パームデザートギャラリー ウォークスルー 2022

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A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

エレーン・デ・クーニング

<div><font face=Lato size=3 color=black>Known for his ability to blend traditional Japanese techniques with modern aesthetics, Hiroshi Senju's sublime depictions of bands of cascading veils of paint evoke sensations of tranquility and awe. Senju began exploring waterfall imagery in the early 1990s, pouring translucent pigment onto mulberry paper mounted on board, creating cascading movement. In this work, "<em>Waterfall," </em>he masterfully bonds ribbons of cascading water into two curtain-like ethereal panels. Senju's interest in synesthesia is undeniable. "<em>Waterfall</em>" conjures sound, smell, and feel sensations as much as the rushing water's appearance. In the present work, he placed these dynamic elements in a context that grounds the viewer's sense of place within the natural world. A wedge of blue in the upper left corner contrasts the otherwise monochromatic palette, providing a sky association bounded by a hillside or cliff (for which Senju is known). Additionally, as the cascading water descends, it reaches a destination expanse at the bottom of the picture plane, where the force of the water disperses into a fine mist at the point of contact, serving as a visual anchor. </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Senju's finesse is evident throughout. He uses mulberry paper, a traditional Japanese material known for its delicate texture and strength. The paper's natural fibers absorb pigments in ways that create subtle gradients and fluidity, enhancing the visual effect of the cascading water. He employs traditional Nihonga techniques, such as layering washes to build depth and movement and utilizing varied brush strokes to achieve different effects. Additionally, he incorporates modern methods like the airbrush to apply fine mists of pigment, creating smooth and seamless gradients that mimic the delicate spray and vapor associated with cascading water.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Hiroshi Senju pays homage to the traditional art forms of his heritage while pushing the boundaries of contemporary art. His ability to convey the sublime through simplicity and abstraction makes this artwork a testament to his unique vision and artistic mastery. It stands as a serene reminder of nature's timeless beauty, captured through the ability of a master painter and artist.  </font></div>

千住博

ハーブアルパート - アローヘッド - ブロンズ - 201 x 48 x 48インチ。

ハーブ・アルパート

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Standing at an impressive 103 inches, this elegantly spare “Sonambient” sculpture by Harry Bertoia allows us to marvel at one of the finest artisans of his generation. This piece, the tallest in the series currently available here at Heather James Fine Art, features a precise arrangement of 36 slender tines in a 6 x 6 grid. This arrangement's uniformity and symmetry are visually captivating and crucial for the sculpture's acoustic properties. The rods, austere and uncapped by finials, have an aged patina with copper undertones, suggesting Bertoia's use of copper or a similar alloy known for its resonant qualities and distinctive coloration. Given the outstanding length of these rods, the attachment method is particularly noteworthy. Bertoia meticulously inserted each rod into individual holes in the base plate using precision drilling and securing techniques such as welding that ensured the rods were firmly anchored and stable, maintaining the structural integrity essential for consistent acoustic performance.</font></div><br><br><div> </div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Beyond his uncompromising nature, Bertoia's work draws significant inspiration from natural elements. This sculpture's tall, slender rods evoke images of reeds or tall grasses swaying gently in the wind. This dynamic interaction between the sculpture and its environment mirrors the movement of plants, creating an immersive, naturalistic experience. Yet when activated or moved by air currents, the rods of this monumental work initiate metallic undertones that confirm its materiality without betraying its profound connection to the natural world.</font></div><br><br><div><font face=Calibri size=3 color=black>Integrating technical precision and natural inspiration depends on exacting construction that ensures durability and acoustic consistency, while its kinetic and auditory nature imbues the piece with a sense of vitality. This fusion invites viewers to engage with the sculpture on multiple sensory levels, appreciating its robust craftsmanship and evocative, naturalistic qualities. Bertoia's ability to blend these elements results in a work that is both a technical marvel and a tribute to the beauty of the natural world.</font></div>

ハリー・ベルトイア

After disappointing sales at Weyhe Gallery in 1928, Calder turned from sculpted wire portraits and figures to the more conventional medium of wood. On the advice of sculptor Chaim Gross, he purchased small blocks of wood from Monteath, a Brooklyn supplier of tropical woods. He spent much of that summer on a Peekskill, New York farm carving. In each case, the woodblock suggested how he might preserve its overall shape and character as he subsumed those attributes in a single form.  There was a directness about working in wood that appealed to him. Carved from a single block of wood, Woman with Square Umbrella is not very different from the subjects of his wire sculptures except that he supplanted the ethereal nature of using wire with a more corporeal medium.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

アレクサンダー・カルダー

This painting has remained in the same private collection since its creation.  Along with its companion work, "Untitled" (1991) was on display in the lobby of Chicago's Heller International Building at 500 West Monroe Street from the building's opening in 1992 until its renovation in 2015.<br><br>The November 2018 sale of Schnabel's "Large Rose Painting, (Near Van Gogh's Grave)" for $1.2 million at auction demonstrates a strong demand for the artist's work. This major sale was only the second-highest price paid for a Schnabel at auction: the record was set in November of 2017 when "Ethnic Type #14" sold for $1.4 million.  <br><br>A recent museum exhibition, "Julian Schnabel: Symbols of Actual Life" at the Legion of Honor, Fine Arts Museums of San Francisco, in 2018, featured several of Schnabel's large-scale paintings.

ジュリアン・シュナベル

JOHN CHAMBERLAIN - ASARABACA - 工業用アルミニウム箔、アクリルラッカー、ポリエステル樹脂 - 20 x 23 x 22 in.

ジョン・チェンバレン

ロジャー・ブラウンは、個人的でしばしば幻想的なイメージと、日常的な体験への関心を反映した人物やオブジェを用いた高度に様式化された絵画で知られている。アシッド・レイン』は、社会におけるアーティストの役割や、変化を促すアートの可能性を反映した、現代生活や社会的な批評のテーマを探求している。より個人的なレベルでは、酸性雨というテーマは、鬱や不安、自分の力ではどうにもならない状況に圧倒される感覚など、腐食した感情や心理状態を象徴しているのかもしれない。酸性雨が、ほとんど目に見えないが壊滅的な環境問題であったように、HIV/AIDSの流行の危機は、個人的な悲しみを処理し、政治指導者の不十分な対応を批判し、思いやり、理解、医学研究を提唱するために、ブラウンを作品制作に駆り立てたのだろう。

ロジャー・ブラウン

アンディ・ウォーホルは、20世紀後半のアメリカン・アートの代名詞であり、その象徴的な肖像画や消費財で知られ、大衆文化と美術をミックスし、芸術のあり方や芸術に対するアプローチの仕方を再定義しました。ウォーホルの作品の多くは、有名な個人を描いたものではありませんが、無生物の描写は、被写体を有名人のレベルにまで高めています。ウォーホルは、ファッション・イラストレーターとして活躍した初期に初めて靴を描き、1980年代に再びこのテーマに取り組み、消費主義やグラマラスへの憧れを融合させたのです。ハイカルチャーとローカルチャーを融合させたいと常に考えていたウォーホルは、靴というどこにでもあるものにスポットを当てることを選択したのです。その対象は、貧困や富、機能、ファッションを示すことができます。ウォーホルは、積み上げられた靴を華やかにし、きらびやかなダイヤモンドの粉で覆い、実用的な必要性と様式化されたステートメントピースの間の意味をさらに曖昧にしました。

アンディ・ウォーホル

ミニマリストの彫刻家トニー・スミスの娘であるキキの芸術は、単一の媒体や技法に限定されるものではなく、彼女の作品はしばしば複数の解釈を誘う。クラブは、動きと安定に不可欠な要素である人間の脚の形と寸法を具現化したものだ。スミスのタイトルは、足を武器として再想像し、人間の状態のもろさ、身体の自律性のパワー・ダイナミクス、強さと弱さの間の複雑な相互作用について考えるよう、見る者を誘う。このような身体の一部から物体への変換は、保護と攻撃性の両方を伝え、性差のある身体が私たちの社会的・個人的環境をどのようにナビゲートするかを考察する。クラブは、象徴性に富み、解釈の余地があり、人間の経験について思考を喚起する作品を創り出すスミスの能力を例証している。

キキ・スミス

"夢の中の夢 "は、エドガー・アラン・ポーの有名な詩からその名を取った、ライアン・マクギネスの絵画とシルクスクリーンの重要なシリーズである。知覚、現実、潜在意識といったテーマを探求するマクギネスは、幾何学的な形、植物的な要素、具象的なモチーフなど、さまざまなシンボルやモチーフを取り入れ、見る者の目の前で変化し変容していくような複雑なパターンに配置している。タイトルは、現実のとらえどころのなさや、人間の経験の逃げやすさを反映した、あいまいで不確かな感覚を示唆している。知覚と幻想というテーマに取り組むことで、マクギネスは鑑賞者に世界についての思い込みを疑い、現実が見かけよりも流動的で主観的である可能性を考えるよう促す。

ライアン・マクギネス

"A drawing is simply a line going for a walk."<br>-Paul Klee<br><br>A significant draftsman, Paul Klee's works on paper rival his works on canvas in their technical proficiency and attention to his modern aesthetic.  As an early teacher at the Bauhaus school, Klee traveled extensively and inspired a generation of 20th Century Artists.  <br><br>Klee transcended a particular style, instead creating his own unique visual vocabulary.  In Klee's work, we see a return to basic, geometric forms and a removal of artistic embellishment.  "Der Hafen von Plit" was once owned by Alfred H. Barr, Jr., the First Director of the Museum of Modern Art, New York.

ポール・クレー(PAUL KLEE

デボラ・バターフィールドはアメリカの彫刻家で、木材、金属、その他の見つかった物体から作られた馬の彫刻で最もよく知られています。1981年の作品「無題(馬)」は、ワイヤーアーマチュアの棒と紙で構成されています。この作品の印象的なスケールは、バターフィールドの有名な主題の顕著な例を提示し、人に顕著な効果を作成します。バターフィールドはもともとモンタナ州ボーズマンの彼女の財産で見つかった木材や他の材料から馬を作成し、これらの形態の感情的な共鳴を採掘し、比喩的な自画像として馬を見ました。

デボラ・バターフィールド

マニュエル・ネリは、1960年代のベイエリア・フィギュラティブ・ムーブメントの中心人物である。抽象的な形ではなく、人間の形の力によって感情を表現することを重視した。本作「Untitled」(1982年)は、等身大の女性の姿を追求した作品である。  ネリは60年のキャリアを通じて、マリア・ユリア・クリメンコという一人のモデルとの制作を好んだ。多くの作品に顔がないことが、謎と曖昧さの要素を加えている。無題 "の構図は、人物の構造と形態に焦点が当てられている。  マニュエル・ネリは、アディソンギャラリー/フィリップスアカデミー、スタンフォード大学アンダーソンコレクション、シカゴ美術館、スタンフォード大学カンターアートセンター、シンシナティ美術館、サクラメント・クロッカー美術館、デンバー美術館、テキサス州エルパソ美術館、サンフランシスコ美術館、ハーバード大学美術館、ワシントンDCハーシュホーン美術館と彫刻庭園など世界中の多くの美術館でコレクションされ、その作品は世界的に知られています。ホノルル美術館、メトロポリタン美術館(ニューヨーク)、ナショナルギャラリー(ワシントンD.C.)。

マヌエル・ネリ

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons.  <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

中国語

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing used the three glaze-colors were ochre or brown, green and clear. Glazed wares were much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons.  <br><br>This Sancai-Glazed Horse would have been an incredible status symbol for its owner and many have been lost to time. This sculpture is comparable to examples held in museum collections worldwide, including the Metropolitan Museum of Art, New York.

中国語

WALEAD BESHTY - Los Caballos en la Conquista - Ceramica Suro スリップキャストの残骸、釉薬、焼成プレート - 9 1/2 x 32 1/4 x 21 1/2 in.

ワリード・ベシュティ

<div><font face=Lato size=3 color=black>In Harry Bertoia's oeuvre, "<em>Willow</em>" stands apart as an extraordinary synthesis of natural inspiration and innovative metalwork. Its cascading strands of stainless-steel capture the weeping elegance of a willow tree's drooping branches while introducing a dynamic, interactive quality through its shimmering surface and subtle responsiveness to movement. The strands—whether referred to as "tinsels," "filaments," or "tendrils"—reflect the delicacy of natural forms, blending artistry with technical mastery.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Bertoia, a visionary sculptor with an unparalleled ability to transform industrial materials into organic beauty, likely employed meticulous processes to create "<em>Willow,</em>" cutting thin sheets of stainless steel into fine strips and expertly attaching them to a central core, positioning each strand to flow like water or sway like leaves in the breeze. The tactile quality of the strands, which respond to air currents or touch, invites the viewer into a contemplative engagement with the work, much like one might feel beneath the canopy of a willow tree.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>This piece epitomizes Bertoia's lifelong fascination with nature, stemming from his early years in the rural village of San Lorenzo, Italy. His sensitivity to the organic world continually informed his artistic practice, from his celebrated Sonambient sound sculptures to creations like “<em>Willow</em>, “which reimagine the relationship between form and environment. As he once said, "I no longer hold onto terms like music and sculpture. Those old distinctions have lost all their meaning."</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3 color=black>Once again , Bertoia captivates us by reaching beyond the traditional boundaries of sculpture, delivering a work that is as much a sensory experience as a visual one. It is a harmonious blend of natural inspiration and innovative artistry, a reminder of the sacred beauty found in the intersection of art and the natural world.</font></div>

ハリー・ベルトイア

CHARLES ARNOLDI - Sticky Wicket - アクリル、モデリングペースト、合板にスティック - 44 1/4 x 91 x 3 in.

チャールズ・アーノルディ

WILLIAM WENDT - Laguna Hills - キャンバスに油彩 - 25 x 30 in.

ウィリアム・ウェント

MARC QUINN - Lovebomb - フォトラミネート、アルミニウム - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

マルク・クイン

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - ブロンズ、グリーンパティナ - 103 1/2 x 22 x 17 in.

セス・カウフマン

The Tang Dynasty (618-907 AD) was a prosperous cultural period that helped shape Chinese history's foundations for future centuries. This era was marked by notable technological and cultural advances, including gunpowder and printing. Among artistic advances during this period was the perfection of the sancai glaze technique, which was a prominent attribute of sculpture during this period. Sancai (tri-colored) glazing; the three glaze-colors used were ochre or brown, green and clear. Glazed wares where much more costly to produce than other terracotta wares, and were therefore only reserved for the wealthiest patrons.  <br><br>The Sancai-Glazed Earth Spirit offered here depicts a "Zhenmushou." These are mythical hybrid creatures whose bodies are a combination of dogs, lions, boars and other animals. These fierce looking beasts would be found in pairs guarding the entrance of Tang Dynasty tombs.

中国語

EDGAR ALWIN PAYNE - Sotto Marinoのヴェネツィアのボート - パネルに油彩 - 23 3/8 x 26 1/4 in.

エドガー・アルウィン・ペイン

ハリー・ベルトイアのウィローの彫刻は、優美さと繊細さを表現しています。吊るされたウィローの稀少なバージョンは、その性質のコントラストを喜ぶ自意識的な存在感を持っているように思われる。しかし,それは,それを見ることの実存的な喜び以外の何物でもない.  もし後者の巨匠がより有機的な、あるいは身体的な喚起を念頭に置いていたとしたら、ウィローはカルダーの大胆に表現されたバージョンだと考えてみてください。吊るされたウィローは、その領域を支配しながらも、周囲との空間的な関係を尊重しています。光、形、空間、これらは彫刻家のコンセプチュアルな道具である。しかし、柔軟性や緊張感のない反射材を使って、空間に吊るされたステンレス鋼の鎖の滝のような花束を作り、花のように優雅に美しい作品を作ろうとは、他に誰が思いつくだろうか。

ハリー・ベルトイア

JOANNA POUSETTE-DART - 無題(赤い砂漠の習作) - 木製パネルにアクリル - 33 1/2 x 42 x 3/4 in.

ジョアンナ・プーゼット・ダート

1990年代後半、マニュエル・ネリは、数多くの石膏彫刻をブロンズに作り変え始めた。これらのシリーズは、形も表面のディテールもほとんど見分けがつかず、さまざまな配色や、材料を切り開く、磨く、削る、重ねるなど、さまざまな行為を伴うマーク・メイキングの影響を探求している。さまざまなマーキング技法を試すことで、ネリは形、色、テクスチャー、光の相互作用を探求することができた。Standing Figure No.3では、ネリはパレットを類似の配色に限定し、絵具を薄めることで微妙なグラデーションを作り出し、彫刻のなめらかで洗練された外観を引き立てた。

マヌエル・ネリ

マヌエル・ネリの初期のペーパー・マシェの作品は、彫刻技法の先駆けであり、彼の彫刻の絵画へのアプローチは、色彩と形態の表現の可能性への深い関与を反映しています。『Hombre Colorado II』における色の選択と配置は、色の心理的・感情的な側面に対する彼の微妙な理解を反映した、特に本能的な反応を生み出します。1958年に構想され制作された『Hombre Colorado II』は、ネリと妻のジョーン・ブラウンが豊かな芸術的創造性の交流を行い、それぞれのスタイルとベイエリアの具象運動の進化に大きく貢献した時代を反映しています。

マヌエル・ネリ

MEL RAMOS - Lola Cola; A.C. Annie; Della Monty; Tobacco Red - 4点のオフセット・カラーリトグラフ。

メル・ラモス

AI WEIWEI - "Fairytale" Chairs - wood - 49 x 45 x 17 1/2 in.

AI WEIWEI