لنيري استكشاف التفاعل بين الشكل واللون والملمس والضوء. في سياق الشكل الدائم رقم 3 ، قصر نيري لوحته على نظام ألوان مماثل ، مما أدى إلى ترقق الطلاء لإنشاء تدرجات دقيقة تعزز المظهر الخارجي الأنيق والمكرر للنحت.

مانويل نيري

بدأت أعمال مانويل نيري الورقية المبكرة في تقنية النحت ، ويعكس نهجه في رسم منحوتاته مشاركته العميقة مع الإمكانات التعبيرية للون والشكل. يخلق اختيار الألوان ووضعها في Hombre Colorado II استجابة عميقة بشكل خاص تعكس فهمه الدقيق للبعد النفسي والعاطفي للون. يعكس Hombre Colorado II ، الذي تم تصوره وإنتاجه في عام 1958 ، وقتا انخرط فيه نيري وزوجته جوان براون في تبادل فني غني للإبداع وساهما بشكل كبير في تطور أساليبهما والحركة التصويرية لمنطقة الخليج ، حيث لعبوا أدوارا حيوية.

مانويل نيري

MEL RAMOS - لولا كولا؛ A.C. Annie؛ Della Monty؛ Tobacco Red - أربع مطبوعات حجرية ملونة أوفست - 30 3/4 × 25 1/4 بوصة لكل منهما.

ميل راموس

الذكاء الاصطناعي WEIWEI - "حكاية" الكراسي - الخشب - 49 × 45 × 17 1/2 في.

الذكاء الاصطناعي ويوي