معرض بالم ديزرت تجول 2022

نشرت في: معرض جولات

الأعمال الفنية المعروضة حاليا في هيذر جيمس بالم ديزرت

وفقا لسبب الكتالوج الذي جمعه متحف نهر برانديواين للفنون ، تم الانتهاء من الرسم الأولي لصيادي سمك القد البيوريتاني بواسطة N. C Wyeth قبل وفاته في أكتوبر 1945. يسجل الإدخال صورة للرسم بالإضافة إلى نقوش الفنان وعنوانه ، Puritan Cod Fishers ، الذي يصفه الكتالوج بأنه "بديل". في كلتا الحالتين ، فإن اللوحة القماشية واسعة النطاق هي عمل فريد من نوعه تذكر أندرو وايث لاحقا أنه تم رسمه بيده فقط ، وهو تعاون محدد لتصميم الأب وتكوينه أتى ثماره من خلال إعدام ابن رائع. بالنسبة لأندرو ، لا بد أنها كانت تجربة عاطفية وشعورية عميقة. نظرا لاهتمام والده بالتفاصيل والأصالة ، فإن خطوط المراكب الشراعية الصغيرة تمثل الكراث المستخدم خلال القرن السادس عشر. من ناحية أخرى ، من المحتمل أن يكون أندرو قد عمق ألوان البحر المضطرب أكثر مما قد يكون لدى والده ، وهو خيار يزيد بشكل مناسب من الطبيعة المحفوفة بالمخاطر للمهمة.

أندرو وايث & ن.C. وايث

N.C. Wyeth’s extraordinary skills as an illustrator were borne of impeccable draftsmanship and as a painter, his warmly rich, harmonious sense of color, and ability to capture the quality of light itself. But it is his unmatched artistry in vivifying story and character with a powerful sense of mood that we admire most of all — the ability to transport himself to the world and time of his creation and to convey it with a beguiling sense of conviction. That ability is as apparent in the compositional complexities of Treasure Island’s “One More Step, Mr. Hands!” as it is here, in the summary account of a square-rigged, seventeenth-century merchant ship tossed upon the seas. The Coming of the Mayflower in 1620 is a simple statement of observable facts, yet Wyeth’s impeccable genius as an illustrator imbues it with the bracing salt air and taste that captures the adventuresome spirit of the men and women who are largely credited with the founding of America. That spirit is carried on the wind and tautly billowed sails, the jaunty heeling of the ship at the nose of a stiff gale, the thrusting, streamed-limned clouds, and the gulls jauntily arranged to celebrate an arrival as they are the feathered angels of providence guiding it to safe harbor.<br><br>The Coming of the Mayflower in 1620 was based on two studies, a composition drawing in graphite and a small presentation painting. The finished mural appears to have been installed in 1941.

N.C. WYETH

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.  

توم ويسلمان

ليس من الصعب فهم كيف جاء ترتيب روبرت إنديانا الرائع المكون من صفين من أربعة أحرف للمساعدة في تمكين حركة خلال ستينيات القرن العشرين. نشأ أصله من التعرض العميق للدين ومن صديقه ومعلمه إلسورث كيلي ، الذي ترك أسلوبه ذو الحواف الصلبة ولونه الحسي غير المميز انطباعا دائما. ولكن كما صرخت إنديانا ، كانت لحظة كيسميت التي حدثت للتو عندما "الحب عضني!" وجاء التصميم له حادا ومركزا. إنديانا ، بالطبع ، وضعت التصميم من خلال العديد من الخطوات ، ثم بدأ الشعار في الظهور في كل مكان. الرسالة ، التي تم نقلها بشكل أفضل في النحت ، تقف في مدن في جميع أنحاء العالم وترجمت إلى عدة لغات ، ليس أقلها تكرارها الإيطالي ، "Amor" مع "O" المائل أيضا إلى اليمين. ولكن بدلا من الركل من قدم الحرف "L" ، يضفي هذا الإصدار تأثيرا متأرجحا بشكل جميل على الحرف "A" أعلاه. إنه يعطي انطباعا جديدا ، ولكن ليس أقل عمقا ، عن الحب وطبيعته المشحونة عاطفيا. في كلتا الحالتين ، يضفي حرف "O" المائل للحب عدم الاستقرار على تصميم مستقر بخلاف ذلك ، وهو إسقاط عميق لنقد إنديانا الضمني ل "العاطفة الجوفاء في كثير من الأحيان المرتبطة بالكلمة ، مما يشير مجازيا إلى الشوق وخيبة الأمل بلا مقابل بدلا من المودة السكرية" (روبرت إنديانا الأفضل: معرض استعادي مصغر ، نيويورك تايمز ، 24 مايو 2018). التكرار ، بالطبع له عادة سيئة تتمثل في تثبيط تقديرنا لعبقرية البساطة والتصميم الرائد. في وقت متأخر من الحياة ، أعربت إنديانا عن أسفها لأنها "كانت فكرة رائعة ، ولكنها أيضا خطأ فادح. أصبحت شعبية جدا. وهناك أشخاص لا يحبون الشعبية". لكننا نحن سكان عالم محفوف بالانقسام ومحاصر في الاضطرابات، شكرا لكم. "الحب" ونسخه العديدة هي تذكير قوي بقدرتنا على الحب ، وهذا هو أفضل أمل أبدي لنا في مستقبل أفضل.

روبرت إنديانا

في "Nude Descending a Staircase No. 2" ، يتشابك ميل راموس بشكل هزلي بين إرث تحفة مارسيل دوشامب الحداثية مع الجماليات النابضة بالحياة لفن البوب ، مما يصوغ إعادة تفسير ذكية ومحفزة بصريا. من خلال الجمع بين حركة دوشامب التجريدية وأسلوبه المميز ، يخلق راموس حوارا ديناميكيا بين التقاليد الموقرة للفنون الجميلة والصفات الرسومية الجريئة للصور التجارية. يجسد هذا العمل مهارة راموس في التنقل في تاريخ الفن والثقافة المعاصرة ، باستخدام جاذبية العري الأنثوي لاستكشاف الهواجس المجتمعية بالجمال والرغبة والتسليع والسخرية منها. وبذلك، تصبح قطعة راموس مزيجا مثاليا من فن البوب، حيث تستمتع بارتباطها المرح مع دوشامب بينما تنتقد وتحتفل في الوقت نفسه بالثقافة البصرية في وقتها.

ميل راموس

يوسع فيلم كاثرين جروس "بلا عنوان" لعام 2016 تقديرنا للفنانة التي تجلب نفس الطاقة والجرأة والتجاهل للتقاليد التي شوهدت في منشآتها المعمارية الضخمة إلى الوسيط التقليدي للرسم على القماش. ينفجر اللون ، ويرتفع من سطح معقد وغني بالطبقات من التطبيقات المصبوبة للطلاء التي تعمل أو ترش أو تتناثر ، والحجاب الشفاف المشع ، والأشرطة المتداخلة من اللون الضبابي لخلق انتقالات متدرجة ناعمة. والنتيجة هي انطباع رائع عن العمق المكاني والأبعاد الثلاثية. لكنها أيضا جولة قوة تكشف عن تألق جروس في مزج الفوضى والسيطرة والعفوية والنية. تخلق مجموعة تقنياتها حوارا مقنعا بين العرضي والمتعمد ، وهي سمة مميزة لأسلوبها الفريد.

كاثرينا غروس

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

إلين دي كونينغ

عشب ALPERT - أروهيد - البرونزية - 201 × 48 × 48 في.

عشب البير

After disappointing sales at Weyhe Gallery in 1928, Calder turned from sculpted wire portraits and figures to the more conventional medium of wood. On the advice of sculptor Chaim Gross, he purchased small blocks of wood from Monteath, a Brooklyn supplier of tropical woods. He spent much of that summer on a Peekskill, New York farm carving. In each case, the woodblock suggested how he might preserve its overall shape and character as he subsumed those attributes in a single form. There was a directness about working in wood that appealed to him. Carved from a single block of wood, Woman with Square Umbrella is not very different from the subjects of his wire sculptures except that he supplanted the ethereal nature of using wire with a more corporeal medium.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ألكسندر كالدر

من بين العديد من الطوطم الروحية البرونزية التي صنعها هيرب ألبرت ، والطوطم الروحية ذات اللون الأسود الحريري ، فإن القليل منها لديه شعور ذكوري مميز للمحارب. يعلوه تاج تنازلي مسنن يمكن أن يشير بسهولة إلى قمة طائر جارح مثل غطاء رأس زعيم هندي في السهول ، ولقب "المحارب" هو وصف مناسب يعالج سمات القوة والشجاعة والروح غير القابلة للكسر من بين أمور أخرى. مثل الكثير من أعمال هنري مور ، تعتمد هذه الجمعيات ، جزئيا ، على الفضاء السلبي لخلق الانطباع الديناميكي والقوي الذي يصنعه هذا التمثال الهائل.

عشب البير

إيرفينغ نورمان - كيف الحال - لوحة زيتية على قماش - 90 × 60 بوصة.

إيرفينغ نورمان

يتميز فيلم Rouge Mouille (Wet Red) لألكسندر كالدر بخلفية من الدوائر الحمراء ، بعضها يتفرق مثل الانفجارات ، مما يخلق إحساسا بالتوسع النشط ، والبعض الآخر يركض لأسفل كما لو كان يتدفق مسارات عرض الألعاب النارية. تم تزيين هذه الخلفية المتحركة بالعديد من الكرات المستديرة غير الشفافة ، والتي يغلب عليها اللون الأسود ، ولكنها تتخللها كرات زرقاء وحمراء وصفراء مذهلة. يجسد الموقع الاستراتيجي للكرات الملونة مقابل اللون الأحمر المتفجر رهبة ومشهد عرض الألعاب النارية ، مما يحول اللوحة إلى استعارة بصرية لهذا الحدث المبهر والاحتفالي. يتردد صدى العمل الفني بالإثارة والحيوية ، ويغلف جماله سريع الزوال في وسط ثابت.

ألكسندر كالدر

تتميز سلسلة منحوتات فرانك ستيلا في بالي بأشكال عائمة ومتدفقة ، تمتد إلى مساحة المشاهد وتدعو إلى التفاعل بين الكائن وبيئته. يعكس "dadap" ، وهو نوع من الأشجار المرتبطة بالنمو والأهمية الطقسية في الثقافة البالية ، الطبيعة العضوية والديناميكية لمنحوتات ستيلا. في التحول إلى الفولاذ المقاوم للصدأ والألمنيوم من الخيزران ، حافظت ستيلا على الطبيعة الأساسية لجماليات بالي التي تمجد الأشكال العضوية والسائلة وتتفاعل ديناميكيا مع مساحتها. يقدم داداب استمرارية في استكشاف ستيلا الموضوعي حيث تتجاوز روح عمله المادية. يوفر المعدن نسيجا مختلفا وانعكاسا وتفاعلا مع الضوء والفضاء ، لكنه يلتزم بمبادئ الحركة والتفاعل. إنه نقل إبداعي للشكل والمفهوم عبر وسائط مختلفة ، مع الاحتفاظ بروح الإلهام الأولي مع السماح لخصائص المادة الجديدة بالتعبير عن هذه الأفكار في سياق جديد.

فرانك ستيلا

بول جينكينز -- الظواهر عن طريق العودة -- الاكريليك على قماش -- 104 3 /4 × 49 5 / 8 في.

بول جنكينز

كان مانويل نيري شخصية محورية في الحركة التصويرية لمنطقة الخليج في الستينيات. بدلا من الأشكال المجردة، أكدت المجموعة العاطفة من خلال قوة الشكل البشري. يستكشف العمل الحالي، "بدون عنوان" (1982)، الشكل الأنثوي على نطاق بحجم الحياة. فضل نيري العمل مع عارضة أزياء واحدة فقط طوال حياته المهنية التي استمرت 60 عاما، ماريا جوليا كليمينكو. غياب وجه في العديد من المنحوتات يضيف عنصر الغموض والغموض. محور التكوين في "بدون عنوان" هو هيكل وشكل الشكل. مانويل نيري ممثل في العديد من مجموعات المتاحف في جميع أنحاء العالم، بما في ذلك معرض أديسون / أكاديمية فيليبس. مجموعة أندرسون في جامعة ستانفورد؛ معهد الفنون في شيكاغو؛ مركز كانتور للفنون، جامعة ستانفورد؛ متحف سينسيناتي للفنون; متحف كروكر للفنون، ساكرامنتو، كاليفورنيا؛ متحف دنفر للفنون، متحف إل باسو للفنون، تكساس؛ متاحف الفنون الجميلة في سان فرانسيسكو; متاحف الفنون بجامعة هارفارد; متحف هيرشهورن وحديقة النحت، واشنطن، .C. متحف هونولولو للفنون، ومتحف متروبوليتان للفنون، نيويورك، والمعرض الوطني للفنون، واشنطن العاصمة.

مانويل نيري

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

إيرفينغ نورمان

ابنة النحات البسيط توني سميث، لا يقتصر فن كيكي على وسيط واحد أو تقنية واحدة، وغالباً ما تدعو أعمالها إلى تفسيرات متعددة. يجسد كلوب شكل وأبعاد الساق البشرية، العنصر الأساسي للحركة والثبات. ويدعو عنوان سميث المشاهد إلى إعادة تخيل الساق كسلاح والنظر في هشاشة الحالة الإنسانية، وديناميكيات القوة في استقلالية الجسد، والتفاعل المعقد بين القوة والضعف. ينقل هذا التحويل لجزء من الجسد إلى غرض الحماية والعدوان في آنٍ واحد ويعكس كيفية تنقل الأجساد الخاصة بالجنسين في بيئتنا الاجتماعية والشخصية. يجسد كلوب قدرة سميث على ابتكار أعمال غنية بالرمزية ومفتوحة للتأويل ومثيرة للتفكير في التجربة الإنسانية.

كيكي سميث

عندما يستلقي الحصان ، فذلك لأنه يشعر بالأمان ، وهو ، بالنسبة لديبورا باترفيلد ، طريقة للقول إنه لا بأس في جعل أنفسنا عرضة للخطر. "الصدى" ، الذي تم بناؤه بطرق تحترم مهاراتها في البحث عن الطعام وقدرتها على لحام الأعمال المعدنية ، لا يلتزم بالتصوير التقليدي للحصان ولكنه يكشف بدلا من ذلك عن شيء من طبيعته الأساسية. مصنوعة من صفائح فولاذية مجمعة معا ، بعضها متموج ، والبعض الآخر مطوي أو مجعد ، وهي قطعة تحمل علامة الزمن ، وعمرها إلى الزنجار البني الصدأ ، والعيوب التي يتم الاحتفال بها بدلا من إخفائها. يضيف اختيار باترفيلد المتعمد للمواد ومعالجتها عمقا وشخصية ، ويحول Untitled ، Echo إلى أكثر من مجرد تمثيل للخيول - إنه يعكس الجمال القوي ومرونة الذي يمثله.

ديبورا باترفيلد

بدأت أعمال مانويل نيري الورقية المبكرة في تقنية النحت ، ويعكس نهجه في رسم منحوتاته مشاركته العميقة مع الإمكانات التعبيرية للون والشكل. يخلق اختيار الألوان ووضعها في Hombre Colorado II استجابة عميقة بشكل خاص تعكس فهمه الدقيق للبعد النفسي والعاطفي للون. يعكس Hombre Colorado II ، الذي تم تصوره وإنتاجه في عام 1958 ، وقتا انخرط فيه نيري وزوجته جوان براون في تبادل فني غني للإبداع وساهما بشكل كبير في تطور أساليبهما والحركة التصويرية لمنطقة الخليج ، حيث لعبوا أدوارا حيوية.

مانويل نيري

ديبورا باترفيلد هو نحات أمريكي ، اشتهر بمنحوتاتها من الخيول المصنوعة من الأشياء التي تتراوح بين الخشب والمعادن وغيرها من الأشياء التي عثر عليها. قطعه 1981 ، بدون عنوان (الحصان) ، وتتالف من العصي والورق علي المحرك الأسلاك. النطاق المثير للإعجاب لهذه القطعة يخلق تاثيرا ملحوظا في الشخص ، ويقدم مثالا صارخا علي موضوع باترفيلد الشهير. إنشات باترفيلد أصلا الخيول من الخشب والمواد الأخرى الموجودة في ممتلكاتها في بوزيمان ، مونتانا ورايت الخيول كصوره مجازيه ذاتية ، وتعدين الصدى العاطفي لهذه الاشكال.

ديبورا باترفيلد

قام جوزيف ستيلا ، الذي شكله موطنه إيطاليا واعتمد أمريكا ، بالتحقيق في مجموعة غير عادية من الأساليب والوسائط في الأعمال الفنية ذات التنوع والأصالة المذهلين. في عام 1911 ، ركب ستيلا الموجة الطليعية من الاتجاهات الفوفية والتكعيبية والمستقبلية ، لكنه كان الحداثي الأمريكي الوحيد الذي عاش يوما بعد يوم مع الأساتذة الإيطاليين القدامى. وضع والتعامل مع "مستلق عارية" يتعلق بسلسلة من الأعمال ستيلا رسمت خلال عشرينيات القرن العشرين تصور النساء مغر من مصادر أسطورية أو خيالية مثل "ليدا والبجعة" وأوندين ، حورية مائية جميلة من حكاية خرافية ألمانية رومانسية شهيرة في القرن 19. تم تصويره بدلا من ذلك بدون صور نباتية أو رمزية ، مستلق عارية ، رسمت في ثلاثينيات القرن العشرين ، يعكس بشكل أكثر ملاءمة ذلك الوقت الرصين.

جوزيف ستيلا

عشب ألبرت - مستوحى - برونزي - 100 × 20 × 12 بوصة.

عشب البير

إيرفينغ نورمان - لقطات - زيت على قماش - 40 × 90 بوصة.

إيرفينغ نورمان

خلال أواخر تسعينيات القرن العشرين ، بدأ مانويل نيري لتحويل العديد من المنحوتات الجصية إلى البرونز ، وكثيرا ما يعود إلى الأعمال السابقة لإنتاج عمليات تسليم متخيلة حديثا لكل قطعة. تستكشف هذه السلسلة ، التي لا يمكن تمييزها تقريبا في الشكل وتفاصيل السطح ، تأثير أنظمة الألوان المختلفة وصنع العلامات التي تتضمن إجراءات مختلفة ، بما في ذلك مواد الشق بالفرشاة أو الكشط أو الطبقات. من خلال تجربة تقنيات الوسم المختلفة ، يمكن لنيري استكشاف التفاعل بين الشكل واللون والملمس والضوء. في سياق الشكل الدائم رقم 3 ، قصر نيري لوحته على نظام ألوان مماثل ، مما أدى إلى ترقق الطلاء لإنشاء تدرجات دقيقة تعزز المظهر الخارجي الأنيق والمكرر للنحت.

مانويل نيري

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta. The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes. Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work. Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta. <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power. Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist. His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

سوبود غوبتا

مارك كوين - Lovebomb - صفح الصورة على الألومنيوم - 108 1/4 × 71 3/4 × 37 3/4 بوصة.

مارك كوين

إيرفينغ نورمان - رجل والوقت - لوحة زيتية على قماش - 58 × 30 بوصة.

إيرفينغ نورمان

تشارلز ARNOLDI -- لزجة الويكيت -- الاكريليك ، ومعجون النمذجة والعصي على الخشب الرقائقي -- 44 1 / 4 × 91 × 3 في.

تشارلز أرنولدي

يحظى واين ثيبود بالإعجاب على نطاق واسع كرسام. ومع ذلك ، فإن قدرته كرسام مقنعة بنفس القدر وواضحة بشكل خاص في الطباعة الحجرية ، وهي وسيلة توقيع يتم الاحتفال بها لتوثيق كل إيماءة للفنان. كما يوضح Paint Cans تماما ، توفر الطباعة الحجرية أيضا حرية وضع طبقات نصية وألوان لتحقيق تمثيل بارع لنوايا الفنان المفصلية. في التكوين ، تعرض "علب الطلاء" إحساس Thiebaud الشديد بالنظام ، المستمد من التركيز على النقاط المحورية وخطوط الاتجاه التي توضح الطرق الفريدة التي يمكنه من خلالها تسليط الضوء على مجموعة من العناصر اليومية. إنه عمل آخر يدهش المشاهد بأسلوبه ومهاراته التفصيلية للغاية.

واين ثيبود

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

ماكس بيليغريني

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

إيرفينغ نورمان

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

فاليري جاودون

عدد قليل من المشاهير يحددون 70s مثل فرح فوسيت. عضو مستأجر في البرنامج التلفزيوني "Charlie's Angels" ، أصبحت تسريحة شعرها الشهيرة المعروفة باسم "The Farrah" ، والتي تتميز بطبقات ناعمة ومتدفقة تؤطر الوجه ، بمظهر نطاط وضخم يتحقق من خلال قلب أطراف الطبقات إلى الخارج ، مظهرا مميزا للعقد. تمثل صورة وارهول فوسيت نفسها وتقدم تعليقا أوسع على الاتجاهات الاجتماعية والثقافية لتلك الفترة. الأكثر إقناعا ، تشهد هاتان الصورتان الرائعتان على ملامحها الطبيعية المشمسة واللياقة البدنية الصحية والرياضية التي تردد صداها كرمز للجمال المثالي خلال وقتها.

أندي وارهول

جوانا بوسيت دارت - بدون عنوان (دراسة الصحراء الحمراء) - أكريليك على لوح خشبي - 33 1/2 × 42 × 3/4 بوصة.

جوانا بوسيت-دارت

سيث كوفمان - Lignum Spire - برونزي مع زنجار أخضر - 103 1/2 × 22 × 17 بوصة.

سيث كوفمان

حمل آندي وارهول كاميرا بولارويد كمؤرخ لا هوادة فيه للحياة ولقاءاتها من أواخر خمسينيات القرن العشرين حتى وفاته في عام 1987. المجموعة الواسعة من Polaroids التي جمعها عفوية وغير مصقولة وغالبا ما تكون خام ، وتعمل كتاريخ لعصره ، على غرار الطريقة التي يعكس بها Instagram عصرنا الحالي. كان بإمكان شخص آخر التقاط هذه الصورة الذاتية ، وإنشاء اقتراح محجوب يطلب من المشاهد قبوله كصورة ذاتية ، أو ربما تم تحقيقه فقط بواسطة وارهول باستخدام ملحق مؤقت ذاتي خارجي. إنها صورة تحتفل بالجهاز الذي تحولت إليه حياة وارهول بشكل أساسي ، وهو تكريم تم تنظيمه بعناية لعلاقته بكاميرا بولارويد.

أندي وارهول

سالومون فان RUYSDAEL - المناظر الطبيعية الكثبان الرملية مع شخصيات يستريح وزوجين على ظهور الخيل، وجهة نظر من كاتدرائية نيميغن وراء - النفط على قماش - 26 1/2 × 41 1/2 في.

سالومون فان رويسدايل

ANDY WARHOL -- ذاتية مع صورة (diptych) -- بولارويد ، بولاكولور -- 4 1 / 4 × 3 3 / 8 في.

أندي وارهول

روبرت NATKIN-أبولو XL-الأكريليك علي قماش-88 x 116 1/4 في.

روبرت ناتكين

"الداخلية" هي واحده من التراكيب موريس اسكينازي أكثر حداثة ، داعيا إلى الذهن عمل بونارد أو Vuillard. يظهر المشهد الحميم نموذج انثي عاريه ، ينظر اليه بشكل كبير في الملف الشخصي ، مما يشكل لرسام في استوديو مشمس. باب الغرفة مفتوح ، مما يعطي انطباعا بان المشاهد يسرق لمحه عن التفاعل الخاص بين الفنان والنموذج. مراه وضعت بذكاء علي الظهر من الباب المفتوح يكشف عن انعكاس الرسام ، الذي نحن من المفترض ان تاخذ كما Askenazy نفسه ، في العمل. Askenazy ياخذ عناية كبيره لتصوير تفاصيل الغرفة ، من العثماني منقوشة علي لوحات مؤطره علي الجدران ، كل فسيفساء من اللون الانطباعي.

موريس اسكينازي

ANDY WARHOL - الظل (من الأساطير) - طباعة الشاشة الملونة مع غبار الماس على الورق - 37 1/2 × 37 1/2 في.

أندي وارهول

ANDY WARHOL -- صورة ذاتية في السحب -- بولارويد -- 4 1 / 4 × 3 3 / 8 في.

أندي وارهول

ANDY WARHOL -- صورة ذاتية -- بولارويد ، بولاكولور -- 4 1 / 2 × 3 3 / 8 في.

أندي وارهول

The Queen of the Night drinks water from the clasped hands of faith, while two shepherds embrace each other, unaware of Jesus’ birth. Angels, portrayed almost translucently on the canvas, spray holy water and bring about the giving of gifts. A precious jewel is depicted in the right corner, while a humble basket of turkeys sits on the cape of the Madonna. Nearby rests a basket with a goldfinch, an ancient symbol, which is a harbinger of good luck for newborn babies. The baby Jesus, just as the clasped hands that the Queen drinks out of, represents faith – the angels have sprinkled with holy water and he will soon make himself known to the world.<br><br>“For me the faith in religion becomes faith in painting and will defeat the giants." – Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

ماكس بيليغريني

شاب وأمراه احتضان بعضها البعض, أمراه تحمل طفل, طفل نائم يحمل خيط اسود واحمر, أمراه شابه أخرى المداعبات, وملاك ينتشر أجنحتها في هذا الكولاج مثل تكوين. معا, هذه الشخصيات خلق السرد الذي الحب الشباب, مصير, وتتشابك الحياة: الطفل النائم يحمل خيط احمر وخيط اسود, تذكرنا الاسطوريه ثلاثه مصائر, الذي نسج الحياة والموت علي تلوح في الأفق. ترتبط هذه الخيوط جسديا لعشاق الشباب ، الذين يتبنون بعضهم البعض ، غير مدركين تماما لعقد ان الرضيع لديه عليها. أمراه تحمل طفلا يراقب حب الفتي والفتاه الشابة ، تماما كما يراقب مريم ويسوع البشر ويدافعون عنهم. دمج الروايات والرموز هو عنصر مشترك في oeuvre Pellegrini ، وأعرب ببراعة هنا.

ماكس بيليغريني

From the late 1990’s to the early 2000’s, Pellegrini returned to his paintings in the Life of an Anarchist series, “reworked them, constructed them in ‘layers,’ corrected them, initiated series or returned to iconographies of his past works.” These paintings, which are dedicated to Pellegrini’s wife Roberta, depict a woman who is free and positive, and are part of a long line of works in which there is an absolute female protagonist. (Sara D’Alessandro, “Biography,” in Max Pellegrini, ed. Danilo Eccher, 2014). Pellegrini had his wife in mind for these paintings, since “she considers herself an integrated anarchist, a woman with no prejudice but not fanatical or destructive.”<br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

ماكس بيليغريني

صور مرآة لشخصية محجبة تحتضن رجل عاري الصدر وملتحي، الذي هو تقريبا مثل الطفل في مكانته النسبية. يعكس احتضانهم احتضان بيتا لمايكل أنجلو، والعديد من الصور المماثلة للمسيح ومادونا. الظل الداكن من اللون الأزرق يلقي بظلاله على تكوين، بالتأكيد مؤشرا زمنيا، ولكن ربما إشارة إلى الفترة الزرقاء بيكاسو كذلك، المؤثر الرئيسي على العمل الفني Pellegrini. لوحات الحائط وراء الأرقام تصور مشاهد دينية، وتذكر المشاهد من الجدران الزجاجية الملون في الكنائس والمصلى. يضيء الضوء من النوافذ في المدينة أدناه، مضاءة أيضا من قبل اكتمال القمر الذروة فوق المناظر الطبيعية الجبلية.

ماكس بيليغريني

In an abstracted image of St. Peter’s basilica in Rome, Pellegrini returns to religious narratives to express his “anti-ideological and anti-pauperist” impression of the church and its relationship with faith (Antonio Monda, “Interview with Max Pellegrini). In the lower half of the painting, the birth of Jesus is the central focus, while the life of the church is highlighted in the upper half. According to Pellegrini, he depicted the birth of Jesus in the style of a baroque 18th century Neapolitan nativity scene that can be interpreted “as a feast for the birth of faith.” This faith is conceived of as “the material support for the Popes’ power and of the Church’s glory,” represented in this painting by the Pope clutching the moon in his hand. <br> <br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

ماكس بيليغريني