Galerie Palm Desert Walkthrough 2022

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Selon le catalogue raisonné compilé par le Brandywine River Museum of Art, le dessin préliminaire pour Puritan Cod Fishers a été achevé par N. C Wyeth avant sa mort en octobre 1945. L'entrée présente une image de l'esquisse ainsi que les inscriptions de l'artiste et son titre, Puritan Cod Fishers, qualifié par le catalogue d'"alternate" (alternatif). Quoi qu'il en soit, cette grande toile est une œuvre unique dont Andrew Wyeth a rappelé plus tard qu'elle avait été peinte uniquement de sa main, une collaboration délimitée de la conception et de la composition du père, concrétisée par l'exécution remarquable du fils. Pour Andrew, cela a dû être une expérience profondément ressentie et émouvante. Compte tenu de l'attention portée par son père aux détails et à l'authenticité, les lignes de la petite embarcation à voile représentent une échalote, utilisée au XVIe siècle. D'un autre côté, Andrew a probablement approfondi les teintes de la mer agitée plus que ne l'aurait fait son père, un choix qui accentue de manière appropriée la nature périlleuse de la tâche.

Andrew Wyeth & N. C. Wyeth

N.C. Wyeth’s extraordinary skills as an illustrator were borne of impeccable draftsmanship and as a painter, his warmly rich, harmonious sense of color, and ability to capture the quality of light itself. But it is his unmatched artistry in vivifying story and character with a powerful sense of mood that we admire most of all — the ability to transport himself to the world and time of his creation and to convey it with a beguiling sense of conviction. That ability is as apparent in the compositional complexities of Treasure Island’s “One More Step, Mr. Hands!” as it is here, in the summary account of a square-rigged, seventeenth-century merchant ship tossed upon the seas. The Coming of the Mayflower in 1620 is a simple statement of observable facts, yet Wyeth’s impeccable genius as an illustrator imbues it with the bracing salt air and taste that captures the adventuresome spirit of the men and women who are largely credited with the founding of America. That spirit is carried on the wind and tautly billowed sails, the jaunty heeling of the ship at the nose of a stiff gale, the thrusting, streamed-limned clouds, and the gulls jauntily arranged to celebrate an arrival as they are the feathered angels of providence guiding it to safe harbor.<br><br>The Coming of the Mayflower in 1620 was based on two studies, a composition drawing in graphite and a small presentation painting. The finished mural appears to have been installed in 1941.

N.C. WYETH

Au début des années 1870, Winslow Homer a souvent peint des scènes de la vie à la campagne près d'un petit hameau agricole réputé depuis des générations pour ses remarquables champs de blé, situé entre la rivière Hudson et les Catskills, dans l'État de New York. Aujourd'hui, Hurley est bien plus célèbre pour avoir inspiré l'une des plus grandes œuvres d'Homer, Snap the Whip, peinte au cours de l'été 1872. Parmi les nombreuses autres peintures inspirées par la région, Girl Standing in the Wheatfield est riche en sentiments, mais sans sentimentalisme excessif. Elle est directement liée à une étude peinte en France en 1866 et intitulée In the Wheatfields (Dans les champs de blé), ainsi qu'à une autre étude peinte l'année suivante, après son retour en Amérique. Mais Homère aurait sans doute été le plus fier de celle-ci. Il s'agit d'un portrait, d'une étude de costume, d'une peinture de genre dans la grande tradition de la peinture pastorale européenne, et d'un tour de force atmosphérique dramatiquement rétro-éclairé, imprégné de la lumière de l'heure qui s'estompe rapidement, avec des notes lambda et fleuries et des touches d'épis de blé. En 1874, Homer a envoyé quatre tableaux à l'exposition de la National Academy of Design. L'une d'entre elles était intitulée "Girl". Ne serait-ce pas celle-ci ?

WINSLOW HOMER

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

TOM WESSELMANN

ROBERT INDIANA (EN)

JULIAN SCHNABEL - Sans titre - huile et cire sur bâche - 120 x 96 in.

JULIAN SCHNABEL

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Born in 1982, French native and Brooklyn-based artist Julie Curtiss is celebrated for her beguiling paintings that reimagine a surrealist's conceptual and aesthetic principles for the contemporary era. Her work draws heavily on the Surrealist fascination with Freudian psychology and the subconscious, themes championed by figures like André Breton and Louis Aragon. By blending these Surrealist influences with the dreamlike, graphic qualities reminiscent of the Chicago Imagists, Curtiss creates a visual language that is both referential and distinctly hers. Her imagery often focuses on deconstructing the female form and symbolically representing stereotypical feminine aesthetics, echoing the work of early 20th-century female Surrealists who used dreamlike settings and humor to explore and critique the female experience.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black><em>“D'apres l'Olympia”</em> epitomizes Curtiss's painterly approach to 21st-century sexuality, combining a distinctive yet referential visual lexicon that has earned her international acclaim. By destabilizing the art historical trope of the female nude and reinterpreting Manet's iconic painting of the same name, Curtiss melds elements of French modernism with the graphic sensibilities she developed after moving to Tokyo in 2006, where she honed her signature comic book-like aesthetic. The large red shoes—a striking departure from Manet's original—introduce a sense of humor, simultaneously evoking pop-cultural references while critiquing stereotypical femininity. These oversized, vivid shoes might symbolize the exaggerated expectations placed upon women or serve as a playful nod to the absurdity of societal norms. While her admiration for Manet is evident, it is Curtiss's ability to merge these historical references with contemporary concerns and aesthetics that makes<em> “D'apres l'Olympia”</em> a powerful commentary on the evolving nature of female.</font></div>

JULIE CURTISS

Dans « Nu descendant un escalier n° 2 », Mel Ramos entremêle de manière ludique l’héritage du chef-d’œuvre moderniste de Marcel Duchamp avec l’esthétique vibrante du Pop Art, créant une réinterprétation intelligente et visuellement stimulante. En associant le mouvement abstrait de Duchamp à son style pin-up caractéristique, Ramos crée un dialogue dynamique entre les traditions vénérées des beaux-arts et les qualités graphiques audacieuses de l’imagerie commerciale. Cette œuvre illustre l’habileté de Ramos à naviguer dans l’histoire de l’art et la culture contemporaine, en utilisant l’attrait de la nudité féminine pour explorer et satiriser les obsessions sociétales de la beauté, du désir et de la marchandisation. Ce faisant, l’œuvre de Ramos devient une concoction Pop Art par excellence, se délectant de son association ludique avec Duchamp tout en critiquant et en célébrant simultanément la culture visuelle de son époque.

MEL RAMOS

L'œuvre Untitled de Katharine Grosse, réalisée en 2016, nous permet d'apprécier davantage une artiste qui apporte au support traditionnel de la peinture sur toile la même énergie, la même audace et le même mépris des conventions que l'on retrouve dans ses installations architecturales monumentales. La couleur explose, soulevée à partir d'une surface complexe et richement stratifiée d'applications coulées de peinture qui coule, goutte à goutte ou éclabousse, de voiles transparents rayonnants et de bandes de couleur qui se chevauchent et qui sont vaporisées pour créer de douces transitions en dégradé. Le résultat est une impression fascinante de profondeur spatiale et de tridimensionnalité. Mais il s'agit également d'un tour de force qui révèle l'habileté de Grosse à mêler le chaos et le contrôle, la spontanéité et l'intention. Son éventail de techniques crée un dialogue fascinant entre l'accidentel et le délibéré, ce qui est la marque de son style unique.

KATHARINA GROSSE

Le Portrait de Sylvie Lacombe, peint par Théo van Rysselberghe en 1906, est un chef-d'œuvre classique réalisé par l'un des portraitistes les plus raffinés et les plus cohérents de son époque. La couleur est harmonieuse, le pinceau vigoureux et adapté à sa tâche matérielle, son corps et son visage sont vrais et révélateurs. La personne représentée est la fille de son grand ami, le peintre Georges Lacombe, qui a partagé une association étroite avec Gauguin et a été membre des Nabis avec les artistes Bonnard, Denis et Vuillard, entre autres. Si nous connaissons aujourd'hui Sylvie Lacombe, c'est grâce à l'habileté de Van Rysselberghe à rendre les subtiles expressions du visage et, par une observation minutieuse et un souci du détail, à donner un aperçu de son monde intérieur. Il a choisi un regard direct, ses yeux vers les vôtres, une alliance inéluctable entre le sujet et le spectateur, quelle que soit notre relation physique avec le tableau. Van Rysselberghe avait largement abandonné la technique pointilliste lorsqu'il a peint ce portrait. Mais il a continué à appliquer les principes de la théorie des couleurs en utilisant des teintes de rouge - roses et mauves - contre des verts pour créer une palette harmonieuse et améliorée de couleurs complémentaires à laquelle il a ajouté un accent fort pour attirer le regard - un nœud rouge intensément saturé posé de manière asymétrique sur le côté de sa tête.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

ELAINE DE KOONING

Mel Ramos is best known for his paintings of superheroes and female nudes juxtaposed with pop culture imagery. Many of the subjects in his paintings emerge from iconic brands or cultural touchstones like Chiquita bananas, M&M bags, or Snickers. In these works, visual delight is combined with suggested edible and commercial indulgence.<br><br>Leta and the Hill Myna diverges from some of Ramos’ other nudes. Here Ramos depicts his wife, whom he spoke of as his greatest muse. Like his works depicting superheroes, Leta and the Hill Myna is imbued with mythos and lore. Myna birds are native to South Asia where some are taught to speak, often to recite religious. Furthermore, playing on his wife’s name and the avian theme, Ramos is referencing the famous tale of Leda and the Swan in which Zeus embodies a bird to rape Leda. The story has been reinterpreted throughout history, including by great artists such as Paul Cezanne, Cy Twombly and Fernando Botero. With this depiction, Ramos places himself in that same art historical lineage.

MEL RAMOS

HERB ALPERT - Arrowhead - bronze - 201 x 48 x 48 po.

ALPERT HERB

After disappointing sales at Weyhe Gallery in 1928, Calder turned from sculpted wire portraits and figures to the more conventional medium of wood. On the advice of sculptor Chaim Gross, he purchased small blocks of wood from Monteath, a Brooklyn supplier of tropical woods. He spent much of that summer on a Peekskill, New York farm carving. In each case, the woodblock suggested how he might preserve its overall shape and character as he subsumed those attributes in a single form. There was a directness about working in wood that appealed to him. Carved from a single block of wood, Woman with Square Umbrella is not very different from the subjects of his wire sculptures except that he supplanted the ethereal nature of using wire with a more corporeal medium.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

Parmi les nombreux totems spirituels d'Herb Albert, coulés en bronze et patinés d'un noir soyeux, rares sont ceux qui ont le caractère distinctement masculin de Warrior. Surmonté d'une couronne descendante dentelée qui pourrait aussi bien faire référence à la crête d'un oiseau de proie qu'à la coiffe d'un chef indien des Plaines, le titre de "guerrier" est une description appropriée qui évoque les attributs de la force, du courage et de l'esprit inébranlable, entre autres. À l'instar de l'œuvre d'Henry Moore, ces associations dépendent, en partie, de l'espace négatif pour créer l'impression dynamique et forte que dégage cette formidable sculpture.

ALPERT HERB

Rouge Mouille d'Alexander Calder présente un fond de cercles rouges, certains se dispersant comme des explosions, créant un sentiment d'expansion énergétique, et d'autres s'écoulant vers le bas comme s'il s'agissait des traînées d'un feu d'artifice. Cette toile de fond animée est ornée de nombreuses boules rondes opaques, principalement noires, mais parsemées de sphères bleues, rouges et d'un jaune subtil. L'emplacement stratégique des sphères colorées par rapport aux rouges explosifs capture l'émerveillement et le spectacle d'un feu d'artifice, transformant la peinture en une métaphore visuelle de cet événement éblouissant et festif. L'œuvre d'art résonne avec l'excitation et la vivacité, encapsulant sa beauté éphémère dans un support statique.

ALEXANDRE CALDER

IRVING NORMAN - How Come - huile sur toile - 90 x 60 in.

IRVING NORMAN (EN)

La série de sculptures Bali de Frank Stella se caractérise par des formes flottantes et fluides, s’étendant dans l’espace du spectateur et invitant à l’interaction entre l’objet et son environnement. Le « dadap », un type d’arbre associé à la croissance et à la signification rituelle dans la culture balinaise, reflète la nature organique et dynamique des sculptures de Stella. En passant de l’acier inoxydable et de l’aluminium au bambou, Stella a préservé la nature essentielle de l’esthétique balinaise qui exalte des formes organiques, fluides et dynamiques dans leur espace. Dadap présente une continuité dans l’exploration thématique de Stella où l’esprit de son travail transcende la matérialité. Le métal offre une texture, une réflectivité et une interaction différentes avec la lumière et l’espace, tout en adhérant aux principes du mouvement et de l’interactivité. Il s’agit d’un transfert créatif de forme et de concept à travers différents médiums, en conservant l’esprit de l’inspiration initiale tout en permettant aux propriétés du nouveau matériau d’exprimer ces idées dans un nouveau contexte.

FRANK STELLA (EN)

PAUL JENKINS - Phénomènes par retour - acrylique sur toile - 104 3/4 x 49 5/8 in.

PAUL JENKINS (EN)

Manuel Neri était une figure centrale du Bay Area Figurative Movement dans les années 1960. Au lieu de formes abstraites, le groupe mettait l'accent sur l'émotion à travers la puissance de la forme humaine. La présente œuvre, "Sans titre" (1982), explore la forme féminine à l'échelle réelle. Tout au long de ses 60 ans de carrière, Neri a préféré travailler avec un seul modèle, Maria Julia Klimenko. L'absence de visage dans de nombreuses sculptures ajoute un élément de mystère et d'ambiguïté. Dans "Sans titre", la composition est axée sur la structure et la forme de la figure. Manuel Neri est représenté dans de nombreuses collections de musées à travers le monde, notamment à la Addison Gallery/Phillips Academy, à la Anderson Collection de l'université de Stanford, à l'Art Institute of Chicago, au Cantor Arts Center de l'université de Stanford, au Cincinnati Art Museum, au Crocker Art Museum de Sacramento, en Californie, au Denver Art Museum, au El Paso Museum of Art, au Texas, aux Fine Arts Museums de San Francisco, aux Harvard University Art Museums, au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, D. C., au Honolulu Museum of Art, à l'Université de Californie du Sud, à l'Université de Californie du Sud et à l'Université de Californie du Sud.C. ; Honolulu Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, New York et la National Gallery of Art, Washington, DC.

NERI MANUEL

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

IRVING NORMAN (EN)

Fille du sculpteur minimaliste Tony Smith, l'art de Kiki ne se limite pas à un seul médium ou à une seule technique, et son travail invite souvent à de multiples interprétations. Club incarne la forme et les dimensions d'une jambe humaine, élément essentiel du mouvement et de la stabilité. Le titre de Smith invite le spectateur à réimaginer une jambe comme une arme et à réfléchir à la fragilité de la condition humaine, à la dynamique de pouvoir de l'autonomie corporelle et à l'interaction complexe entre la force et la vulnérabilité. Cette transformation d'une partie du corps en objet véhicule à la fois la protection et l'agression et réfléchit à la manière dont les corps sexués naviguent dans notre environnement social et personnel. Club illustre la capacité de Smith à créer des œuvres riches en symboles, ouvertes à l'interprétation, et à susciter une réflexion sur l'expérience humaine.

KIKI SMITH

Lorsqu’un cheval se couche, c’est parce qu’il se sent en sécurité, ce qui, pour Deborah Butterfield, est une façon de dire qu’il est normal de se rendre vulnérable. « Echo », construit de manière à respecter ses compétences en matière de recherche de nourriture et sa capacité à souder le métal, n’adhère pas à une représentation traditionnelle d’un cheval, mais révèle plutôt quelque chose de sa nature essentielle. Construite à partir de tôles d’acier assemblées, certaines ondulées, d’autres pliées ou serties, c’est une pièce qui porte la marque du temps, vieillie jusqu’à une patine brun rouille, des imperfections célébrées plutôt que dissimulées. Le choix délibéré des matériaux et de leur traitement par Butterfield ajoute de la profondeur et du caractère, transformant Untitled, Echo en plus d’une simple représentation équine - il reflète la beauté sauvage et la résilience de l’animal qu’il représente.

DEBORAH BUTTERFIELD (EN)

Maître incontesté du mouvement néo-impressionniste belge en plein essor à partir de 1887, Théo van Rysselberghe a peint ce portrait de sa femme, Maria (née Monnom), au cours de la première décennie du XXe siècle. Après avoir subi l'influence du tonalisme de Whistler, de l'impressionnisme et du pointillisme de Seurat, il a perfectionné une compréhension très raffinée de la couleur et de ses résonances harmoniques, ainsi qu'un rendu méticuleux des éléments formels. Dessinateur exemplaire, les impressions optiques basées sur les interactions entre les couleurs sont restées l'une des principales préoccupations de Van Rysselberghe. Ici, de courtes touches de couleur ont remplacé les petits points d'un pointilliste, et la palette de couleurs n'est pas homogène et harmonieuse, comme le veut la réputation bien méritée de l'artiste. Au contraire, ce portrait fait progresser la théorie des couleurs d'une manière tout à fait différente. Son intérêt visuel repose sur les contrastes dynamiques de la coiffure argentée de sa femme, de sa robe couleur platine et du manteau de cheminée d'un blanc immaculé, le tout mis en scène dans l'éclat optique de l'environnement dominé par des rouges et des verts complémentaires. Il s'agit d'une démonstration visuellement stimulante d'un peintre qui a compris l'impact dynamique de cette combinaison de couleurs inhabituelle et qui a disposé le modèle avec un fort accent sur une diagonale et a exécuté la formule avec l'art et l'agilité d'un peintre en pleine possession de ses moyens picturaux.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Les premières œuvres en papier mâché de Manuel Neri ont ouvert la voie à la technique sculpturale, et son approche de la peinture de ses sculptures reflète son profond engagement dans le potentiel expressif de la couleur et de la forme. Le choix et la disposition des couleurs dans Hombre Colorado II créent une réponse particulièrement viscérale qui reflète sa compréhension nuancée de la dimension psychologique et émotionnelle de la couleur. Conçu et produit en 1958, Hombre Colorado II reflète une époque où Neri et sa femme Joan Brown étaient engagés dans un riche échange artistique et contribuaient de manière significative à l'évolution de leurs styles respectifs et du mouvement figuratif de la Bay Area, dans lequel ils jouaient un rôle essentiel.

NERI MANUEL

"A Dream Within a Dream" est une importante série de peintures et de sérigraphies de Ryan McGinnes qui tire son nom d'un célèbre poème d'Edgar Allan Poe. Explorant les thèmes de la perception, de la réalité et du subconscient, McGinnes incorpore une variété de symboles et de motifs, notamment des formes géométriques, des éléments botaniques et des motifs figuratifs, qu'il organise en motifs complexes qui semblent se déplacer et se transformer sous les yeux du spectateur. Le titre suggère un sentiment d'ambiguïté et d'incertitude, reflétant la nature insaisissable de la réalité et la qualité de fuite de l'expérience humaine. En abordant les thèmes de la perception et de l'illusion, McGinnes encourage les spectateurs à remettre en question leurs hypothèses sur le monde et à envisager la possibilité que la réalité soit plus fluide et subjective qu'il n'y paraît.

RYAN MCGINNESS

Deborah Butterfield est une sculptrice américaine, surtout connue pour ses sculptures de chevaux faites d'objets en bois, en métal et autres objets trouvés. La pièce de 1981, Untitled (Cheval), est composée de bâtons et de papier sur armature métallique. L'échelle impressionnante de cette pièce crée un effet remarquable en personne, présentant un exemple frappant du célèbre sujet de Butterfield. À l'origine, Butterfield a créé les chevaux à partir du bois et d'autres matériaux trouvés sur sa propriété à Bozeman, au Montana, et a vu les chevaux comme un autoportrait métaphorique, exploitant la résonance émotionnelle de ces formes.

DEBORAH BUTTERFIELD (EN)

Façonné par son Italie natale et l’Amérique d’adoption, Joseph Stella a exploré une gamme extraordinaire de styles et de médiums dans des œuvres d’une diversité et d’une originalité étonnantes. En 1911, Stella surfe sur la vague avant-gardiste des tendances fauvistes, cubistes et futuristes, mais il est le seul moderniste américain à vivre au jour le jour avec les maîtres anciens italiens. La pose et le traitement de « Nu couché » sont liés à une série d’œuvres que Stella a peintes dans les années 1920 représentant des femmes séduisantes provenant de sources mythologiques ou fantastiques telles que « Léda et le cygne » et Ondine, une belle nymphe de l’eau d’un conte de fées allemand romantique populaire du XIXe siècle. Représenté sans imagerie florale ou symboliste, Nu couché, peint dans les années 1930, reflète mieux cette période qui donne à réfléchir.

JOSEPH STELLA

HERB ALPERT - Inspiré - bronze - 100 x 20 x 12 in.

ALPERT HERB

IRVING NORMAN - Instantanés - huile sur toile - 40 x 90 in.

IRVING NORMAN (EN)

À la fin des années 1990, Manuel Neri a commencé à transformer de nombreuses sculptures en plâtre en bronze, revenant souvent à des œuvres antérieures pour produire de nouvelles interprétations imaginées de chaque pièce. Ces séries, presque indiscernables en termes de forme et de détails de surface, explorent l'impact de différentes combinaisons de couleurs et de marquages qui impliquent diverses actions, notamment l'incision, le brossage, le grattage ou la superposition de matériaux. En expérimentant différentes techniques de marquage, Neri a pu explorer l'interaction entre la forme, la couleur, la texture et la lumière. Dans le contexte de la Figure debout n° 3, Neri a limité sa palette à une palette de couleurs analogues, en diluant la peinture pour créer des gradations subtiles qui mettent en valeur l'extérieur lisse et raffiné de la sculpture.

NERI MANUEL

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta. The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes. Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work. Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta. <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power. Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist. His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

GUPTA SUBODH

MARC QUINN - Lovebomb - photo laminée sur aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

MARC QUINN

IRVING NORMAN - L'homme et le temps - huile sur toile - 58 x 30 in.

IRVING NORMAN (EN)

CHARLES ARNOLDI - Sticky Wicket - acrylique, pâte à modeler et bâtons sur contreplaqué - 44 1/4 x 91 x 3 in.

CHARLES ARNOLDI

Wayne Thiebaud est largement admiré en tant que peintre. Pourtant, son talent de dessinateur est tout aussi convaincant et particulièrement évident dans la lithographie, un médium autographique célèbre pour documenter chaque geste d’un artiste. Comme Paint Cans le démontre pleinement, la lithographie offre également la liberté de superposer les textures et les couleurs pour obtenir une représentation astucieuse des intentions articulées d’un artiste. Dans la composition, « Paint Cans » montre le sens aigu de l’ordre de Thiebaud, qui met l’accent sur les points focaux et les lignes directionnelles qui démontrent les façons uniques dont il peut mettre en valeur un groupe d’objets du quotidien. C’est encore une autre œuvre qui étonne le spectateur par sa technique et ses compétences très détaillées.

WAYNE THIEBAUD

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

MAX PELLEGRINI (EN)

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

VALERIE JAUDON

Peu de célébrités définissent les années 70 comme Farrah Fawcett. Membre fondateur de l'émission télévisée "Charlie's Angels", sa coiffure emblématique connue sous le nom de "The Farrah", composée de couches douces et fluides qui encadrent le visage, avec une apparence rebondie et volumineuse obtenue en retournant les extrémités des couches vers l'extérieur, est devenue l'un des looks phares de la décennie. Le portrait de Warhol représente Fawcett elle-même et fournit un commentaire plus large sur les tendances sociales et culturelles de l'époque. Plus convaincant encore, ces deux superbes portraits témoignent de ses traits naturels et ensoleillés, ainsi que de son physique sain et athlétique, qui symbolisaient la beauté idéale à l'époque.

ANDY WARHOL (EN)

JOANNA POUSETTE-DART - Sans titre (Étude du désert rouge) - acrylique sur panneau de bois - 33 1/2 x 42 x 3/4 in.

JOANNA POUSETTE-DART

SALOMON VAN RUYSDAEL

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - bronze à patine verte - 103 1/2 x 22 x 17 in.

SETH KAUFMAN

Andy Warhol a porté un appareil photo Polaroid comme chroniqueur implacable de la vie et de ses rencontres de la fin des années 1950 jusqu'à sa mort en 1987. La vaste collection de polaroïds qu'il a amassée est spontanée, non polie, souvent brute, et sert de chronique de son époque, de la même manière qu'Instagram reflète notre époque actuelle. Une autre personne aurait pu prendre cet autoportrait, créant ainsi une proposition à peine voilée demandant au spectateur de l'accepter comme un autoportrait, ou peut-être a-t-il été réalisé uniquement par Warhol à l'aide d'un accessoire externe de retardateur. Il s'agit d'un portrait qui célèbre l'appareil sur lequel la vie de Warhol a essentiellement tourné, un hommage soigneusement mis en scène à sa relation avec l'appareil photo Polaroid.

ANDY WARHOL (EN)

ROBERT NATKIN - Apollo XL - acrylique sur toile - 88 x 116 1/4 po.

ROBERT NATKIN

ANDY WARHOL - Autoportrait avec appareil photo (diptyque) - Polaroid, Polacolor - 4 1/4 x 3 3/8 in. ea.

ANDY WARHOL (EN)

"Interior" est l'une des compositions les plus modernes de Maurice Askenazy, évoquant l'œuvre de Bonnard ou de Vuillard. La scène intime montre une femme modèle nue, vue de profil, posant pour un peintre dans un studio ensoleillé. La porte de la salle est ouverte, donnant l'impression que le spectateur vole un aperçu d'une interaction privée entre l'artiste et le modèle. Un miroir astucieusement placé au dos de la porte ouverte révèle le reflet du peintre, que nous sommes censés prendre pour Askenazy lui-même, au travail. Askenazy prend grand soin de représenter les détails de la pièce, du pouf à motifs aux peintures encadrées sur les murs, chacune une mosaïque de couleur impressionniste.

MAURICE ASKENAZY

Un jeune homme et une jeune femme s'embrassent, une femme tient un enfant, un bébé endormi tient un fil noir et rouge, une autre jeune femme se déshabille, et un ange déploie ses ailes dans ce collage comme la composition. Ensemble, ces personnages créent un récit dans lequel l'amour, le destin et la vie des jeunes s'entremêlent : le bébé endormi tient un fil rouge et un fil noir, rappelant les trois destins mythologiques, qui filent la vie et la mort sur leur métier à tisser. Ces fils sont physiquement liés aux jeunes amants, qui s'embrassent, totalement inconscients de l'emprise que l'enfant a sur eux. Une femme tenant un enfant veille sur l'amour du jeune garçon et de la jeune fille, tout comme Marie et Jésus veillent et défendent l'humanité. La fusion des récits et des symboles est un élément commun dans l'œuvre de Pellegrini, et est magistralement exprimée ici.

MAX PELLEGRINI (EN)

ANDY WARHOL - Autoportrait - Polaroid, Polacolor - 4 1/2 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL (EN)

ANDY WARHOL - Autoportrait en traînée - Polaroid - 4 1/4 x 3 3/8 in.

ANDY WARHOL (EN)

ANDY WARHOL - The Shadow (from Myths) - sérigraphie couleur avec poussière de diamant sur papier - 37 1/2 x 37 1/2 in.

ANDY WARHOL (EN)

The Queen of the Night drinks water from the clasped hands of faith, while two shepherds embrace each other, unaware of Jesus’ birth. Angels, portrayed almost translucently on the canvas, spray holy water and bring about the giving of gifts. A precious jewel is depicted in the right corner, while a humble basket of turkeys sits on the cape of the Madonna. Nearby rests a basket with a goldfinch, an ancient symbol, which is a harbinger of good luck for newborn babies. The baby Jesus, just as the clasped hands that the Queen drinks out of, represents faith – the angels have sprinkled with holy water and he will soon make himself known to the world.<br><br>“For me the faith in religion becomes faith in painting and will defeat the giants." – Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

MAX PELLEGRINI (EN)

Les images miroirs d'une figure masquée embrassent un homme à poitrine nue et barbu, dont la stature relative est presque celle d'un enfant. Leur étreinte reflète celle de la Pieta de Michel-Ange et les nombreuses représentations similaires du Christ et de la Vierge. Une nuance de bleu foncé jette une ombre sur la composition, certes un indicateur temporel, mais peut-être aussi une référence à la période bleue de Picasso, une influence majeure sur l'œuvre de Pellegrini. Les panneaux muraux derrière les figures représentent des scènes religieuses et rappellent les murs de vitraux des églises et des chapelles. La lumière brille par les fenêtres de la ville en contrebas, également illuminée par la pleine lune qui surplombe les paysages montagneux.

MAX PELLEGRINI (EN)

In an abstracted image of St. Peter’s basilica in Rome, Pellegrini returns to religious narratives to express his “anti-ideological and anti-pauperist” impression of the church and its relationship with faith (Antonio Monda, “Interview with Max Pellegrini). In the lower half of the painting, the birth of Jesus is the central focus, while the life of the church is highlighted in the upper half. According to Pellegrini, he depicted the birth of Jesus in the style of a baroque 18th century Neapolitan nativity scene that can be interpreted “as a feast for the birth of faith.” This faith is conceived of as “the material support for the Popes’ power and of the Church’s glory,” represented in this painting by the Pope clutching the moon in his hand. <br> <br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

MAX PELLEGRINI (EN)

From the late 1990’s to the early 2000’s, Pellegrini returned to his paintings in the Life of an Anarchist series, “reworked them, constructed them in ‘layers,’ corrected them, initiated series or returned to iconographies of his past works.” These paintings, which are dedicated to Pellegrini’s wife Roberta, depict a woman who is free and positive, and are part of a long line of works in which there is an absolute female protagonist. (Sara D’Alessandro, “Biography,” in Max Pellegrini, ed. Danilo Eccher, 2014). Pellegrini had his wife in mind for these paintings, since “she considers herself an integrated anarchist, a woman with no prejudice but not fanatical or destructive.”<br><br>- Partial text adapted from Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

MAX PELLEGRINI (EN)

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