パームデザートギャラリー ウォークスルー with トム・ヴェンディッティ - 2022/2023年シーズン

に掲載されました。ギャラリーツアー

ヘザー・ジェームズのファインアートディレクター、トム・ヴェンディッティと一緒に、カリフォルニア州パームデザートにある私たちのフラッグシップギャラリーを見学してみませんか？私たちはトムを迎えることができ、幸運だと感じています。ヘザー・ジェームス・ファインアートに入社する前は、14年間にわたり、ポール・アレン ・コレクションのシニア・ディレクターを務め、最近オークションでいくつかの新記録を樹立し、アート市場の強さを見せつけました。

Heather James Fine Artは、歴史的意義と美的魅力を兼ね備えた美術品を幅広く提供することに努めており、クロード・モネに関する洞察を提供する一方で、ウェイン・ティーボーの素晴らしい新着作品に関する情報を提供できるのは、私たち以外にいないと思っています。トムのキュレーションによる様々なジャンルや一流アーティストの作品をお楽しみいただき、パームデザートにお越しの際は、ぜひコレクションを直接ご覧ください。

パームデザート店（455188 Portola Avenue）の冬季営業時間をお知らせします。月曜日から土曜日の9:00から17:00まで。

ヘザー・ジェームス・パーム・デザートで展示中の作品

ブランディワイン・リバー美術館が編纂したカタログ・レゾネによると、『Puritan Cod Fishers』の下絵は、N. C. ワイエスが1945年10月に亡くなる前に完成させたものである。この項目には、スケッチの画像、画家の碑文、タイトル「Puritan Cod Fishers」が記録されており、カタログでは「代替」とされている。いずれにせよ、この大きなキャンバスはアンドリュー・ワイエスの手によって描かれたユニークな作品であり、父親のデザインと構図が、優れた息子の手によって結実した、明確な共同作業であったと後にアンドリュー・ワイエスは回想している。アンドリューにとって、それは深く感じられ、感動的な体験だったに違いない。父親の細部と本物へのこだわりを考えると、小さな帆船のラインは16世紀に使われていたエシャロットを表している。その一方で、アンドリューは、父親がしたかもしれない以上に、落ち着きのない海の色合いを深めたと思われ、その選択は、作業の危険な性質を適切に高めている。

アンドリュー・ワイス＆N.C.ワイス

N.C. Wyeth’s extraordinary skills as an illustrator were borne of impeccable draftsmanship and as a painter, his warmly rich, harmonious sense of color, and ability to capture the quality of light itself. But it is his unmatched artistry in vivifying story and character with a powerful sense of mood that we admire most of all — the ability to transport himself to the world and time of his creation and to convey it with a beguiling sense of conviction. That ability is as apparent in the compositional complexities of Treasure Island’s “One More Step, Mr. Hands!” as it is here, in the summary account of a square-rigged, seventeenth-century merchant ship tossed upon the seas. The Coming of the Mayflower in 1620 is a simple statement of observable facts, yet Wyeth’s impeccable genius as an illustrator imbues it with the bracing salt air and taste that captures the adventuresome spirit of the men and women who are largely credited with the founding of America. That spirit is carried on the wind and tautly billowed sails, the jaunty heeling of the ship at the nose of a stiff gale, the thrusting, streamed-limned clouds, and the gulls jauntily arranged to celebrate an arrival as they are the feathered angels of providence guiding it to safe harbor.<br><br>The Coming of the Mayflower in 1620 was based on two studies, a composition drawing in graphite and a small presentation painting. The finished mural appears to have been installed in 1941.

N.C. ワイス

1870年代初頭、ウィンスロー・ホーマーは、ニューヨーク州のハドソン川とキャッツキル山脈の間に位置する、小麦の栽培が盛んな小さな集落での田舎暮らしの風景を頻繁に描いていました。ハーリーといえば、1872年の夏に描かれたホーマーの代表作『鞭打ちのスナップ』のインスピレーション源として知られる。この地域からインスピレーションを得た他の多くの絵画の中でも、「麦畑に立つ少女」は情感に富んでいるが、過度に感傷的になることはない。この作品は、1866年にフランスで描いた習作「麦畑で」と、アメリカに戻った翌年に描いた別の作品に直接関連している。しかし、ホーマーが最も誇りに思ったのは間違いなくこの作品であろう。肖像画であり、衣装の習作であり、ヨーロッパの牧歌的な絵画の偉大な伝統に則った風俗画であり、ドラマチックな逆光と雰囲気のある力作で、すぐに消えてしまう宵闇の時間に、花の香りと麦の穂のタッチで浮き立たせた。1874年、ホーマーはナショナル・アカデミー・オブ・デザイン展に4点の絵画を出品した。そのうちの1枚に「少女」というタイトルがつけられていた。それはこの作品ではないだろうか？

ウィンスロー・ホーマー

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.  

トム・ヴェッセルマン

ロバート・インディアナの4文字の2列配置が、1960年代のムーブメントにどのような影響を与えたかは、想像に難くない。その原点は、宗教に深く触れ、友人であり師であったエルズワース・ケリーの硬質なスタイルと官能的でアクセントのない色彩が印象に残ったことにある。しかし、インディアナが「LOVEが私を噛んだ！」と言うように、それは偶然のキスメットのようなもので、デザインはシャープで集中したものになった。もちろん、インディアナはこのデザインを何度も試行錯誤し、そして、このロゴはあちこちに芽を出し始めたのです。イタリア語の "Amor "は、"O "が右に傾いているのが特徴的です。しかし、このバージョンは、「L」の足で蹴られるのではなく、上の「A」に美しい演出で揺さぶりをかけているのである。これは、愛とその感情的な性質について、新しい、しかし決して深くない印象を与えます。 いずれにせよ、「Love」の傾いた「O」は、他の安定したデザインに不安定さを与え、「この言葉に関連するしばしば空虚な感傷、甘ったるい愛情ではなく、報われない憧れと失望を隠喩的に示唆する」（Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018）というインディアナの暗黙の批判を深く投影しています。繰り返しは、もちろん、シンプルさと、画期的なデザインの天才に対する私たちの評価を低下させる厄介な習慣があります。晩年、インディアナは「素晴らしいアイデアだったが、ひどい間違いでもあった」と嘆いている。あまりにも人気が出てしまった。人気が出るのを嫌う人もいるんだ」。しかし、分裂と混乱に満ちた世界の住人である私たちは、あなたに感謝します。"Love "とその多くのバージョンは、私たちの愛の能力を強く思い出させるものであり、それこそが、より良い未来への永遠の希望なのです。

ロバート・インディアナ

「階段を降りる裸婦 No.2」では、メル・ラモスがマルセル・デュシャンのモダニズムの傑作の遺産とポップアートの鮮やかな美学を遊び心たっぷりに絡み合わせ、巧妙で視覚的に刺激的な再解釈を生み出しています。デュシャンの抽象的な動きと彼の特徴的なピンナップスタイルを関連付けることで、ラモスは、美術の尊敬される伝統と商業イメージの大胆でグラフィックな品質の間にダイナミックな対話を生み出します。この作品は、女性のヌードの魅力を利用して、美、欲望、商品化に対する社会の強迫観念を探求し、風刺し、美術史と現代文化をナビゲートするラモスのスキルを例示しています。そうすることで、ラモスの作品は典型的なポップアートの調合となり、デュシャンとの遊び心のある関係を楽しむと同時に、当時の視覚文化を批判し、称賛しています。

メル・ラモス

キャサリン・グロッセの「Untitled」（2016年）は、彼女の記念碑的な建築インスタレーションで見られるようなエネルギー、大胆さ、慣習を無視する姿勢を、キャンバスに描かれた絵の具という伝統的な媒体に持ち込んだアーティストへの評価を高めている。絵の具が流れ、滴り、飛び散り、透明なヴェールが輝き、ミストされた色が重なり合って柔らかなグラデーションの変化を生み出す。その結果、空間的な奥行きと立体感のある魅力的な印象が生まれる。しかし、それはまた、カオスとコントロール、自発性と意図をブレンドするグロッセの才覚を明らかにする力作でもある。彼女の幅広い技法は、偶然と意図的なものとの間に説得力のある対話を生み出し、それが彼女のユニークなスタイルの特徴となっている。

カタリーナ・グロース

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

エレーン・デ・クーニング

ハーブアルパート - アローヘッド - ブロンズ - 201 x 48 x 48インチ。

ハーブ・アルパート

After disappointing sales at Weyhe Gallery in 1928, Calder turned from sculpted wire portraits and figures to the more conventional medium of wood. On the advice of sculptor Chaim Gross, he purchased small blocks of wood from Monteath, a Brooklyn supplier of tropical woods. He spent much of that summer on a Peekskill, New York farm carving. In each case, the woodblock suggested how he might preserve its overall shape and character as he subsumed those attributes in a single form. There was a directness about working in wood that appealed to him. Carved from a single block of wood, Woman with Square Umbrella is not very different from the subjects of his wire sculptures except that he supplanted the ethereal nature of using wire with a more corporeal medium.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

アレクサンダー・カルダー

ハーブ・アルバートの多くのブロンズ鋳造、絹のような黒色のパテント仕上げのスピリット・トーテムの中で、ウォーリアほどはっきりとした男性的な雰囲気を持つものは他にありません。猛禽類の紋章や平原インディアンの酋長の頭飾りを思わせるような鋸歯状の冠をかぶった「戦士」というタイトルは、強さ、勇気、不屈の精神などの特徴を適切に表現している。 ヘンリー・ムーアの作品と同様に、これらの連想は、この力強い彫刻がダイナミックで強い印象を与えるために、ネガティブ・スペースに依存している部分があります。

ハーブ・アルパート

アレクサンダー・カルダーの《ルージュ・ムイユ（濡れた赤）》は、赤い円形の背景が特徴で、あるものは爆発のように飛び散り、エネルギッシュな広がりを感じさせる。このアニメーションの背景は、黒を中心とした不透明な丸い球で飾られているが、印象的な青、赤、微妙な黄色の球が散りばめられている。爆発的な赤を背景に色とりどりの球体を戦略的に配置することで、花火大会の畏怖とスペクタクルを表現し、この絵画をこのまばゆいばかりの祝祭イベントの視覚的メタファーへと変貌させている。この作品は興奮と活気に満ち、静的な媒体に儚い美しさを封じ込めた。

アレクサンダー・カルダー

IRVING NORMAN - How Come - キャンバスに油彩 - 90 x 60 in.

アーヴィング・ノーマン

フランク・ステラのバリ彫刻シリーズは、浮遊し、流れるようなフォルムが特徴で、鑑賞者の空間に広がり、オブジェと環境との相互作用を誘う。バリ文化において成長と儀式的な意味を持つ木の一種である「ダダップ」は、ステラの彫刻の有機的でダイナミックな性質を映し出している。ステラは、竹からステンレスとアルミニウムに移行することで、有機的で流動的、そして空間とダイナミックに関わるフォルムを称賛するバリの美学の本質を守り続けている。ダダップは、ステラの作品の精神が素材感を超越した、ステラのテーマ探求の連続性を示している。金属は、異なる質感、反射性、光や空間との相互作用をもたらすが、動きと相互作用の原則を守っている。これは、異なる媒体にまたがる形とコンセプトの創造的な転移であり、最初のインスピレーションの精神を保持しながら、新しい素材の特性が新鮮な文脈でこれらのアイデアを表現することを可能にしている。

フランク・ステラ

PAUL JENKINS - Phenomena By Return - キャンバスにアクリル - 104 3/4 x 49 5/8 in.

ポール・ジェンキンス

マニュエル・ネリは、1960年代のベイエリア・フィギュラティブ・ムーブメントの中心人物である。抽象的な形ではなく、人間の形の力によって感情を表現することを重視した。本作「Untitled」（1982年）は、等身大の女性の姿を追求した作品である。 ネリは60年のキャリアを通じて、マリア・ユリア・クリメンコという一人のモデルとの制作を好んだ。多くの作品に顔がないことが、謎と曖昧さの要素を加えている。無題 "の構図は、人物の構造と形態に焦点が当てられている。 マニュエル・ネリは、アディソンギャラリー/フィリップスアカデミー、スタンフォード大学アンダーソンコレクション、シカゴ美術館、スタンフォード大学カンターアートセンター、シンシナティ美術館、サクラメント・クロッカー美術館、デンバー美術館、テキサス州エルパソ美術館、サンフランシスコ美術館、ハーバード大学美術館、ワシントンDCハーシュホーン美術館と彫刻庭園など世界中の多くの美術館でコレクションされ、その作品は世界的に知られています。ホノルル美術館、メトロポリタン美術館（ニューヨーク）、ナショナルギャラリー（ワシントンD.C.）。

マヌエル・ネリ

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

アーヴィング・ノーマン

ミニマリストの彫刻家トニー・スミスの娘であるキキの芸術は、単一の媒体や技法に限定されるものではなく、彼女の作品はしばしば複数の解釈を誘う。クラブは、動きと安定に不可欠な要素である人間の脚の形と寸法を具現化したものだ。スミスのタイトルは、足を武器として再想像し、人間の状態のもろさ、身体の自律性のパワー・ダイナミクス、強さと弱さの間の複雑な相互作用について考えるよう、見る者を誘う。このような身体の一部から物体への変換は、保護と攻撃性の両方を伝え、性差のある身体が私たちの社会的・個人的環境をどのようにナビゲートするかを考察する。クラブは、象徴性に富み、解釈の余地があり、人間の経験について思考を喚起する作品を創り出すスミスの能力を例証している。

キキ・スミス

馬が横になるのは、安全だと感じるからであり、デボラ・バターフィールドにとっては、自分自身を無防備にしても大丈夫だという言い方です。「エコー」は、彼女の採集技術と金属加工を溶接する能力を尊重して構築されており、伝統的な馬の描写に固執するのではなく、その本質的な性質を明らかにしています。スチールシートをつなぎ合わせ、波打つものもあれば、折りたたまれたり、圧着されたりしたこの作品は、錆びた茶色の緑青に経年変化し、不完全さを隠すのではなく、称賛する、時の痕跡を帯びた作品です。バターフィールドの意図的な素材の選択とその処理は、深みと個性を加え、Untitled, Echoを単なる馬の表現以上のものに変えます。

デボラ・バターフィールド

マヌエル・ネリの初期のペーパー・マシェの作品は、彫刻技法の先駆けであり、彼の彫刻の絵画へのアプローチは、色彩と形態の表現の可能性への深い関与を反映しています。『Hombre Colorado II』における色の選択と配置は、色の心理的・感情的な側面に対する彼の微妙な理解を反映した、特に本能的な反応を生み出します。1958年に構想され制作された『Hombre Colorado II』は、ネリと妻のジョーン・ブラウンが豊かな芸術的創造性の交流を行い、それぞれのスタイルとベイエリアの具象運動の進化に大きく貢献した時代を反映しています。

マヌエル・ネリ

デボラ・バターフィールドはアメリカの彫刻家で、木材、金属、その他の見つかった物体から作られた馬の彫刻で最もよく知られています。1981年の作品「無題(馬)」は、ワイヤーアーマチュアの棒と紙で構成されています。この作品の印象的なスケールは、バターフィールドの有名な主題の顕著な例を提示し、人に顕著な効果を作成します。バターフィールドはもともとモンタナ州ボーズマンの彼女の財産で見つかった木材や他の材料から馬を作成し、これらの形態の感情的な共鳴を採掘し、比喩的な自画像として馬を見ました。

デボラ・バターフィールド

HERB ALPERT - Inspired - bronze - 100 x 20 x 12 in.

ハーブ・アルパート

ジョセフ・ステラは、生まれ故郷のイタリアで形作られ、アメリカに養子縁組され、驚くほどの多様性と独創性を持つ作品の中で、並外れた範囲のスタイルと媒体を調査しました。1911年、ステラはフォーヴィスム、キュビスム、未来派の前衛的な波に乗ったが、イタリアのオールドマスターたちと日々を共にした唯一のアメリカのモダニストだった。「横たわる裸婦」のポーズと扱いは、ステラが1920年代に描いた「レダと白鳥」や、19世紀のロマンチックなドイツのおとぎ話に登場する美しい水の精オンディーヌなど、神話やファンタジーに登場する魅惑的な女性を描いた一連の作品に関連しています。1930年代に描かれた《横たわる裸婦》は、花や象徴のイメージを使わずに描かれており、その冷静な時代をより適切に反映しています。

JOSEPH STELLA

IRVING NORMAN - Snapshots - キャンバスに油彩 - 40 x 90 in.

アーヴィング・ノーマン

1990年代後半、マニュエル・ネリは、数多くの石膏彫刻をブロンズに作り変え始めた。これらのシリーズは、形も表面のディテールもほとんど見分けがつかず、さまざまな配色や、材料を切り開く、磨く、削る、重ねるなど、さまざまな行為を伴うマーク・メイキングの影響を探求している。さまざまなマーキング技法を試すことで、ネリは形、色、テクスチャー、光の相互作用を探求することができた。Standing Figure No.3では、ネリはパレットを類似の配色に限定し、絵具を薄めることで微妙なグラデーションを作り出し、彫刻のなめらかで洗練された外観を引き立てた。

マヌエル・ネリ

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta. The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes. Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work. Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta. <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power. Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist. His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

スボド・グプタ

MARC QUINN - Lovebomb - フォトラミネート、アルミニウム - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

マルク・クイン

IRVING NORMAN - Man and Time - キャンバスに油彩 - 58 x 30 in.

アーヴィング・ノーマン

CHARLES ARNOLDI - Sticky Wicket - アクリル、モデリングペースト、合板にスティック - 44 1/4 x 91 x 3 in.

チャールズ・アーノルディ

ウェイン・ティーボーは画家として広く賞賛されています。しかし、製図家としての彼の能力も同様に説得力があり、特にアーティストのあらゆるジェスチャーを記録することで有名な自筆媒体であるリトグラフで顕著です。『Paint Cans』が十分に示しているように、リソグラフィーは、アーティストの明確な意図を巧みに表現するために、テクスチャーや色を重ねる自由も提供します。構図では、「Paint Cans」は、日用品のグループを際立たせることができるユニークな方法を示すフォーカルポイントと方向性の強調に由来する、Thiebaudの鋭い秩序感覚を示しています。緻密なテクニックと技術で観る者を驚かせる作品です。

ウェイン・ティーボー

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

マックス・ペレグリーニ

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

アーヴィング・ノーマン

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

ヴァレリー・ジュードン

ファラ・フォーセットほど70年代を象徴するセレブはいない。テレビ番組「チャーリーズ・エンジェル」のチャーター・メンバーであり、「ファラー」として知られる彼女の象徴的なヘアスタイルは、顔を縁取るように流れるような柔らかなレイヤーを特徴とし、レイヤーの端を外側にはねさせることで弾むようなボリュームのある外観を実現し、10年代を代表するルックとなった。ウォーホルの肖像画は、フォーセット自身を表すと同時に、この時代の社会的・文化的傾向についてより広範なコメントを提供している。最も説得力があるのは、この2枚のゴージャスな肖像画が、彼女の自然で太陽の光を浴びた顔立ちと、健康的でアスレチックな体格を証言していることだ。

アンディ・ウォーホル

JOANNA POUSETTE-DART - 無題（赤い砂漠の習作） - 木製パネルにアクリル - 33 1/2 x 42 x 3/4 in.

ジョアンナ・プーゼット・ダート

SALOMON VAN RUYSDAEL - 休息する人物と馬に乗ったカップルのいる砂丘の風景、その向こうにナイメーヘン大聖堂の眺め - 油彩・キャンバス - 26 1/2 x 41 1/2 in.

サロモン・バン・リュイスダール

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - ブロンズ、グリーンパティナ - 103 1/2 x 22 x 17 in.

セス・カウフマン

アンディ・ウォーホルは、1950年代後半から1987年に亡くなるまで、人生とその出会いの執拗な記録者としてポラロイドカメラを持ち歩いていた。彼が集めた膨大なポラロイドのコレクションは、自然発生的で、洗練されておらず、しばしば生々しく、彼の時代の年代記として機能している。別の人物がこの自画像を撮影し、見る者に自画像として受け入れてほしいという薄いベールに包まれた提案をしたのかもしれないし、あるいはウォーホルが外付けのセルフタイマー・アクセサリーを使っただけで実現したのかもしれない。この作品は、ウォーホルの人生を本質的に変えた装置を讃えるポートレートであり、彼とポラロイドカメラの関係への注意深く演出されたオマージュである。

アンディ・ウォーホル

ロバートナトキン - アポロXL - キャンバスにアクリル - 88 x 116 1/4 in。

ロバート・ナトキン

ANDY WARHOL - カメラ付き自画像（ディプティック） - ポラロイド、ポラカラー - 各4 1/4 x 3 3/8 in.

アンディ・ウォーホル

「インテリア」はモーリス・アスケナージーの現代的な作曲の一つで、ボナールやヴイヤルドの作品を思い浮かべています。親密なシーンは、ヌードの女性モデルを示しています, 劇的にプロファイルで見られる, 日没のスタジオで画家のためにポーズ.部屋のドアが開いていて、視聴者がアーティストとモデルのプライベートなやり取りを垣間見たような印象を与えます。開いたドアの背面に巧みに置かれた鏡は、私たちが仕事でアスケナジー自身として取ることを意図している画家の反射を明らかにします。アスケナジーは、パターンのオスマンから壁にフレーム化された絵画まで、印象派の色のモザイクに、部屋の詳細を描くために細心の注意を払います。

モーリス・アスケナジ

The Queen of the Night drinks water from the clasped hands of faith, while two shepherds embrace each other, unaware of Jesus’ birth. Angels, portrayed almost translucently on the canvas, spray holy water and bring about the giving of gifts. A precious jewel is depicted in the right corner, while a humble basket of turkeys sits on the cape of the Madonna. Nearby rests a basket with a goldfinch, an ancient symbol, which is a harbinger of good luck for newborn babies. The baby Jesus, just as the clasped hands that the Queen drinks out of, represents faith – the angels have sprinkled with holy water and he will soon make himself known to the world.<br><br>“For me the faith in religion becomes faith in painting and will defeat the giants." – Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

マックス・ペレグリーニ

若い男女が抱き合い、女性が子供を抱き、眠っている赤ちゃんが黒と赤の糸を持ち、もう一人の若い女性が服を脱いで、天使が組成物のようにこのコラージュに翼を広げます。一緒に、これらの文字は、若い愛、運命、人生が絡み合う物語を作成します:眠っている赤ちゃんは、彼らの織機に生と死を紡ぐ神話の3つの運命を連想させる赤い糸と黒い糸を保持しています。これらのスレッドは、幼児が彼らに持っているホールドを完全に知らずに、お互いを抱き合う若い恋人に物理的に接続されています。子供を抱いた女性は、マリヤとイエスが人類を見守り、守るのと同じように、若々しい少年少女の愛を見守る。物語とシンボルの融合は、ペレグリーニのオーヴルの共通の要素であり、ここで見事に表現されています。

マックス・ペレグリーニ

ANDY WARHOL - 自画像 - ポラロイド、ポーラカラー - 4 1/2 x 3 3/8 in.

アンディ・ウォーホル

ANDY WARHOL - ドラッグで自画像 - ポラロイド - 4 1/4 x 3 3/8 in.

アンディ・ウォーホル

ANDY WARHOL - The Shadow (神話より) - 紙にダイヤモンドダスト入りカラースクリーンプリント - 37 1/2 x 37 1/2 in.

アンディ・ウォーホル

From the late 1990’s to the early 2000’s, Pellegrini returned to his paintings in the Life of an Anarchist series, “reworked them, constructed them in ‘layers,’ corrected them, initiated series or returned to iconographies of his past works.” These paintings, which are dedicated to Pellegrini’s wife Roberta, depict a woman who is free and positive, and are part of a long line of works in which there is an absolute female protagonist. (Sara D’Alessandro, “Biography,” in Max Pellegrini, ed. Danilo Eccher, 2014). Pellegrini had his wife in mind for these paintings, since “she considers herself an integrated anarchist, a woman with no prejudice but not fanatical or destructive.”<br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

マックス・ペレグリーニ

クロークされた人物の鏡像は、彼の相対的な身長でほとんど子供のような裸の胸とあごひげの男を包含します。彼らの抱擁は、ミケランジェロのピエタのそれと、キリストとマドンナの多くの同様の描写を反映しています。青の暗い色合いは、コンポジションに影を落とし、確かに時間的な指標ですが、おそらくピカソの青い時代への言及、ペレグリーニのアートワークに大きな影響を与えます。図の後ろの壁パネルは、宗教的なシーンを描き、教会や礼拝堂のステンドグラスの壁の視聴者を思い出させます。下の街の窓から光が照り、山々の景色をピークに満月が照らされています。

マックス・ペレグリーニ

In an abstracted image of St. Peter’s basilica in Rome, Pellegrini returns to religious narratives to express his “anti-ideological and anti-pauperist” impression of the church and its relationship with faith (Antonio Monda, “Interview with Max Pellegrini). In the lower half of the painting, the birth of Jesus is the central focus, while the life of the church is highlighted in the upper half. According to Pellegrini, he depicted the birth of Jesus in the style of a baroque 18th century Neapolitan nativity scene that can be interpreted “as a feast for the birth of faith.” This faith is conceived of as “the material support for the Popes’ power and of the Church’s glory,” represented in this painting by the Pope clutching the moon in his hand. <br> <br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

マックス・ペレグリーニ