Visite de la galerie Palm Desert avec Tom Venditti - Saison 2022/2023

PUBLIÉ DANS : Visites de galeries

Rejoignez le directeur artistique de Heather James, Tom Venditti, alors qu'il visite notre galerie phare à Palm Desert, en Californie. Nous avons de la chance d'avoir Tom. Avant de rejoindre Heather James Fine Art, Tom a passé 14 ans en tant que directeur artistique principal de l'époustouflante collection Paul Allen, qui a récemment établi plusieurs nouveaux records aux enchères, démontrant ainsi la force du marché de l'art.

Heather James Fine Art s'efforce d'offrir une large sélection d'œuvres d'art ayant une signification historique et un attrait esthétique et nous ne pouvons imaginer personne de plus capable de fournir des informations sur un Claude Monet tout en offrant une perspective éclairée sur une fabuleuse nouvelle œuvre de Wayne Thiebaud. Nous espérons que vous apprécierez le voyage de Tom à travers plusieurs genres et artistes de premier ordre et qu'il vous informera et vous incitera à visiter notre site de Palm Desert pour voir la collection en personne.

Nous sommes heureux d'annoncer nos horaires d'hiver dans notre établissement de Palm Desert, situé au 455188 Portola Avenue : Du lundi au samedi de 9h00 à 17h00.

Le 15 mai 1886, le manifeste visuel d'un nouveau mouvement artistique a vu le jour lorsque Georges Seurat a dévoilé son œuvre phare, Un dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte, à l'occasion de la huitième exposition impressionniste. Seurat peut se targuer d'être le premier "impressionniste scientifique", travaillant d'une manière qui sera connue sous le nom de pointillisme ou de divisionnisme. C'est cependant son ami et confident, Paul Signac, âgé de 24 ans, et leur dialogue constant qui ont conduit à une collaboration dans la compréhension de la physique de la lumière et de la couleur, et au style qui en a résulté. Signac était un peintre impressionniste sans formation, mais extrêmement talentueux, dont le tempérament était parfaitement adapté à la rigueur et à la discipline requises pour réaliser le travail laborieux et minutieux du pinceau et de la couleur. Signac assimile rapidement la technique. Il est également le témoin des deux années de travail ardu de Seurat, qui construit des myriades de couches de points de couleur non mélangés sur La Grande Jatte, une toile aux dimensions colossales. Ensemble, Signac, l'extraverti effronté, et Seurat, l'introverti secret, étaient sur le point de renverser le cours de l'impressionnisme et de changer le cours de l'art moderne.

PAUL SIGNAC

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

ALEXANDRE CALDER

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

ALFRED SISLEY

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

ALEXANDRE CALDER

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

EMIL NOLDE

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

TOM WESSELMANN

Au début des années 1870, Winslow Homer a souvent peint des scènes de la vie à la campagne près d'un petit hameau agricole réputé depuis des générations pour ses remarquables champs de blé, situé entre la rivière Hudson et les Catskills, dans l'État de New York. Aujourd'hui, Hurley est bien plus célèbre pour avoir inspiré l'une des plus grandes œuvres d'Homer, Snap the Whip, peinte au cours de l'été 1872. Parmi les nombreuses autres peintures inspirées par la région, Girl Standing in the Wheatfield est riche en sentiments, mais sans sentimentalisme excessif. Elle est directement liée à une étude peinte en France en 1866 et intitulée In the Wheatfields (Dans les champs de blé), ainsi qu'à une autre étude peinte l'année suivante, après son retour en Amérique. Mais Homère aurait sans doute été le plus fier de celle-ci. Il s'agit d'un portrait, d'une étude de costume, d'une peinture de genre dans la grande tradition de la peinture pastorale européenne, et d'un tour de force atmosphérique dramatiquement rétro-éclairé, imprégné de la lumière de l'heure qui s'estompe rapidement, avec des notes lambda et fleuries et des touches d'épis de blé. En 1874, Homer a envoyé quatre tableaux à l'exposition de la National Academy of Design. L'une d'entre elles était intitulée "Girl". Ne serait-ce pas celle-ci ?

WINSLOW HOMER

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

SEAN SCULLY (EN)

Le monde de Marc Chagall ne peut être contenu ou limité par les étiquettes que nous lui attachons. C'est un monde d'images et de significations qui forment leur propre discours splendidement mystique. Les Mariés sous le baldaquin a été entrepris alors que l'artiste entrait dans sa 90e année, un homme qui avait connu la tragédie et le conflit, mais qui n'avait jamais oublié les moments de plaisir de la vie. Ici, les délices rêveurs d'un mariage dans un village russe, avec ses arrangements de participants bien rodés, nous sont présentés avec un esprit si joyeux et une innocence si gaie qu'il est impossible de résister à son charme. En utilisant une émulsion dorée combinant l'huile et la gouache opaque à base d'eau, la chaleur, le bonheur et l'optimisme du positivisme habituel de Chagall sont enveloppés d'un éclat lumineux suggérant l'influence des icônes religieuses à feuilles d'or ou de la peinture du début de la Renaissance qui cherchait à donner l'impression d'une lumière divine ou d'une illumination spirituelle. L'utilisation d'une combinaison d'huile et de gouache peut s'avérer difficile. Mais ici, dans Les Mariés sous le baldaquin, Chagall l'utilise pour donner à la scène une qualité d'un autre monde, presque comme si elle venait de se matérialiser à partir de l'œil de son esprit. La finesse de sa texture donne l'impression que la lumière émane de l'œuvre elle-même et confère une qualité spectrale aux personnages qui flottent dans le ciel.

MARC CHAGALL

"La femme au tambourin" (1939) is one of Pablo Picasso’s greatest graphic works. Partially based on compositions by Degas and Poussin, the work exudes a strong Classical presence with a Modernist edge. Thought to be a depiction of Dora Maar, Picasso’s lover at the time, the print is highly coveted by institutional and private collectors. One impression from this edition is included in the permanent collection of the Museum of Modern Art, New York, and another is included in the National Gallery of Art, Washington, D.C.<br><br>Picasso’s experimentations in printmaking began in the first decade of the 20th century and engaged him for many decades, into the 1970s. In this time, Picasso embraced multiple methods of printmaking, including lithography, etching, aquatint, and linoleum block printing. His earliest prints were, like the present work, intaglio. With La femme au tambourin, Picasso incorporated the additional medium of aquatint, which yielded a watercolor-like effect throughout the composition and an extreme range of tonal qualities. This technique in particular afforded opportunities for expression that could not be found in painting. For his experimental reach and depth of mastery, Picasso’s corpus of graphic work is among the most highly respected and coveted in the history of art, rivaling that of Rembrandt.

PABLO PICASSO

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

TOM WESSELMANN

ALBERT BIERSTADT - Le Golden Gate - huile sur toile - 27 3/8 x 38 3/4 in.

ALBERT BIERSTADT

Le Portrait de Sylvie Lacombe, peint par Théo van Rysselberghe en 1906, est un chef-d'œuvre classique réalisé par l'un des portraitistes les plus raffinés et les plus cohérents de son époque. La couleur est harmonieuse, le pinceau vigoureux et adapté à sa tâche matérielle, son corps et son visage sont vrais et révélateurs. La personne représentée est la fille de son grand ami, le peintre Georges Lacombe, qui a partagé une association étroite avec Gauguin et a été membre des Nabis avec les artistes Bonnard, Denis et Vuillard, entre autres. Si nous connaissons aujourd'hui Sylvie Lacombe, c'est grâce à l'habileté de Van Rysselberghe à rendre les subtiles expressions du visage et, par une observation minutieuse et un souci du détail, à donner un aperçu de son monde intérieur. Il a choisi un regard direct, ses yeux vers les vôtres, une alliance inéluctable entre le sujet et le spectateur, quelle que soit notre relation physique avec le tableau. Van Rysselberghe avait largement abandonné la technique pointilliste lorsqu'il a peint ce portrait. Mais il a continué à appliquer les principes de la théorie des couleurs en utilisant des teintes de rouge - roses et mauves - contre des verts pour créer une palette harmonieuse et améliorée de couleurs complémentaires à laquelle il a ajouté un accent fort pour attirer le regard - un nœud rouge intensément saturé posé de manière asymétrique sur le côté de sa tête.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

RIVIÈRES LARGES

ROBERT INDIANA (EN)

Maître incontesté du mouvement néo-impressionniste belge en plein essor à partir de 1887, Théo van Rysselberghe a peint ce portrait de sa femme, Maria (née Monnom), au cours de la première décennie du XXe siècle. Après avoir subi l'influence du tonalisme de Whistler, de l'impressionnisme et du pointillisme de Seurat, il a perfectionné une compréhension très raffinée de la couleur et de ses résonances harmoniques, ainsi qu'un rendu méticuleux des éléments formels. Dessinateur exemplaire, les impressions optiques basées sur les interactions entre les couleurs sont restées l'une des principales préoccupations de Van Rysselberghe. Ici, de courtes touches de couleur ont remplacé les petits points d'un pointilliste, et la palette de couleurs n'est pas homogène et harmonieuse, comme le veut la réputation bien méritée de l'artiste. Au contraire, ce portrait fait progresser la théorie des couleurs d'une manière tout à fait différente. Son intérêt visuel repose sur les contrastes dynamiques de la coiffure argentée de sa femme, de sa robe couleur platine et du manteau de cheminée d'un blanc immaculé, le tout mis en scène dans l'éclat optique de l'environnement dominé par des rouges et des verts complémentaires. Il s'agit d'une démonstration visuellement stimulante d'un peintre qui a compris l'impact dynamique de cette combinaison de couleurs inhabituelle et qui a disposé le modèle avec un fort accent sur une diagonale et a exécuté la formule avec l'art et l'agilité d'un peintre en pleine possession de ses moyens picturaux.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Irving Norman's masterpiece, "The Human Condition," from 1980, draws upon the artist's lifetime of acquired experiences and knowledge. Surviving as a volunteer fighter during the Spanish Civil War, the artist returned to the United States after the loyalist defeat. Upon his return, fervent studio practice in Half Moon Bay, California, would become his life's devotion. <br><br>The present work, a nearly 16-foot-wide triptych, is reminiscent of Hieronymus Bosch's triptych, "The Garden of Earthly Delights," c. 1510. The dystopian vision portrayed in 'The Human Condition" is a warning - a lesson from the European dictatorships Norman experienced firsthand during the 1930s. Disturbing tableaus show the darkness of humanity and the evil that can rise to prominence when humanity is at its worst. There is hope, however, in the experience of the viewer: Norman thought of his audience as the greatest hope for humankind.

IRVING NORMAN (EN)

JEAN-MICHEL BASQUIAT - Sans titre (Anatomie de pigeon) - huile, mine de plomb et craie sur papier - 22 x 30 in.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

Les figures de Nues sont librement développées autour d'une odalisque centrale d'une manière qui suggère un thème qui occupait Picasso dès 1906, celui de l'indulgence féminine dans un harem. En décrivant ses dessins tardifs, Picasso a noté que "on ne sait jamais ce qui va sortir, mais dès que le dessin commence, une histoire ou une idée naît... Je passe des heures et des heures à dessiner, à observer mes créatures et à penser aux choses folles qu'elles font... C'est très amusant, croyez-moi". Nues est évocateur de cette appréciation, un ébat en roue libre comme seul Picasso sait le faire. Parmi les nombreuses poses, la figure abrégée qui nage dans la piscine est particulièrement charmante.

PABLO PICASSO

MEL RAMOS - Nu descendant un escalier #2 - huile sur toile - 70 x 52 1/8 in.

MEL RAMOS

PIERRE BONNARD - Soleil Couchant - huile sur toile - 14 1/2 x 22 1/2 in.

PIERRE BONNARD

JEAN ARP - Sculpture Mythique - bronze - 25 x 9 1/2 x 12 in.

JEAN ARP

GEORGES ROUAULT - Carlotta - huile sur toile - 15 7/8 x 12 1/4 in.

GEORGES ROUAULT

EDVARD MUNCH - House on the Coast I - gravure sur bois sur papier vélin avec ajouts à l'aquarelle par l'artiste - 16 x 23 in.

EDVARD MUNCH

SALOMON VAN RUYSDAEL - Paysage de dunes avec des personnages au repos et un couple à cheval, vue sur la cathédrale de Nimègue - huile sur toile - 26 1/2 x 41 1/2 in.

SALOMON VAN RUYSDAEL

ALFRED SISLEY - Vaches au paturage sur les bords de la Seine - pastel sur papier - 11 1/4 x 15 1/2 in.

ALFRED SISLEY

HERB ALPERT - Arrowhead - bronze - 201 x 48 x 48 po.

ALPERT HERB

La réputation de Ruldof Bauer en tant que précurseur de l'abstraction non-objective est le plus souvent associée à celle de Wassily Kandinsky. Cette place sacrée parmi les plus grands artistes abstraits est bien méritée. Mais, pour le meilleur et pour le pire, la place de Bauer dans l'histoire de l'art est inextricablement liée au contrat malheureux qu'il a signé avec Soloman R. Guggenheim, avec les conseils de son ancienne amante, Hilla Rebay. Presto 10 a été créé en 1917 alors que Bauer était un habitué de la Galerie Der Sturm, la galerie berlinoise, et a probablement été exposé lors de l'une des expositions personnelles de l'artiste en 1917, 1918 et 1920. Il a probablement été exposé lors de l'une des expositions personnelles de l'artiste en 1917, 1918 et 1920. Il fait également partie des peintures choisies par Bauer et Hilla Rebay pour figurer dans l'exposition "Art of Tomorrow" de l'Exposition universelle de New York, qui a ouvert ses portes le 1er juin 1939. Elle figure dans le cinquième catalogue de la collection Solomon R. Guggenheim de peintures non-objectives.

RUDOLF BAUER

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - pastel sur papier posé sur carton - 10 3/8 x 14 3/4 in.

PISSARRO CAMILLE

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronze et parpaing - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

JOAN MIRO (EN)

Parmi les nombreux totems spirituels d'Herb Albert, coulés en bronze et patinés d'un noir soyeux, rares sont ceux qui ont le caractère distinctement masculin de Warrior. Surmonté d'une couronne descendante dentelée qui pourrait aussi bien faire référence à la crête d'un oiseau de proie qu'à la coiffe d'un chef indien des Plaines, le titre de "guerrier" est une description appropriée qui évoque les attributs de la force, du courage et de l'esprit inébranlable, entre autres. À l'instar de l'œuvre d'Henry Moore, ces associations dépendent, en partie, de l'espace négatif pour créer l'impression dynamique et forte que dégage cette formidable sculpture.

ALPERT HERB

JOSEPH STELLA - Nu couché - huile sur toile - 50 x 52 1/2 in.

JOSEPH STELLA

GERARD CURTIS DELANO - Navajo Camp - huile sur panneau - 23 1/2 x 29 1/2 in.

GERARD CURTIS DELANO

RODOLFO MORALES - Sans titre - huile sur toile - 37 1/4 x 39 1/4 in.

RODOLFO MORALES

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

Andy Warhol est synonyme de l'art américain de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu pour ses portraits iconiques et ses produits de consommation, mêlant culture populaire et beaux-arts, redéfinissant ainsi ce que l'art pouvait être et la manière dont nous l'abordons. Si de nombreuses œuvres de Warhol ne représentent pas des personnes célèbres, ses représentations d'objets inanimés élèvent ses sujets à un niveau de célébrité. Warhol a représenté des chaussures pour la première fois au début de sa carrière, alors qu'il travaillait comme illustrateur de mode. Il est revenu à ce thème dans les années 1980, combinant sa fascination pour le consumérisme et le glamour. Dans son désir constant de fusionner la haute et la basse culture, Warhol a choisi de mettre en avant un objet aussi omniprésent que les chaussures. Le sujet peut dénoter la pauvreté ou la richesse, la fonction ou la mode. Warhol donne un aspect glamour à la pile de chaussures, en les recouvrant d'une patine de poussière de diamant brillante, brouillant encore plus le sens entre besoin utilitaire et pièce de style.

ANDY WARHOL (EN)

IRVING NORMAN - L'Académie - huile sur toile - 110 x 90 po.

IRVING NORMAN (EN)

FREDERICK CARL FRIESEKE - Colline à Giverny - huile sur toile - 25 1/4 x 31 1/4 in.

FREDERICK CARL FRIESEKE

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

PAUL JENKINS - Phénomènes par retour - acrylique sur toile - 104 3/4 x 49 5/8 in.

PAUL JENKINS (EN)

Ross Bleckner est un peintre américain célèbre dont les œuvres font référence à la perte, à la mémoire et au changement, comme l'exploration de la cellule pendant l'épidémie de sida ou en réponse au diagnostic de cancer de son père. L'exposition MoMA de 1965, qui a mis l'Op Art à l'avant-scène, The Responsive Eye, avec les artistes Richard Anuszkiewicz, Tadasky et Francis Celentano, a eu une profonde influence sur lui en tant qu'artiste. Cette peinture, comme ses autres œuvres immersives de grande envergure, produit un effet puissant, hypnotique et vertigineux. Esthétiquement agréables, les toiles de Bleckner explorent la perception - visuelle, émotionnelle, physique, temporelle. Bleckner fait partie de la même génération et est ami avec Julian Schnabel, David Salle, Eric Fischl et Peter Halley, qui sont tous revenus à la technique picturale sur la toile.

ROSS BLECKNER (EN)

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

IRVING NORMAN - Adieu - huile sur toile - 90 x 100 po.

IRVING NORMAN (EN)

ANSEL ADAMS - Winter Sunrise, Sierra Nevada from Lone Pine - épreuve à la gélatine argentique - 18 3/4 x 22 3/4 in.

ANSEL ADAMS

MARC QUINN - Lovebomb - photo laminée sur aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

MARC QUINN

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Paysage de rivière avec un moulin à vent et une chapelle - huile sur panneau - 22 1/2 x 31 3/4 in.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

IRVING NORMAN - Totems - huile sur toile - 72 x 110 po.

IRVING NORMAN (EN)

Deborah Butterfield est une sculptrice américaine, surtout connue pour ses sculptures de chevaux faites d'objets en bois, en métal et autres objets trouvés. La pièce de 1981, Untitled (Cheval), est composée de bâtons et de papier sur armature métallique. L'échelle impressionnante de cette pièce crée un effet remarquable en personne, présentant un exemple frappant du célèbre sujet de Butterfield. À l'origine, Butterfield a créé les chevaux à partir du bois et d'autres matériaux trouvés sur sa propriété à Bozeman, au Montana, et a vu les chevaux comme un autoportrait métaphorique, exploitant la résonance émotionnelle de ces formes.

DEBORAH BUTTERFIELD (EN)

HERB ALPERT - Inspiré - bronze - 100 x 20 x 12 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Concert Master - bronze - 93 x 14 in.

ALPERT HERB

ANDY WARHOL - Goethe - sérigraphie en couleurs - 38 x 38 in.

ANDY WARHOL (EN)

EDGAR ALWIN PAYNE - Navajos au repos - huile sur toile - 19 1/2 x 23 1/2 in.

EDGAR ALWIN PAYNE

ANDY WARHOL - Goethe - sérigraphie en couleurs - 38 x 38 in.

ANDY WARHOL (EN)

MERCEDES MATTER - Nature morte - huile sur toile posée sur carton - 36 x 40 in.

MERCEDES MATTER

MILTON AVERY - Village by the Sea - aquarelle, plume de roseau et crayon sur papier - 21 1/2 x 30 1/4 in.

MILTON AVERY

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

VALERIE JAUDON

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

CHINOIS

ANDY WARHOL - Voiture Ford - graphite sur papier - 11 1/2 x 15 3/4 in.

ANDY WARHOL (EN)

ANSEL ADAMS - Aspens, Northern New Mexico - épreuve à la gélatine argentique - 15 1/4 x 19 1/4 in.

ANSEL ADAMS

EDGAR ALWIN PAYNE - Bateaux vénitiens à Sotto Marino - huile sur panneau - 23 3/8 x 26 1/4 in.

EDGAR ALWIN PAYNE

Richard Diebenkorn a expliqué un jour : "Toutes les peintures partent d'une humeur, d'une relation avec les choses ou les gens, d'une impression visuelle complète." Connu pour son rôle déterminant dans le mouvement d'art figuratif de la Bay Area, un contre-pied à l'abstraction dominant le New York d'après-guerre, Diebenkorn a souvent oscillé entre figuration et abstraction. En 1952, il accepte un poste de professeur à l'université de l'Illinois à Urbana pour une année universitaire. Il y enseigne le dessin aux étudiants en architecture et utilise l'une des chambres de sa maison comme atelier. Cette période de 1952 à 1953, connue sous le nom de série Urbana, est une période productive et charnière dans le développement du style de Diebenkorn. Son exploration novatrice de la figuration à travers l'abstraction a débuté au cours de ces premières années cruciales et s'est pleinement concrétisée dans sa célèbre série Ocean Park à la fin des années 1960 et dans les années 1980.

RICHARD DIEBENKORN

ANDY WARHOL - Pepper Pot from Campbell's Soup - sérigraphie en couleurs - 35 x 23 in.

ANDY WARHOL (EN)

"Bouquets de Fleurs" (1901) is a glowing Post-Impressionist still life. As the revolutionary wave of Impressionism receded from its apex, artists such as Henri Manguin, Henri Matisse, Kees van Dongen, Louis Valtat, and others emerged as part of the new avant-garde in Europe. These “Fauves,” or roughly translated “wild beasts,” would attack their canvases with a bold and vibrant new palette. This completely new way of painting was not initially celebrated by critics, or the artistic elite, but is today recognized among the most innovative and original artistic movements of the 20th Century. <br><br>The present work, painted just before the revolution of Fauvism took hold, demonstrates a critical transitionary period in Modern Art. The subject is depicted with a masterful compositional sense and attention to spatial relationships. Manguin’s competency in composition would allow him to experiment freely with color during the first decade of the 20th Century. The slightly later but comparable Manguin still life “Flowers” (1915) is in the permanent collection of the Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.

HENRI MANGUIN

WAYNE THIEBAUD - Paint Cans - lithographie en couleurs sur papier vélin - 38 3/4 x 29 1/8 in.

WAYNE THIEBAUD

ELAINE DE KOONING - Le Matador - gouache sur papier - 7 3/4 x 9 1/2 in.

ELAINE DE KOONING

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - bronze à patine verte - 103 1/2 x 22 x 17 in.

SETH KAUFMAN

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons. <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

CHINOIS

WILLIAM WENDT - Paysage de Californie - huile sur toile - 23 1/2 x 31 3/4 in.

WILLIAM WENDT

ANDY WARHOL - Sans titre (Fleurs) - encre et aquarelle sur papier - 15 1/4 x 12 3/8 in.

ANDY WARHOL (EN)

ANDY WARHOL - The Shadow (from Myths) - sérigraphie couleur avec poussière de diamant sur papier - 37 1/2 x 37 1/2 in.

ANDY WARHOL (EN)

DONALD SULTAN - Tulipe jaune #18 - huile et goudron sur papier - 20 x 20 po.

DONALD SULTAN (EN)

BLANCHE LAZZELL - Etude n° 4 pour "Peinture XII" - gouache sur papier - 8 7/8 x 8 in.

BLANCHE LAZZELL

HERB ALPERT - Balance de comptoir - bronze - 28 x 28 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Human Nature - bronze - 44 x 10 x 7 in.

ALPERT HERB

AI WEIWEI - Chaises "Fairytale" - bois - 49 x 45 x 17 1/2 in.

AI WEIWEI

JULIAN OPIE - Bijou Gets Undressed 5 - sérigraphie sur papier Fedrigoni Sirio - 20 1/2 x 38 1/8 in.

OPIE JULIEN

JULIAN OPIE - Bijou Gets Undressed 8 - sérigraphie sur papier Fedrigoni Sirio - 20 1/2 x 38 1/8 in.

OPIE JULIEN

CARL MORRIS - White Field - acrylique sur toile - 75 x 63 in.

CARL MORRIS (EN)

ROSS BLECKNER - Sans titre - huile sur papier photographique - 37 1/2 x 24 3/4 in.

ROSS BLECKNER (EN)

HERB ALPERT - Golden Dreams - acrylique sur toile - 48 x 72 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Now Hear This - acrylique sur toile - 48 x 72 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Contre le vent - acrylique sur toile - 48 x 72 in.

ALPERT HERB

ANDY WARHOL - Carolina Herrera - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL (EN)

ANDY WARHOL - Andy Warhol - épreuve argentique sur gélatine - 10 x 8 in. ea.

ANDY WARHOL (EN)

ANDY WARHOL - George - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL (EN)

ROY LICHTENSTEIN - Haystack #6 - lithographie - 13 1/4 x 23 1/2 in.

ROY LICHTENSTEIN

ROY LICHTENSTEIN - Haystack #4 - lithographie - 13 1/4 x 23 1/2 in.

ROY LICHTENSTEIN

PAUL JENKINS - Sans titre - aquarelle et encre sur papier - 29 3/4 x 42 3/4 po.

PAUL JENKINS (EN)

HERB ALPERT - L'observateur - acrylique sur toile - 60 x 36 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Fractured Memories - acrylique sur toile - 60 x 36 in.

ALPERT HERB

HERB ALPERT - Just a Dream Away - acrylique sur toile - 60 x 36 in.

ALPERT HERB

MICAELA AMATO - Fille du Cameroun - verre moulé - 16 x 12 x 10 1/2 in.

MICAELA AMATO (EN)

JOHN BALDESSARI - Front Row (Valentine) - 17 sérigraphies couleur - 37 3/4 x 33 3/4 in.

JOHN BALDESSARI

JOHN MILLEI - Sans titre - huile sur mylar - 24 x 28 in.

JOHN MILLEI

JOSEF ALBERS - Formulation : Articulation - sérigraphie - 12 x 14 5/8 po ch.

ALBERS JOSEF

JOSEF ALBERS - Formulation : Articulation - sérigraphie - 10 x 13 po. ch.

ALBERS JOSEF

JOSEF ALBERS - Formulation : Articulation - sérigraphie - 9 1/8 x 13 7/8 po ea.

ALBERS JOSEF

JOSEF ALBERS - Formulation : Articulation - sérigraphie - 11 3/4 x 11 3/4 po. ch.

ALBERS JOSEF

MELVIN MARTINEZ - Bubble - médias mixtes sur papier - 14 x 18 po.

MARTINEZ MELVIN

JOSEF ALBERS - Formulation: Articulation - sérigraphie - 10 x 12 7/8 po.

ALBERS JOSEF

GEORGE ORTMAN - Ten Works X Ten Painters - sérigraphie - 24 x 20 po.

GEORGE ORTMAN

JOSEF ALBERS - Formulation : Articulation - sérigraphie - 12 7/8 x 15 3/4 po

ALBERS JOSEF

JOSEF ALBERS - Formulation : Articulation - sérigraphie - 8 1/4 x 17 po

ALBERS JOSEF

JOSEF ALBERS - Formulation : Articulation - sérigraphie - 12 1/4 x 12 1/4 po.

ALBERS JOSEF

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